EL barroco 1600-1750
Manuel Abades carreras
índice
7. Vídeos
8. Bibliografía
1. Introducción y contexto histórico
2. Características de la música barroca
3. Formas musicales más importantes
4. Instrumentos barrocos
5. La orquesta barroca
6. Compositores destacados
INTRODUCCIÓN
Es esta presentación vamos a hablar sobre el barroco. Vamos a tratar sobre su contexto y sus características musicales también vamos a hablar de los compositores e instrumentos musicales de esta época como por ejemplo el violín o el órgano. Los compositores más destacados son Haendel,Vivaldi y Bach, más adelante habrá vídeos e información de estos.
contexto histórico
El Barroco se desarrolló durante los siglos XVII y XVIII y era una época de crisis, y tuvo su origen en Italia, concretamente en Roma. Se expandió por los países católicos como España, así como Nápoles y Flandes, que estaban bajo su dominio. En Francia el Barroco tuvo unas formas más académicas y fue un instrumento de propaganda de la monarquía. El Barroco fue muy diferente en los países protestantes, como Holanda, con una pintura más intimista y burguesa. Inglaterra no desarrolló el Barroco hasta el siglo XVIII.
Características de la música barroca
1. La permanente utilización del contrapunto: Arte de combinar, según ciertas reglas, dos o más melodías diferentes..2. Predominan las voces aguda y grave. 3. Presencia bajo continuo: sucesión de acordes sobre una línea de bajo. El cual era interpretado generalmente por uno o varios instrumentos melódicos graves como el violonchelo, la viola da gamba 4.Compás binario y ternario: compás musical que se divide en dos pulsos binario y en tres ternario, donde el primer tiempo es fuerte y el segundo es débil. 5.Nacen y se empiezan a constituir popularizar formas instrumentales y vocales nuevas como: Ópera, Oratorio, Cantata, Concierto, Sonata, Suite.
Formas musicales más importantes
Ópera: Ópera Seria Ópera Buffa Oratorio Cantata: Cantata profana Cantata religiosa Sonata: Sonata da camera Sonata da chiesa Suite Concierto: concierto grosso concierto solista
Formas musicales: La Ópera
Ópera: La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzos del siglo XVII. El antecedente más significativo de la ópera lo encontramos en "entremezzo" .La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri, estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que algunos fragmentos se han perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de G. Caccini. Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores.
Partes de la ópera
Partes de la ópera: OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada. COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes. INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".
Tipos de ópera
Tipos de la ópera: Ópera bufa: A finales del Barroco en Nápoles era común intercalar los fragmentos de la ópera seria con la ópera buffa. Este tipo de ópera se caracteriza por recitativos más largos, temas cotidianos y personajes típicos de la comedia italiana; todo en clave de humor y crítica social. Su función era únicamente entretener al público. Una de las óperas buffas más famosas es La serva padrona (1733) de Pergolesi. Tambíen destacan Domenico Cimarosa, Giovanni Paisiello, Baldassare Galuppi y Alessandro Scarlatti. La flauta mágica Estrenada el 30 de septiembre de 1791 (dos meses antes de la muerte de Mozart) en Viena, es un singspiel dividido en dos actos. Su argumento está muy discutido: piensan que es un simple cuento de hadas, otros lo ven como una obra llena de simbología de iniciación a la masonería.
Tipos de ópera
Tipos de la ópera: Ópera seria: Predominó durante los años 1720 hasta el 1770. La ópera seria se basa en la ópera barroca, haciendo uso del aria da capo con su forma A-B-A tres tempos (rápido-lento-rápido). Los cantantes interpretan un gran número de arias, que pueden reflejar diversos estados de ánimo, como la tristeza o la ira. Fue Christoph Willibard Gluck quien llevó a cabo la reforma de la ópera seria. Estas fueron algunas de las modificaciones que hizo: - Suprimió todos los adornos vocales, el ritornello y el aria da capo para darle más importancia al texto. - Los recitativos se integraron dentro del drama. - Importaba la verdad dramática (lo que se representaba en escena), por lo tanto los cantantes tenían prohibido impovisar.
Formas musicales: el oratorio
El oratorio es una forma de la música clásica europea que consta de coros, arias y recitativos, interpretado por solistas, coro y orquesta.El oratorio es casi idéntico a la ópera, lo que diferencia a un género de otro es que el oratorio es interpretado en forma de concierto sin representación escénica y con una temática religiosa. Durante el siglo XVIII, Italia fue uno de los centros de creación de oratorios, mientras que en Alemania siguió un desarrollo independiente en forma de Semana Santa y Navidad. Entre los autores destaca Pietro Metastasio o Giovanni Battista Martini en Italia, mientras que en Alemania destaca Schütz (Pasiones según San Lucas) o Johann Sebastian Bach con sus pasiones, llegando a la culminación del oratorio alemán. Por último en Gran Bretaña destaca Georg Friedrich Händel que escribió Mesías o Esther
Formas musicales: La cantata
En un principio, el término significó únicamente una pieza para ser cantada y aparece por primera vez en 1620 de la mano de Alessandro Grandi.En sus comienzos, el término cantata se refería para designar composiciones musicales muy diferentes, escritas por lo general para una sola voz, aunque solía haber excepciones, en donde encontramos cantatas con más voces. Las primeras cantatas tuvieron lugar en Italia y eran de carácter profano. Una cantata típicamente se organiza en varios movimientos, incluyendo arias, recitativos, y coros. La aria ofrece melodías expresiva. El compostor más destacado fue Alessandro Scarlati, este último escribió más de 600 cantatas llevando a la perfección formal el aria da capo.
Tipos de cantata
Cantata religiosa: La cantata religiosa es una forma musical, compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico en el que intervienen solos, orquesta y coros. Está estructurada por arias y recitados. El gran masestro de las cantatas religiosas fue Bach. Las cantatas de Bach tenían generalmente un coro inicial en que los sopranos iniciaban el tema musical seguido por otras voces. Cantata profana: En el barroco también existió la cantata profana que en 1620 apareció ya como género y se consolido a finales del S.XVII. Scarlatti concivio estas cantatas para un público culto y muy selecto. Las armonías de estas cantatas tendían a no actuar demasiado la escritura. Scarlatti compuso cantatas por medio de una sucesión de recitativos con tiempo rápido y arias da capo.
Formas musicales: la sonata
Originalmente en Italia se conoció bajo el nombre de sonata a una pieza para uno o más instrumentos que se hacían »sonar». En su origen las primeras sonatas constaban de un número variable de instrumentos y de movimientos en cada pieza. Más tarde se estandarizó el término para obras en que aparecía un solista principal, generalmente acompañado de un bajo continuo.Generalmente se suelen utilizar otros términos distintos al de sonata para identificarlas: Sinfonía ➙ Sonata para orquesta. Concierto ➙ Sonata para un instrumento solista. Cuarteto de cuerdas ➙ Sonata para cuatro instrumentos de cuerda o cuarteto. Cantata ➙ Sonata formada por una composición vocal con acompañamiento instrumental. Ópera ➙ Sonata de aire dramático en la cual se canta todo o parte del diálogo al mismo tiempo que aparecen acompañamientos instrumentales.
Tipos de sonata
Sonata da camera: La sonata da camera consistía casi en su totalidad en melodías de baile idealizadas. Por otro lado, las características de la sonata da chiesa y la sonata da camera tendían entonces a mezclarse libremente.Sonata da camera se traduce literalmente como “sonata de cámara” y se utiliza para describir un grupo de piezas instrumentales engastadas en tres o cuatro movimientos diferentes, comenzando con un preludio. Corelli adaptó al formato de las sonatas predominante de cuatro movimientos (un “preludio” y tres bailes o movimientos de conexión)”. La instrumentación más frecuente en la sonata da cámara fue dos violines y un bajo. Pero a veces, se requería que un cuarto instrumento (generalmente violonchelo) doblara en la línea del bajo continuo.
Tipos de sonata
Sonata da chiesa: La Sonata da chiesa es una composición instrumental que data del período barroco. A menudo escrito para uno o más violines y bajos, consistía en una introducción lenta, un allegro vagamente fugado, un movimiento lento cantábil y un final animado en alguna forma binaria que sugiere afinidad con las melodías de baile de la suite. A menudo se cree erróneamente que estas sonatas fueron compuestas para ser interpretadas en ceremonias religiosas. No fueron, sin embargo, escritos con una función explícitamente litúrgica, como, por ejemplo, una misa de réquiem. Uno de los mayores exponentes de la sonata da chiesa fue el voraz Arcangelo Corelli (1653—1713). Entre sus mejores composiciones se encuentra Six Sonata da Chiesa, Op.1.
Formas musicales: La suite
La suite: Una suite (del francés: suite) es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno, debido a que, junto con el Concerto, apareció en la época de la «invención» de la orquesta. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un mismo tema musical en diferentes danzas.Las danzas solían tener una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. En las suites de Bach y algunos de sus contemporáneos la segunda sección suele comenzar con una especie de desarrollo de las ideas musicales de la primera, y al final aparece una especie de «reexposición» del material temático del comienzo, en la misma tonalidad.
Danzas de la suite
LA ALLEMANDE: Una danza renacentista y barroca que se cultivó como una pieza instrumental independiente ca. 1580-1750. Se convirtió en el primero de los cuatro movimientos centrales de la suite a solo. En su forma barroca madura (ca. 1660-1750), sus características tenían más que ver con una escritura musical idiomática que con los ritmos de danza. Los laudistas (Denis Gaultier) y clavecinistas (Chambonnières) franceses desarrollaron la textura de mayor riqueza descrita más arriba y estas allemandes generalmente más lentas constituyeron los principales modelos de los clavecinistas alemanes (Froberger, Bach). Las allemandes para conjuntos de cámara tendieron a conservar la textura homofónica de la música coreografiada.
Danzas de la suite
LA CORRENTE: Danza de origen francés, en compás ternario y de carácter vivo. Un movimiento de danza barroco en compás ternario. Nació en el siglo XVI y se convirtió en habitual de la suite a solo, a continuación de la allemande, hacia 1630. El tipo italiano, (corrente) utiliza el compás ternario rápido (3/4 o 3/8), a menudo con figuraciones triádicas o de escalas en corcheas o semicorcheas regulares. Presenta generalmente una textura homofónica, pero no son infrecuentes los comienzos imitativos. Los teóricos contemporáneos describieron la courante francesa madura como solemne y grave, con idéntico pulso que una zarabanda. Se escribe generalmente en 3/2, con una fuerte tendencia hacia las figuras de hemiolia que combinan modelos de acentuación de 6/4 y 3/2, así como figuras sincopadas afines.
Danzas de la suite
LA ZARABANDA: Danza de origen español, de carácter pausado y en un característico compás ternario de negra y blanca, con cierto peso en el segundo tiempo. Un movimiento de danza barroco en compás ternario. En Francia y Alemania era generalmente lenta y majestuosa. Presentaba normalmente una forma binaria, con frases muy regulares de cuatro u ocho compases y sencillas melodías que invitaban a la profusa ornamentación, a veces escrita o incluida a continuación como una “double”. Las primeras noticias de la zarabanda son las de una danza rápida y fuertemente erótica de Méjico y España en el siglo XVI, acompañada por castañuelas y guitarra. En España se prohibió en 1583, pero logró sobrevivir tanto aquí como en Italia como una danza rápida hasta el final del Barroco.
Danzas de la suite
LA GIGA: Danza de origen inglés, rápida y en compás ternario (o subdivisión ternaria). Es la pieza que suele cerrar la suite barroca. Muchos compositores, especialmente en Alemania, combinaron elementos de las dos escuelas. El tipo más influyente utiliza la imitación al comienzo de cada sección y posee extensiones de frase irregulares. Un tipo se consideraba una allemande rápida, con inclusión de puntillos (los Gaultier), pero en la música escénica (Lully) se utilizó la variedad binaria reexpositiva con anacrusas (…) En Italia era mucho más rápida y era especialmente habitual en música para violín (Vitali, Op. 4, 1668), con frecuencia como el último movimiento de las sonatas a solo (Domenico Zipoli) y las sonatas en trío (Corelli).
Formas musicales: el concierto
En los comienzos del Barroco, se hablaba del stile concertato, un término de múltiples significaciones pero que, esencialmente, se refería a la concertación de diferentes timbres vocales e instrumentales. Derivados de ese “estilo concertado”, aparecieron “Conciertos sacros”, obras dedicadas al culto en las que interactuaban voces e instrumentos, como los que dejaron Lodovico Grossi da Viadana, Giovanni Gabrieli o Heinrich Schütz. Se hablaba de orquesta cuando dos o tres instrumentistas tocaban una misma parte, por ejemplo, dos o tres primeros violines, dos o tres segundos violines, dos violas a los que se sumaban una serie de instrumentos para realizar ese tipo de acompañamiento tan especial que se denominaba basso continuo.
Formas musicales: el concierto
Concierto grosso: El concerto grosso nace en la esplendorosa Italia barroca de finales del siglo XVII: Alessandro Stradella y Giovanni Lorenzo Gregori son los pioneros en la propuesta formal. En efecto, las obras que integran la interesante colección de Sinfonías-Sonatas de Stradella no son, en rigor, ni sinfonías ni sonatas, sino tempranos concertos grossos. Y Gregori fue, al parecer, quien primeramente utilizó la denominación al publicar, en 1698, su conjunto de Concerti grossi a più stromenti. Unos años más y los admirables 12 Concerti grossi, opus 6 de Arcangelo Corelli, publicados en 1714. El concerto grosso en lo instrumental, la oposición, contraste o incluso lucha a que alude el título (recordemos la etimología de ‘concierto’) viene dada por la utilización de un grupo instrumental con papel especialmente destacado (el concertino o soli) que se ‘enfrenta’ al grueso instrumental (el tutti o ripieno, es decir, ‘relleno’).
Formas musicales: el concierto
Concierto solista: En el que un instrumento solista (o varios) se alterna con la orquesta (tutti), aumentando así la importancia del contraste. Extructura externa e interna tipo del concerto solista. El Concierto solista está estructurado externamente habitualmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido). Presenta una estructura externa derivada de la obertura italiana. Los movimientos rápidos presentan suelen tener la forma interna conocida como rítornello (pequeño retorno). Esta consiste en un tema principal que reaparece en su totalidad o abreviado a lo largo del movimiento. En la primera y última repetición está en la tonalidad original. Las reapariciones del ritornello están separadas por episodios solistas.
Los instrumentos del barroco
1. Clavecín
2. Órgano
3. Violín
4. Viola da gamba
5. Laúd
Clavecín
El nacimiento del clavecín se puede datar entre mediados del siglo XV y el XVI, algunas fuentes apuntan a que pudo ser una variación del antiguo salterio griego. Su época de esplendor fue el Barroco, cuando los compositores europeos comenzaron a escribir obras específicas para ser interpretadas por clave. Podríamos decir que su momento cumbre fueron los siglos XVII y XVIII. Tiene una estructura de madera, generalmente muy adornado con pinturas y marqueterías. Está compuesto por uno o dos teclados y cada una de sus teclas hace que las cuerdas sean activadas mediante una pieza llamada plectro que eleva la cuerda y la punza para hacerla sonar.
órgano
El órgano barroco tuvo su máximo esplendor en el siglo XVIII y dentro de la geografía española destaca una amplia región situada en el centro de la Península, nos referimos a Castilla (actualmente Castilla y León). Donde se construyeron en ese siglo numerosos órganos con características técnicas peculiares. Él órgano se uso para obras religiosas, el compositor que más lo utilizo fue Bach.
violín
Es considerado el instrumento más importante del barroco, se uso especialmente en Italia. Más concretamente Antonio Vivaldi fue el que más le uso en sus obras. El sonido del violín barroco - «silencioso, pero de dulce agudeza», según la sentencia de Nikolaus Harnoncourt- hace tiempo que dejó de ser coto de círculos conspirativos de música antigua. Más bien parece apropiado para una época ruidosa y acústicamente sobrecargada como la nuestra. Es fácil olvidar que la propia palabra «violín barroco» es joven y colorista, al menos si se entiende por ella algo más que un instrumento de cuerda con cuerdas de tripa.
viola da gamba
La viola da gamba es actualmente desconocida por muchos pero entre los siglos XV y XVII fue uno de los instrumentos más conocidos junto con otros como la flauta o el laud. La viola da gamba se utilizó mucho en agrupaciones de diversos instrumentos de diferentes medidas y afinaciones que de denominaron consorts.En un consort para cuatro violas podían tocar por ejemplo dos viola soprano, una tenor y una baja. Si al conjunto se le añadían instrumentos que no eran de la familia de las violas, por ejemplo flautas, se le denominaba broken consort. Durante la edad media el renacimiento y el barroco se construyeron muchos tipos de viola da gamba con diferente número de cuerdas y afinaciones. En aquella época no existía la estandarización que más tarde se impuso en los instrumentos de la orquesta.
Laúd
Era el instrumento de cuerda pulsada común en esa época.Hacia el 1600, con el comienzo del barroco, se añadieron cuerdas graves al laúd. Estas cuerdas no podían ser pisadas con los dedos, pero se afinaban en notas descendentes. Los músicos franceses, como Denis Gaultier (1603-1672), compusieron un notable repertorio para este instrumento. Se construyeron laúdes más grandes con mayor número y longitud de cuerdas. En torno al año 1700 la introducción de cuerdas entorchadas permitió que las cuerdas graves fueran de longitud normal. Los laúdes típicos del siglo XVIII tienen un clavijero doblado y un mástil ancho sobre el que hay entre cinco y siete cuerdas metálicas.
La orquesta barroca
La orquesta barroca era más reducida que la clásica o moderna. Su núcleo principal eran instrumentos de cuerda como violines,violas... acompañados de un bajo continuo. Los instrumentos ocasionales en esta orquesta eran timbales,trompetas,oboes,fagots y flautas. Y a diferencia de la orquesta de hoy en día no había director si no que el clavecinista o primer violín dirigía con su instrumento.
Compositores destacados
Claudio Monteverdi (Italia 1567, Venecia, 1643): La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca.Claudio Monteverdi se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor.Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. En este reto compuso L´Orfeo que es considerada la primera gran ópera barroca que da comienzo a esta misma etapa. El éxito fue inmediato y motivó nuevos encargos, como L'Arianna, ópera escrita para los esponsales de Francisco de Gonzaga y Margarita de Saboya. En 1637, se le abrieron sus puertas en Venecia los primeros teatros públicos de ópera y aqui ya se dio por finalizada su carrera.
Compositores destacados
Johann Sebastian Bach (Alemania, 1685, Leipzig 1750):Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg. Los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera. Etapas de su carrera Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750). Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. En esta etapa conmpuso Tocata y Fuga en Re Menor. En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt. Y en esta etapa compuso los seis Conciertos de Brandemburgo. Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.
Compositores destacados
Antonio Vivaldi (Venecia, 1678, Viena, 1741): De la infancia de Vivaldi no se conoce información. Fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial. Muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina, como las Suonate da camera Op. 1. Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi pero al ser sacerdote se le crítico por usarla. Inmerso en el mundo teatral como compositor y empresario, Ottone in Villa (1713) fue la primera de las óperas de Vivaldi de la que se tiene noticia. La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en 1725. Contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra.
Compositores destacados
George Friederich Haendel (Alemania, 1685, Londres, 1759):Se opuso a los derecos de su padre ya que el quería que estudiara derecho. En 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo. Haendel en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. En 1710, de regreso en Alemania, Georg Friedrich Haendel fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra. Haendel volcó la mayor parte de su esfuerzo creativo en la composición de oratorios. En 1741 compuso El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés.
Vídeos
Bibliografía
https://aulademusicamartinsarmiento.wordpress.com/wp-content/uploads/2016/02/cantata-oratorio-y-pasic3b3n_1.pdf
http://lahistoriayotroscuentos.es › barroco-contexto https://neomusica.es/blog/caracteristicas-etapas-y-musicos-del-barroco/? srsltid=AfmBOopvt2NQkT9_KUsoZ1WQk3kDyvuj9w3YyI0kjIZGzhfE1v3Ac6E8 https://www.unprofesor.com/musica/formas-musicales-del-barroco-3713.html https://www.teatroreal.es/es/blog/que-tipos-operas-existen https://sites.google.com/site/wqelbarrocomusical/la-opera https://historiadelamusicafraypedro.blogspot.com/2016/12/la-opera-en-el-clasicismo_17.html https://uamusicabarroca.wordpress.com/2014/12/03/el-oratorio-barroco/ https://uamusicabarroca.wordpress.com/2014/12/03/cantata-barroca/
https://uamusicabarroca.wordpress.com/2014/12/03/la-sonata-barroca/
https://espanol.libretexts.org/Bookshelves/Humanidades/Musica/Libro%3A_Apreciacion_musical_II_(Lumen)/12%3A_Musica_Instrumental_Barroca_A._Vivaldi/12.07%3A_Sonata
https://aulademusicamartinsarmiento.wordpress.com/2015/03/05/la-suite-barroca/
https://www.clasica2.com/clasica/Enciclopedia-Musical/Danzas-de-la-Suite-Barroca-La-Courante#google_vignette
https://pablokohan.com.ar/nota/367-El-concierto-barroco
https://www.melomanodigital.com/el-concerto-grosso/
https://crearmusica2.blogspot.com/2011/02/el-concierto-barroco-solista.html
https://www.royalpianos.com/historia-del-piano/?srsltid=AfmBOorOFmWOqR9LuCL3StRFiUys0ocYxIa6ZtMzXGcEdc7K6EpMS-ig
Bibliografía
https://www.corilon.com/es/biblioteca/instrumentos/el-violin-barroco
https://digibuo.uniovi.es/dspace/handle/10651/75957
https://www.sonscorbera.com/que-es-una-viola-da-gamba-2/
https://www.el-atril.com/orquesta/Instrumentos/Laud.htm
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/monteverdi.htm
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bach_sebastian.htm
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vivaldi.htm
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/haendel.htm
EL barroco 1600-1750
Manuel Abades Carreras
Created on September 17, 2025
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EL barroco 1600-1750
Manuel Abades carreras
índice
7. Vídeos
8. Bibliografía
1. Introducción y contexto histórico
2. Características de la música barroca
3. Formas musicales más importantes
4. Instrumentos barrocos
5. La orquesta barroca
6. Compositores destacados
INTRODUCCIÓN
Es esta presentación vamos a hablar sobre el barroco. Vamos a tratar sobre su contexto y sus características musicales también vamos a hablar de los compositores e instrumentos musicales de esta época como por ejemplo el violín o el órgano. Los compositores más destacados son Haendel,Vivaldi y Bach, más adelante habrá vídeos e información de estos.
contexto histórico
El Barroco se desarrolló durante los siglos XVII y XVIII y era una época de crisis, y tuvo su origen en Italia, concretamente en Roma. Se expandió por los países católicos como España, así como Nápoles y Flandes, que estaban bajo su dominio. En Francia el Barroco tuvo unas formas más académicas y fue un instrumento de propaganda de la monarquía. El Barroco fue muy diferente en los países protestantes, como Holanda, con una pintura más intimista y burguesa. Inglaterra no desarrolló el Barroco hasta el siglo XVIII.
Características de la música barroca
1. La permanente utilización del contrapunto: Arte de combinar, según ciertas reglas, dos o más melodías diferentes..2. Predominan las voces aguda y grave. 3. Presencia bajo continuo: sucesión de acordes sobre una línea de bajo. El cual era interpretado generalmente por uno o varios instrumentos melódicos graves como el violonchelo, la viola da gamba 4.Compás binario y ternario: compás musical que se divide en dos pulsos binario y en tres ternario, donde el primer tiempo es fuerte y el segundo es débil. 5.Nacen y se empiezan a constituir popularizar formas instrumentales y vocales nuevas como: Ópera, Oratorio, Cantata, Concierto, Sonata, Suite.
Formas musicales más importantes
Ópera: Ópera Seria Ópera Buffa Oratorio Cantata: Cantata profana Cantata religiosa Sonata: Sonata da camera Sonata da chiesa Suite Concierto: concierto grosso concierto solista
Formas musicales: La Ópera
Ópera: La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a comienzos del siglo XVII. El antecedente más significativo de la ópera lo encontramos en "entremezzo" .La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo Peri, estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su totalidad, ya que algunos fragmentos se han perdido. En 1600 se estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de G. Caccini. Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores.
Partes de la ópera
Partes de la ópera: OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada. COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes. INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".
Tipos de ópera
Tipos de la ópera: Ópera bufa: A finales del Barroco en Nápoles era común intercalar los fragmentos de la ópera seria con la ópera buffa. Este tipo de ópera se caracteriza por recitativos más largos, temas cotidianos y personajes típicos de la comedia italiana; todo en clave de humor y crítica social. Su función era únicamente entretener al público. Una de las óperas buffas más famosas es La serva padrona (1733) de Pergolesi. Tambíen destacan Domenico Cimarosa, Giovanni Paisiello, Baldassare Galuppi y Alessandro Scarlatti. La flauta mágica Estrenada el 30 de septiembre de 1791 (dos meses antes de la muerte de Mozart) en Viena, es un singspiel dividido en dos actos. Su argumento está muy discutido: piensan que es un simple cuento de hadas, otros lo ven como una obra llena de simbología de iniciación a la masonería.
Tipos de ópera
Tipos de la ópera: Ópera seria: Predominó durante los años 1720 hasta el 1770. La ópera seria se basa en la ópera barroca, haciendo uso del aria da capo con su forma A-B-A tres tempos (rápido-lento-rápido). Los cantantes interpretan un gran número de arias, que pueden reflejar diversos estados de ánimo, como la tristeza o la ira. Fue Christoph Willibard Gluck quien llevó a cabo la reforma de la ópera seria. Estas fueron algunas de las modificaciones que hizo: - Suprimió todos los adornos vocales, el ritornello y el aria da capo para darle más importancia al texto. - Los recitativos se integraron dentro del drama. - Importaba la verdad dramática (lo que se representaba en escena), por lo tanto los cantantes tenían prohibido impovisar.
Formas musicales: el oratorio
El oratorio es una forma de la música clásica europea que consta de coros, arias y recitativos, interpretado por solistas, coro y orquesta.El oratorio es casi idéntico a la ópera, lo que diferencia a un género de otro es que el oratorio es interpretado en forma de concierto sin representación escénica y con una temática religiosa. Durante el siglo XVIII, Italia fue uno de los centros de creación de oratorios, mientras que en Alemania siguió un desarrollo independiente en forma de Semana Santa y Navidad. Entre los autores destaca Pietro Metastasio o Giovanni Battista Martini en Italia, mientras que en Alemania destaca Schütz (Pasiones según San Lucas) o Johann Sebastian Bach con sus pasiones, llegando a la culminación del oratorio alemán. Por último en Gran Bretaña destaca Georg Friedrich Händel que escribió Mesías o Esther
Formas musicales: La cantata
En un principio, el término significó únicamente una pieza para ser cantada y aparece por primera vez en 1620 de la mano de Alessandro Grandi.En sus comienzos, el término cantata se refería para designar composiciones musicales muy diferentes, escritas por lo general para una sola voz, aunque solía haber excepciones, en donde encontramos cantatas con más voces. Las primeras cantatas tuvieron lugar en Italia y eran de carácter profano. Una cantata típicamente se organiza en varios movimientos, incluyendo arias, recitativos, y coros. La aria ofrece melodías expresiva. El compostor más destacado fue Alessandro Scarlati, este último escribió más de 600 cantatas llevando a la perfección formal el aria da capo.
Tipos de cantata
Cantata religiosa: La cantata religiosa es una forma musical, compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico en el que intervienen solos, orquesta y coros. Está estructurada por arias y recitados. El gran masestro de las cantatas religiosas fue Bach. Las cantatas de Bach tenían generalmente un coro inicial en que los sopranos iniciaban el tema musical seguido por otras voces. Cantata profana: En el barroco también existió la cantata profana que en 1620 apareció ya como género y se consolido a finales del S.XVII. Scarlatti concivio estas cantatas para un público culto y muy selecto. Las armonías de estas cantatas tendían a no actuar demasiado la escritura. Scarlatti compuso cantatas por medio de una sucesión de recitativos con tiempo rápido y arias da capo.
Formas musicales: la sonata
Originalmente en Italia se conoció bajo el nombre de sonata a una pieza para uno o más instrumentos que se hacían »sonar». En su origen las primeras sonatas constaban de un número variable de instrumentos y de movimientos en cada pieza. Más tarde se estandarizó el término para obras en que aparecía un solista principal, generalmente acompañado de un bajo continuo.Generalmente se suelen utilizar otros términos distintos al de sonata para identificarlas: Sinfonía ➙ Sonata para orquesta. Concierto ➙ Sonata para un instrumento solista. Cuarteto de cuerdas ➙ Sonata para cuatro instrumentos de cuerda o cuarteto. Cantata ➙ Sonata formada por una composición vocal con acompañamiento instrumental. Ópera ➙ Sonata de aire dramático en la cual se canta todo o parte del diálogo al mismo tiempo que aparecen acompañamientos instrumentales.
Tipos de sonata
Sonata da camera: La sonata da camera consistía casi en su totalidad en melodías de baile idealizadas. Por otro lado, las características de la sonata da chiesa y la sonata da camera tendían entonces a mezclarse libremente.Sonata da camera se traduce literalmente como “sonata de cámara” y se utiliza para describir un grupo de piezas instrumentales engastadas en tres o cuatro movimientos diferentes, comenzando con un preludio. Corelli adaptó al formato de las sonatas predominante de cuatro movimientos (un “preludio” y tres bailes o movimientos de conexión)”. La instrumentación más frecuente en la sonata da cámara fue dos violines y un bajo. Pero a veces, se requería que un cuarto instrumento (generalmente violonchelo) doblara en la línea del bajo continuo.
Tipos de sonata
Sonata da chiesa: La Sonata da chiesa es una composición instrumental que data del período barroco. A menudo escrito para uno o más violines y bajos, consistía en una introducción lenta, un allegro vagamente fugado, un movimiento lento cantábil y un final animado en alguna forma binaria que sugiere afinidad con las melodías de baile de la suite. A menudo se cree erróneamente que estas sonatas fueron compuestas para ser interpretadas en ceremonias religiosas. No fueron, sin embargo, escritos con una función explícitamente litúrgica, como, por ejemplo, una misa de réquiem. Uno de los mayores exponentes de la sonata da chiesa fue el voraz Arcangelo Corelli (1653—1713). Entre sus mejores composiciones se encuentra Six Sonata da Chiesa, Op.1.
Formas musicales: La suite
La suite: Una suite (del francés: suite) es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno, debido a que, junto con el Concerto, apareció en la época de la «invención» de la orquesta. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un mismo tema musical en diferentes danzas.Las danzas solían tener una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. En las suites de Bach y algunos de sus contemporáneos la segunda sección suele comenzar con una especie de desarrollo de las ideas musicales de la primera, y al final aparece una especie de «reexposición» del material temático del comienzo, en la misma tonalidad.
Danzas de la suite
LA ALLEMANDE: Una danza renacentista y barroca que se cultivó como una pieza instrumental independiente ca. 1580-1750. Se convirtió en el primero de los cuatro movimientos centrales de la suite a solo. En su forma barroca madura (ca. 1660-1750), sus características tenían más que ver con una escritura musical idiomática que con los ritmos de danza. Los laudistas (Denis Gaultier) y clavecinistas (Chambonnières) franceses desarrollaron la textura de mayor riqueza descrita más arriba y estas allemandes generalmente más lentas constituyeron los principales modelos de los clavecinistas alemanes (Froberger, Bach). Las allemandes para conjuntos de cámara tendieron a conservar la textura homofónica de la música coreografiada.
Danzas de la suite
LA CORRENTE: Danza de origen francés, en compás ternario y de carácter vivo. Un movimiento de danza barroco en compás ternario. Nació en el siglo XVI y se convirtió en habitual de la suite a solo, a continuación de la allemande, hacia 1630. El tipo italiano, (corrente) utiliza el compás ternario rápido (3/4 o 3/8), a menudo con figuraciones triádicas o de escalas en corcheas o semicorcheas regulares. Presenta generalmente una textura homofónica, pero no son infrecuentes los comienzos imitativos. Los teóricos contemporáneos describieron la courante francesa madura como solemne y grave, con idéntico pulso que una zarabanda. Se escribe generalmente en 3/2, con una fuerte tendencia hacia las figuras de hemiolia que combinan modelos de acentuación de 6/4 y 3/2, así como figuras sincopadas afines.
Danzas de la suite
LA ZARABANDA: Danza de origen español, de carácter pausado y en un característico compás ternario de negra y blanca, con cierto peso en el segundo tiempo. Un movimiento de danza barroco en compás ternario. En Francia y Alemania era generalmente lenta y majestuosa. Presentaba normalmente una forma binaria, con frases muy regulares de cuatro u ocho compases y sencillas melodías que invitaban a la profusa ornamentación, a veces escrita o incluida a continuación como una “double”. Las primeras noticias de la zarabanda son las de una danza rápida y fuertemente erótica de Méjico y España en el siglo XVI, acompañada por castañuelas y guitarra. En España se prohibió en 1583, pero logró sobrevivir tanto aquí como en Italia como una danza rápida hasta el final del Barroco.
Danzas de la suite
LA GIGA: Danza de origen inglés, rápida y en compás ternario (o subdivisión ternaria). Es la pieza que suele cerrar la suite barroca. Muchos compositores, especialmente en Alemania, combinaron elementos de las dos escuelas. El tipo más influyente utiliza la imitación al comienzo de cada sección y posee extensiones de frase irregulares. Un tipo se consideraba una allemande rápida, con inclusión de puntillos (los Gaultier), pero en la música escénica (Lully) se utilizó la variedad binaria reexpositiva con anacrusas (…) En Italia era mucho más rápida y era especialmente habitual en música para violín (Vitali, Op. 4, 1668), con frecuencia como el último movimiento de las sonatas a solo (Domenico Zipoli) y las sonatas en trío (Corelli).
Formas musicales: el concierto
En los comienzos del Barroco, se hablaba del stile concertato, un término de múltiples significaciones pero que, esencialmente, se refería a la concertación de diferentes timbres vocales e instrumentales. Derivados de ese “estilo concertado”, aparecieron “Conciertos sacros”, obras dedicadas al culto en las que interactuaban voces e instrumentos, como los que dejaron Lodovico Grossi da Viadana, Giovanni Gabrieli o Heinrich Schütz. Se hablaba de orquesta cuando dos o tres instrumentistas tocaban una misma parte, por ejemplo, dos o tres primeros violines, dos o tres segundos violines, dos violas a los que se sumaban una serie de instrumentos para realizar ese tipo de acompañamiento tan especial que se denominaba basso continuo.
Formas musicales: el concierto
Concierto grosso: El concerto grosso nace en la esplendorosa Italia barroca de finales del siglo XVII: Alessandro Stradella y Giovanni Lorenzo Gregori son los pioneros en la propuesta formal. En efecto, las obras que integran la interesante colección de Sinfonías-Sonatas de Stradella no son, en rigor, ni sinfonías ni sonatas, sino tempranos concertos grossos. Y Gregori fue, al parecer, quien primeramente utilizó la denominación al publicar, en 1698, su conjunto de Concerti grossi a più stromenti. Unos años más y los admirables 12 Concerti grossi, opus 6 de Arcangelo Corelli, publicados en 1714. El concerto grosso en lo instrumental, la oposición, contraste o incluso lucha a que alude el título (recordemos la etimología de ‘concierto’) viene dada por la utilización de un grupo instrumental con papel especialmente destacado (el concertino o soli) que se ‘enfrenta’ al grueso instrumental (el tutti o ripieno, es decir, ‘relleno’).
Formas musicales: el concierto
Concierto solista: En el que un instrumento solista (o varios) se alterna con la orquesta (tutti), aumentando así la importancia del contraste. Extructura externa e interna tipo del concerto solista. El Concierto solista está estructurado externamente habitualmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido). Presenta una estructura externa derivada de la obertura italiana. Los movimientos rápidos presentan suelen tener la forma interna conocida como rítornello (pequeño retorno). Esta consiste en un tema principal que reaparece en su totalidad o abreviado a lo largo del movimiento. En la primera y última repetición está en la tonalidad original. Las reapariciones del ritornello están separadas por episodios solistas.
Los instrumentos del barroco
1. Clavecín
2. Órgano
3. Violín
4. Viola da gamba
5. Laúd
Clavecín
El nacimiento del clavecín se puede datar entre mediados del siglo XV y el XVI, algunas fuentes apuntan a que pudo ser una variación del antiguo salterio griego. Su época de esplendor fue el Barroco, cuando los compositores europeos comenzaron a escribir obras específicas para ser interpretadas por clave. Podríamos decir que su momento cumbre fueron los siglos XVII y XVIII. Tiene una estructura de madera, generalmente muy adornado con pinturas y marqueterías. Está compuesto por uno o dos teclados y cada una de sus teclas hace que las cuerdas sean activadas mediante una pieza llamada plectro que eleva la cuerda y la punza para hacerla sonar.
órgano
El órgano barroco tuvo su máximo esplendor en el siglo XVIII y dentro de la geografía española destaca una amplia región situada en el centro de la Península, nos referimos a Castilla (actualmente Castilla y León). Donde se construyeron en ese siglo numerosos órganos con características técnicas peculiares. Él órgano se uso para obras religiosas, el compositor que más lo utilizo fue Bach.
violín
Es considerado el instrumento más importante del barroco, se uso especialmente en Italia. Más concretamente Antonio Vivaldi fue el que más le uso en sus obras. El sonido del violín barroco - «silencioso, pero de dulce agudeza», según la sentencia de Nikolaus Harnoncourt- hace tiempo que dejó de ser coto de círculos conspirativos de música antigua. Más bien parece apropiado para una época ruidosa y acústicamente sobrecargada como la nuestra. Es fácil olvidar que la propia palabra «violín barroco» es joven y colorista, al menos si se entiende por ella algo más que un instrumento de cuerda con cuerdas de tripa.
viola da gamba
La viola da gamba es actualmente desconocida por muchos pero entre los siglos XV y XVII fue uno de los instrumentos más conocidos junto con otros como la flauta o el laud. La viola da gamba se utilizó mucho en agrupaciones de diversos instrumentos de diferentes medidas y afinaciones que de denominaron consorts.En un consort para cuatro violas podían tocar por ejemplo dos viola soprano, una tenor y una baja. Si al conjunto se le añadían instrumentos que no eran de la familia de las violas, por ejemplo flautas, se le denominaba broken consort. Durante la edad media el renacimiento y el barroco se construyeron muchos tipos de viola da gamba con diferente número de cuerdas y afinaciones. En aquella época no existía la estandarización que más tarde se impuso en los instrumentos de la orquesta.
Laúd
Era el instrumento de cuerda pulsada común en esa época.Hacia el 1600, con el comienzo del barroco, se añadieron cuerdas graves al laúd. Estas cuerdas no podían ser pisadas con los dedos, pero se afinaban en notas descendentes. Los músicos franceses, como Denis Gaultier (1603-1672), compusieron un notable repertorio para este instrumento. Se construyeron laúdes más grandes con mayor número y longitud de cuerdas. En torno al año 1700 la introducción de cuerdas entorchadas permitió que las cuerdas graves fueran de longitud normal. Los laúdes típicos del siglo XVIII tienen un clavijero doblado y un mástil ancho sobre el que hay entre cinco y siete cuerdas metálicas.
La orquesta barroca
La orquesta barroca era más reducida que la clásica o moderna. Su núcleo principal eran instrumentos de cuerda como violines,violas... acompañados de un bajo continuo. Los instrumentos ocasionales en esta orquesta eran timbales,trompetas,oboes,fagots y flautas. Y a diferencia de la orquesta de hoy en día no había director si no que el clavecinista o primer violín dirigía con su instrumento.
Compositores destacados
Claudio Monteverdi (Italia 1567, Venecia, 1643): La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca.Claudio Monteverdi se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor.Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. En este reto compuso L´Orfeo que es considerada la primera gran ópera barroca que da comienzo a esta misma etapa. El éxito fue inmediato y motivó nuevos encargos, como L'Arianna, ópera escrita para los esponsales de Francisco de Gonzaga y Margarita de Saboya. En 1637, se le abrieron sus puertas en Venecia los primeros teatros públicos de ópera y aqui ya se dio por finalizada su carrera.
Compositores destacados
Johann Sebastian Bach (Alemania, 1685, Leipzig 1750):Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg. Los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera. Etapas de su carrera Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750). Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. En esta etapa conmpuso Tocata y Fuga en Re Menor. En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt. Y en esta etapa compuso los seis Conciertos de Brandemburgo. Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.
Compositores destacados
Antonio Vivaldi (Venecia, 1678, Viena, 1741): De la infancia de Vivaldi no se conoce información. Fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial. Muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina, como las Suonate da camera Op. 1. Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi pero al ser sacerdote se le crítico por usarla. Inmerso en el mundo teatral como compositor y empresario, Ottone in Villa (1713) fue la primera de las óperas de Vivaldi de la que se tiene noticia. La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en 1725. Contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra.
Compositores destacados
George Friederich Haendel (Alemania, 1685, Londres, 1759):Se opuso a los derecos de su padre ya que el quería que estudiara derecho. En 1702 fue nombrado organista de la catedral de su localidad y, un año más tarde, violinista de la Ópera de la corte de Hamburgo. Haendel en 1705 su primera ópera, Almira, que fue bien acogida por el público. En 1710, de regreso en Alemania, Georg Friedrich Haendel fue nombrado maestro de capilla de la corte del Elector de Hannover, puesto que abandonó al final de ese mismo año para trasladarse a Inglaterra. Haendel volcó la mayor parte de su esfuerzo creativo en la composición de oratorios. En 1741 compuso El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés.
Vídeos
Bibliografía
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Bibliografía
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https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/haendel.htm