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DE ARTE MODERNO
MoMA
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SOBRE EL MUSEO...
El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) es uno de los espacios culturales más influyentes del mundo. Desde su fundación en 1929, ha sido un punto de encuentro para quienes buscan comprender el presente a través del arte y la creatividad. En el MoMA y el MoMA PS1 celebramos la creatividad, la apertura, la tolerancia y la generosidad. Buscamos ser lugares inclusivos, tanto en nuestras salas como en línea, donde se valoren diferentes perspectivas culturales, artísticas, sociales y políticas. Nos comprometemos a compartir el arte moderno y contemporáneo más inspirador, y a invitarte a explorar las ideas y desafíos que definen nuestro tiempo. Visitar el MoMA es vivir una experiencia que inspira, conecta y transforma la forma en que vemos el mundo.
EXPOSICIONES
En el MoMA, cada exposición es una invitación a mirar el arte desde nuevas perspectivas.Aquí convergen obras que desafían los límites de la creatividad, exploran ideas contemporáneas y conectan con los temas que marcan nuestro tiempo. Descubre las exposiciones que dan vida al museo, donde el pasado y el presente dialogan para inspirar el futuro del arte.
EXPOSICIONESFUTURAS
EXPOSICIONES ACTUALES
EXPOSICIONES ACTUALES
una retrospectiva
Canciones de la vida
Viajeros en el tiempo
Oasis en la ciudad
Torre Cápsula Nakagin
un poema vivo
Una retrospectiva
ACTUAL
Una celebración del arte, la forma y la imaginación.
El MoMA presenta una mirada profunda a la obra de Ruth Asawa, artista reconocida por transformar el alambre en poesía visual. Esta exposición reúne sus esculturas, dibujos y proyectos comunitarios, revelando la fuerza de su visión y su compromiso con la creatividad cotidiana. Hasta el 7 de febrero de 2026
Sobre el autor
Galería
Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Viajeros en el tiempo
ACTUAL
Una exposición que nos invita a mirar el pasado a través de la lente del presente.El MoMA presenta una selección única de fotografías de la colección Gayle Greenhill, donde cada imagen captura un instante que trasciende la historia. Estas obras nos conectan con otras épocas, lugares y emociones, recordándonos que cada fotografía es un viaje en el tiempo. Hasta el 2 de febrero de 2026
Sobre el autor
Galería
Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Canciones de la vida
ACTUAL
El color se convierte en lenguaje y emoción en la obra de Odili Donald Odita.Esta exposición del MoMA celebra su exploración vibrante de la identidad, la memoria y la experiencia humana a través de composiciones abstractas llenas de ritmo y energía. “Canciones de la vida” nos invita a sentir cómo el arte puede transformar el espacio y el espíritu, creando armonías visuales que resuenan con la diversidad y la esperanza. Hasta la primavera de 2026
Galería
Sobre su obra
Sobre el autor
EXPOSICIÓN
Oasis en la ciudad
ACTUAL
Entre el ritmo acelerado de la vida urbana, el arte se convierte en un refugio.Oasis en la ciudad invita a redescubrir la naturaleza y la calma en medio del entorno metropolitano. Esta exposición del MoMA reúne obras que exploran la relación entre el ser humano, el espacio y la tranquilidad interior, transformando lo cotidiano en un respiro visual y emocional. Del 3 de julio de 2025 al mayo de 2026
Sobre la organización
Galería
Sobre su obra
EXPOSICIÓN
UN POEMA VIVO
ACTUAL
La poesía cobra nueva forma en el trabajo de Sasha Stiles, donde el arte, la palabra y la tecnología se entrelazan para explorar qué significa ser humano en la era digital.Esta exposición del MoMA invita a experimentar el lenguaje como algo en constante transformación: un poema que respira, evoluciona y se conecta con quien lo contempla. Del 10 de septiembre de 2025 a la primavera de 2026
Sobre el autor
Galería
Sobre su obra
EXPOSICIÓN
la Torre Cápsula Nakagin
ACTUAL
La icónica Torre Cápsula Nakagin vuelve a cobrar vida a través de una exposición que celebra su historia, su diseño visionario y su impacto en la arquitectura moderna.El MoMA presenta un recorrido por las múltiples etapas, usos y significados de esta obra única, que continúa inspirando debates sobre vivienda, modularidad y futuro urbano. Hasta el 12 de julio de 2026
Sobre el autor
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
EXPOSICIONES FUTURAS
Cuando no duermo, sueño
Lugar de Consuelo
Un gran barrido
Llamada y respuesta
Cuando no duermo, sueño
FUTURA
El MoMA presenta una mirada profunda a la obra de Wifredo Lam, artista que fusionó raíces afrocubanas, surrealismo y modernidad en un lenguaje visual único.La exposición revela cómo su arte navegó entre culturas, símbolos y sueños, creando un universo donde lo real y lo imaginario se entrelazan. Avances para miembros: del 7 al 9 de noviembre Exposición abierta del 10 de noviembre de 2025 al 11 de abril de 2026
Sobre el autor
Galería
Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Un gran barrido
FUTURA
El MoMA celebra la maestría de Helen Frankenthaler, una de las grandes pioneras del arte abstracto del siglo XX.La exposición reúne obras que revelan su innovadora técnica de color y fluidez, donde cada trazo se convierte en movimiento, emoción y libertad. Del 18 de noviembre de 2025 al 8 de febrero de 2026
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Lugar de Consuelo
FUTURA
El MoMA presenta la obra del artista Naufus Ramírez-Figueroa, cuya práctica combina performance, escultura e instalación para explorar la memoria, el cuerpo y la historia.“Lugar de consuelo” invita a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia, creando un espacio donde el arte se convierte en refugio y sanación. Del 28 de marzo al 5 de julio de 2026
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Llamada y respuesta
FUTURA
El MoMA presenta la obra del músico y artista Samora Pinderhughes, quien combina sonido, imagen y palabra para explorar temas de justicia social, memoria y sanación.“Llamada y respuesta” invita al público a participar en un diálogo profundo entre arte y comunidad, donde cada voz y cada silencio forman parte de una misma melodía colectiva. Del 24 de enero al 15 de febrero de 2026
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
COSTO Y COMPRA DE ENTRADAS
$30 USD
Adultos
$22 USD
Personas mayores
65 años o más con identificación
$22 USD
Visitantes con discapacidades
Entrada gratuita para el acompañante de cuidado
$17 USD
Estudiantes
Tiempo completo con identificación, incluyendo estudiantes internacionales
Gratis
Niños
Reserva entradas
16 y menores
Gratis
Miembros
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Vincent van Gogh — La noche estrellada
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La noche estrellada de Vincent van Gogh al Museo Nacional de Arte de México
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HORARIOS
Lunes 10:30 a.m.–5:30 p.m. Martes 10:30 a.m.–5:30 p.m. Miércoles 10:30 a.m.–5:30 p.m. Jueves 10:30 a.m.–5:30 p.m. Viernes 10:30 a.m.–8:30 p.m. Sábado 10:30 a.m.–5:30 p.m. Domingo 10:30 a.m.–5:30 p.m.
Las galerías de exposiciones y de la colección cierran aproximadamente 15 minutos antes del cierre del Museo.
Enlace
https://www.moma.org/
GALERÍA
Una retrospectiva
Museo MoMA
Odili Donald Odita (nacido en 1966 en Enugu, Nigeria) es un pintor nigeriano-estadounidense reconocido por sus vibrantes composiciones abstractas que combinan color, geometría e identidad cultural. Tras emigrar a Estados Unidos durante su infancia, estudió en la Ohio State University y obtuvo su maestría en Bennington College. Su obra se inspira tanto en los textiles tradicionales africanos como en la pintura modernista occidental, creando un lenguaje visual único que explora temas como la migración, la memoria y el diálogo entre culturas. A través de formas geométricas y colores intensos, Odita transforma los espacios con una energía que celebra la diversidad y la conexión humana. Ha expuesto en museos internacionales y ha realizado murales a gran escala en instituciones como el MoMA, donde presenta la instalación Songs of Life, una obra que refleja la vitalidad, el ritmo y la emoción del color como lenguaje universal.
Odili Donald Odita
(Nacido en 1966 en Enugu, Nigeria)
Time Travelers invita a una contemplación prolongada de estos objetos y las historias que conllevan. Sus fotografías ofrecen encuentros con personas, cosas y eventos fuera de nuestro propio lugar y tiempo
Museo MoMA
Viajeros en el tiempo
La exposición recorre la evolución de la fotografía, desde los experimentos pioneros de William Henry Fox Talbot en el siglo XIX hasta las visiones contemporáneas de JoAnn Verburg, mostrando la diversidad de estilos y enfoques a lo largo del tiempo.
Viajeros en el tiempo: Fotografías de Gayle Greenhill Collection presenta una selección de obras extraordinarias que ofrecen la entrada a un momento en la historia de la fotografía. Estos objetos transportan a los espectadores a través de distancias geográficas y temporales, o a espacios construidos completamente dentro de los límites de una impresión fotográfica.
Museo MoMA
Gayle Greenhill (1936–2017) fue una destacada coleccionista y promotora de la fotografía. Nacida en San Antonio, Texas, dedicó su vida a impulsar el reconocimiento de la fotografía como arte. Fue presidenta del International Center of Photography (ICP) y miembro del Comité de Fotografía del MoMA durante más de dos décadas. A lo largo de su vida, reunió una amplia y diversa colección de imágenes que abarcan desde los primeros experimentos fotográficos del siglo XIX hasta obras contemporáneas. Su mirada se caracterizó por combinar lo histórico con lo experimental, reflejando la evolución de la fotografía y su capacidad para capturar la experiencia humana. Tras su fallecimiento, su esposo Robert F. Greenhill donó al MoMA más de 300 fotografías, hoy parte de la Gayle Greenhill Collection, una de las aportaciones más valiosas al acervo fotográfico del museo y un homenaje a su pasión y compromiso con el arte.
Gayle Greenhill
(1936–2017)
Museo MoMA
Sasha Stiles es una poeta, artista y investigadora de IA de primera generación Kalmyk-americana, reconocida por fusionar tradición e innovación a través de la poesía híbrida, la imaginación generativa y la inteligencia colaborativa. Su práctica transmedia replantea la poesía como arte y tecnología, mezclando palabra, imagen y algoritmo para explorar la voz humana en la era digital. Desde 2018, Stiles ha estado al frente de la co-creación humano-máquina, lanzando proyectos como Technelegy (2021) y colaboraciones que van más allá del papel hacia lo interactivo, lo audiovisual y lo generativo. Su obra ha sido exhibida internacionalmente en museos, galerías y entornos digitales y ha sido recogida por instituciones clave, lo que subraya su papel en la conversación contemporánea sobre arte, tecnología y humanidad.
Sasha Stiles
(Nacida en 1983)
GALERÍA
Cuando no duermo, sueño
Museo MoMA
Oasis in the City reúne una variedad de obras que exploran formas figurativas y abstractas, que abarcan desde finales del siglo XIX hasta el presente.
Oasis en la ciudad
En 1953, el arquitecto Philip Johnson recibió el encargo de rediseñarlo; Introdujo cuatro áreas distintas pavimentadas con mármol para exhibir esculturas junto a piscinas rectangulares poco profundas, árboles y plantas de temporada.
Desde su apertura en 1939, el jardín de esculturas del Museo ha servido como un oasis en la ciudad (como declaró un comunicado de prensa), ofreciendo a los visitantes un respiro del frenesí del centro de Manhattan. El jardín se concibió inicialmente como un espacio informal para instalaciones cambiantes que unían naturaleza, arquitectura y arte.
GALERÍA
La Torre Cápsula Nakagin
GALERÍA
Un gran barrido
Museo MoMA
Kisho Kurokawa (1934–2007) fue un influyente arquitecto japonés y uno de los fundadores del movimiento Metabolista, que proponía una arquitectura flexible y adaptable al cambio. Nacido en Nagoya, Japón, Kurokawa se destacó por su visión futurista y su interés en la relación entre tecnología, naturaleza y sociedad. Su obra más emblemática es la Torre Cápsula Nakagin (1972), en Tokio, un edificio revolucionario compuesto por cápsulas habitacionales modulares que podían desmontarse y reemplazarse de manera independiente. Este proyecto se convirtió en un símbolo de la arquitectura del Japón de posguerra y de la utopía de ciudades en constante transformación. A lo largo de su carrera, Kurokawa desarrolló numerosos proyectos internacionales y teóricos que exploraban conceptos como la “simbiogénesis”, la coexistencia armónica entre culturas y entornos, dejando un legado que influyó profundamente en la arquitectura contemporánea y en las ideas de sostenibilidad urbana.
Kisho Kurokawa
(1934–2007)
Museo MoMA
Wifredo Lam (1902–1982) fue un pintor cubano reconocido por su capacidad para fusionar el modernismo europeo con las raíces africanas y caribeñas. Nacido en Sagua La Grande, Cuba, e hijo de padre chino y madre de ascendencia africana y española, Lam reflejó en su obra la complejidad cultural de su origen. Durante su estancia en Europa, conoció a artistas como Pablo Picasso y se unió al movimiento surrealista, lo que marcó profundamente su estilo. A través de figuras híbridas, símbolos místicos y paisajes oníricos, su pintura exploró temas como la identidad, la espiritualidad y la resistencia cultural. Su obra más emblemática, La jungla (1943), combina influencias africanas, caribeñas y cubistas para representar la riqueza espiritual de Cuba frente a la opresión colonial. Considerado uno de los grandes innovadores del arte del siglo XX, Lam dejó un legado que conecta la modernidad con las raíces culturales del Caribe y del mundo afrodescendiente.
Wifredo Lam
(1902–1982)
Museo MoMA
Ruth Asawa (1926–2013) fue una escultora estadounidense reconocida por sus delicadas obras de alambre tejidas a mano. Nacida en California, de padres japoneses, su vida estuvo marcada por el internamiento de familias japonesas durante la Segunda Guerra Mundial.En el Black Mountain College, un centro clave para la experimentación artística, desarrolló un estilo que unía arte, naturaleza y formas orgánicas. Sus esculturas, inspiradas en técnicas artesanales mexicanas y en patrones naturales, parecen flotar en el aire, creando juegos de luz y movimiento. Defendió el arte como parte esencial de la vida y la educación, impulsando proyectos comunitarios que fomentaban la creatividad infantil. Hoy es reconocida como una de las figuras más importantes del arte moderno estadounidense, admirada por su belleza, innovación y visión humanista del arte.
ruth asawa
(1926–2013)
Museo MoMA
"Este edificio no es un edificio de apartamentos". Con esta declaración, el arquitecto japonés Kisho Kurokawa presentó la Nakagin Capsule Tower como una visión radicalmente nueva para la vida urbana.
la Torre Cápsula Nakagin
La historia de la Torre Cápsula Nakagin nos invita a imaginar cómo la arquitectura podría evolucionar más allá de lo que sus diseñadores imaginan, asumiendo nuevos roles, funciones y significados.
Terminada en 1972, la estructura consistía en 140 cápsulas de ocupación individual, prefabricadas fuera del sitio y unidas a dos núcleos de hormigón y acero en el distrito de Ginza de Tokio. El edificio se convirtió en la realización definitoria de Metabolism, un movimiento japonés de vanguardia de la década de 1960 cuyos miembros imaginaron ciudades y edificios que podrían adaptarse con el tiempo.
Museo MoMA
Samora Pinderhughes (nacido el 4 de septiembre de 1991 en Berkeley, California) es un compositor, pianista, vocalista y artista multidisciplinario cuya obra une música, performance, instalación y activismo. Formado en jazz en la Juilliard School, utiliza su práctica artística para abordar temas como la justicia social, el encarcelamiento masivo, la violencia estructural y la sanación colectiva. Su proyecto más reconocido, The Healing Project, integra entrevistas, música y arte visual para dar voz a personas afectadas por el sistema penal, recibiendo en 2023 una importante beca de la Andrew W. Mellon Foundation. Pinderhughes ha colaborado con figuras como Common, Robert Glasper y Herbie Hancock, y su obra ha sido presentada en espacios como el Museum of Modern Art (MoMA), exhibiendo cómo la música puede articular narrativas de cambio cultural y transformación.
Samora Pinderhughes
(Nacido el 4 de septiembre de 1991)
Museo MoMA
Cada página cobra vida en tiempo real a través de un modelo de lenguaje personalizado, indicaciones intrincadas, conjuntos de datos personalizados y elementos sensoriales como voz, sonido y elementos visuales.
Un poema vivo
El siguiente paso en su experimento en curso es UN POEMA VIVO, un texto infinito impulsado por la imaginación humana y los algoritmos informáticos. Inspirado en el arte basado en texto de la colección del Museo, el poema se reescribe y se interpreta de nuevo cada 60 minutos.
¿Qué significa ser humano en la era de la inteligencia artificial? Desde 2018, la artista y poeta Sasha Stiles ha explorado esta pregunta a través de colaboraciones con su alter ego, Technelegy, un sistema de IA en evolución entrenado para emular y aumentar su escritura y voz. Sus proyectos consideran cómo las mentes humanas y de las máquinas procesan el lenguaje, dando forma a nuevas formas de expresión para un mundo que cambia rápidamente.
Una instalación de vestuario y utilería, así como bocetos en acuarela y una película de una actuación anterior realizada en la Universidad Popular de Guatemala, estarán a la vista en el estudio.
Museo MoMA
Con grabados, dibujos, disfraces, esculturas, videos y una performance relacionada, la obra aborda historias políticas y personales de la guerra civil de Guatemala (1960-96).
Lugar de consuelo
Lugar de Consuelo reformula la historia de la obra revolucionaria El Corazón del espantapájaros, escrita por el dramaturgo guatemalteco Hugo Carrillo en 1962. Durante la guerra civil, el gobierno guatemalteco censuró la obra, de la que Ramírez-Figueroa se enteró por su tío, quien participó en su representación original.
GALERÍA
Oasis en la ciudad
GALERÍA
Llamada y respuesta
Museo MoMA
Ejecutada con pintura acrílica plana de látex, la instalación del piso al techo brinda una experiencia inmersiva, y Odita describe sus colores como expresiones de libertad y cambio.
Songs from Life se pintó en el transcurso de seis semanas, y los visitantes pudieron ver el trabajo específico del sitio emergiendo a través de las paredes y columnas.
Canciones de la vida
En el nuevo encargo a gran escala de Odili Donald Odita en el vestíbulo del MoMA, los colores brillantes y los patrones abstractos crean un caleidoscopio en cascada. Y por primera vez en el proceso de desarrollo del artista, la música sirve como la principal fuente de inspiración. "La música me inspira a pensar en los problemas de mis pinturas", ha dicho Odita.
GALERÍA
Viajeros en el tiempo
Museo MoMA
La exposición “Oasis en la ciudad” fue organizada por el Departamento de Pintura y Escultura del MoMA y se presenta en el histórico Jardín de Esculturas Abby Aldrich Rockefeller, un espacio emblemático del museo. Concebido en 1939 como un refugio que une naturaleza, arte y arquitectura, fue rediseñado en 1953 por el arquitecto Philip Johnson y nombrado en honor a Abby Aldrich Rockefeller, una de las fundadoras del museo. El jardín ha sido descrito como un verdadero “oasis en la ciudad”, donde las esculturas conviven con el entorno natural en el corazón de Manhattan. La exposición actual reúne obras de distintas épocas y estilos, celebrando la armonía entre el arte moderno y el espacio urbano.
Departamento de Pintura y Escultura del MoMA
(Apertura en 1939)
Museo MoMA
Helen Frankenthaler (1928–2011) fue una influyente pintora estadounidense y una de las figuras clave del expresionismo abstracto y de la pintura de campos de color. Nacida en Nueva York, desarrolló una técnica revolucionaria conocida como soak-stain (“empapado y teñido”), en la que vertía pintura diluida sobre lienzos sin imprimar, creando velos de color translúcido y atmósferas poéticas. Su enfoque unió la espontaneidad del gesto abstracto con una profunda sensibilidad hacia el color, inspirando a toda una generación de artistas, incluidos los del movimiento Color Field Painting. A lo largo de su carrera, Frankenthaler exploró la relación entre forma, emoción y paisaje, manteniendo siempre una conexión entre lo visual y lo sensorial. Su obra consolidó la presencia femenina en la vanguardia artística del siglo XX y sigue siendo celebrada por su innovación, libertad expresiva y su impacto en la evolución del arte moderno.
Helen Frankenthaler
(1928–2011)
Van Gogh asignó un lenguaje emocional a la noche y la naturaleza que los alejó de sus apariencias reales.
La noche estrellada
Vincent van Gogh — 1889
La noche estrellada combina azules y amarillos intensos con un estilo gestual que refleja cómo Van Gogh utilizaba el color y la pintura para expresar un mundo más allá del lienzo.
Inspirada en la vista desde su ventana en el asilo de Saint-Rémy, La noche estrellada (junio de 1889) combina observación y creatividad, reflejando el mundo interior de Van Gogh durante su estancia.
“Sabía que corría el riesgo de no ser comprendido ni por el hombre de la calle ni por el resto del público”, señaló Lam, “pero una verdadera obra de arte tiene el poder de hacer trabajar a la imaginación, aunque ello lleve tiempo”.
Museo MoMA
Como declaró célebremente, su arte buscaba ser un “acto de descolonización”. Sus experimentos formales, sus figuras y paisajes en transformación, y su afinidad por la poesía y la colaboración le permitieron interrumpir y superar las estructuras coloniales que encontró en el arte y en la vida.
Cuando no duermo, sueño
La obra de Wifredo Lam amplió los horizontes del modernismo, creando un espacio significativo para la complejidad y belleza cultural de la diáspora afrodescendiente. Nacido en Cuba a inicios del siglo XX, Lam consolidó sus principios políticos y su compromiso con la pintura moderna en una Europa devastada por las guerras en la década de 1930.
Museo MoMA
Call and Response contará con una serie de actuaciones nocturnas en Kravis Studio y un programa público desarrollado con socios comunitarios.
Llamada y respuesta
Basándose en la improvisación y la colaboración, Pinderhughes centra la actuación como una práctica comunitaria que puede facilitar la curación frente a la opresión, el racismo y el encarcelamiento.
Llamada y respuesta es una exposición de nuevos trabajos y actuaciones en vivo de la compositora, cineasta y artista Samora Pinderhughes. Su práctica multidisciplinaria aborda la violencia estructural a través de capas sonoras, interpretación coral, proyección de películas y testimonios de audio.
GALERÍA
Un poema en vivo
Museo MoMA
Helen Frankenthaler dijo que la obra "fue sobre un gran barrido. Tenía la idea básica en mi cabeza: sabía cómo bailarían las líneas. Me sentí seguro de mí mismo".
Un gran barrido
"He explorado una variedad de direcciones y temas a lo largo de los años", reflexionó Frankenthaler. "Pero creo que en toda mi pintura se puede ver la firma de un artista, el trabajo de una muñeca".
Las pinturas de esta exposición ofrecen una exploración sucinta de los experimentos en curso de Frankenthaler. En la década de 1950, desarrolló una técnica exclusiva de verter pintura al óleo diluida sobre lienzo crudo y permitir que el medio penetre en el soporte. A principios de la década de 1960, cambió a la pintura acrílica, lo que permitió bordes más definidos y precipitó un nuevo énfasis en la forma.
Museo MoMA
"No estoy tan interesado en la expresión de algo. Estoy más interesado en lo que puede hacer el material. Por eso sigo explorando", dijo la artista, educadora y líder cívica Ruth Asawa, reflexionando sobre una carrera de seis décadas.
Una retrospectiva
Este primer estudio póstumo celebra las formas en que Asawa transformó continuamente materiales y objetos en sujetos de contemplación, inquietantes distinciones entre abstracción y figuración, figura y fondo, y espacio negativo y positivo.
Con unas 300 obras de arte, Ruth Asawa: Una retrospectiva traza las exploraciones de toda la vida de la artista de materiales y formas en una variedad de medios, que incluyen esculturas de alambre, moldes de bronce, dibujos, pinturas, grabados y obras públicas.
GALERÍA
Canciones de la vida
GALERÍA
Lugar de Consuelo (Place of Solace)
Museo MoMA
Naufus Ramírez-Figueroa (1978, Ciudad de Guatemala) es un artista guatemalteco que vive y trabaja entre Guatemala y Berlín. Se especializa en instalación, escultura, video y performance, explorando la memoria colectiva, la identidad y las secuelas del conflicto armado de Guatemala. Formado en el mundo del arte en Vancouver (BA en Media Arts) y en Chicago (MFA en Fine Arts), y con periodo de investigación en la Jan van Eyck Academie, su obra mezcla teatralidad, simbolismos y referencias históricas con un lenguaje a veces lúdico, a veces crítico. Ramírez-Figueroa ha participado en exposiciones internacionales y ha sido reconocido con diversas becas y premios, entre ellos la prestigiosa Guggenheim Fellowship. Su trabajo nos invita a reconsiderar el pasado desde formas visuales innovadoras, conectando lo personal y lo colectivo.
Naufus Ramírez-Figueroa
(1978, Ciudad de Guatemala)
MoMA
Luisa Fernanda Aparicio Jiménez
Created on October 30, 2025
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DE ARTE MODERNO
MoMA
sobre el museo
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SOBRE EL MUSEO...
El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) es uno de los espacios culturales más influyentes del mundo. Desde su fundación en 1929, ha sido un punto de encuentro para quienes buscan comprender el presente a través del arte y la creatividad. En el MoMA y el MoMA PS1 celebramos la creatividad, la apertura, la tolerancia y la generosidad. Buscamos ser lugares inclusivos, tanto en nuestras salas como en línea, donde se valoren diferentes perspectivas culturales, artísticas, sociales y políticas. Nos comprometemos a compartir el arte moderno y contemporáneo más inspirador, y a invitarte a explorar las ideas y desafíos que definen nuestro tiempo. Visitar el MoMA es vivir una experiencia que inspira, conecta y transforma la forma en que vemos el mundo.
EXPOSICIONES
En el MoMA, cada exposición es una invitación a mirar el arte desde nuevas perspectivas.Aquí convergen obras que desafían los límites de la creatividad, exploran ideas contemporáneas y conectan con los temas que marcan nuestro tiempo. Descubre las exposiciones que dan vida al museo, donde el pasado y el presente dialogan para inspirar el futuro del arte.
EXPOSICIONESFUTURAS
EXPOSICIONES ACTUALES
EXPOSICIONES ACTUALES
una retrospectiva
Canciones de la vida
Viajeros en el tiempo
Oasis en la ciudad
Torre Cápsula Nakagin
un poema vivo
Una retrospectiva
ACTUAL
Una celebración del arte, la forma y la imaginación. El MoMA presenta una mirada profunda a la obra de Ruth Asawa, artista reconocida por transformar el alambre en poesía visual. Esta exposición reúne sus esculturas, dibujos y proyectos comunitarios, revelando la fuerza de su visión y su compromiso con la creatividad cotidiana. Hasta el 7 de febrero de 2026
Sobre el autor
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Viajeros en el tiempo
ACTUAL
Una exposición que nos invita a mirar el pasado a través de la lente del presente.El MoMA presenta una selección única de fotografías de la colección Gayle Greenhill, donde cada imagen captura un instante que trasciende la historia. Estas obras nos conectan con otras épocas, lugares y emociones, recordándonos que cada fotografía es un viaje en el tiempo. Hasta el 2 de febrero de 2026
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
Canciones de la vida
ACTUAL
El color se convierte en lenguaje y emoción en la obra de Odili Donald Odita.Esta exposición del MoMA celebra su exploración vibrante de la identidad, la memoria y la experiencia humana a través de composiciones abstractas llenas de ritmo y energía. “Canciones de la vida” nos invita a sentir cómo el arte puede transformar el espacio y el espíritu, creando armonías visuales que resuenan con la diversidad y la esperanza. Hasta la primavera de 2026
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Oasis en la ciudad
ACTUAL
Entre el ritmo acelerado de la vida urbana, el arte se convierte en un refugio.Oasis en la ciudad invita a redescubrir la naturaleza y la calma en medio del entorno metropolitano. Esta exposición del MoMA reúne obras que exploran la relación entre el ser humano, el espacio y la tranquilidad interior, transformando lo cotidiano en un respiro visual y emocional. Del 3 de julio de 2025 al mayo de 2026
Sobre la organización
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EXPOSICIÓN
UN POEMA VIVO
ACTUAL
La poesía cobra nueva forma en el trabajo de Sasha Stiles, donde el arte, la palabra y la tecnología se entrelazan para explorar qué significa ser humano en la era digital.Esta exposición del MoMA invita a experimentar el lenguaje como algo en constante transformación: un poema que respira, evoluciona y se conecta con quien lo contempla. Del 10 de septiembre de 2025 a la primavera de 2026
Sobre el autor
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Sobre su obra
EXPOSICIÓN
la Torre Cápsula Nakagin
ACTUAL
La icónica Torre Cápsula Nakagin vuelve a cobrar vida a través de una exposición que celebra su historia, su diseño visionario y su impacto en la arquitectura moderna.El MoMA presenta un recorrido por las múltiples etapas, usos y significados de esta obra única, que continúa inspirando debates sobre vivienda, modularidad y futuro urbano. Hasta el 12 de julio de 2026
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EXPOSICIONES FUTURAS
Cuando no duermo, sueño
Lugar de Consuelo
Un gran barrido
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Cuando no duermo, sueño
FUTURA
El MoMA presenta una mirada profunda a la obra de Wifredo Lam, artista que fusionó raíces afrocubanas, surrealismo y modernidad en un lenguaje visual único.La exposición revela cómo su arte navegó entre culturas, símbolos y sueños, creando un universo donde lo real y lo imaginario se entrelazan. Avances para miembros: del 7 al 9 de noviembre Exposición abierta del 10 de noviembre de 2025 al 11 de abril de 2026
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Un gran barrido
FUTURA
El MoMA celebra la maestría de Helen Frankenthaler, una de las grandes pioneras del arte abstracto del siglo XX.La exposición reúne obras que revelan su innovadora técnica de color y fluidez, donde cada trazo se convierte en movimiento, emoción y libertad. Del 18 de noviembre de 2025 al 8 de febrero de 2026
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Lugar de Consuelo
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El MoMA presenta la obra del artista Naufus Ramírez-Figueroa, cuya práctica combina performance, escultura e instalación para explorar la memoria, el cuerpo y la historia.“Lugar de consuelo” invita a reflexionar sobre la fragilidad y la resistencia, creando un espacio donde el arte se convierte en refugio y sanación. Del 28 de marzo al 5 de julio de 2026
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FUTURA
El MoMA presenta la obra del músico y artista Samora Pinderhughes, quien combina sonido, imagen y palabra para explorar temas de justicia social, memoria y sanación.“Llamada y respuesta” invita al público a participar en un diálogo profundo entre arte y comunidad, donde cada voz y cada silencio forman parte de una misma melodía colectiva. Del 24 de enero al 15 de febrero de 2026
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$30 USD
Adultos
$22 USD
Personas mayores
65 años o más con identificación
$22 USD
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$17 USD
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Lunes 10:30 a.m.–5:30 p.m. Martes 10:30 a.m.–5:30 p.m. Miércoles 10:30 a.m.–5:30 p.m. Jueves 10:30 a.m.–5:30 p.m. Viernes 10:30 a.m.–8:30 p.m. Sábado 10:30 a.m.–5:30 p.m. Domingo 10:30 a.m.–5:30 p.m.
Las galerías de exposiciones y de la colección cierran aproximadamente 15 minutos antes del cierre del Museo.
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Una retrospectiva
Museo MoMA
Odili Donald Odita (nacido en 1966 en Enugu, Nigeria) es un pintor nigeriano-estadounidense reconocido por sus vibrantes composiciones abstractas que combinan color, geometría e identidad cultural. Tras emigrar a Estados Unidos durante su infancia, estudió en la Ohio State University y obtuvo su maestría en Bennington College. Su obra se inspira tanto en los textiles tradicionales africanos como en la pintura modernista occidental, creando un lenguaje visual único que explora temas como la migración, la memoria y el diálogo entre culturas. A través de formas geométricas y colores intensos, Odita transforma los espacios con una energía que celebra la diversidad y la conexión humana. Ha expuesto en museos internacionales y ha realizado murales a gran escala en instituciones como el MoMA, donde presenta la instalación Songs of Life, una obra que refleja la vitalidad, el ritmo y la emoción del color como lenguaje universal.
Odili Donald Odita
(Nacido en 1966 en Enugu, Nigeria)
Time Travelers invita a una contemplación prolongada de estos objetos y las historias que conllevan. Sus fotografías ofrecen encuentros con personas, cosas y eventos fuera de nuestro propio lugar y tiempo
Museo MoMA
Viajeros en el tiempo
La exposición recorre la evolución de la fotografía, desde los experimentos pioneros de William Henry Fox Talbot en el siglo XIX hasta las visiones contemporáneas de JoAnn Verburg, mostrando la diversidad de estilos y enfoques a lo largo del tiempo.
Viajeros en el tiempo: Fotografías de Gayle Greenhill Collection presenta una selección de obras extraordinarias que ofrecen la entrada a un momento en la historia de la fotografía. Estos objetos transportan a los espectadores a través de distancias geográficas y temporales, o a espacios construidos completamente dentro de los límites de una impresión fotográfica.
Museo MoMA
Gayle Greenhill (1936–2017) fue una destacada coleccionista y promotora de la fotografía. Nacida en San Antonio, Texas, dedicó su vida a impulsar el reconocimiento de la fotografía como arte. Fue presidenta del International Center of Photography (ICP) y miembro del Comité de Fotografía del MoMA durante más de dos décadas. A lo largo de su vida, reunió una amplia y diversa colección de imágenes que abarcan desde los primeros experimentos fotográficos del siglo XIX hasta obras contemporáneas. Su mirada se caracterizó por combinar lo histórico con lo experimental, reflejando la evolución de la fotografía y su capacidad para capturar la experiencia humana. Tras su fallecimiento, su esposo Robert F. Greenhill donó al MoMA más de 300 fotografías, hoy parte de la Gayle Greenhill Collection, una de las aportaciones más valiosas al acervo fotográfico del museo y un homenaje a su pasión y compromiso con el arte.
Gayle Greenhill
(1936–2017)
Museo MoMA
Sasha Stiles es una poeta, artista y investigadora de IA de primera generación Kalmyk-americana, reconocida por fusionar tradición e innovación a través de la poesía híbrida, la imaginación generativa y la inteligencia colaborativa. Su práctica transmedia replantea la poesía como arte y tecnología, mezclando palabra, imagen y algoritmo para explorar la voz humana en la era digital. Desde 2018, Stiles ha estado al frente de la co-creación humano-máquina, lanzando proyectos como Technelegy (2021) y colaboraciones que van más allá del papel hacia lo interactivo, lo audiovisual y lo generativo. Su obra ha sido exhibida internacionalmente en museos, galerías y entornos digitales y ha sido recogida por instituciones clave, lo que subraya su papel en la conversación contemporánea sobre arte, tecnología y humanidad.
Sasha Stiles
(Nacida en 1983)
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Cuando no duermo, sueño
Museo MoMA
Oasis in the City reúne una variedad de obras que exploran formas figurativas y abstractas, que abarcan desde finales del siglo XIX hasta el presente.
Oasis en la ciudad
En 1953, el arquitecto Philip Johnson recibió el encargo de rediseñarlo; Introdujo cuatro áreas distintas pavimentadas con mármol para exhibir esculturas junto a piscinas rectangulares poco profundas, árboles y plantas de temporada.
Desde su apertura en 1939, el jardín de esculturas del Museo ha servido como un oasis en la ciudad (como declaró un comunicado de prensa), ofreciendo a los visitantes un respiro del frenesí del centro de Manhattan. El jardín se concibió inicialmente como un espacio informal para instalaciones cambiantes que unían naturaleza, arquitectura y arte.
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La Torre Cápsula Nakagin
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Un gran barrido
Museo MoMA
Kisho Kurokawa (1934–2007) fue un influyente arquitecto japonés y uno de los fundadores del movimiento Metabolista, que proponía una arquitectura flexible y adaptable al cambio. Nacido en Nagoya, Japón, Kurokawa se destacó por su visión futurista y su interés en la relación entre tecnología, naturaleza y sociedad. Su obra más emblemática es la Torre Cápsula Nakagin (1972), en Tokio, un edificio revolucionario compuesto por cápsulas habitacionales modulares que podían desmontarse y reemplazarse de manera independiente. Este proyecto se convirtió en un símbolo de la arquitectura del Japón de posguerra y de la utopía de ciudades en constante transformación. A lo largo de su carrera, Kurokawa desarrolló numerosos proyectos internacionales y teóricos que exploraban conceptos como la “simbiogénesis”, la coexistencia armónica entre culturas y entornos, dejando un legado que influyó profundamente en la arquitectura contemporánea y en las ideas de sostenibilidad urbana.
Kisho Kurokawa
(1934–2007)
Museo MoMA
Wifredo Lam (1902–1982) fue un pintor cubano reconocido por su capacidad para fusionar el modernismo europeo con las raíces africanas y caribeñas. Nacido en Sagua La Grande, Cuba, e hijo de padre chino y madre de ascendencia africana y española, Lam reflejó en su obra la complejidad cultural de su origen. Durante su estancia en Europa, conoció a artistas como Pablo Picasso y se unió al movimiento surrealista, lo que marcó profundamente su estilo. A través de figuras híbridas, símbolos místicos y paisajes oníricos, su pintura exploró temas como la identidad, la espiritualidad y la resistencia cultural. Su obra más emblemática, La jungla (1943), combina influencias africanas, caribeñas y cubistas para representar la riqueza espiritual de Cuba frente a la opresión colonial. Considerado uno de los grandes innovadores del arte del siglo XX, Lam dejó un legado que conecta la modernidad con las raíces culturales del Caribe y del mundo afrodescendiente.
Wifredo Lam
(1902–1982)
Museo MoMA
Ruth Asawa (1926–2013) fue una escultora estadounidense reconocida por sus delicadas obras de alambre tejidas a mano. Nacida en California, de padres japoneses, su vida estuvo marcada por el internamiento de familias japonesas durante la Segunda Guerra Mundial.En el Black Mountain College, un centro clave para la experimentación artística, desarrolló un estilo que unía arte, naturaleza y formas orgánicas. Sus esculturas, inspiradas en técnicas artesanales mexicanas y en patrones naturales, parecen flotar en el aire, creando juegos de luz y movimiento. Defendió el arte como parte esencial de la vida y la educación, impulsando proyectos comunitarios que fomentaban la creatividad infantil. Hoy es reconocida como una de las figuras más importantes del arte moderno estadounidense, admirada por su belleza, innovación y visión humanista del arte.
ruth asawa
(1926–2013)
Museo MoMA
"Este edificio no es un edificio de apartamentos". Con esta declaración, el arquitecto japonés Kisho Kurokawa presentó la Nakagin Capsule Tower como una visión radicalmente nueva para la vida urbana.
la Torre Cápsula Nakagin
La historia de la Torre Cápsula Nakagin nos invita a imaginar cómo la arquitectura podría evolucionar más allá de lo que sus diseñadores imaginan, asumiendo nuevos roles, funciones y significados.
Terminada en 1972, la estructura consistía en 140 cápsulas de ocupación individual, prefabricadas fuera del sitio y unidas a dos núcleos de hormigón y acero en el distrito de Ginza de Tokio. El edificio se convirtió en la realización definitoria de Metabolism, un movimiento japonés de vanguardia de la década de 1960 cuyos miembros imaginaron ciudades y edificios que podrían adaptarse con el tiempo.
Museo MoMA
Samora Pinderhughes (nacido el 4 de septiembre de 1991 en Berkeley, California) es un compositor, pianista, vocalista y artista multidisciplinario cuya obra une música, performance, instalación y activismo. Formado en jazz en la Juilliard School, utiliza su práctica artística para abordar temas como la justicia social, el encarcelamiento masivo, la violencia estructural y la sanación colectiva. Su proyecto más reconocido, The Healing Project, integra entrevistas, música y arte visual para dar voz a personas afectadas por el sistema penal, recibiendo en 2023 una importante beca de la Andrew W. Mellon Foundation. Pinderhughes ha colaborado con figuras como Common, Robert Glasper y Herbie Hancock, y su obra ha sido presentada en espacios como el Museum of Modern Art (MoMA), exhibiendo cómo la música puede articular narrativas de cambio cultural y transformación.
Samora Pinderhughes
(Nacido el 4 de septiembre de 1991)
Museo MoMA
Cada página cobra vida en tiempo real a través de un modelo de lenguaje personalizado, indicaciones intrincadas, conjuntos de datos personalizados y elementos sensoriales como voz, sonido y elementos visuales.
Un poema vivo
El siguiente paso en su experimento en curso es UN POEMA VIVO, un texto infinito impulsado por la imaginación humana y los algoritmos informáticos. Inspirado en el arte basado en texto de la colección del Museo, el poema se reescribe y se interpreta de nuevo cada 60 minutos.
¿Qué significa ser humano en la era de la inteligencia artificial? Desde 2018, la artista y poeta Sasha Stiles ha explorado esta pregunta a través de colaboraciones con su alter ego, Technelegy, un sistema de IA en evolución entrenado para emular y aumentar su escritura y voz. Sus proyectos consideran cómo las mentes humanas y de las máquinas procesan el lenguaje, dando forma a nuevas formas de expresión para un mundo que cambia rápidamente.
Una instalación de vestuario y utilería, así como bocetos en acuarela y una película de una actuación anterior realizada en la Universidad Popular de Guatemala, estarán a la vista en el estudio.
Museo MoMA
Con grabados, dibujos, disfraces, esculturas, videos y una performance relacionada, la obra aborda historias políticas y personales de la guerra civil de Guatemala (1960-96).
Lugar de consuelo
Lugar de Consuelo reformula la historia de la obra revolucionaria El Corazón del espantapájaros, escrita por el dramaturgo guatemalteco Hugo Carrillo en 1962. Durante la guerra civil, el gobierno guatemalteco censuró la obra, de la que Ramírez-Figueroa se enteró por su tío, quien participó en su representación original.
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Oasis en la ciudad
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Llamada y respuesta
Museo MoMA
Ejecutada con pintura acrílica plana de látex, la instalación del piso al techo brinda una experiencia inmersiva, y Odita describe sus colores como expresiones de libertad y cambio.
Songs from Life se pintó en el transcurso de seis semanas, y los visitantes pudieron ver el trabajo específico del sitio emergiendo a través de las paredes y columnas.
Canciones de la vida
En el nuevo encargo a gran escala de Odili Donald Odita en el vestíbulo del MoMA, los colores brillantes y los patrones abstractos crean un caleidoscopio en cascada. Y por primera vez en el proceso de desarrollo del artista, la música sirve como la principal fuente de inspiración. "La música me inspira a pensar en los problemas de mis pinturas", ha dicho Odita.
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Viajeros en el tiempo
Museo MoMA
La exposición “Oasis en la ciudad” fue organizada por el Departamento de Pintura y Escultura del MoMA y se presenta en el histórico Jardín de Esculturas Abby Aldrich Rockefeller, un espacio emblemático del museo. Concebido en 1939 como un refugio que une naturaleza, arte y arquitectura, fue rediseñado en 1953 por el arquitecto Philip Johnson y nombrado en honor a Abby Aldrich Rockefeller, una de las fundadoras del museo. El jardín ha sido descrito como un verdadero “oasis en la ciudad”, donde las esculturas conviven con el entorno natural en el corazón de Manhattan. La exposición actual reúne obras de distintas épocas y estilos, celebrando la armonía entre el arte moderno y el espacio urbano.
Departamento de Pintura y Escultura del MoMA
(Apertura en 1939)
Museo MoMA
Helen Frankenthaler (1928–2011) fue una influyente pintora estadounidense y una de las figuras clave del expresionismo abstracto y de la pintura de campos de color. Nacida en Nueva York, desarrolló una técnica revolucionaria conocida como soak-stain (“empapado y teñido”), en la que vertía pintura diluida sobre lienzos sin imprimar, creando velos de color translúcido y atmósferas poéticas. Su enfoque unió la espontaneidad del gesto abstracto con una profunda sensibilidad hacia el color, inspirando a toda una generación de artistas, incluidos los del movimiento Color Field Painting. A lo largo de su carrera, Frankenthaler exploró la relación entre forma, emoción y paisaje, manteniendo siempre una conexión entre lo visual y lo sensorial. Su obra consolidó la presencia femenina en la vanguardia artística del siglo XX y sigue siendo celebrada por su innovación, libertad expresiva y su impacto en la evolución del arte moderno.
Helen Frankenthaler
(1928–2011)
Van Gogh asignó un lenguaje emocional a la noche y la naturaleza que los alejó de sus apariencias reales.
La noche estrellada
Vincent van Gogh — 1889
La noche estrellada combina azules y amarillos intensos con un estilo gestual que refleja cómo Van Gogh utilizaba el color y la pintura para expresar un mundo más allá del lienzo.
Inspirada en la vista desde su ventana en el asilo de Saint-Rémy, La noche estrellada (junio de 1889) combina observación y creatividad, reflejando el mundo interior de Van Gogh durante su estancia.
“Sabía que corría el riesgo de no ser comprendido ni por el hombre de la calle ni por el resto del público”, señaló Lam, “pero una verdadera obra de arte tiene el poder de hacer trabajar a la imaginación, aunque ello lleve tiempo”.
Museo MoMA
Como declaró célebremente, su arte buscaba ser un “acto de descolonización”. Sus experimentos formales, sus figuras y paisajes en transformación, y su afinidad por la poesía y la colaboración le permitieron interrumpir y superar las estructuras coloniales que encontró en el arte y en la vida.
Cuando no duermo, sueño
La obra de Wifredo Lam amplió los horizontes del modernismo, creando un espacio significativo para la complejidad y belleza cultural de la diáspora afrodescendiente. Nacido en Cuba a inicios del siglo XX, Lam consolidó sus principios políticos y su compromiso con la pintura moderna en una Europa devastada por las guerras en la década de 1930.
Museo MoMA
Call and Response contará con una serie de actuaciones nocturnas en Kravis Studio y un programa público desarrollado con socios comunitarios.
Llamada y respuesta
Basándose en la improvisación y la colaboración, Pinderhughes centra la actuación como una práctica comunitaria que puede facilitar la curación frente a la opresión, el racismo y el encarcelamiento.
Llamada y respuesta es una exposición de nuevos trabajos y actuaciones en vivo de la compositora, cineasta y artista Samora Pinderhughes. Su práctica multidisciplinaria aborda la violencia estructural a través de capas sonoras, interpretación coral, proyección de películas y testimonios de audio.
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Un poema en vivo
Museo MoMA
Helen Frankenthaler dijo que la obra "fue sobre un gran barrido. Tenía la idea básica en mi cabeza: sabía cómo bailarían las líneas. Me sentí seguro de mí mismo".
Un gran barrido
"He explorado una variedad de direcciones y temas a lo largo de los años", reflexionó Frankenthaler. "Pero creo que en toda mi pintura se puede ver la firma de un artista, el trabajo de una muñeca".
Las pinturas de esta exposición ofrecen una exploración sucinta de los experimentos en curso de Frankenthaler. En la década de 1950, desarrolló una técnica exclusiva de verter pintura al óleo diluida sobre lienzo crudo y permitir que el medio penetre en el soporte. A principios de la década de 1960, cambió a la pintura acrílica, lo que permitió bordes más definidos y precipitó un nuevo énfasis en la forma.
Museo MoMA
"No estoy tan interesado en la expresión de algo. Estoy más interesado en lo que puede hacer el material. Por eso sigo explorando", dijo la artista, educadora y líder cívica Ruth Asawa, reflexionando sobre una carrera de seis décadas.
Una retrospectiva
Este primer estudio póstumo celebra las formas en que Asawa transformó continuamente materiales y objetos en sujetos de contemplación, inquietantes distinciones entre abstracción y figuración, figura y fondo, y espacio negativo y positivo.
Con unas 300 obras de arte, Ruth Asawa: Una retrospectiva traza las exploraciones de toda la vida de la artista de materiales y formas en una variedad de medios, que incluyen esculturas de alambre, moldes de bronce, dibujos, pinturas, grabados y obras públicas.
GALERÍA
Canciones de la vida
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Lugar de Consuelo (Place of Solace)
Museo MoMA
Naufus Ramírez-Figueroa (1978, Ciudad de Guatemala) es un artista guatemalteco que vive y trabaja entre Guatemala y Berlín. Se especializa en instalación, escultura, video y performance, explorando la memoria colectiva, la identidad y las secuelas del conflicto armado de Guatemala. Formado en el mundo del arte en Vancouver (BA en Media Arts) y en Chicago (MFA en Fine Arts), y con periodo de investigación en la Jan van Eyck Academie, su obra mezcla teatralidad, simbolismos y referencias históricas con un lenguaje a veces lúdico, a veces crítico. Ramírez-Figueroa ha participado en exposiciones internacionales y ha sido reconocido con diversas becas y premios, entre ellos la prestigiosa Guggenheim Fellowship. Su trabajo nos invita a reconsiderar el pasado desde formas visuales innovadoras, conectando lo personal y lo colectivo.
Naufus Ramírez-Figueroa
(1978, Ciudad de Guatemala)