MANIERISMO
MUSEO
SALA 4
SALA 8
wc
wc
SALA 6
SALA 2
SALA 7
SALA 3
SALA 5
SALA 1
Las bodas de Caná, de Veronese, mide casi 70 m2 (el equivalente a un apartamento de dos dormitorios) y es el mayor cuadro del Louvre con 130 personajes. Representa el primer milagro de Jesús, quien fue invitado a una boda, y habiéndose terminado el vino, convirtió varias tinajas de agua en más vino. Jesús y la Virgen están en el centro del cuadro y son los únicos que portan aureola, pero, aun así, se podría decir que pasan desapercibidos.la obra.
Representa el momento en que la esposa de Darío, Sisigambis, y sus hijas, se encuentran con Alejandro Magno, a quien confunden inicialmente con el heraldo. La pintura destaca por su exuberante uso del color y la riqueza de los detalles, aunque los personajes visten trajes del siglo XVI en lugar de atuendos de la época histórica.
Cuando Veronese presentó este enorme cuadro los monjes se quedaron ojipláticos. ¡Una última cena con enanos, perros, protestantes, niños…! ¡Todo tipo de gente pasando completamente del mismísimo Jesucristo e incluso dándole la espalda…! Este era un trabajo para la Santa Inquisición. Veronese fue inmediatamente llamado a declarar por tal herejía.
Bajo la sombra de un álamo un Adonis dormido y tranquilo descansa sobre el regazo de Venus mientras ella le abanica. Les rodea un paisaje idílico de belleza petrarquista que parece sacado de las Bucólicas de Virgilio, perfecto para el descanso. Pero esta paz va a ser interrumpida. Desde un principio podemos ver que algo no va bien.
La familia de darío ante alejandro
Convito in casa di LevI(CENA EN CASA DE LEVÍ)
Nozze di Cana(las bodas de caná)
VENERE E ADONE(Venus y adonis)
Paolo Veronese, 1565. Óleo (236.2 × 474.9 cm.)The National Gallery, Londres.
Paolo Veronese, 1562. Óleo (677 × 994 cm) Museo del Louvre, París.
Paolo Veronese, 1573. Óleo (560 cm × 1309 cm.) Museo Gallerie dell’Accademia, Venecia.
Paolo Veronese, 1580. Óleo (162 x 191 cm.) Museo del Prado, Madrid.
Tiziano debía vivir un momento oscuro, porque no escatima en violencia y crueldad para representar el momento donde el sátiro Marsias es desollado vivo por ponerse demasiado chulo con Apolo en cuanto a quién era mejor músico.la obra.
Robada por Napoleón (por eso está en el Louvre), esta pintura fue creada para presidir la iglesia de Santa Maria delle Grazie de Milán, pero como pasa en el Louvre, otra dichosa pintura de Da Vinci le quitaría el protagonismo a la de Tiziano.
Tiziano pintó esta famosa obra que pertenece a un ciclo pictórico llamado poesías, que es un conjunto de obras de tema mitológico que le encargó Felipe II entre 1553 y 1562. En el siglo XVl, el término «poesía» se aplicaba a las pinturas concebidas para el deleite de los sentidos.
Venus sirve de musa a un organista, que parece más preocupado por la reacción de la diosa que a darle a las teclas. Ella, por su parte, parece más interesada en jugar con su perrito que en la canción que le está tocando el músico.
Incoronazione di spine (coronación de espinas)
Punizione di Marsia(castigo de marsias)
Il rapimento di Europa(el rapto de europa)
Venere con organista(venus recreandose en la música)
Tiziano, 1576. Óleo (220 x 204 cm.) Palacio Arzobispal, Kroměříž (República Checa)
Tiziano, 1543. Óleo (303 × 180 cm.) Louvre, París (Francia)
Tiziano, 1562. Óleo (178 x 205 cm.) Museo Isabella Stewart Gardner, Boston (Estados Unidos)
Tiziano, 1550. Óleo (138 x 222,4 cm.) Museo del Prado, Madrid.
La creación de esta pintura se afianza como la unión de estilos renacentistas y la utilización de colores ricos y saturados típicos de la región veneciana. Se puede observar la figura de Cristo presidiendo la escena, vestido con los colores-símbolo del Martirio (rojo) y la Eternidad (azul).
Uno de los últimos cuadros de El Greco para ilustrar el Libro del Apocalipsis (6:9–11), con las almas de los mártires perseguidos clamando justicia a Dios y un enorme San Juan protagonizando la escena en primer plano.
Muchos piensan que su arte de otro mundo se debía a su misticismo, a su locura, a su astigmatismo… quizás El Greco sólo combinó una genial mezcla de culturas con las que estuvo en contacto (Gracia, Italia, España, de ahí que sea un artista tan universal) y las agitó con un talento y personalidad únicas.
El Greco, combinó el estilo bizantino de su tierra, un poco de Renacimiento y bastante Manierismo para crear un arte nuevo, inédito y único. Además hacía que sus figuras tuvieran formas alargadas de forma antinatural y exageraba la intensidad expresiva de los fondos, aumentando así el misticismo de su arte.
CRISTO cargando la cruz
la purificación del templo
Visión del apocalipsis
El Greco, 1570. Óleo (65.4 x 83.2 cm.) National Gallery, Washington D.C. (Estados Unidos)
El Greco, 1614. Óleo (224,8 cm × 199,4 cm.) Museo Metropolitano, Nueva York (Estados Unidos)
Piedad
El Greco, 1580. Óleo (105 × 79 cm.) Museo Metropolitano, Nueva York (Estados Unidos)
El Greco, 1597. Óleo (120 x 145 cm.) Stavros Niarchos Collection, París (Francia)
Este Bibliotecario lo hizo para Maximiliano II, primo de Felipe II, y siguiendo el estilo de este artista singular, representa a un bibliotecario hecho a base de libros. Es otro ejemplo de sus conocidas «dobles imágenes», tan valoradas por esos emperadores alemanes y sus cortes de personajes estrafalarios, muy en sintonía con la atmósfera paracientífica de esos años de manierismo, acertijos, oscurantismo estético y pareidolia colectiva.
Giuseppe Arcimboldo pinta con su particularísimo estilo al emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, Rodolfo II. Lo pinta a partir de flores, verduras y frutas, dando la idea de que es también un retrato de dios romano Vertumno, dios del cambio, de la mutación, del paso de una estación del año a otra.
Una cabeza de perfil formada por flores y hojas primaverales, que además de jugar con los géneros (¿bodegón o retrato?), y las ilusiones ópticas, lo hace también con continentes y contenidos, como lo harían 400 años después surrealistas como Magritte o Dalí (ambos fans confesos del pintor).
El otoño muestra un hombre de rasgos toscos que mira a la izquierda. La figura está formada por varios productos típicos de esta estación como pueden ser las uvas, peras y manzanas, higos, castañas, calabazas o setas… Probablemente el artista ingirió un par de estas últimas para poder imaginar semejante obra creativa en pleno siglo XVI.
L'imperatore Rodolfo II in veste di Vertumno (rodolfo ii)
el bibliotecario
L'Autunno (otoño)
primavera
Giuseppe Arcimboldo, 1564. Óleo (97 x 71 cm.) Castillo de Skokloster, Estocolmo (Suecia).
Guiseppe Arcimboldo, 1591. Óleo (68 × 56 cm.) Castillo de Skokloster, Estocolmo (Suecia)
Guiseppe Arcimboldo, 1573. Óleo ( 66×50 cm.) Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid (España)
Guiseppe Arcimboldo, 1573. Óleo (76 x 64 cm.) Louvre, París (Francia).
la escena es bastante confusa y sugiere numerosas interpretaciones, con toda esa gente rara haciendo cosas dramáticas más propias del Barroco que del Renacimiento. El artista juega con la luz y las sombras como se haría cuatro décadas después. Y ese fondo… un lugar oscuro que recuerda a la Casa de Blanco y Negro de Juego de tronos. La iglesia es seguramente la basílica de Boucolis en Alejandría, donde san Marcos fue martirizado.
Tintoretto nos está contando la historia con las miradas: la princesa mira al dragón, el dragón mira a San Jorge. El esquema de líneas diagonales da dinamismo a la historia, pero es que además funciona muy bien para dar profundidad a la obra. Por algo le llamaban «el Furioso».
El artista busca representar historias que se han contado mil veces de una forma nueva.
El artista narra una escena de la vida del patrón de su ciudad, san Marcos, que según la tradición salvó a un tío que iba a ser castigado por venerar sus reliquias. Al pobre hombre le iban a romper los huesos, partirle la boca y dejarlo ciego, pero justo apareció san Marcos, que como vemos aquí, aparece de lo alto con un mega-escorzo para destruir las herramientas de tortura y aturdiendo a la multitud.
El pintor tardó seis años en acabar la pieza final, una representación de Paraíso con sus nubes donde la gente se sienta, interactúa, canta, toca música, lee y se retuerce. Un Totum Revolutum, un Horror Vacui, un amasijo mareante de figuras moviéndose. Bajo la óptica del genio manierista, este cielo parece un poco ajetreado.
Il Ritrovamento del corpo di San Marco (descubrimiento del cuerpo de san marcos)
San Giorgio e il drago (San jorge y el dragón)
Il miracolo dello schiavo (san marcos liberando al esclavo)
Gloria del Paradiso (el paraíso)
Tintoretto, 1555. Óleo (158,3 × 100 cm.) National Gallery, Londres (Reino Unido).
Tintoretto, 1588. Óleo (174,5 x 494 cm.) Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (España)
Tintoretto, 1566. Óleo (405 x 405 cm.) Pinacoteca Brera, Milán (Italia)
Tintoretto, 1548. Óleo (416 × 544 cm.) Gallerie dell’Accademia, Venecia (Italia)
Un fresco que plasma una humanidad en continua incertidumbre que Bronzino recrea con su característico clasicismo a la maniera del divino Miguel Ángel. Un Manierismo que enfatizaba el artificio como posturas rebuscadas, líneas serpentinatas y una cierta carga erótica proporcionada a las figuras, por más cristianas que fueran. En definitiva, un puente hacia el Barroco.
Bronzino fue uno de los artistas de confianza de la poderosa familia Médici, e inmortalizó en numerosos retratos a diversos miembros de esta. A Bronzino le encargan en esta ocasión un retrato maternal, el de Leonor con el menor de sus hijos por aquel momento: Juan (Giovanni en italiano) de Médici, el segundo varón del matrimonio. El pequeño no debía tener más de uno o dos años de edad cuando fue retratado.
Esta gran alegoría nos muestra el lado A y el B del amor. Las figuras principales aparecen en el centro: madre e hijo dándose un beso de lengua (zoom!) ¿Perdón? Bueno, sí: es bien sabido que no debemos comparar la vida de los dioses con nuestro triste y mortal mundo de las apariencias. Las dos figuras más representativas del amor, aquí unidas, llevando a cabo el gran gesto que así lo describe: un beso.
Una escena casi onírica, más aún por esa manera de mostar el paisaje como si fuera comopuesto por maquetas, con varios niveles de iluminación: toda la parte de arriba es cielo azul (realizado con lapislázuli, que no era precisamente barato en 1539) y un poco más abajo está salpicado de lagos, montañitas y vegetación.
Adorazione del Serpente di Bronzo (La adoración de la serpiente de bronce)
Ritratto di Eleonora di Toledo con il figlio Giovanni (Leonor de Toledo y su hijo Giovanni)
L'Adorazione dei pastori (Ampliar
Adoración de los pastores)
Allegoria del trionfo di Venere (alegoria del amor)
Bronzino, 1539. Óleo (65,3 x 46,7 cm.) Magyar Nemzeti Galéria, Budapest (Hungría)
Bronzino, 1545. Fresco (380 x 300 cm.) Palazzo Vecchio, Florencia (Italia)
Bronzino, 1545. Óleo (146.1 × 116.2 cm.) National Gallery, Londres (Reino Unido)
Bronzino, 1544. Óleo (115 x 96 cm.) Galleria Uffizi, Florencia (Italia).
Moglie del nobile Pierino Maselli, con sei dei suoi figli (cinque figli e sua figlia Verginia) (Retrato de Bianca degli Utili Maselli y sus hijos)
Bianca Degli Utili era la esposa del noble Pierino Maselli y aquí aparece retratada junto a seis de sus hijos (y un perro, y un pájaro). Si… Se trata de una de esas familias horripilantes que visten todos igual.
La pobre Bianca tuvo hijos como una coneja toda su vida. Vivió embarazada continuamente hasta que murió a los 37 años dando a luz al cachorro número 19.
Bozzetto per le teste di quattro apostoli seduti a sinistra nell'Ultima Cena, Duomo di Urbino (Boceto para cuatro apóstoles en la última cena)
Barocci fue un pionero en realizar bocetos al óleo de sus obras, perfeccionando sus tonos suaves y opalescentes. Dichos estudios fueron parte de un proceso complejo de estudios gestuales, estudios de composición, estudios de figura (utilizando modelos), estudios de iluminación (utilizando modelos de arcilla), estudios de perspectiva, estudios de color, estudios de naturaleza…
Una de las hijas de Petrus Gonsalvus era Antonietta, aquí retratada con gran ternura y simpatía por la gran Lavinia Fontana, quizás la pintora más importante de la época. Un retrato infantil en el que Antonietta porta una carta explicando un poco la historia de su familia y dando a entender que ella y os suyos eran poco más que curiosidades que los nobles de la época podía coleccionar como animales exóticos.
Barocci pinta a lo veneciano esta Natividad llena de luz y de color, pese a que es de noche, y con ello dota a la pintura de esa atmósfera especial y poética, además de subrayar la metáfora del evangelio en la que Jesús es la nueva luz del mundo.
Natività (natividad)
Antonietta Gonsalvus
Federico Barocci, 1597. Óleo (134 x 105 cm.) Museo del Prado, Madrid (España)
Lavinia Fontana, 1605. Óleo (99 x 133.5 cm.) Colección particular
Lavinia Fontana, 1580. Óleo (57 x 46 cm.) Musée du Château, Blois (Francia)
Federico Barocci, 1592. Óleo ( 42,5 x 60 cm.) Colección particular
Aquí Mercurio (mensajero de los dioses, dios de los viajes, el comercio y los ladrones…) asume un arabesco, en un precario equilibrio sobre los dedos de los pies, y apunta hacia arriba a Júpiter, su jefe. Se mantiene en pie en un eje vertical absolutamente equilibrado, lo que nos da una sensación de “tranquilidad armónica” y el Dios puede mantener esa postura toda la eternidad.
El Perseo de Cellini demuestra que con el arte, se saca belleza hasta de los actos más atroces, como puede ser una decapitación. Perseo nos muestra la cabeza de la Medusa mientras a sus pies está el resto del cadáver.
La sangre sale del cuello de la cabeza cercenada (algo muy complicado en escultura en bronce).
Se teoriza que Giambologna comenzó esta escultura como un reto personal.
En un principio, ni siquiera sabía qué personajes ni temática iba a representar, y fue al estar casi acabada cuando decidió que lo más adecuado para tal resultado era que se tratara de un rapto, concretamente el de una sabina.
Muy cerca de la ciudad de Florencia, en los jardines del Parco di Mediceo Pratolino (hoy Villa Demidoff), creó el escultor Giambologna esta colosal estatua, mitad hombre, mitad montaña tallada en piedra. Es como un dios que sujeta la cabeza de un monstruo por el que sale el chorro de la fuente.
Perseo con la testa di Medusa (Perseo con la cabeza de Medusa)
Ratto della Sabina (el rapto de una sabina)
Appennino (el coloso de los apeninos)
mercurio
Benvenuto Cellini, 1554. Escultura (320 cm. (520 cm. con pedestal)) Piazza della Signoria , Florencia (Italia)
Giambologna, 1580. Escultura (180 cm.) Museo Nazionale del Bargello, Florencia (Italia)
Giambologna, 1574. Escultura (420 cm.) Loggia della Signoria, Florencia (Italia)
Giambologna, 1580. Escultura (12 m. de altura.) Villa Demidoff, Pratolino (Italia)
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE MÉXICO FACULTAD DE HUMANIDADES LICENCIATURA EN HISTORIA GRUPO 32 DOCENTE: JOSÉ MANUEL YHMOFF SOTO DISCENTE: DANILE FLORES MEJÍA
¿Qué es?
El manierismo se define como un estilo artís tico que surgió en Italia entre 1520 y 1600, aproximadamente entre el saqueo de Roma (1527) y el ascenso del clasicismo de los Carracci.Sin embargo, con el tiempo se reconoció que el manierismo fue un movimiento autónomo, caracterizado por:
- La búsqueda de la belleza ideal y la elegancia refinada, más que la imitación fiel de la naturaleza.
- Figuras alargadas y poses complejas, con un claro gusto por lo artificial y lo intelectual.
- Colores intensos y composiciones dinámicas, que rompen con la armonía del Renacimiento.
- Expresividad espiritual o emocional, que anticipa el dramatismo del Barroco
El manierismo representa la transición entre el Renacimiento y el Barroco, y expresa un arte más subjetivo, sofisticado y cargado de virtuosismo técnico, en el que la gracia y el estilo personal del artista prevalecen sobre la estricta imitación de la realidad
REFERENCIAS
Historia/Arte. (s. f.). Giuseppe Arcimboldo. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/giuseppe-arcimboldo Historia/Arte. (s. f.). Lavinia Fontana. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/lavinia-fontana Historia/Arte. (s. f.). Paolo Veronese. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/paolo-veronese Historia/Arte. (s. f.). Tintoretto. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/tintoretto Historia/Arte. (s. f.). Tiziano. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/tiziano Vila da Vila, M. (s. f.). El manierismo y sus maneras. España.
Historia/Arte. (s. f.). Benvenuto Cellini. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/benvenuto-cellini Historia/Arte. (s. f.). Bronzino. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/bronzino Historia/Arte. (s. f.). El Greco. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/el-greco Historia/Arte. (s. f.). Federico Barocci. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/federico-barocci Historia/Arte. (s. f.). Giambologna. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/giambologna
MUSEO MANIERISMO
Danile Flores
Created on October 19, 2025
Start designing with a free template
Discover more than 1500 professional designs like these:
View
Semicircle Mind Map
View
Team Retrospective
View
Fill in the Blanks
View
Museum Flipcards
View
Image Comparison Slider
View
Microcourse: Key Skills for the Professional Environment
View
The Meeting Microlearning
Explore all templates
Transcript
MANIERISMO
MUSEO
SALA 4
SALA 8
wc
wc
SALA 6
SALA 2
SALA 7
SALA 3
SALA 5
SALA 1
Las bodas de Caná, de Veronese, mide casi 70 m2 (el equivalente a un apartamento de dos dormitorios) y es el mayor cuadro del Louvre con 130 personajes. Representa el primer milagro de Jesús, quien fue invitado a una boda, y habiéndose terminado el vino, convirtió varias tinajas de agua en más vino. Jesús y la Virgen están en el centro del cuadro y son los únicos que portan aureola, pero, aun así, se podría decir que pasan desapercibidos.la obra.
Representa el momento en que la esposa de Darío, Sisigambis, y sus hijas, se encuentran con Alejandro Magno, a quien confunden inicialmente con el heraldo. La pintura destaca por su exuberante uso del color y la riqueza de los detalles, aunque los personajes visten trajes del siglo XVI en lugar de atuendos de la época histórica.
Cuando Veronese presentó este enorme cuadro los monjes se quedaron ojipláticos. ¡Una última cena con enanos, perros, protestantes, niños…! ¡Todo tipo de gente pasando completamente del mismísimo Jesucristo e incluso dándole la espalda…! Este era un trabajo para la Santa Inquisición. Veronese fue inmediatamente llamado a declarar por tal herejía.
Bajo la sombra de un álamo un Adonis dormido y tranquilo descansa sobre el regazo de Venus mientras ella le abanica. Les rodea un paisaje idílico de belleza petrarquista que parece sacado de las Bucólicas de Virgilio, perfecto para el descanso. Pero esta paz va a ser interrumpida. Desde un principio podemos ver que algo no va bien.
La familia de darío ante alejandro
Convito in casa di LevI(CENA EN CASA DE LEVÍ)
Nozze di Cana(las bodas de caná)
VENERE E ADONE(Venus y adonis)
Paolo Veronese, 1565. Óleo (236.2 × 474.9 cm.)The National Gallery, Londres.
Paolo Veronese, 1562. Óleo (677 × 994 cm) Museo del Louvre, París.
Paolo Veronese, 1573. Óleo (560 cm × 1309 cm.) Museo Gallerie dell’Accademia, Venecia.
Paolo Veronese, 1580. Óleo (162 x 191 cm.) Museo del Prado, Madrid.
Tiziano debía vivir un momento oscuro, porque no escatima en violencia y crueldad para representar el momento donde el sátiro Marsias es desollado vivo por ponerse demasiado chulo con Apolo en cuanto a quién era mejor músico.la obra.
Robada por Napoleón (por eso está en el Louvre), esta pintura fue creada para presidir la iglesia de Santa Maria delle Grazie de Milán, pero como pasa en el Louvre, otra dichosa pintura de Da Vinci le quitaría el protagonismo a la de Tiziano.
Tiziano pintó esta famosa obra que pertenece a un ciclo pictórico llamado poesías, que es un conjunto de obras de tema mitológico que le encargó Felipe II entre 1553 y 1562. En el siglo XVl, el término «poesía» se aplicaba a las pinturas concebidas para el deleite de los sentidos.
Venus sirve de musa a un organista, que parece más preocupado por la reacción de la diosa que a darle a las teclas. Ella, por su parte, parece más interesada en jugar con su perrito que en la canción que le está tocando el músico.
Incoronazione di spine (coronación de espinas)
Punizione di Marsia(castigo de marsias)
Il rapimento di Europa(el rapto de europa)
Venere con organista(venus recreandose en la música)
Tiziano, 1576. Óleo (220 x 204 cm.) Palacio Arzobispal, Kroměříž (República Checa)
Tiziano, 1543. Óleo (303 × 180 cm.) Louvre, París (Francia)
Tiziano, 1562. Óleo (178 x 205 cm.) Museo Isabella Stewart Gardner, Boston (Estados Unidos)
Tiziano, 1550. Óleo (138 x 222,4 cm.) Museo del Prado, Madrid.
La creación de esta pintura se afianza como la unión de estilos renacentistas y la utilización de colores ricos y saturados típicos de la región veneciana. Se puede observar la figura de Cristo presidiendo la escena, vestido con los colores-símbolo del Martirio (rojo) y la Eternidad (azul).
Uno de los últimos cuadros de El Greco para ilustrar el Libro del Apocalipsis (6:9–11), con las almas de los mártires perseguidos clamando justicia a Dios y un enorme San Juan protagonizando la escena en primer plano.
Muchos piensan que su arte de otro mundo se debía a su misticismo, a su locura, a su astigmatismo… quizás El Greco sólo combinó una genial mezcla de culturas con las que estuvo en contacto (Gracia, Italia, España, de ahí que sea un artista tan universal) y las agitó con un talento y personalidad únicas.
El Greco, combinó el estilo bizantino de su tierra, un poco de Renacimiento y bastante Manierismo para crear un arte nuevo, inédito y único. Además hacía que sus figuras tuvieran formas alargadas de forma antinatural y exageraba la intensidad expresiva de los fondos, aumentando así el misticismo de su arte.
CRISTO cargando la cruz
la purificación del templo
Visión del apocalipsis
El Greco, 1570. Óleo (65.4 x 83.2 cm.) National Gallery, Washington D.C. (Estados Unidos)
El Greco, 1614. Óleo (224,8 cm × 199,4 cm.) Museo Metropolitano, Nueva York (Estados Unidos)
Piedad
El Greco, 1580. Óleo (105 × 79 cm.) Museo Metropolitano, Nueva York (Estados Unidos)
El Greco, 1597. Óleo (120 x 145 cm.) Stavros Niarchos Collection, París (Francia)
Este Bibliotecario lo hizo para Maximiliano II, primo de Felipe II, y siguiendo el estilo de este artista singular, representa a un bibliotecario hecho a base de libros. Es otro ejemplo de sus conocidas «dobles imágenes», tan valoradas por esos emperadores alemanes y sus cortes de personajes estrafalarios, muy en sintonía con la atmósfera paracientífica de esos años de manierismo, acertijos, oscurantismo estético y pareidolia colectiva.
Giuseppe Arcimboldo pinta con su particularísimo estilo al emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, Rodolfo II. Lo pinta a partir de flores, verduras y frutas, dando la idea de que es también un retrato de dios romano Vertumno, dios del cambio, de la mutación, del paso de una estación del año a otra.
Una cabeza de perfil formada por flores y hojas primaverales, que además de jugar con los géneros (¿bodegón o retrato?), y las ilusiones ópticas, lo hace también con continentes y contenidos, como lo harían 400 años después surrealistas como Magritte o Dalí (ambos fans confesos del pintor).
El otoño muestra un hombre de rasgos toscos que mira a la izquierda. La figura está formada por varios productos típicos de esta estación como pueden ser las uvas, peras y manzanas, higos, castañas, calabazas o setas… Probablemente el artista ingirió un par de estas últimas para poder imaginar semejante obra creativa en pleno siglo XVI.
L'imperatore Rodolfo II in veste di Vertumno (rodolfo ii)
el bibliotecario
L'Autunno (otoño)
primavera
Giuseppe Arcimboldo, 1564. Óleo (97 x 71 cm.) Castillo de Skokloster, Estocolmo (Suecia).
Guiseppe Arcimboldo, 1591. Óleo (68 × 56 cm.) Castillo de Skokloster, Estocolmo (Suecia)
Guiseppe Arcimboldo, 1573. Óleo ( 66×50 cm.) Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid (España)
Guiseppe Arcimboldo, 1573. Óleo (76 x 64 cm.) Louvre, París (Francia).
la escena es bastante confusa y sugiere numerosas interpretaciones, con toda esa gente rara haciendo cosas dramáticas más propias del Barroco que del Renacimiento. El artista juega con la luz y las sombras como se haría cuatro décadas después. Y ese fondo… un lugar oscuro que recuerda a la Casa de Blanco y Negro de Juego de tronos. La iglesia es seguramente la basílica de Boucolis en Alejandría, donde san Marcos fue martirizado.
Tintoretto nos está contando la historia con las miradas: la princesa mira al dragón, el dragón mira a San Jorge. El esquema de líneas diagonales da dinamismo a la historia, pero es que además funciona muy bien para dar profundidad a la obra. Por algo le llamaban «el Furioso». El artista busca representar historias que se han contado mil veces de una forma nueva.
El artista narra una escena de la vida del patrón de su ciudad, san Marcos, que según la tradición salvó a un tío que iba a ser castigado por venerar sus reliquias. Al pobre hombre le iban a romper los huesos, partirle la boca y dejarlo ciego, pero justo apareció san Marcos, que como vemos aquí, aparece de lo alto con un mega-escorzo para destruir las herramientas de tortura y aturdiendo a la multitud.
El pintor tardó seis años en acabar la pieza final, una representación de Paraíso con sus nubes donde la gente se sienta, interactúa, canta, toca música, lee y se retuerce. Un Totum Revolutum, un Horror Vacui, un amasijo mareante de figuras moviéndose. Bajo la óptica del genio manierista, este cielo parece un poco ajetreado.
Il Ritrovamento del corpo di San Marco (descubrimiento del cuerpo de san marcos)
San Giorgio e il drago (San jorge y el dragón)
Il miracolo dello schiavo (san marcos liberando al esclavo)
Gloria del Paradiso (el paraíso)
Tintoretto, 1555. Óleo (158,3 × 100 cm.) National Gallery, Londres (Reino Unido).
Tintoretto, 1588. Óleo (174,5 x 494 cm.) Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (España)
Tintoretto, 1566. Óleo (405 x 405 cm.) Pinacoteca Brera, Milán (Italia)
Tintoretto, 1548. Óleo (416 × 544 cm.) Gallerie dell’Accademia, Venecia (Italia)
Un fresco que plasma una humanidad en continua incertidumbre que Bronzino recrea con su característico clasicismo a la maniera del divino Miguel Ángel. Un Manierismo que enfatizaba el artificio como posturas rebuscadas, líneas serpentinatas y una cierta carga erótica proporcionada a las figuras, por más cristianas que fueran. En definitiva, un puente hacia el Barroco.
Bronzino fue uno de los artistas de confianza de la poderosa familia Médici, e inmortalizó en numerosos retratos a diversos miembros de esta. A Bronzino le encargan en esta ocasión un retrato maternal, el de Leonor con el menor de sus hijos por aquel momento: Juan (Giovanni en italiano) de Médici, el segundo varón del matrimonio. El pequeño no debía tener más de uno o dos años de edad cuando fue retratado.
Esta gran alegoría nos muestra el lado A y el B del amor. Las figuras principales aparecen en el centro: madre e hijo dándose un beso de lengua (zoom!) ¿Perdón? Bueno, sí: es bien sabido que no debemos comparar la vida de los dioses con nuestro triste y mortal mundo de las apariencias. Las dos figuras más representativas del amor, aquí unidas, llevando a cabo el gran gesto que así lo describe: un beso.
Una escena casi onírica, más aún por esa manera de mostar el paisaje como si fuera comopuesto por maquetas, con varios niveles de iluminación: toda la parte de arriba es cielo azul (realizado con lapislázuli, que no era precisamente barato en 1539) y un poco más abajo está salpicado de lagos, montañitas y vegetación.
Adorazione del Serpente di Bronzo (La adoración de la serpiente de bronce)
Ritratto di Eleonora di Toledo con il figlio Giovanni (Leonor de Toledo y su hijo Giovanni)
L'Adorazione dei pastori (Ampliar Adoración de los pastores)
Allegoria del trionfo di Venere (alegoria del amor)
Bronzino, 1539. Óleo (65,3 x 46,7 cm.) Magyar Nemzeti Galéria, Budapest (Hungría)
Bronzino, 1545. Fresco (380 x 300 cm.) Palazzo Vecchio, Florencia (Italia)
Bronzino, 1545. Óleo (146.1 × 116.2 cm.) National Gallery, Londres (Reino Unido)
Bronzino, 1544. Óleo (115 x 96 cm.) Galleria Uffizi, Florencia (Italia).
Moglie del nobile Pierino Maselli, con sei dei suoi figli (cinque figli e sua figlia Verginia) (Retrato de Bianca degli Utili Maselli y sus hijos)
Bianca Degli Utili era la esposa del noble Pierino Maselli y aquí aparece retratada junto a seis de sus hijos (y un perro, y un pájaro). Si… Se trata de una de esas familias horripilantes que visten todos igual. La pobre Bianca tuvo hijos como una coneja toda su vida. Vivió embarazada continuamente hasta que murió a los 37 años dando a luz al cachorro número 19.
Bozzetto per le teste di quattro apostoli seduti a sinistra nell'Ultima Cena, Duomo di Urbino (Boceto para cuatro apóstoles en la última cena)
Barocci fue un pionero en realizar bocetos al óleo de sus obras, perfeccionando sus tonos suaves y opalescentes. Dichos estudios fueron parte de un proceso complejo de estudios gestuales, estudios de composición, estudios de figura (utilizando modelos), estudios de iluminación (utilizando modelos de arcilla), estudios de perspectiva, estudios de color, estudios de naturaleza…
Una de las hijas de Petrus Gonsalvus era Antonietta, aquí retratada con gran ternura y simpatía por la gran Lavinia Fontana, quizás la pintora más importante de la época. Un retrato infantil en el que Antonietta porta una carta explicando un poco la historia de su familia y dando a entender que ella y os suyos eran poco más que curiosidades que los nobles de la época podía coleccionar como animales exóticos.
Barocci pinta a lo veneciano esta Natividad llena de luz y de color, pese a que es de noche, y con ello dota a la pintura de esa atmósfera especial y poética, además de subrayar la metáfora del evangelio en la que Jesús es la nueva luz del mundo.
Natività (natividad)
Antonietta Gonsalvus
Federico Barocci, 1597. Óleo (134 x 105 cm.) Museo del Prado, Madrid (España)
Lavinia Fontana, 1605. Óleo (99 x 133.5 cm.) Colección particular
Lavinia Fontana, 1580. Óleo (57 x 46 cm.) Musée du Château, Blois (Francia)
Federico Barocci, 1592. Óleo ( 42,5 x 60 cm.) Colección particular
Aquí Mercurio (mensajero de los dioses, dios de los viajes, el comercio y los ladrones…) asume un arabesco, en un precario equilibrio sobre los dedos de los pies, y apunta hacia arriba a Júpiter, su jefe. Se mantiene en pie en un eje vertical absolutamente equilibrado, lo que nos da una sensación de “tranquilidad armónica” y el Dios puede mantener esa postura toda la eternidad.
El Perseo de Cellini demuestra que con el arte, se saca belleza hasta de los actos más atroces, como puede ser una decapitación. Perseo nos muestra la cabeza de la Medusa mientras a sus pies está el resto del cadáver. La sangre sale del cuello de la cabeza cercenada (algo muy complicado en escultura en bronce).
Se teoriza que Giambologna comenzó esta escultura como un reto personal. En un principio, ni siquiera sabía qué personajes ni temática iba a representar, y fue al estar casi acabada cuando decidió que lo más adecuado para tal resultado era que se tratara de un rapto, concretamente el de una sabina.
Muy cerca de la ciudad de Florencia, en los jardines del Parco di Mediceo Pratolino (hoy Villa Demidoff), creó el escultor Giambologna esta colosal estatua, mitad hombre, mitad montaña tallada en piedra. Es como un dios que sujeta la cabeza de un monstruo por el que sale el chorro de la fuente.
Perseo con la testa di Medusa (Perseo con la cabeza de Medusa)
Ratto della Sabina (el rapto de una sabina)
Appennino (el coloso de los apeninos)
mercurio
Benvenuto Cellini, 1554. Escultura (320 cm. (520 cm. con pedestal)) Piazza della Signoria , Florencia (Italia)
Giambologna, 1580. Escultura (180 cm.) Museo Nazionale del Bargello, Florencia (Italia)
Giambologna, 1574. Escultura (420 cm.) Loggia della Signoria, Florencia (Italia)
Giambologna, 1580. Escultura (12 m. de altura.) Villa Demidoff, Pratolino (Italia)
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE MÉXICO FACULTAD DE HUMANIDADES LICENCIATURA EN HISTORIA GRUPO 32 DOCENTE: JOSÉ MANUEL YHMOFF SOTO DISCENTE: DANILE FLORES MEJÍA
¿Qué es?
El manierismo se define como un estilo artís tico que surgió en Italia entre 1520 y 1600, aproximadamente entre el saqueo de Roma (1527) y el ascenso del clasicismo de los Carracci.Sin embargo, con el tiempo se reconoció que el manierismo fue un movimiento autónomo, caracterizado por:
- Colores intensos y composiciones dinámicas, que rompen con la armonía del Renacimiento.
- Expresividad espiritual o emocional, que anticipa el dramatismo del Barroco
El manierismo representa la transición entre el Renacimiento y el Barroco, y expresa un arte más subjetivo, sofisticado y cargado de virtuosismo técnico, en el que la gracia y el estilo personal del artista prevalecen sobre la estricta imitación de la realidadREFERENCIAS
Historia/Arte. (s. f.). Giuseppe Arcimboldo. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/giuseppe-arcimboldo Historia/Arte. (s. f.). Lavinia Fontana. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/lavinia-fontana Historia/Arte. (s. f.). Paolo Veronese. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/paolo-veronese Historia/Arte. (s. f.). Tintoretto. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/tintoretto Historia/Arte. (s. f.). Tiziano. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/tiziano Vila da Vila, M. (s. f.). El manierismo y sus maneras. España.
Historia/Arte. (s. f.). Benvenuto Cellini. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/benvenuto-cellini Historia/Arte. (s. f.). Bronzino. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/bronzino Historia/Arte. (s. f.). El Greco. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/el-greco Historia/Arte. (s. f.). Federico Barocci. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/federico-barocci Historia/Arte. (s. f.). Giambologna. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/giambologna