action Painting

action Painting

Happening / performance

Pedro Carvalho Bruno Teixeira Lavínia Assis

02.BIOGRAFIA(Jackson Pollock)

03.correntes

04.HAPPENING

01.INTRODUÇÃO

iNDICE

05.aRTISTAS/ OBRAS(HAPPENING)

06.PERFORMANCE

07.aRTISTAS/ OBRAS(PERFORMANCE)

08.BODY PART

10.CONCLUSÃO

09.aRTISTAS/ OBRAS(BODY PART)

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iNTRODUÇÃO

01. iNTRODUÇÃO

aCTION pAINTNG

A Action Painting é um estilo de pintura em que o artista aplica a tinta de forma espontânea, através de gestos rápidos, salpicos ou movimentos do corpo. O mais importante não é apenas o resultado final, mas também o processo e a ação de pintar. Este estilo surgiu nos Estados Unidos na década de 1940, integrado no movimento do Expressionismo Abstrato. Tornou-se famoso com artistas como Jackson Pollock, que pintava deixando cair e espalhando tinta sobre telas colocadas no chão. A Action Painting valoriza a liberdade, a emoção e a expressão pessoal do artista através do movimento.

02

biografia

Jackson Pollock

02. biografia

"Todo o bom pintor Pinto o que ele é"

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03

correntes

03. cORRENTES

A Action Painting é uma forma de arte em que o mais importante é a ação e o movimento do artista durante a criação da obra. Surgiu nos Estados Unidos na década de 1940, ligada ao Expressionismo Abstrato, e ficou conhecida com artistas como Jackson Pollock.A partir desta valorização da ação artística surgiram outras formas de arte. O Happening consiste em eventos artísticos realizados ao vivo que podem envolver o público. A Performance Art é quando o artista realiza uma ação ou apresentação perante o público. Já a Body Art utiliza o próprio corpo do artista como principal meio de expressão.

04

HAPPENING

04. HAPPENING

Características :

• Participação do público: o público não é apenas observador, mas parte da obra.
• Efemeridade: o evento é temporário e não resulta necessariamente em um objeto duradouro.
• Improvisação: a ação é flexível e pode mudar de acordo com o momento e os participantes.
• Multidisciplinaridade: mistura artes visuais, música, teatro, dança e performance.
• Quebra de barreiras: desafia a separação entre arte e vida cotidiana.
• Ênfase na experiência: o foco é o acontecimento e a experiência vivida, mais do que um produto final.

Happening Art é um tipo de arte experimental que surgiu nos anos 1950 e 1960, principalmente nos Estados Unidos. Criado por artistas como Allan Kaprow, é caracterizado por eventos ou performances interativas, onde a ação e a experiência são mais importantes do que objetos físicos. O público muitas vezes participa, e a obra é efêmera, improvisada e multidisciplinar, misturando música, teatro, dança e artes visuais. O objetivo é quebrar barreiras entre arte e vida cotidiana e tornar a experiência artística coletiva e momentânea.

05

aRTISTAS / OBRAS

05. artistas/obras

Chris Burden

Claes Oldenburg

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06

pERFORMANCE

06. pERFORMANCE

A performance é uma forma de arte em que o corpo do artista, suas ações e gestos são a principal ferramenta de expressão. Diferente da pintura ou escultura, a performance acontece ao vivo e muitas vezes é temporária e efêmera.

CARACTERISTICAS:

• Efemeridade: dura apenas enquanto acontece; o registro (vídeo, foto) não é a obra principal.
• Corpo como ferramenta: o artista utiliza o corpo, movimentos e gestos para comunicar ideias.
• Interatividade: pode envolver o público ou ser observada passivamente.
• Multidisciplinaridade: mistura teatro, dança, música, artes visuais e tecnologias.
• Expressão conceitual: frequentemente transmite mensagens sociais, políticas ou pessoais.

07

aRTISTAS / OBRAS

07. ARTISTA / OBRAS

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Shoot (1971)

OBRAS

08

BODY PART

08. BODY PARTY

Body Art – O Corpo como Tela A Body Art é uma forma de arte performativa em que o corpo do artista se torna o principal meio de expressão. Em vez de utilizar telas ou esculturas tradicionais, o artista usa o próprio corpo para transmitir ideias, emoções e mensagens. Este tipo de arte pode incluir pintura corporal, tatuagens, piercings, modificações corporais e performances em que o corpo faz parte da obra artística. Muitas vezes, a Body Art procura explorar a identidade, os limites físicos, a cultura e a relação entre o corpo e a arte.

Características:

• Corpo humano como suporte e espaço de experimentação artística;
• Materialidade e resistência do corpo;
• Relações entre a arte e o quotidiano;
• Arte como forma de protesto;
• Impacto ou choque no espectador;
• Uso de performances, videoarte e instalações;
• Temática livre de preconceitos (cultura do corpo, sexualidade, nudez, etc.);
• Técnicas e intervenções variadas: tatuagens, maquilhagens, deformações, travestimento, mutilações, escarificações, queimaduras, implantes e ferimentos. limites físicos, a cultura e a relação entre o corpo e a arte.

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aRTISTAS/ OBRAS

08. Body part

Liu Bolin

Yves Klein

08. Development

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"Anthropométrie de l'Époque Bleue" (1960) – Yves Klein Pintura criada sem pincéis; modelos femininas nuas cobertas de tinta servem como “pincéis vivos”. Registra movimento, gesto e presença física. Cor principal: International Klein Blue (IKB), azul intenso simbolizando o infinito. Obra também é performance, unindo corpo, pintura e música.

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CONCLUSÃO

Para concluir, Action Painting abriu caminho para formas mais experimentais de expressão artística, como Performance, Happening e Body Art, ao valorizar o gesto, a ação e o corpo do artista como parte da obra. Assim como Pollock deixava a energia de seus movimentos na tela, os Happenings e performances de Kaprow, Beuys ou Burden transformam ação e experiência em arte, e a Body Art utiliza o corpo como suporte direto da criação. Essa linha mostra como a arte evoluiu do registro de gestos sobre a tela para eventos e experiências vivas, ampliando a relação entre artista, obra e público.

Ano: 1960 Técnica: “Pincel vivo” – modelos femininas cobertas de tinta pressionam os seus corpos diretamente na tela. Cor predominante: International Klein Blue (IKB), azul vibrante e profundo, criado e patenteado por Klein. Conceito: O corpo humano substitui o pincel, registando presença e energia física. Explora movimento, força e expressividade sem intervenção direta da mão do artista. Rompe com a representação figurativa tradicional, enfatizando materialidade e presença. Impacto visual: A intensidade do azul e as formas corporais criam um efeito imersivo e quase etéreo.

Allan Kaprow

Allan Kaprow nasceu em 23 de agosto de 1927, nos EUA, e estudou pintura e filosofia. Influenciado pelo expressionismo abstrato, foi pintor, teórico e artista performático. Nos anos 1950, criou os “Happenings”, eventos artísticos improvisados e participativos, integrando arte e vida cotidiana.A sua obra mais famosa é 18 Happenings in 6 Parts (1959). Kaprow defendia a arte como experiência vivida e influenciou profundamente a arte performática, conceitual e de instalação. Faleceu em 5 de abril de 2006, deixando um legado duradouro.

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Jackson Pollock (1912–1956) foi um pintor norte-americano importante do Expressionismo Abstrato. Nasceu em Cody, Wyoming, nos Estados Unidos. Ficou famoso pela técnica drip painting, em que deixava a tinta pingar e salpicar sobre a tela colocada no chão. O seu trabalho está ligado à Action Painting, que valoriza o gesto e o movimento do artista ao pintar. Morreu em 1956, num acidente de carro, mas continua a ser um dos artistas mais influentes da arte do século XX.

Claes Oldenburg

Claes Oldenburg nasceu a 28 de janeiro de 1929, em Estocolmo, Suécia, e mudou-se com a família para os Estados Unidos em 1936.Estudou história da arte na Universidade de Yale e trabalhou em publicidade, desenvolvendo interesse por cultura popular e objetos do dia a dia. Pintor, escultor e performer, Oldenburg ficou famoso por transformar objetos comuns em arte, muitas vezes em escala monumental. Nos anos 1960 aproximou-se da Pop Art e participou em Happenings com artistas como Allan Kaprow e Jim Dine. As suas esculturas exageram objetos quotidianos — hambúrgueres, colheres, ferramentas — criando impacto visual e humor. Oldenburg contribuiu para a ideia de que a arte podia ser participativa e divertida. Considerado um dos grandes nomes da Pop Art e da arte performativa, deixou um legado duradouro de esculturas icónicas e intervenções urbanas. Faleceu a 18 de julho de 2022

Chris Burden

Chris Burden foi um artista norte-americano conhecido pelas suas performances arriscadas e provocativas na década de 1970, que exploravam os limites do corpo e da arte. Obras como Shoot (1971) e Trans-fixed (1974) desafiaram o público e questionaram violência, risco e o papel do artista. Mais tarde, Burden trabalhou com esculturas e instalações cinéticas, como Metropolis II (2010), continuando a explorar movimento, urbanismo e interação. Seu legado influenciou profundamente a arte conceitual e performática contemporânea.

Allan Kaprow

Joseph Beuys (1921–1986) foi um artista alemão conhecido pelas suas performances, esculturas e instalações conceituais. Ele acreditava que a arte podia transformar a sociedade e que todas as pessoas eram artistas.Utilizou materiais simbólicos como feltro, gordura e objetos do quotidiano em obras como How to Explain Pictures to a Dead Hare (1965) e I Like America and America Likes Me (1974), explorando ritual, comunicação e engajamento social. O seu legado influenciou profundamente a arte contemporânea e a performance.

Yves Klein

Yves Klein (1928‑1962) foi um artista francês pioneiro da Body Art e da arte contemporânea. Filho de pintores, estudou filosofia e explorou ideologias espirituais que influenciaram a sua arte. Viajou pela Europa e Japão, onde aprendeu judo, o que moldou a sua visão sobre corpo e espaço. Em Paris, na década de 1950, tornou-se membro fundador do movimento Nouveau Réalisme. Klein inovou ao combinar performance, pintura e conceptualismo, criando o pigmento ultramarino intenso International Klein Blue (IKB). Nas séries Anthropométries, utilizou corpos humanos como “pincéis vivos”, destacando gesto, corpo e energia. Entre os seus trabalhos notáveis estão Le Vide, uma exposição de um espaço vazio, e Leap into the Void, uma fotomontagem simbólica. Apesar de ter morrido aos 34 anos, Klein deixou um legado duradouro na arte performativa, conceptual, minimalista e na Body Art.

Liu Bolin

Liu Bolin (1973‑) é um artista chinês contemporâneo, apelidado de “Homem Invisível” pela sua técnica de se camuflar em ambientes urbanos. Formado em pintura e escultura, destacou-se com a série Hiding in the City (2005), criada em protesto contra a demolição do bairro de artistas onde trabalhava. Bolin utiliza apenas body painting e fotografia, fundindo-se visualmente com o cenário sem recurso a efeitos digitais. O seu trabalho combina performance, fotografia e Body Art, abordando temas como identidade, invisibilidade, consumismo e crítica social. Exposto internacionalmente, Bolin é reconhecido como um dos artistas chineses contemporâneos mais importantes. Tal como Yves Klein, explora o corpo humano como instrumento artístico, refletindo sobre presença, identidade e expressão na arte performativa moderna.

Conceito: O corpo humano substitui o pincel, registando movimento, energia e presença física. A obra explora a expressividade do corpo sem intervenção direta da mão do artista. Rompe com a pintura figurativa tradicional, enfatizando formas, gestos e materialidade. Impacto visual: As formas corporais, combinadas com a intensidade do azul, criam um efeito quase abstrato, dinâmico e imersivo, transmitindo energia e presença.

Tip:

JR x Liu Bolin Colaboração entre JR e Liu Bolin no Musée du Louvre, Paris. Criou ilusão visual na pirâmide, fazendo-a parecer desaparecer. Liu Bolin realizou camuflagem do corpo, integrando-se ao cenário. Combina fotografia, instalação e Body Art. Explora a relação entre arte, espaço urbano e percepção visual

Hiding in the City

Ano: 2018 Artista: Liu Bolin Descrição visual: Estante cheia de revistas de moda, política e economia; o artista aparece em pé no centro, quase imperceptível. Técnica: Body painting – o artista é pintado cuidadosamente para se fundir com o fundo, criando efeito de camuflagem. Significado/conceito: Explora a relação entre indivíduo e sociedade moderna. A presença do artista “desaparecendo” entre revistas critica como a identidade pode ser absorvida pelo consumismo e saturação de informação.

I Like America and America Likes Me (1974)

Beuys passou três dias inteiros num espaço fechado com um coiote, sem tocar o chão da cidade (chegou embalado em feltro). Durante a performance, ele conviveu e interagiu com o animal, usando gestos, objetos e paus, criando um diálogo silencioso e simbólico. A obra explora temas de reconciliação, natureza, cultura americana e relações humanas com animais. É um exemplo clássico da arte como ritual e experiência, em que a performance em si é a obra.

How to Explain Pictures to a Dead Hare (1965)

Beuys realizou a performance na frente de uma plateia, mas dirigiu-se a um coelho morto que carregava em seus braços. Seu rosto foi coberto parcialmente com ouro, e ele caminhava pelo espaço explicando pinturas para o coelho, como se estivesse em um ritual. A obra explora temas de comunicação, ritual, morte e simbologia, questionando como a arte é transmitida e compreendida. Reflete a visão de Beuys de que arte é processo e experiência, e não apenas objetos ou representações.

Shoot (1971)

Nessa performance, Chris Burden foi baleado no braço por um assistente, a curta distância, como parte da obra. O objetivo era explorar os limites do corpo humano, risco e vulnerabilidade, questionando a relação entre artista, público e violência. A obra também critica a banalização da violência na sociedade e o papel do espectador diante de ações extremas. Tornou-se uma das performances mais icônicas da arte conceitual e da Performance Art, destacando a ideia de que o corpo do artista pode ser a própria obra de arte.

Metropolis II (2010)

É uma cidade em miniatura em movimento, com centenas de carros elétricos circulando em alta velocidade, trens passando por pontes e túneis, e prédios em miniatura. A obra simula o trânsito intenso e frenético das grandes cidades, transmitindo ritmo, caos e energia urbanos. Representa a sociedade moderna, o movimento constante e a interdependência entre máquinas e pessoas. O público pode observar, ouvir e sentir a dinâmica da cidade, tornando a experiência imersiva e envolvente.

18 Happenings in 6 Parts (1959)

Considerada a primeira grande obra de Happening, que inaugurou o movimento. Consistia em uma série de 18 ações divididas em 6 partes, combinando pintura, teatro, música e dança. O público participava ativamente, podendo influenciar a sequência e a experiência do evento. Não havia obra física permanente; o acontecimento e a experiência coletiva eram a própria obra de arte. A obra quebra barreiras entre arte e vida cotidiana, mostrando que a performance pode ser o foco da criação artística, e não um objeto final.

Soft Toilet (1966)

A obra é uma escultura macia de um vaso sanitário, feita de tecido acolchoado em vez de materiais rígidos. Transforma um objeto cotidiano e funcional em arte, questionando a seriedade e a rigidez da escultura tradicional. Reflete o humor e a abordagem irreverente do Pop Art, característica do trabalho de Oldenburg, mostrando que qualquer objeto pode se tornar arte quando visto de forma criativa. Faz parte de sua exploração de objetos comuns em escalas e materiais inesperados, desafiando a percepção do público.

Yard (1961)

A obra consistia em um quintal cheio de pneus empilhados e espalhados, que os visitantes podiam explorar, subir, tocar e interagir livremente. É um exemplo clássico de Happening, em que a participação do público é essencial para a obra existir. Explora a efemeridade, improvisação e interatividade, transformando objetos cotidianos em experiências artísticas. Reflete a ideia de Kaprow de que a arte não precisa ser um objeto final, mas sim um acontecimento ou experiência vivida.

Clothespin (1976)

A obra representa um pregador de roupas gigante, colocado no meio da cidade. É um exemplo clássico do estilo de Oldenburg de transformar objetos cotidianos em esculturas monumentais, alterando a escala para criar impacto visual e humor. A peça simboliza unidade e neutralidade, pois o pregador segura, mas não divide – refletindo uma presença harmoniosa em meio ao espaço urbano. Combina arte pop e escultura pública, tornando o cotidiano parte da experiência artística.