Educación Cultural y Artística

Educación Cultural y Artística

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Arte en el siglo XIX

Arte en el siglo XX

2DO BGU

El grito

Edvard Munch(Galería Nacional de Noruega, Oslo)

Empezar

Objetivos de la unidad

• Valorar las posibilidades y limitaciones de materiales, herramientas y técnicas de diferentes lenguajes artísticos en procesos de interpretación y/o creación de producciones propias.

• Apreciar de manera sensible y crítica los productos del arte y la cultura, para valorarlos y actuar, como público, de manera personal, informada y comprometida.

• Crear productos artísticos que expresen visiones propias, sensibles e innovadoras, mediante el empleo consciente de elementos y principios del arte.

Descubriendo quién soy

La curaduría en Ecuador

Entre el arte y el público hay varios intermediarios: antes estaba el mecenas (aquel que financiaba la obra de un artista), luego vino la figura del pasante de arte (quien negociaba la venta de la obra de un artista) ahora está la imagen del curador quien busca mediar o establecer diálogos más profundos entre un público y la obra, o entre una institución y el artista; o entre una institución, el artista, el público y la obra. Características • La curaduría permite que las obras de arte circulen de manera distinta.

La creatividad

1. El proceso de creación

Pablo Picasso (1881-1973), el gran pintor español, dijo una vez: «La inspiración existe, y tiene que encontrarte trabajando». Pero ¿en qué consiste este trabajo? Una creación artística puede albergar:

• Ideas: Sustantivos y adjetivos que nombran o califican experiencias o percepciones interiores o exteriores (amarillo, bajo, rico, tristeza, frío, etc.).

• Conceptos: Relación de ideas expresadas con verbos («el color amarillo es lindo», «el viento corre en la montaña», «la tristeza es pasada», etc.).

• Procesos: Modo de materializar los conceptos en formas artísticas (una canción, una obra de teatro, etc.).

Cada obra tiene distintos materiales de construcción, reglas de composición y criterios de evaluación. Todas comparten la utilización de un lenguaje poético que quiere decir algo más de lo que dice: son «máquinas de significar», en palabras del poeta mexicano Octavio Paz (1914-1998). Por otra parte, no solo pueden expresar algo del mundo o del artista, sino de la obra en sí y del arte en general.

1. Observa la imagen y lee la descripción al pie.
2. ¿Cuál crees que fue el proceso de creación de esta obra?

La fuente (1916-1917) de Marcel Duchamp. Urinario de obsidiana intervenido con la firma «R. Mutt, 1917». Original extraviado.

2. El scamper y las figuras retóricas en el arte

El scamper es una práctica que potencia el proceso creador. Es la sigla para: Sustituir Combinar Adaptar Maximizar/minimizar Proponer otros usos Eliminar Revertir».

Utilízalo para crear un personaje de historieta a partir de un animal. 5 Responde: a. ¿Cuál es el animal? ________________________________ b. ¿Qué puedo sustituir de él? __________________________ c. ¿Con qué otro animal lo puedo combinar? ______________ d. ¿Qué particularidad puede ser adaptada? _______________ e. ¿Qué puedo maximizar de él? ¿Qué puedo minimizar? ______ f. ¿Cuál es su historia? ¿Qué planes tiene para el futuro? ________ 6 Realiza dibujo de tu creación.

3. Figuras retóricas

En la literatura son palabras o frases que alteran el significado literal del lenguaje para lograr un efecto estético, expresivo o persuasivo, añadiendo fuerza, ritmo o profundidad a un texto o discurso. Ejemplo, la metáfora, la hipérbole, ironía o paradoja.

En el arte

Son recursos o técnicas visuales que desvían el sentido literal o el orden habitual de las imágenes para crear un significado más profundo, transmitir emociones o generar un impacto en el espectador

Metáfora visual: Se sustituye un elemento por otro con el que comparte una relación conceptual. Por ejemplo, un lápiz que abre un surco puede representar la idea o el conocimiento.

Metáfora visual: Se exagera una cualidad de un objeto para enfatizar su importancia o característica. En un anuncio de botas, una imagen de su enorme dureza ejemplifica esta técnica. .

Ironía visual: La imagen presenta lo contrario de lo que parece. Un ejemplo puede ser una obra que muestre una situación aparentemente feliz, pero el contexto sugiere un trasfondo de tristeza.

La Rondade Noche

hipérbole visual

metáfora visual

Rembrandt (Rijksmuseum Ámsterdam, Países Bajos)

IRONÍA VISUAL

5. La instalación

Torre de Babel (2011), de Marta Minujín. Espiral de 25 metros de altura compuesta por 30 000 libros. Instalación realizada en la plaza San Martín de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Es una expresión artística de vanguardia (término acuñado a comienzos del siglo XX), propia del arte contemporáneo (segunda mitad del siglo XX). Puede combinar la técnica de varias artes y de todas las épocas, siempre haciendo hincapié en la innovación tecnológica. Se presenta en tamaños monumentales, regulares o mínimos, pero siempre dando un mensaje concreto mediante una experiencia de alto impacto. Suele incorporar el paisaje donde se presenta y pueden permanecer o desmontarse luego de un tiempo.

• ¿Qué artes combina esta instalación?

• ¿Qué aviso nos brinda sobre el pasado y el futuro de la humanidad?

La Rondade Noche

Visita la siguiente página: https://goo.gl/4eXccX Allí encontrarás algunas propuestas de instalaciones de todo el mundo. Responde: ¿Qué características poseen las instalaciones? ¿Qué debates despierta esta expresión?

metáfora visual

Rembrandt (Rijksmuseum Ámsterdam, Países Bajos)

Los muelles flotantes del artista Christo

El trabajo consiste en una pasarela de 3 kilómetros de longitud envuelta en 100.000 metros cuadrados de tela amarilla y un sistema de muelles flotantes compuesto por 220.000 cubos de polietileno de alta densidad. Esta serie de elementos ondula con el movimiento de las olas del Lago Iseo, que se encuentra a 100 kilómetros al este de Milán y 200 kilómetros al oeste de Venecia. Los caminos amarillos que conforma continúan la extensión de las calles peatonales de la ciudad de Sulzano y la conectan con las islas de San Paolo y Monte Isola.

La evaluación del arte

1. La exposición

El tres de mayo en Madrid (1813-1814), de Francisco de Goya. Óleo sobre tela (2,68 × 3,47 m). Madrid: Museo del Prado.

¿Qué criterios se utilizan para evaluar una obra? ¿Por qué ciertas piezas se convierten en canónicas, son hitos en la historia del arte y son elegidas para ser expuestas? Si bien es la suma de muchos factores y materia de debate, es posible hacer diversos análisis de los artistas, sus obras y el contexto de creación para averiguarlo.

Observa la imagen de una de sus obras, considerada un antecedente del romanticismo y del impresionismo. Anota los elementos, la técnica y composición que destacan en la obra.

2. La crítica

Charles Baudelaire (c. 1862). Woodburytipia.

La prensa escrita dedica espacios regulares o suplementos especiales al arte y la cultura. Estos funcionan como mediadores entre el artista y el público: brindan un análisis en parte objetivo (describen la trayectoria del artista, las características de su obra y el contexto donde esta última se presenta) y en parte subjetivo (valoran positiva o negativamente al artista, la obra y la presentación). Escritos por periodistas especializados o por académicos, se consideran también obras originales y se distinguen por su extensión y complejidad según si van dirigidas a un público más general o a uno más informado.

Muchos artistas también se desempeñan como críticos. Fue el caso del poeta francés Charles Baudelaire (1821–1867), que escribía: “Para ser justos, es decir, para cumplir su razón de ser, la crítica debe ser parcial, apasionada, política; esto es: debe adoptar un punto de vista exclusivo, pero un punto de vista exclusivo que abra al máximo los horizontes.”

Las ideas en el arte son los pensamientos o posturas que un artista o autor quiere comunicar. Son la base intelectual o filosófica de una obra. Representan la intención creativa, lo que el artista piensa sobre el mundo, el arte o la vida.

IDEAS

Los conceptos son los fundamentos o definiciones que estructuran una práctica artística. Permiten entender el arte desde un marco teórico, por ejemplo: el concepto de belleza, de expresión, de inspiración, de arte conceptual, etc. En el arte contemporáneo, el concepto puede incluso ser más importante que la forma o el objeto artístico.

CONCEPTOS

El proceso en el arte se refiere al camino creativo que sigue el artista: las etapas, exploraciones, técnicas o experiencias que conducen a la obra. En el arte contemporáneo, el proceso a veces es más importante que el resultado final. Se valora la búsqueda, la experimentación y la transformación del artista.

PROCESOS

Las imágenes en el arte son representaciones visuales, sensoriales o simbólicas que comunican una emoción, una idea o una visión del mundo. En literatura, una imagen es una figura poética que provoca sensaciones visuales o emocionales en el lector.

IMÁGENES

ARTE EN EL SIGLO XIX

El Romanticismo

Nacido como contraposición al clasicismo, estuvo marcado por un cambio de actitud ante el arte y la vida misma. Tuvo sus expresiones en la literatura, pintura y música.

VS

CARACTERÍSTICAS:

Surge en Alemania y el Reino Unido como respuesta a los valores del clasicismo imperante del siglo XVII autoproclamados intemporales y universales.

Certeza de que el arte debe expresar las creencias, esperanzas y temores de la época y del país.

El arte y la vida están íntimamente relacionados con la idea de libertad individual, la pasión y la espontaneidad.

La sensibilidad individual es considerada como la única facultad para dar juicios estéticos.

Observa a continuación algunas características de la pintura del Romanticismo:

El autor intentó representar a todas las clases sociales dentro de la escena. Este soldado, junto con el obrero de la izquierda, ambos muertos, forman un triángulo cuyo vértice es la luz de la bandera francesa.

Figura alegórica de la Libertad, con gorro frigio y portando la bandera francesa. Ocupa un lugar central en la composición. La equiparación de libertad con patria es una línea del Romanticismo.

La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eugène Delacroix. Óleo sobre lienzo (2,6 x 3,25 m). París: Museo del Louvre.

Figura con galera que representa a la burguesía. Es también un autorretrato del autor, comprometido políticamente con la causa revolucionaria de la lucha contra la monarquía.

El Impresionismo

Su nombre deriva de una pintura de Claude Monet, Impresión: sol naciente. Es un movimiento artístico nacido en Francia ya entrada la segunda mitad del siglo XIX que tuvo sus representantes principalmente en pintura, aunque también en escultura y música. En pintura, su principal característica es el intento de representar no los objetos, sino el fluir de la luz sobre ellos.

Características:

Se enfoca en el conjunto más que en el detalle.

Al plasmar la naturaleza cambiante de la luz y el sonido, crearon nuevos procedimientos técnicos.

Se define a la pintura impresionista como “manchas que cobran vida ante nuestros ojos”.

Características:

El escultor impresionista Auguste Rodin conservó las rugosidades del material en sus obras para que interactuaran con la luz.

En la música impresionista, las melodías son diversas, cortas y se fusionan entre sí. Su principal exponente fue Claude Debussy.

Tuvo representantes de un arte naciente en la época: la fotografía.

CARACTERÍSTICAS:

Surge en Alemania y el Reino Unido como respuesta a los valores del clasicismo imperante del siglo XVII autoproclamados intemporales y universales.

Certeza de que el arte debe expresar las creencias, esperanzas y temores de la época y del país.

El arte y la vida están íntimamente relacionados con la idea de libertad individual, la pasión y la espontaneidad.

La sensibilidad individual es considerada como la única facultad para dar juicios estéticos.

Observa a continuación algunas características de la pintura del impresionismo:

Pincelada corta y pesada, aunque aplicada de forma rápida y combinada también con otras más largas para empastarlas y crear colores en la tela.

El impresionismo tiene en parte sus raíces en el paisajismo del romanticismo inglés, especialmente de Joseph Mallord William Turner (1775–1851) y su estilo vaporoso.

Impresión: sol naciente (1872), de Claude Monet. Óleo sobre lienzo (48 x 63 cm). París: Museo Marmottan-Monet.

Uso de colores claros y puros, no mezclados en la paleta, para conseguir obras luminosas, evitando tonos oscuros, incluso en la representación de las horas del día con menos luz.

ARTE EN EL SIGLO XX

Vanguardia

Su nombre proviene del francés avant-garde, que se refiere a “lo innovador”. Para las vanguardias, el arte es una actitud crítica ante el mundo y, principalmente, ante el arte mismo. No desea representar realidades, sino crearlas. Nutrida con el lenguaje del naciente cine y la psicología, creció entre vertiginosos progresos tecnológicos-científicos y violentas tormentas políticas.

Características:

Representa la explosión de los ismos, con manifiestos escritos que resaltan sus principios, entre ellos, el constructivismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo.

Convivió con el cubismo y el arte abstracto, dos corrientes que basaron sus obras en el rechazo de lo figurativo.

En general, las vanguardias se inclinaban hacia lo incierto y lo absurdo, hacia lo inusual, la rebeldía, la destrucción, lo inconsciente y lo irracional.