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La evolución del diseño audiovisual
Chris
Created on September 24, 2025
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La evolución del diseño audiovisual
1890
1960
1920
1940
1950
20002010
2025
1970
1980
1990
1890
Workers Leaving the Lumière Factory (1895)
Louis Lumière (Primer cine 1890-1900)
Este periodo se caracteriza por los primeros experimentos cinematográficos. La tecnología de grabación era debíl y las películas cortas solo tenían escenas de la vida cotidiana, sin voz, es decir, era cine mudo.Los Lumière y otros directores mostraron al público imágenes en movimiento, lo que hizo pasar de la fotografía al cine como nueva forma de entretenimiento social.Era fascinante ver la realidad reproducida en pantalla, fué un desarollo base para el lenguaje cinematográfico y los futuros géneros narrativos.
Elementos clave: Invención cámara y proyección pública; Enseña la vida cotidiana de los trabajadores.Ejemplos visuales: Es siempre el mismo plano, enseñan a los trabajadores. Innovación: Marca el inicio del cine, inspira al cine documental.
1940
Ladrón de bicicletas (1948)
Vittorio De Sica (Neorrealismo italiano 1943 – 1952)
Después de la Segunda Guerra Mundial, Italia estaba en pobreza y reconstrucción. El neorrealismo mostró la vida diaria de la gente común, usando sitios reales y actores no entrenados. Las historias mostraban problemas sociales y morales con un realismo que tocaba el corazón y conectaba directamente con el espectador. Este método afectó a muchos cineastas que buscaban mostrar la vida tal como es, sin efectos especiales de un estudio y creó las bases del cine moderno de autor y documental.
Elementos clave: Vida diari͏a de la gente q͏ue trab͏aja, perso͏nas que nunca actu͏aron antes, grabar en lugares realesEjemplos visuales: Calles ͏de Roma, buscar la bici robada, sentir frustra͏ción y esperanz͏a de forma real. Innovación: Dar ideas para pelícu͏las͏ sin mucho dinero y documentales con sentimientos fuertes
1990
Jurassic Park (1993)
Steven Spielberg (Era del CGI 1990-1999)
Elementos clave: Uso de CGI con animatrónica, recreaciones realistas de dinosaurios, escenas de acción espectacularesEjemplos visuales: Dinosaurios atacando a humanos, entornos naturales recreados digitalmente.Innovación: Marcó el futuro del cine de dinosaurios y los blockbusters con el uso del CGI; un antes y después para los efectos visuales
Los 90 supusieron un punto de inflexión para el uso del CGI en la narrativa cinematográfica. Películas como Jurassic Park fueron la prueba de fuego de la tecnología para crear mundos y criaturas creíbles, y de su éxito, revolucionaron el cine de acción y aventuras. La combinación de animatrónica y efectos digitales ampliaron los límites del storytelling visual, mucho se ha bebido de estas películas en todos los géneros posteriores
1970
Encuentros cercanos del tercer tipo (1977)
Steven Spielberg (Era moderna 1970 – 1979)
Elementos clave: Innovador efecto visual, uso de sonido y luz para comunicarse con extraterrestres, épico relato de descubrimiento.Ejemplos visuales: Escenas de ovnis y contacto extraterrestre, uso de luces y música como lenguaje.Innovación: Marcó un antes y un después en el cine de ciencia ficción moderno; integrar efectos visuales y sonoros para contar una historia.
Los años 70 fueron la era de los éxitos de taquilla que combinaban espectáculo con innovación tecnológica. Encuentros cercanos del tercer tipo exploraba la fascinación por lo desconocido y el contacto entre humanos y extraterrestres, utilizando efectos visuales y sonoros muy avanzados para la época. La película tuvo una gran influencia en el cine de ciencia ficción posterior y en la forma de contar las historias con mezcla de emoción, misterio y tecnología.
1950
Cantando bajo la lluvia (1952)
Stanley Donen & Gene Kelly (Edad de oro del musical 1950 – 1959)
Elementos clave: Sincronización de audio y vídeo; coreografías complejas; inclusión de música en la historia Ejemplos visuales: Números musicales llenos de movimiento, bailes coreografiados, escenas con cámara en movimiento. Innovación: Puso los cimientos del musical clásico de Hollywood; combinar la narración visual y el sonido para contar historias
La posguerra en Estados Unidos fue tiempo de prosperidad y ebullición cultural. Se consolidaron los grandes musicales de Hollywood, cuyo cine cantado bailado y actuado brillaba con luz propia. Se hacían películas que mostraban optimismo, glamour y anhelos sociales. La tecnología del sonido y de la cámara permitía coreografías trabajadas y escenas espectaculares, que situaban el género como una referencia tanto artística como comercial a la que otros muchos se inclinarían posteriormente..
2000 - 2010
Harry Potter y la piedra filosofal (2001)
Chris Columbus (Franquicias 2000 – 2010)
Elementos clave: Fx integrados, diseño detallado de producción, construcción de un mundo de fantasíaEjemplos visuales: Hogwarts, magia, criaturas fantásticas, inmersión en las escenas.Innovación: Modelo de sagas literarias transformadas en universos audiovisuales; influencia en el cine de niños y en sagas futuras
La industria cinematográfica se ha empeñado en convertir libros en películas, dando lugar a mundos extensos y coherentes. Los decorados y efectos fidedignos han hecho posible que estos universos inmersivos hayan podido seguir muy de cerca sus historias durante muchas películas, lo que ha provocado que se haya decidido crear franquicias, hacer merchandising, generar experiencias transmedia... És el blockbuster moderno al que estamos acostumbrados.
1980
E.T. el extraterrestre (1982)
Steven Spielberg (Cine familiar y efectos especiales 1980 – 1989)
Elementos clave: Animatrónica avanzada, combinación de familia y ciencia ficción, emociones narradasEjemplos visuales: Escenas volando en bici con E.T., interacción con criatura animatrónica.Innovación: Influencia en el cine familiar y de grandes éxitos emocionales; incorporación de la tecnología a la narrativa del sentimiento
Los 80 confirmaron el cine familiar e impresionante. Directores como Spielberg seguían la misma fórmula: tecnología efectos, narrativas emocionales y aventuras para todos los públicos. El cine se había convertido en un medio de entretenimiento de masas, capaz de generar empatía y lanzar emociones muy intensas, mientras practicaba con los avances tecnológicos que había en la época, como la animatrónica o los efectos especiales.
2000
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2010 - Actualidad
Superman (2025)
James Gunn (Cine actual y streaming)
Elementos clave: Efectos visuales digitales actuales, integración en universo compartido, narrativa de acción contemporáneaEjemplos visuales: Escenas de acción con superpoderes, efectos CGI actuales.Innovación: Continuidad del cine de superhéroes globalizado; consolidación de narrativas compartidas de múltiples películas
La década de los 2020s consolida el cine de superhéroes como fenómeno global. Las películas integran universos compartidos, efectos digitales avanzados y narrativas de acción que conectan múltiples entregas. Este modelo influye en la producción cinematográfica internacional, la estrategia de franquicias y la relación con audiencias jóvenes y adultas a nivel global, transformando la forma en que se concibe y consume el entretenimiento audiovisual. Actualmente se puede ver la pelicula, que salió en julio de 2025, en HBO Max
1960
Jules et Jim (1962)
François Truffaut (Nouvelle Vague 1960 – 1969)
Elementos clave: Cámara ligera, cine en la calle, narrativa libre y experimental, saltos temporales y montaje fragmentado Ejemplos visuales: Planos de París con cámara al hombro y libre composición, narrativa no lineal. Innovación: Rompía con todos los esquemas de Hollywood; influencia en cineastas, publicitarios y videoclips, apertura a la experimentación narrativa
La Nouvelle Vague francesa fue el resultado de un no rotundo al cine industrial y a la narración rígida. Los directores empleaban métodos rupturistas: cámara ligera, rodajes en la calle y montaje libre. La narración fragmentada y experimental reflejaba una visión creativa y la subjetividad de los personajes, haciendo que el espectador reconsiderara el tiempo y el espacio que le eran familiares en la historia del cine.
1920
The Cabinet of Dr. Caligari (1920)
Robert Wiene (Expresionismo alemán 1920-1940)
La Alemania de postguerra estaba marcada por la crisis y la inestabilidad social. El expresionismo reflejaba el estado psicológico de la sociedad a través de objetos y decoraciones bastante distorsionadas. Los directores buscaban transmitir emociones internas mediante formas exageradas influyendo en la estética de géneros posteriores. La experimentación visual y narrativa hizo que se alejaran del realismo estricto yempezaran a explorar la subjetividad de los personajes.