Copy - EXPOSICIÓN BARROCO

"¿Los habéis visto?"

Una exposición de arte barroco

Cuadros en búsqueda y captura

Una exposición de Galleria Borghese

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¡Descubre la fascinante exposición en la Galleria Borghese de Roma, donde el Barroco cobra vida con una colección única de obras maestras robadas!

"¿Los habéis visto?"Cuadros en búsqueda y captura

Del 1 de mayo al 1 de julio, sumérgete en la majestuosidad y el misterio del Barroco para explorar algunas de las pinturas más cautivadoras que alguna vez fueron objeto de audaces robos. La Galleria Borghese se convierte por primera vez en el escenario de una historia intrigante donde el arte y el crimen se entrelazan en una danza cautivadora.

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PLANO DE LAS SALAS

Una exposición de Galleria Borghese

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Información robo

Cuadros

SALA I

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ROBO DEL MUSEO ISABELLA STEWART GARDEN

Cuadros barrocos holandeses buscados por el FBI

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SALA I

En esta obra, la única marina del pintor holandés Rembrandt, cobra protagonismo un episodio bíblico, mostrando uno de los primeros milagros de Jesús. En particular, se hace referencia al momento en el que Jesús calmó las aguas durante una tormenta en el mar de Galilea, tal y como se narra en el evangelio de San Marcos, capítulo cuatro. Sin embargo, no se refleja el instante exacto en el que ocurre el milagro. En cambio, se representa de cerca a los discípulos de Cristo, luchando frenéticamente contra la fuerte tormenta para recuperar el control de su barco de pesca. Una enorme ola golpea la proa y rasga la vela, y uno de los discípulos es visto vomitando a un lado, mientras que otro, mirando directamente al espectador, es un autorretrato de Rembrandt. Únicamente Cristo, representado a la derecha, permanece tranquilo e invita a sus apóstoles a mantener la calma. Rembrandt empleó el tenebrismo como una forma de enfatizar visualmente el milagro de Cristo al calmar el mar. La luz emana de la parte superior izquierda de la pintura, y es posible observar un destello del cielo azul a través de la tormenta. A medida que la escena se mueve hacia la derecha, el barco y la tripulación son arrojados de nuevo a la sombra. Asimismo, destaca la disposición diagonal de las figuras y las líneas para crear un sentido de movimiento y dinamismo. La Tormenta en el Mar de Galilea, junto a los otros cuadros barrocos holandeses de esta sala, pertenecía a la colección del Museo Isabella Stewart Gardner. Desafortunadamente, desde su robo en 1990, el paradero de este cuadro sigue siendo desconocido.

Rembrandt Van Rijn

Óleo sobre lienzo, 131.6 x 109 cm

La Tormenta en el Mar de Galilea, 1633

Paisaje con un Obelisco, 1638

Govaert Flinck

Óleo sobre tabla de roble, 54.5 x 71 cm

Durante mucho tiempo considerado obra de Rembrandt, este paisaje fue reconocido en la década de 1980 como trabajo de su alumno, Govaert Flinck. En "Paisaje con un obelisco", Flinck nos presenta un escenario sereno y pastoral, donde un obelisco se erige en primer plano, destacándose entre el cielo y las colinas distantes. Los árboles y la vegetación están representados con un cuidado meticuloso, y para su representación Flinck utiliza una paleta de colores suaves y tonos terrosos para crear una atmósfera tranquila y armoniosa. En relación a la técnica, destaca la especial atención al manejo de la luz y la sombra para crear profundidad y volumen en la composición. La luz del sol se filtra a través de las nubes, creando suaves juegos de luces y sombras que dan vida al paisaje y enfatizan la forma del obelisco. En efecto, cabe destacar la inclusión del obelisco, un elemento arquitectónico asociado tradicionalmente con el antiguo Egipto que aporta un toque de exotismo y misterio al paisaje. Su presencia evoca una sensación de historia y permanencia, ante la simplicidad rural, mientras que su verticalidad contrasta con la horizontalidad del paisaje circundante, creando un equilibrio visual dinámico. Finalmente, desde su robo en 1990, el paradero de Paisaje con un Obelisco no se ha vuelto a conocer, y permanece como uno de los cuadros más buscados del mundo.

En este cuadro, también conocido como Concierto a tres,​ Johannes Vermeer representa una escena de la vida cotidiana con gran detallismo. La pintura muestra a tres músicos: una mujer joven sentada ante un clave, un hombre tocando un laúd, y una mujer cantando. Una viola da gamba se halla situada en el suelo. Luego, la ropa de los músicos y el espacio en el que se encuentran permiten identificarlos como miembros de la alta burguesía, y pese a su simplicidad, el suelo de mármol blanco y negro sugiere un ambiente lujoso y exclusivo.Por otro lado, los dos cuadros situados al fondo, el de la derecha se titula La procuradora, obra de Dirck van Baburen perteneciente a la suegra de Vermeer, Maria Thins. Por su parte, la pintura de la izquierda muestra un salvaje entorno pastoral. La música en la obra de Vermeer, podría tener connotaciones amorosas y ligadas a la seducción, si bien en este caso resultan ambiguas. Similarmente, el cuadro de Baburen cargado de una sexualidad exuberante, aporta un contraste con la situación doméstica representada. Asimismo, la escena se intensifica por la particular atención de Vermeer a los reflejos de la luz, que alumbra a los personajes desde la izquierda, iluminando las perlas de las mujeres, los hilos de oro de la banda del hombre, la falda de seda blanca e incluso la alfombra persa apilada en la mesa. Desde su robo en 1990, el paradero de El Concierto sigue siendo desconocido, al igual que el resto de pinturas en esta sala.

Johannes Vermeer

Óleo sobre lienzo, 72.5 x 64.7 cm

El Concierto, 1663- 1666

En este cuadro, también conocido como Concierto a tres,​ Johannes Vermeer representa una escena de la vida cotidiana con gran detallismo. La pintura muestra a tres músicos: una mujer joven sentada ante un clave, un hombre tocando un laúd, y una mujer cantando. Una viola da gamba se halla situada en el suelo. Luego, la ropa de los músicos y el espacio en el que se encuentran permiten identificarlos como miembros de la alta burguesía, y pese a su simplicidad, el suelo de mármol blanco y negro sugiere un ambiente lujoso y exclusivo.Por otro lado, los dos cuadros situados al fondo, el de la derecha se titula La procuradora, obra de Dirck van Baburen perteneciente a la suegra de Vermeer, Maria Thins. Por su parte, la pintura de la izquierda muestra un salvaje entorno pastoral. La música en la obra de Vermeer, podría tener connotaciones amorosas y ligadas a la seducción, si bien en este caso resultan ambiguas. Similarmente, el cuadro de Baburen cargado de una sexualidad exuberante, aporta un contraste con la situación doméstica representada. Asimismo, la escena se intensifica por la particular atención de Vermeer a los reflejos de la luz, que alumbra a los personajes desde la izquierda, iluminando las perlas de las mujeres, los hilos de oro de la banda del hombre, la falda de seda blanca e incluso la alfombra persa apilada en la mesa. Desde su robo en 1990, el paradero de El Concierto sigue siendo desconocido, al igual que el resto de pinturas en esta sala.

Johannes Vermeer

Óleo sobre lienzo, 72.5 x 64.7 cm

El Concierto, 1663- 1666

Una Dama y un Caballero en negro, 1633

Rembrandt Van Rijn

Óleo sobre lienzo, 131.6 x 109 cm

Este cuadro, conocido también como Jan Pietersz. Bruyningh y su mujer Hillegont Pietersdr. Moutmaker, fue atribuido al pintor Rembrandt en 2015. En esta obra, se representan dos figuras prominentes de la sociedad holandesa del siglo XVII. De esta manera, se observa a un caballero, presuntamente un comerciante de telas y coleccionista de arte, y a su mujer, sentada junto a él. Son indicadores del elevado estatus social y riqueza de la pareja sus ropas lujosas y elegantes, minuciosamente detalladas, así como el color negro de dichas vestimentas, que puede evocar asociaciones con la autoridad y el prestigio, así como con la elegancia y la sobriedad. Luego, para crear profundidad en la pintura destacan los contrastes intensos entre las sombras y la luz, proveniente del lado izquierdo de la composición e iluinando a los personajes. Por otro lado, exámenes de rayos X revelaron que la escena originalmente incluía a un niño, apoyado en la pierna de la dama. Los historiadores del arte creen que aquel murió prematuramente y, por lo tanto, la pareja pidió que fuera retirado de la pintura para no traer recuerdos dolorosos. No obstante, al igual que todas las obras en esta sala, esta pintura sigue estando desaparecida, tras su robo en 1990, y se ofrece una gran recompensa a aquellos que aporten algún tipo de información sobre su paradero.

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Robo de cuadros de carAvaggio

Sobre su trabajo

Sobre el autor

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BARROCO

Sala 2

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SALA 2

La Natividad con San Francisco y San Lorenzo, 1609

La Natividad con San Francisco y San Lorenzo,Caravaggio

Óleo, 268 x 197 cm.

“La natividad con San Francisco y San Lorenzo” de Caravaggio es una de las obras barrocas más representativas. El tema central como bien indica el nombre es la natividad de Cristo, el cual yace en lo que parece ser un lecho de paja. Aparecen personajes bíblicos como la Virgen María o José. A su vez se nos presentan otros personajes, tales como San Francisco y San Lorenzo. La escena parece estar situada bajo el techo del establo del Belén. Una de las características del barroco que se encuentra presente en esta obra es la expresividad y realismo, esto se observa en las expresiones nostálgicas de los santos, incluso en la cara apenada de la Virgen María, la cual acaba de presenciar el nacimiento de su hijo. El buey mira al niño con incredulidad y preocupación. En general no parece una natividad alegre, sino llena de tristeza e incertidumbre. Por otro lado cabe destacar otras características también pertenecientes del barroco como el claroscuro, que se puede visualizar sobre todo en la fusión que se produce entre las paredes laterales y la oscuridad, dificultando así la visualización de San Lorenzo. Esta obra también es rica en simbolismos: el buey mirando al niño, el ángel que desciende del cielo y lleva un estandarte en su mano izquierda que dice “Gloria” y su mano derecha apuntando al cielo indicando que Jesús será el salvador. “La Natividad con San Francisco y San Lorenzo” es uno de los robos más impactantes del arte. Se produjo entre la noche del 17 al 18 de octubre de 1969, en el Oratorio de San Lorenzo en Palermo. Se intuye que fueron los ladrones los cuales entraron en medio de la noche y de una manera ingeniosa despegaron el cuadro y lo enrollaron. Los principales sospechosos son la mafia siciliana, pero hasta día de hoy la identidad los ladrones y el paradero real de la obra siguen siendo todo un misterio.

Ecce Homo, tambien conocida como La Coronación de espinas es una obra de Caravaggio, que actualmente se encuentra en el Palazzo Bianco, Génova, Italia. Esta obra del famoso artista italiano barroco presenta una serie de características muy representativas de su estilo artístico. Una de ellas es el tema religioso que trata, en este caso es representado la escena del “Ecce Homo”. Esta escena se encuentra en el Evangelio de San Juan (19:5) y hace referencia a esa presentación de Jesús flaqueado tras la coronación de espinas ante la muchedumbre. Este tema ha sido tratado por otros artistas como Tiziano o Rubens. Esta obra es claramente barroca por la expresividad y el realismo que se encuentra en los rasgos faciales de los personajes que lo componen. Gracias a la expresión y posición de Jesús está transmitiendo agotamiento e incluso molestia. En su cuerpo se puede observar sangre, dando a entender que su cansancio proviene del dolor y probablemente de luchar contra él. Los hombres que lo sujetan y acompañan manifiestan sorpresa e incertidumbre por lo que pueda llegar a pasar con el hombre que están cargando. Otra característica de Caravaggio observable es el tenebrismo, es decir el juego entre las sombras y las luces que hace ver los cuadros más sombríos.Esta obra se encontró en una subasta ilegal en Madrid por 1500 euros. Todavía no se conoce como llegó la obra a Madrid, pero sí es cierto que fue José de Ribera, historiador y seguidor del caravaggismo el que identificó la obra, y más tarde Vittorio Sgarbi el que la trasladó a su actual paradero, el Palazzo Bianco, Génova, Italia.

Ecce Homo

Óleo sobre lienzo, 111 x 86 cm

Ecce Homo o La Coronación de espinas, 1604-1605

Cuadros

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CUADROS BARROCOS ESPAÑOLES ROBADOS

SALA 03

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SALA 03

La visión de San Antonio de Padua, Bartolomé Esteban Murillo

El perro y la infanta, Diego de Velázquez

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La visión de San Antonio de Padua, 1656

Es un cuadro de Bartolomé Esteban Murillo, realizado originalmente en 1656 para la capilla de San Antonio de la Catedral de Santa Maria de la Sede de Sevilla, donde se encuentra actualmente. La obra representa a San Antonio que se encuentra en el interior de una estancia monumental. Mientras está leyendo sobre una austera mesa, decorada con unos lirios que simbolizan la pureza, recibe la visita del niño Jesús rodeado de una corte de ángeles que forman una mandorla a su alrededor. El santo interrumpe su lectura y se arrodilla ante la visión, quedando iluminado por el resplandor que emana de la figura. Al fondo de la estancia se abre una puerta que permite contemplar una arquitectura monumental, una gran columna que forma un pórtico de acceso al edificio donde está el santo. En la parte baja de la composición se aprecian dos focos luminosos que crean un efecto atmosférico.En cuanto a las técnicas utilizadas, se puede notar la diagonal que une al Niño Jesús con la figura del santo, dándole estructura a la obra. Las figuras escorzadas acentúan la teatralidad barroca y el juego de luces, sombras y colores otorgan cohesión a la composición. A través de este cuadro Murillo se acerca al naturalismo y utiliza menos claroscuro, consiguiendo un estilo propio. El robo

En noviembre de 1874 la figura del santo de la obra fue recortada por un ladrón que la ofreció al año siguiente a un anticuario de Nueva York. La honradez del anticuario permitió que la embajada española comprara el recorte y este fuera devuelto a la catedral, donde Salvador Martínez realizó un excelente trabajo de restauración que se exhibió en octubre de 1875.

Óleo sobre lienzo, 560 cm × 330 cm

Bartolomé Esteban Murillo

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Óleo sobre lienzo

El perro y la infanta, 1622

El cuadro pertenece al famoso pintor español Diego de Velázquez. Fue realizado en 1622 y se encuentra en Marseille, Francia, tras ser robado de una residencia privada. En esta época, el pintor sevillano Velázquez viaja a Madrid con la idea de obtener algún cargo al servicio de la monarquía española. En 1623, tras ser llamado a corte por el conde duque de Olivares y haber elaborado un retrato del rey Felipe IV, obtuvo el cargo de maestro de cámara de la corte. Una vez instalado, pudo estudiar a los maestros de la colección del palacio, como Tiziano, a quien Velázquez consideraba su pintor favorito. Bajo la protección real, Velázquez produjo gran parte de su obra, constituida sobre todo por retratos de la familia real, cortesanos y personalidades destacadas. De hecho, este cuadro es uno de sus primeros retratos que representa a un real. En particular, en primer plano aparece el retrato de una infanta acompañada por un pequeño perro que se encuentra a sus pies. El traje de la joven infanta es majestuoso y presenta gran riqueza cromática, ensalzando la importancia de la figura real. En cuanto a las técnicas utilizadas, destaca el contraste entre las figuras iluminadas de la infanta y del perro respecto al fondo oscuro, creando un efecto luminoso realista y dramático típico del autor y del movimiento barroco. Prevalecen colores tostados y cobres, utilizados con pinceladas densas y precisas. Se puede afirmar que la obra pertenece a la corriente barroca del naturalismo tenebrista por el violento contraste de luces y sombras mediante la forzada iluminación de las figuras y el realismo de la escena.

Diego de Velázquez

Cuadros

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SALA 04

CUADROS ROBADOS POR NAPOLEÓN

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SALA 04

Joven mendigo, Bartolomé Murillo

Venus del espejo, Diego de Velázquez

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Joven mendigo, 1645-1650

Se trata de la primera obra costumbrista del autor Bartolomé Murillo, es decir de las pinturas que representan escenas diarias y que el pintor hizo tan populares en su época. Fue realizada entre 1645 y 1650 y se encuentra en el Museo del Louvre de París. Solo hay conjeturas sobre su encargo. Podría haber sido encargada por unos mercaderes flamencos llegados al puerto de Sevilla. De hecho, a los flamencos les gustaban mucho las pinturas costumbristas en las que se percibía el ambiente callejero de las urbes. Sin embargo, otras fuentes aportan que la obra podría ser un encargo de la comunidad franciscana. La escena representada en la obra es sencilla: en el interior de una humilde habitación encontramos a la figura de un pilluelo de unos ocho o nueve años que trata afanosamente de deshacerse de las pulgas que tiene en su ropa. Como acompañamiento, Murillo pinta una vasija de barro y un cesto de manzanas. En el suelo, los restos de camarones u otros crustáceos forman un bodegón por sí mismos, es decir se trata de una obra de arte o rama de la pintura en que se representan flores, animales u objetos naturales o hechos por el hombre en un espacio determinado. En cuanto a la técnica de pintura de Murillo, el tratamiento lumínico es muy peculiar y forma un claroscuro que acuerda la obra caravaggista: una luz brillante y potente, típica del verano andaluz, penetra en la estancia por una ventana situada a la derecha del lienzo. La luz proyecta grandes sombras acentuando el dramatismo de la escena cotidiana. Además, la pincelada del artista sevillano posee una gran carga de pintura que se arrastra en gruesas pinceladas. En la gama cromática, prevalecen los colores terrosos, se combinan verdes, amarillentos y castaños, desde los más claros hasta los escuros, apropiados para este género pictórico.

Óleo sobre lienzo, 137 cm × 100 cm

Bartolomé Murillo

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Óleo sobre lienzo, 122 cm × 177 cm

Venus del espejo, 1647-1651

El pintor más destacado del Siglo de Oro en España, Velazquez, nos ofrece una obra mitológica que representa a Venus recostada, un tema iniciado por la pintura veneciana del siglo XVI, pero que el autor aborda con prodigiosa naturalidad y originalidad. El cuadro fue realizado entre 1647 y 1651 y se encuentra en la National Gallery de Londres. La Venus, diosa romana del amor, de la fertilidad y de la belleza, aparece reclinada en su cama, en unas ricas sábanas de color gris sobre una cortina carmesí. La mujer desnuda, de espaldas, se observa en un espejo y contempla su propio rostro. El espejo es sostenido por un niño, su hijo Cupido, que aparece alado y desnudo, apoyado en la misma cama. El espejo permite al espectador observar el rostro de la diosa que en principio estaba oculto. Es interesante notar que el cuerpo femenino, en primer plano, atraviesa al cuadro de manera horizontal y desde el pie izquierdo hacia la derecha se forma un recorrido de líneas curvas que se repiten también a través de los pliegues de la colcha. Esta técnica dona dramatismo, movimiento y perspectiva a la obra, además de remarcar la sensualidad del cuerpo femenino que se representa. La figura de Cupido se construye de manera vertical, equilibrando la composición. Cabe destacar que el espacio en que se observa la escena es reducido,ya que toda la atención se centra en la figura de Venus rodeada por las sabanas y la cortina. Con esta manera de componer, Velazquez pretende acrecer la sensación de cercanía e intimidad. El uso de la luz envuelve el cuerpo de la Venus formando una perfecta perspectiva aérea.Las pinceladas delicadas acentúan el clasicismo de Velazquez. En cuanto a la gama de colores, predominan el blanco, el negro y el rojo, pero se aprecian tambien toques de ocre y el rosa de la cinta. Aparece una notable diferencia entre el rojo del cortinaje, que aporta profundidad a la estancia, y las sábanas grises, que destacan el cuerpo nacarado de la diosa.

Óleo sobre lienzo

Proprietrarios y robo

Diego de Velázquez

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BARROCO

Objetos barrocos robados

Sala 05

Ejemplos

sANTA MARGARITA DE CORTONA

La escultura de Santa Margarita de Cortona representa una franciscana de la tercera orden. Su historia es un tanto caótica, ya que al principio peca de diferentes maneras, pero gracias a un acontecimiento catastrófico que le sucede, ella recuerda que Dios siempre está dispuesto a aceptar a aquellos que se arrepienten y comienza a tener fe. Esto produce que ella pida perdón a todos aquellos que alguna vez hirió. Su escultura fue objeto de un robo en el convento de las Vistillas del Realejo, en Granada. La talla original, atribuida al escultor José de Mora, desapareció y se sospechaba que había sido reemplazada por una réplica de baja calidad. A lo largo de los años se reportó que la obra original había sido expuesta en Reino Unido, pero causó revuelo cuando apareció en Nueva York. Tras las diversas denuncias de vecinos y asociaciones, la policía detuvo a un hombre acusado por el robo de la obra. En su vivienda se encontraban más de 200 obras de arte relacionadas con el robo de Santa Margarita de Cortona.

SALA 05: OBJETOS BARROCOS ROBADOS

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Sillas barrocas

Las sillas suelen tener una forma redondeada y es frecuente que estén decoradas con esculturas de figuras y medallones.La mayoría de sillas barrocas pertenecen a palacios o museos y muchas de ellas han sido robadas o incluso copiadas por artistas modernos. Hoy en día es común encontrar este tipo de muebles en subastas, pero son extremadamente costosos. La silla presente en la imagen es uno de los muchos ejemplos de sillas barrocas robadas a lo largo de la historia.

SALA 05: OBJETOS BARROCOS ROBADOS

Colección

Las primeras sillas y sillones barrocos fueron creados durante el reinado del rey Luis XVI. De hecho, los muebles de esta época se vieron fuertemente afectados por el estilo barroco. El barroco es una ideología basada en la exuberancia y la exageración, de ahí la particular forma de sus pies, su respaldo, su asiento y su reposabrazos.Las sillas barrocas destacan por sus colores suaves: rosa claro, verde, amarillo, púrpura, azul claro, crema, entre otros. El material comúnmente usado en los muebles es la madera, utilizando tejidos refinados como la seda, También es habitual el empleo de vidrio, hierro, bronce, cobre, plata, entre otros materiales.

Vitrina barroca de Palau de Moxó

El Palau Moxó es un palacio barroco ubicado en Barcelona, capital de Cataluña, construido sobre 1770. El Palau Moxó es uno de los edifcios más importantes de Cataluña, ya que es el único palacio barroco que se encuentra en la ciudad catalana, el cual ha conservado durante mucho tiempo su mobiliario original y barroco. En 2017 se vendió el Palau de Moxó de Barcelona, que hasta hace unos meses había pertenecido a la familia Moxó. Lo curioso es que la familia había vendido el palacio sin muebles, pero no todos… Unos meses antes de vender el edificio, la familia había colocado una vitrina-librería que desde su construcción (finales del siglo XVII) había permanecido allí dos siglos. Realmente lo que pasó en relación con este mueble es todo un misterio, ya que muchos medios de comunicación dicen que fueron la misma familia los cuales pusieron a la venta, pero, entonces ¿por qué en una subasta ilegal? Otras muchas fuentes dan a entender que fue un robo por parte de alguien cercano de la familia o incluso un familiar lejano. En conclusión, el paradero de este mueble barroco es un enigma, pero este no es el único misterio relacionado con los muebles barrocos, ya que durante muchos años han sido objetivo de robo por su extravagante ornamentación y extrañas formas.

SALA 05: OBJETOS ROBADOS DEL BARROCO

JOYAS BARROCAS

Las joyas barrocas son características por su diseño elaborado, uso intenso de piedras preciosas, como la esmeralda o amatista y simbolismo roto. Dejando atrás temas renacentistas como las figuras humanas y animales, en las joyas barrocas se pueden presenciar composiciones florales y vegetales.

El barroco también influyó en la manera en la que eran creadas las diferentes joyas. Durante estos siglos hubo un gran predominio en la joyería religiosa sobre la civil, se aportaron diferentes innovaciones puramente técnicas.

Muchas joyas se han perdido a lo largo de los años, pero si es cierto que una gran mayoría se han encontrado en subastas ilegales o incluso en museos a los que seguramente no deberían permanecer. Un ejemplo de ellas el anillo que se encuentra en la imagen: una joya barroca española, específicamente andaluza que actualmente se encuentra en el museo de Victoria and Albert en Londrés.

SALA 5: OBJETOS BARROCOS ROBADOS

SALA 05: OBJETOS BARROCOS

Objetos musicales barrocos

En nuestro museo disponemos de tres objetos musicales barrocos:

Partitura

Órgano

Clavecín

Una partitura de Johann Sebastian Bach (1685-1750), músico y compositor alemán, cuyas piezas se caracterizaban por una gran cantidad de ornamentos y el uso de la improvisación. Su estilo se basaba en la armonía en cuatro partes escrita por cuatro voces o instrumentos musicales. Agregaba diferentes tonos y notas a sus composiciones, además de utilizar el contrapunto, por medio del cual lograba relacionar varias voces de forma armónica e independiente del ritmo.

Un Órgano barroco: durante esta época el órgano se aumenta de tamaño y experimentó variaciones técnicas. Varios músicos y maestros constructores de órganos, como Bach y Silbermann, lograron algunos cambios. Aumentaron el número y el diseño de las paradas, y la disposición de manuales y tubos. Se comenzaron a construir paradas que imitaran a otros instrumentos para favorecer la variedad de sonidos. Los teclados separados para los pies, compuestos de pedales, se ampliaron para permitir una mayor regulación de los sonidos. Las tuberías se organizaron en bastidores. Cada estante correspondía a un tono, madera y volumen diferentes.

Un clavecín barroco: Hacia el siglo XVI, el clavecín ya se había convertido en uno de los instrumentos más populares de Europa. Los fabricantes italianos y flamencos fueron los pioneros en la mejora del diseño del clavecín, desarrollando nuevas técnicas de construcción y mejorando la calidad del sonido. Durante los siglos XVII y XVIII, este instrumento experimentó su época de mayor esplendor, tanto en la música de cámara como en la música orquestal. En la música de cámara, se utilizaba principalmente como continuo, es decir, para tocar los acordes y el bajo de la música mientras otros instrumentos melódicos interpretan la melodía principal. Como solista, el clavecín tuvo un repertorio vasto y variado. Los compositores barrocos, como Johann Sebastian Bach y Domenico Scarlatti, escribieron numerosas composiciones para este instrumento.

ACTIVIDADES INTERACTIVAS EN EL MUSEO

¡Descubre el Misterio del Arte Barroco!

SALA 6

¡Descubre el Misterio del Arte Barroco!

PARA LOS MÁS PEQUEÑOS

Sumérgete en el fascinante mundo del arte barroco mientras participas en nuestras emocionantes actividades interactivas. Desde resolver misterios de robos de arte hasta conversar con expertos en el campo, nuestra exposición te ofrece una experiencia única y educativa. ¡Únete a nosotros mientras exploramos el arte, la historia y los desafíos del pasado y el presente!

PARA TODOS

¡Juega a ser un detective!

¿Alguna vez has querido ser un detective como Sherlock Holmes o Nancy Drew? ¡Ahora es tu oportunidad! ¡Bienvenidos a nuestro emocionante juego de detectives en el Museo del Arte Barroco! ¿Qué pasó con una obra de arte barroco que desapareció misteriosamente de nuestro museo? Necesitamos tu ayuda y la de tus amigos para encontrar pistas y resolver el caso. Primero, os daremos una pista sobre la obra de arte robada, y tendréis que adivinar de cuál se trata. Luego, recorreremos los jardines de la Villa Borghese en busca de pistas, con tus herramientas de detective: lupa, linterna y más. ¡Pero cuidado! También te encontrarás con algunos obstáculos en el camino. ¡Deberás resolver acertijos y rompecabezas para avanzar en tu investigación! Finalmente, una vez que hayas recopilado suficientes pistas, regresarás a la sala principal del museo para presentar tu teoría sobre quién robó la obra de arte y dónde podría estar escondida. ¡Serás todo un héroe si resuelves el misterio y recuperas la obra de arte robada!

¿Cuando? La actividad estará disponible en el mes de junio ¿Donde? En la Galleria Borghese¡Más información en nuestra página web!

¿Quieres saber más?

Acude a nuestras conferencias, donde podrás interactuar con expertos en el campo del arte barroco y los robos de arte.A partir de junio, cada semana conservadores de museos e historiadores del arte nos ilustrarán acerca de la importancia del arte barroco en la historia, comentar los métodos utilizados por los artistas barrocos, la técnica de los luthiers en la fabricación de instrumentos musicales barrocos, los desafíos involucrados en la restauración de obras de arte robadas, y mucho más.Asimismo, no te pierdas la oportunidad de hacerle preguntas a la célebre historiadora Mary Anne, quien el 17 de junio acudirá a la Galleria Borghese para compartir historias fascinantes sobre robos de arte famosos, explicando los procedimientos de seguridad utilizados para proteger obras de arte en los museos, y discutir los esfuerzos internacionales para combatir el tráfico ilegal de arte.

¿Cuando?Mes de junio ¿Donde?Sala de conferencias Galleria Borghese

¡TE ESPERAMOS!

Allahabad (India)

1917 - 1984

Indira Gandhi

Rifton, N.Y. (USA)

1797 - 1883

Sojourner Truth

Texas (USA)

1853 - 1942

Lucy Parsons

Menia (Egypt)

1879 - 1947

Huda Sha'arawi

Vienna (Austria)

1914 - 2000

Hedy Lamarr

Kaunas (Lithuania)

1869 - 1940

Emma Goldman

Johnstown, N.Y. (USA)

1815 - 1902

Elizabeth Cady Stanton

El robo del museo Isabella Stewart Gardner

Ocurrido en 1990, fue uno de los mayores robos de arte en la historia de los Estados Unidos. En la madrugada del 18 de marzo de ese año, dos hombres vestidos de policías ingresaron al museo de Boston, Massachusetts, y robaron 13 obras maestras, incluyendo pinturas barrocas de Vermeer y Rembrandt, expuestas en esta sala. El valor estimado de dichas pinturas robadas asciende a varios cientos de millones de dólares. Hasta la fecha, las obras no han sido recuperadas y el caso sigue siendo uno de los mayores misterios sin resolver en el mundo del arte. La Isabella Stewart Gardner Association y el FBI ofrecen una recompensa de varios millones de dólares por información que conduzca a la recuperación de las obras robadas.

Entre los siglos XVII y XVIII se desarrollaron nuevas formas de arte musical:

• La fuga: estructura caracterizada por la presentación de un tema en una voz, seguido por la entrada gradual del mismo en otras voces;

• El concierto: tipo de música que se desarrolló en Italia y se caracterizó por la alternancia entre voz solista e instrumentos de acompañamiento;

• El Oratorio: presencia de coros y solistas que cantaban arias y corales con temas religiosos.

Música durante el Barroco

El estilo de Caravaggio se caracterizaba sobre todo por el empleo del tenebrismo, la expresividad y el tratamiento de temas polémicos, particularmente visible en sus obras de temas religiosos.Debido a su calidad artística sus obras fueron objeto principal de robo. En esta exposición serán analizadas La Natilividad con San Francisco y San Lorenzo y Ecce Homo.

Micheangelo Merisi da Caravaggio es uno de los artista más representativos del barroco. Gracias a su formación artistica y el estudio de algunas de las obras cumbres del Renacimiento, como La Última Cena, Caravaggio pudo integrar numerosas técinas artísticas a sus obras. Caravaggio no es solo conocido por sus múltiples obras de arte, sino también por una vida llena de peligro e inseguridad. Incluso tras su fallecimiento el artista italiano ha dejado uno de los legados más grandes de la historia del arte, aportando obras como Narciso, Judith y Holofernes o Baco.

Artista barroco

Micheangelo Merisi da Caravaggio

• 1 de mayo a 1 de Junio 2024
• Galleria Borghese, Piazzale Scipione Borghese 5, Roma Italia.
• (39)655897342
• galleriaborghese@gmail.com

El Barroco, con su dramatismo y su exuberancia, durante siglos ha sido asociado no solo con la expresión artística más sublime, sino también con historias de robos audaces y misterios sin resolver. Desde los palacios reales hasta las iglesias más sagradas, el Barroco ha sido el objetivo de los ladrones de arte más intrépidos, cuyas hazañas han alimentado leyendas y la imaginación colectiva.En esta exposición, cada cuadro cuenta una historia de aventura y osadía. Desde los esplendorosos lienzos de Caravaggio hasta las elegantes composiciones de Rembrandt, cada obra robada lleva consigo el aura de la clandestinidad y el misterio. Admira con nuestra exposición estas obras maestras en su contexto único, donde la belleza del arte y la práctica del robo de obras maestras se fusionan en una historia inbtrépida y emocionante.

Cuadros del Barroco robados

¡La Fuga Artística!

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Allahabad (India)

1917 - 1984

Indira Gandhi

Rifton, N.Y. (USA)

1797 - 1883

Sojourner Truth

Texas (USA)

1853 - 1942

Lucy Parsons

Menia (Egypt)

1879 - 1947

Huda Sha'arawi

Vienna (Austria)

1914 - 2000

Hedy Lamarr

Kaunas (Lithuania)

1869 - 1940

Emma Goldman

Johnstown, N.Y. (USA)

1815 - 1902

Elizabeth Cady Stanton

s. XVII-XVIII

Objetos robados.

Durante los siglos que compuesieron el barroco se crearon una serie de objetos curiosos, la mayoría para la decoración de palacios e iglesias. Muchos objetos como las sillas o esculturas barrocas fueron robadas, ya sea por lujosa apareciencia o su inusual forma. En esta parte de la exposición analizaremos un par de objetos pertenecientes al estilo barroco que han sido vandalizadas a lo largo de los años.

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1914 - 2000

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Johnstown, N.Y. (USA)

1815 - 1902

Elizabeth Cady Stanton

El primer propietario del lienzo fue Domingo Guerra Coronel para luego pasar a manos de Gaspar Mendez de Haro en 1652. En 1802 Carlos IV ordenó a la familia De Haro vender la obra a Manuel Godoy, el nuevo favorito de la corte española. Durante la invasión de España por Napoleón, el cuadro fue robado por los soldados franceses y llevado en manos de George Augustus Wallis, un pintor inglés que trabajaba en España. En 1813 el cuadro fue traído a Inglaterra donde fue adquirido por quinientas libras John Morrit que lo incluyó en una colección privada en Yorkshire.En 1906, con el apoyo de Eduardo VII, la obra fue comprada por el Fondo Nacional de Colecciones de Arte y pasó a formar parte de las colecciones de la National Gallery de Londres.

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