À la découverte de votre orchestre symphonique
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L'OSR bénéficie du soutien de la Ville de Genève, de la République et canton de Genève et du canton de Vaud
© N. Ackermann
À la découverte de votre orchestre symphonique
Comment se déroule un concert de l'OSR ?
Qu'est-ce qu'un orchestre symphonique ?
La disposition de l'orchestre
Les répétitions
Le métier de musicien.ne d'orchestre
Orchestre de la Suisse Romande
Les métiers administratifs
Les familles d'instruments
Virtual Hall
La direction d'orchestre
La partition d'orchestre
L'OSR à l'Opéra
Les enfants au concerts de l'OSR
Brochure sur l'orchestre à télécharger
Lexique de la musique classique
Activités et jeux à télécharger
Éveiller les enfants à la musiqueclassique
Jeux en ligne
Qu'est-ce qu'un orchestre symphonique ?
Un orchestre symphonique rassemble quatre familles d’instruments. Ces quatre familles d’instruments (cordes, bois, cuivres, percussions) sont disposées de manière à réaliser un équilibre acoustique déterminé par le volume sonore de chaque instrument.
© E. Pardo
Le terme orchestre vient du grec « orkhêstra » qui désigne, dans un théâtre, le lieu situé entre la scène et le public où évoluait le chœur de la tragédie antique.
On a donc donné ce même nom à la formation musicale installée à cet endroit.
L'Orchestre de la Suisse romande c'est...
© N. Ackermann
112 musiciens et musiciennes
22 membres de l’administration
plus de 30 instruments différents
25 nationalités
Environ 120 concerts en Suisse et à l’étranger ainsi qu’une quarantaine de représentations à l’opéra chaque année.
L’Orchestre de la Suisse Romande a été fondé en 1918 par Ernest Ansermet qui en a été son chef attitré jusqu’en 1967.
En plus d' un siècle, l’orchestre a su s’imposer sur le plan national comme international, et reçoit de nombreux chefs et solistes prestigieux. Il part en tournée régulièrement (Europe, États-Unis, Japon, Chine, Amérique du Sud…) et produit des enregistrements de grande qualité.
La disposition de l'orchestre
Un grand orchestre symphonique peut compter jusqu’à 80, voire parfois même plus de 100 musicien.ne.s ! Ils sont disposés en demi-disque autour du ou de la chef.fe d'orchestre.
Il existe plusieurs dispositions d’orchestre.
Depuis 2017, l'Orchestre de la Suisse Romande est le plus souvent placé selon la disposition «allemande», après avoir été durant des décénies disposé surtout en formation « classique ».
Il existe plusieurs dispositions d’orchestre.
Depuis 2017, l'Orchestre de la Suisse Romande est le plus souvent placé selon la disposition «allemande», après avoir été durant des décénies disposé surtout en formation « classique ».
Les contrebasses, les harpes et les violoncelles ont échangé leur place avec les seconds violons et les cors se placent à côté du tuba.
Cela modifie la sonorité de l'orchestre et convient mieux au directeur musical et artistique actuel de l’OSR, mais certain.e.s chef.fe.s préfèrent la disposition « classique ».
Disposition "allemande"
Disposition "classique"
cordes
percussions
bois
cuivres
Les répétitions
En plus de sa routine quotidienne qui lui permet de rester en forme et de garder une technique de pointe, chaque musicien.ne doit passer plusieurs heures de son côté, seul, à préparer sa partition et à étudier les pièces du programme du concert. C'est le côté marathon de cette profession qui demande beaucoup de régularité.
Ensuite, vient le volet sprint : les répétitions d'orchestre ! Tout se passe très vite lorsque l'orchestre est réuni, ainsi un concert est généralement préparé en deux jours et demi. Même s’il est rare que deux semaines se ressemblent lorsque l’on travaille dans un orchestre, on peut schématiser ainsi la préparation d'un concert symphonique :
Lundi Répétition de 10h à 12h30 Répétition de 14h30 à 17h
Dès le jeudi Autres concerts si celui du mercredi est rejoué plusieurs fois Travail personnel pour préparer les pièces qui seront répétées la semaine suivante
MardiRépétition de 10h à 12h30 Répétition de 14h30 à 17h
A l'opéra Les répétitions d'un spectacle lyrique sont plus nombreuses car les ouvrages sont souvent plus longs et les contraintes liées à la scène plus nombreuses. La mise en scène nécessite souvent plus d'un mois de travail, durant lequel les chanteurs et chanteuses sont accompagnés au piano. L'orchestre arrive à la fin pour une dizaine de répétitions avant les spectacles.
MercrediRépétition générale de 10h à 13h Premier concert à 19h30
Les services adminstratifs de l'OSR
La direction
direction générale
La régie
régie du personnel, coordination technique et régie de scène
La communication
Publications, marketing, digital, presse, billetterie, sposoring et mécenat
Les finances
comptabilité, assurances sociales, gestion adminstrative
La production
production, artistique, médiation et jeunesse, bibliothèque
Organigramme de l'OSR
Qu'est-ce que le métier de musicien.ne d'orchestre ?
Le métier de musicien·ne d’orchestre est celui d’un.e interprète professionnel.le qui joue d’un instrument au sein d’un ensemble symphonique, philharmonique, d’opéra ou de chambre. Il ou elle exécute des œuvres musicales souvent complexes, en parfaite synchronisation avec les autres musiciens, la plupart du temps sous la direction d’un ou d'une chef.fe d’orchestre. Ce métier exige une excellente maîtrise technique de son instrument, une grande rigueur, de la discipline, de l’endurance physique et mentale, ainsi qu’un sens très développé de l’écoute et du travail collectif. La formation débute généralement dès l’enfance, avec entre 10 et 15 années de pratique intensive, comprenant l’apprentissage en école de musique ou conservatoire, des cours de solfège, de musique de chambre, et souvent un cursus supérieur dans un conservatoire national ou international. L’entrée dans un orchestre professionnel se fait par concours très sélectif, avec des épreuves à huis clos, des passages imposés, et un essai de plusieurs mois avec l’orchestre. Une fois recruté·e, le ou la musicien·ne participe à de nombreuses répétitions, concerts, enregistrements et parfois des tournées. C’est un métier exigeant, qui demande un engagement constant, mais aussi profondément enrichissant, offrant le privilège de faire vivre la musique dans un cadre collectif de haut niveau.
La direction d'orchestre
Le chef ou la cheffe d’orchestre est la personne qui dirige les musiciens pour que tous jouent ensemble de manière harmonieuse. Son but est d’unifier le jeu des instrumentistes, en respectant la musique du compositeur, tout en y apportant sa propre vision. Pendant le concert ou les répétitions, il ou elle utilise ses mains, une baguette, le regard, et parfois même tout le corps pour guider l’orchestre. Par exemple, le bras droit sert souvent à indiquer le tempo (la vitesse de la musique) et les changements de rythme. Il peut aussi montrer si la musique doit être forte ou douce, ou liée (legato) ou sautillée (staccato). Le bras gauche, lui, sert souvent à montrer quand un instrument doit commencer à jouer et à exprimer l’émotion de la musique. Mais ces rôles peuvent changer selon la musique jouée : chaque morceau est unique et demande une approche particulière.
Le travail du ou de la cheffe d’orchestre ne se limite pas aux gestes. Il ou elle doit aussi bien connaître la musique, savoir étudier les partitions, comprendre les différents instruments, et même avoir des qualités humaines et psychologiques. En effet, diriger un orchestre, c’est aussi travailler avec des personnes très différentes, et savoir comment leur parler pour créer une belle ambiance de travail. Un bon ou une bonne chef.fe d’orchestre ne donne pas juste des ordres : il ou elle inspire, rassemble, et aide chaque musicien à donner le meilleur de lui-même, pour que l’ensemble devienne une grande équipe au service de la musique.
Battre la mesure à deux, trois ou quatre temps:
La partition d'orchestre
La partition d'orchestre est un document regroupant toutes les voix de l'orchestre, classées par ordre : instruments de la famille des bois en haut, suivis des cuivres, percussions, et cordes en bas. Chaque ligne représente un instrument ou un groupe, permettant au chef d'orchestre de visualiser l'ensemble des parties, de vérifier rythmes et harmonies, et de coordonner les musicienn.e.s. C'est un outil essentiel pour une direction efficace. Fruit du travail du compositeur, la partition est en fait un mode d’emploi, dans lequel figurent toutes les informations nécessaires à l’exécution d’une œuvre musicale. On trouve dans une partition trois groupes d’informations qui permettent l’exécution de l’oeuvre : Que jouer? Quand jouer? et Comment jouer?
Extrait tiré de "Marching Song" de G. Holst
Comment se déroule un concert ?
Le concert est un grand moment, pour le public venu écouter l’orchestre, mais aussi pour le ou la cheffe d’orchestre et pour les musiciens et les musiciennes ! C’est l’aboutissement de tout un travail et de plusieurs répétitions pour offrir au public et partager avec lui la plus belle musique possible.
Le déroulement du concert
Avant de venir au concert
En quelques mots
Avant le concert
Où s'asseoir ?
Que vais-je écouter ?
Place à la musique
L'accord de l'orchestre
Les tenues de concert
L'entracte
Comment se prépare un concert ?
Quand applaudir ?
Les concerts se sont-ils toujours passés ainsi ?
Écouter la musique...
Qu'est-ce que la musique "classique" ?
Et à quoi ça sert ?
Et à quoi ça sert ?
On entend souvent de la plart des plus jeunes, que la musique "classique" c'est pour les personnes âgées, que c'est dépassé. Peut-être ne leur a-t-on pas donné l'occasion de regarder au bon endroit ou transmis les bons messages ? Voici quelques exemples pour comprendre pourquoi elle est toujours d'actualité et que sa présence est importante au quotidien
Name Surname
Raconter des histoiressans mots
Exprimer des émotions
Se relaxer et se concentrer
Apprendre la patience et l'écoute
L'OSR au Grand Théâtre de Genève
Ouvert en 1879, le Grand Théâtre de Genève est la plus grande structure artistique de Suisse romande. La scène de Neuve accueille des productions d’opéra et de ballet selon le modèle de stagione (saison).
l’Orchestre de la Suisse Romande est le partenaire musical privilégié du Grand Théâtre depuis sa fondation en 1918. Les deux institutions collaborent sur six à huit productions majeures par saison.
Cette collaboration permet de réunir des talents suisses et internationaux, et contribue au rayonnement artistique de Genève à l’échelle mondiale. Elle assure également une continuité artistique entre les productions d’opéra et les concerts, favorisant une cohérence esthétique et musicale rare dans le paysage culturel européen.
L’activité de l’Orchestre de la Suisse Romande se partage entre le lyrique et le symphonique, avec environ 40 % de son engagement consacré aux productions du Grand Théâtre de Genève, tandis que les 60 % restants sont dédiés à sa saison symphonique, à des tournées et à d’autres projets musicaux.
De la Radio Suisse Romande à Virtual Hall
On peut entendre l’OSR sur les ondes radio suisses depuis 1929 ! Quasiment un siècle que les prestations de votre orchestre sont diffusées pour le plus grand nombre. En 2025, voici Virtual Hall® !
L'Orchestre de la Suisse Romande révolutionne l’expérience du concert symphonique en créant la première application de réalité virtuelle dédiée aux spectacles vivants. Baptisée Virtual Hall® et développée par la société suisse Cybel’Art, cette innovation nous invite à vivre une expérience immersive au cœur de l’orchestre, comme si vous étiez assis sur scène, entouré des musiciens, avec le chef d’orchestre face à vous. Ressentez l’émotion d’être un membre de l'orchestre, grâce à un réalisme saisissant.
Grâce à une captation en 360° réalisée par sept caméras simultanées, Virtual Hall vous permet de jouer les réalisateurs : choisissez votre point de vue et changez d’angle à volonté. Activez le mode "aide à la réalisation" pour recevoir des suggestions de cadrage basées sur l'orchestration de l'œuvre jouée, pour une immersion toujours plus fluide.Baptisée Virtual Hall®, cette application lève les barrières traditionnelles d’accès à la musique classique. Au-delà des contraintes physiques ou géographiques, elle offre une nouvelle forme de médiation culturelle, mettant à disposition du grand public une expérience immersive et interactive au sein d’un orchestre.
Les familles d'instruments
Un orchestre symphonique rassemble quatre grandes familles d’instruments. Les cordes (violons, altos, violoncelles, contrebasses) forment le cœur de l’orchestre, apportant chaleur et richesse sonore. Les bois (flûtes, hautbois, clarinettes, bassons) ajoutent couleur et légèreté avec leurs timbres variés. Les cuivres (trompettes, cors, trombones, tubas) offrent puissance et éclat, marquant souvent les moments forts. Enfin, les percussions (timbales, cymbales, xylophone, etc.) rythment et ponctuent la musique avec énergie et diversité. Ensemble, ces familles créent toute la palette sonore de l’orchestre.
cuivres
cordes
bois
percussions
La famille des cordes
Les cordes sont une vaste famille d’instruments qui englobe 3 catégories :
Les cordes frottées
Les cordes pincées
Les cordes frappées
Dans un orchestre, les instruments à cordes sont disposés en demi-cercle autour du chef ou de la cheffe d’orchestre, à l’avant de la scène.
Les cordes frottées
La famille des cordes frottées est la plus nombreuse de l’orchestre.
Ces quatre instruments ont presque la même forme, on les différencie par leur taille, et donc par la hauteur du son : plus l’instrument est grand plus le son est grave, et à l’inverse, plus l’instrument est petit plus le son est aigu. Le violon est donc le plus aigu de cette famille et la contrebasse le plus grave.
Chaque instrument est constitué d’une caisse de résonance, d’un manche et de 4 cordes (parfois 5 pour la contrebasse) qu’il faut frotter avec un archet pour les mettre en vibration et produire le son. La guitare possède des petites barres placées sous les cordes (frettes) qui servent de repères. Ici par contre n’y a aucune indication pour aider le musicien ou la musicienne à placer ses doigts sur les cordes. Cela explique en partie pourquoi il est si difficile de jouer juste lorsque l’on débute !
archet
chevilles
volute
manche
chevalet
ouïes
pique
35,5 cm pour environ 470 g (sans la
mentonnière)
environ 2 m pour 11 kg
Les bois
Ce sont des instruments à vent constitués de tubes percés de trous que le musicien ou la musicienne ouvre et ferme en actionnant des clés pour obtenir des notes de hauteurs différentes. Pour mettre le son en vibration, il faut souffler dans des embouchures ou des anches, différentes selon les instruments de cette famille.
Les cuivres
Les cuivres sont les instruments les plus sonores de l’orchestre, constitués généralement de laiton (alliage de cuivre et de zinc).Contrairement à ce que leur nom laisse à penser, le point commun des instruments de cette famille n’est pas la matière qui les constitue mais une même technique utilisée pour produire le son : la vibration des lèvres sur une embouchure.
Les percussions
La famille des percussions réunit le plus grand catalogue d’instruments de l’orchestre ! On peut classer les instruments de percussions en quatre groupes selon le matériau sur lequel on frappe : peaux, métaux, claviers et accessoires. On joue ces instruments le plus souvent avec des baguettes, en bois ou en métal, parfois avec une extêmité en caoutchouc, en coton ou en laine. On en joue aussi certains directement avec les mains.
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Les différentes étapes de fabrication d'un violon par un luthier
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Les cordes pincées
La famille des cordes pincées regroupe des instruments dont le son est produit en pinçant directement les cordes avec les doigts ou un plectre. Parmi eux, on trouve la harpe, le luth, le clavecin ou encore la guitare. Leur timbre est délicat et clair, apportant des touches de poésie, de rythme ou de virtuosité selon les styles et les époques.
Les cordes frappées
Le piano
Le piano fait partie de la famille des cordes, et plus précisément des instruments à cordes frappées. Il a été créé au XVIIIe siècle par l’italien Bartolomeo Cristofori. Les ancêtres du piano sont le clavicorde (et le clavecin) et le cymbalum (instrument encore utilisé de nos jours dans la musique tzigane).
Le mécanisme du piano est assez complexe : les touches actionnent des petits marteaux couverts de feutre (le tissu, pas le stylo) qui viennent frapper les cordes (parfois plusieurs cordes pour la même note). Il y a également un étouffoir, pour que les cordes ne vibrent pas lorsqu’elles ne sont pas sollicitées. Il y a en général deux ou trois pédales actionnées, soit pour donner de la résonnance et/ou du volume, soit pour adoucir le son, le rendre plus feutré. Cet instrument a beaucoup évolué avec les années, et a bénéficié de techniques nouvelles pour s’améliorer. Il possède un ambitus très large, c’est-à-dire qu’il peut aller du très grave au très aigu. Il a également la particularité de pouvoir jouer à la fois une mélodie et son accompagnement.
Il est normal de vouloir voir les artistes le mieux possible. Mais attention, les premiers rangs ne sont pas les meilleurs pour les écouter ! Imagine une salle de concert comme un grand terrain de tennis. Les sons des instruments sont comme des balles, et le filet, c'est le bord de la scène. Si tu es trop près, les sons vont te passer au-dessus de la tête sans avoir eu le temps de se mélanger. Prends-donc du recul ou de la hauteur si possible.
En général, on applaudit à la fin d'une pièce ou de la première partie lorsque le concert comprend un entracte. Mais jamais entre deux mouvements, pour ne pas déconcentrer les artistes ! Le silence ne marque pas nécessairement la fin, il peut aussi indiquer une pause entre deux parties d'une oeuvre. Pour savoir à quel moment applaudir, il faut observer l'attitude du ou de la cheffe d'orchestre, qui baisse les bras et se retourne en direction du public lorsque une pièces est terminée. On peut remercier les artistes en applaudissant bien fort !
On écoute bien-sûr la musique et on observe l’activité de chacun.e : les gestes de la battue ou la synchronisation spectaculaire des archets sur les instruments à cordes. On applaudit à la fin de chaque pièce. Le silence ne marque pas nécessairement la fin, il peut aussi indiquer une pause entre deux mouvements d’une œuvre. C’est pourquoi, mieux vaut se reporter à l’attitude du ou de la cheffe d’orchestre, qui baisse les bras et se retourne en direction du public lorsqu’une pièce est achevée.
Pistons
En musique, un piston est un mécanisme utilisé par la majorité des instruments de la famille des cuivres. Il permet de moduler la hauteur du son en déviant le flux d'air vers un tuyau supplémentaire.
Parfois, écouter de la musique classique peut nous aider à nous détendre après une journée chargée ou à nous concentrer sur nos devoirs. Les mélodies douces et la harmonies apaisantes peuvent calmer notre esprit.
La musique classique demande parfois un peu de patience pour l'apprécier. En écoutant attentivement, on découvre des détails fascinants, comme les instruments qui jouent ensemble ou les changements de rythme ou de volume.
Le clavecin est un instrument à cordes pincées doté d’un clavier. Lorsqu’on appuie sur une touche, un petit mécanisme pince la corde avec un bec, produisant un son clair et délicat. Très utilisé aux XVIIe et XVIIIe siècles, notamment à l’époque baroque, il est aujourd’hui surtout entendu dans la musique ancienne. On ne le trouve presque jamais dans un orchestre symphonique moderne, sauf pour certaines œuvres spécifiques ou en musique baroque.
Instrument à la sonorité éclatante et brillante, la trompette est constituée d’un tube replié sur lui-même, d’un pavillon et de trois pistons.C’est un instrument très ancien qui, avant d’être en métal, était fabriqué avec des os, du bois ou des cornes. Elle servait à communiquer ou à donner l’alarme.
Le trombone est reconnaissable par sa coulisse télescopique. C’est l'un des rares instruments à vent dont la maîtrise ne nécessite pas l'utilisation individuelle des doigts. Que le trombone soit ténor ou basse, son registre est plus grave que celui d'une trompette, car il est plus grand.
Les timbales sont des instruments de percussion formés d'un bassin hémisphérique en métal recouvert d'une peau dont la tension est réglable par des vis et sur laquelle on frappe avec des baguettes.Elles sont le plus souvent utilisées par paires de sonorités et notes différentes.
La musique classique désigne, au sens large, la musique savante composée en Europe depuis le Moyen Âge jusqu’au début du XXe siècle. On parle de musique "savante", non pas parce qu’elle rendrait automatiquement plus intelligent (même si certaines études s’y intéressent sérieusement !), mais parce qu’elle repose sur une tradition écrite : les œuvres ont été notées sur partition, permettant leur transmission fidèle à travers les siècles. Contrairement à de nombreuses musiques orales ou populaires, souvent transmises de manière informelle, la musique classique s’inscrit donc dans une logique de conservation et d’étude. C’est un peu comme si chaque compositeur avait laissé un mode d’emploi pour faire revivre son œuvre… plusieurs siècles plus tard, et parfois dans une salle de concert bien chauffée.Pratiquer un instrument ou le chant, écouter un disque ou assister à un concert... La musique classique se vit de différentes manières, chacune unique avec ses propres émotions. Le rapport de l'enfant à cet art riche en histoire, et pourtant si actuel, se construit grâce à la complémentarité de ces expériences. Lorsqu'il entre dans une salle de spectacle, l'enfant comprend qu'il vit un moment privilégié, hors du quotidien. Cette première fois peut néanmoins être intimidante. Notre rapport à la musique et au concert a besoin de pédagogie autant que notre écoute. L'accompagnement de l'enseignant.e et du parent est aussi essentiel pour former le spectateur de demain.
La clarinette est un instrument à anche simple faite en bois de palissandre. L’anche simple est un morceau de roseau mis en vibration contre le bec qui produit le son. Au bout de la clarinette se trouve le pavillon.Aujourd’hui, la clarinette est percée de 24 trous, trop nombreux pour les doigts de la main, un système de clés permet d’atteindre ceux trop éloignés tandis que les anneaux permettent de boucher deux trous avec un seul doigt. Sa famille comprend plusieurs instruments, dont la petite clarinette et la clarinette basse.
Le violon est composé de 71 pièces de différents bois, (ébène, érable, épicéa...) qui forment trois parties principales : la tête, le manche et le corps.
Il se joue à l’aide d’un archet que l’on frotte sur les cordes pour produire le son.
On le pose entre l’épaule et le menton du côté gauche, la corde la plus aigüe (mi) est extrêmement fine et fragile. Dans un orchestre, il y a deux « équipes » de violonistes, les premiers violons qui interprètent le plus souvent la partie mélodique et les seconds violons qui alternent entre mélodie et accompagnement.
marteaux
Le piccolo est le plus petit instrument de l’orchestre (env. 33 cm). Il doit son nom à sa taille : « piccolo » signifie petit en italien. C’est donc l’instrument le plus aigu de tous.
La musique classique peut nous faire ressentir toutes sortes d'émotions, de la joie à la tristesse, en passant par l'amour ou la peur. Elle aide les compositeurs et compositrices à exprimer ce qu'ils/elles ressentent et permet aux auditeurs de ressentir ces émotions avec elles ou eux.
Embouchure
La contrebasse est le plus grave des instruments à cordes.À la différence des autres, elle n’a trouvé ni forme, ni dimension complètement standardisée. Elle continue aujourd’hui à présenter un mélange des caractéristiques de la famille des violons et de la famille des violes de gambe. Généralement à quatre cordes, la contrebasse est parfois construite avec une cinquième corde dans le grave pour l’exécution du grand répertoire symphonique.
Elle peut mesurer près de 2 mètres et pèse plus de 10 kilos. Outre sa présence à l’orchestre, la contrebasse est aussi utilisée dans la musique folklorique ou le jazz, jouée souvent en pizzicato pour donner de la vie à l’orchestration. Le ou la contrebassiste joue debout ou assis.e sur un haut tabouret. Il/elle peut tenir son archet de deux façons : la paume de la main vers le sol à la française, la paume de main vers le haut à l’allemande.
L'Orchestre de la Suisse Romande
L’Orchestre de la Suisse Romande a été fondé à Genève en 1918 par Ernest Ansermet. L’Orchestre de la Suisse Romande c’est… 112 musiciens, 24 nationalités, 24 membres de l’administration, plus de 30 instruments différents, environ 80 concerts par année.
Le tuba est l’instrument le plus grave de la famille des cuivres, dont la
tessiture varie en fonction de la longueur du tube.
L’instrument possède jusqu’à 6 pistons ou palettes.Si l’on déroulait tout le
tuba, il pourrait mesurer jusqu’à 9 mètres !
Anche double de basson
Pour les instruments de la famille des cuivres, l'embouchure désigne la pièce en forme d'entonnoir dans laquelle le musicien fait vibrer ses lèvres pour émettre un son. L'embouchure est caractéristique de cette famille d'instruments.
La harpe se joue uniquement en pinçant les cordes. Elle possède 47 cordes, 7 pédales et pèse environ 40 kg. De forme le plus souvent triangulaire, elle est munie de cordes tendues de longueurs variables dont les plus courtes donnent les notes les plus aiguës. C’est sans doute l’instrument à cordes le plus ancien.
Comme dans un film où la musique nous aide à comprendre ce qu'il se passe, la musique classique peut raconter des histoires ou décrire des sentiments, même sans paroles ou sans visuel. Par exemple, une pièce peut nous faire penser à une journée ensoleillée ou une aventure passionnante.
La flûte traversière appartient à la famille des bois bien qu’elle soit en métal.En effet, à ses débuts, la flûte était faite en bois.Aujourd’hui elle est en platine, en argent ou parfois même en or.Elle se tient de travers, d’où son nom.
Le son est produit par l’impact du souffle sur une embouchure latérale, sur laquelle le.la musicien.ne pose ses lèvres, et il.elle tient la flûte vers sa droite.
Avec ses doigts, il.elle bouche ou débouche certains des treize trous et clés percés dans le corps de l’instrument pour produire les notes voulues.
La flûte est presque le plus aigu des instruments à vent, son petit frère le piccolo l’est encore plus.
De forme identique au violon mais de dimensions beaucoup plus grandes, le violoncelle se joue assis, tenu entre les genoux, et repose sur une pique. Il se caractérise par ses sonorités graves et profondes, et son timbre chaud et velouté en fait l’instrument le plus proche de la voix humaine.
C’est l’un des instruments ayant la tessiture (intervalle entre le son le plus grave et le plus aigu) la plus grande.
L’accord de l’orchestre débute par le hautbois qui donne le LA, note de référence pure et stable, suivie du violon solo qui l’accorde en premier, guidant ensuite le reste des musiciens vers une harmonie commune.
Les concerts commencent toujours à l'heure ! Mieux vaut ne pas être en retard, ou s'appercevoir au dernier moment qu'on a besoin d'aller aux toilettes... Contrairement au cinéma, le concert est une performance executée en direct.. Si l'on entend tout ce qui se passe sur scène, c'est aussi vrai pour les artistes, qui peuvent être facilement déconcentrés par les bruits de la salle: discussions, chuchotements, sonneries de téléphones, bruits de nourriture... Tout cela perturbe la petite bulle que chacun crée en se laissant emporter par la musique. Le concert, c'est aussi ça : se laisser bercer et guider par la musique, laisser libre cours à ses émotions et oublier le reste pendant un moment suspendu dans le temps. Pour que chacun.ne profite des meilleures conditions d'écoute, mieux vaut garder ce que l'on a envie de dire ou de partager avec ses amis pour la fin du concert.
On reconnaît le cor par sa forme arrondie en escargot. Il est composé d’un très long tuyau de 5 mètres replié sur lui-même. Sa main gauche active des palettes pour changer la hauteur du son. La main droite est placée dans le pavillon pour soutenir l'instrument.
Pour le public
Tu te demandes comment t'habiller? On a souvent l'image très chic de la musique classique, et on imagine que l'on ne voit aux concerts que des des gens en tenues de soirée. Si certaines personnes ont du plaisir à s'apprêter pour sortir, il est important de se sentir libre d'y aller comme on le souhaite, comme au cinéma.
Pour les artistes
L'uniforme historique des musiciens est le frac (pour les messieurs, une variante de la queue de pie), et la robe noire pour les dames. Aujourd'hui le frac est démodé mais la tenue noire et sobre domine toujours. L'artiste doit se démarquer par son talent musical, pas par ses excentricités vestimentaires. La simplicité de l'uniforme vise simplement à ne pas détourner l'attention du public.
Il y a encore quelques centaines d'années, l'ambiance des concerts était totalement différente, la salle restait allumée, les gens faisaient du bruit et se déplaçaient pendant le concert. On se souciait alors moins de la musique. On venait au concert pour être vu et discuter des derniers potins, le moment du concert jouait le rôle de réseau social !
L’alto se joue comme le violon mais il est plus grand et sonne par conséquent plus grave. L’instrument a trois cordes en commun avec le violon, mais possède une quatrième corde plus grave (le do).
Le répertoire original de cet instrument au son chaleureux couvre toutes les époques. Ses rôles sont divers au sein de l’orchestre : il peut jouer des mélodies, s’unir aux bois ou aux cors pour compléter l’harmonie ou réaliser des accompagnements en tous genres pour donner de la vie à l’orchestration.
Bec et anche simple de clarinette
Le hautbois est le plus court des instruments à anche double, c’est donc lui qui produit les sons les plus aigus. Il est généralement en bois (ébène, buis ou palissandre) et possède un tuyau à perce conique qui se termine par un pavillon. Sa famille comprend également le hautbois d’amour et le cor anglais. Pour produire un son, le musicien ou la musicienne doit souffler dans deux petites lamelles de roseau qui vibrent l’une contre l’autre. Cet accessoire indispensable s’appelle une anche double. Le timbre de l’instrument peut être puissant et sonore, doux ou charmeur, clair ou plein de rondeur et de chaleur.
Les baguettes de percussion varient en fonction des instruments pour répondre à leurs caractéristiques sonores. Les baguettes dures, comme celles pour caisse claire ou xylophone, permettent des attaques nettes et précises, idéales pour des sons brillants ou percussifs. À l’inverse, les mailloches recouvertes de feutre ou de laine, utilisées pour les timbales, marimba ou vibraphone, offrent un son plus rond et chaleureux, adapté à des jeux expressifs. Les baguettes de grosse caisse sont volumineuses pour produire des sons profonds, tandis que les balais, utilisés surtout en jazz, permettent des textures douces et feutrées. Ainsi, chaque type de baguette est conçu pour optimiser le timbre, la dynamique et le style de jeu propres à chaque instrument.
Dès son plus jeune âge, l’enfant développe son sens de l’écoute, éveille sa curiosité et façonne ses goûts musicaux. Il est donc essentiel de lui offrir des occasions de découvrir la musique et de s’exprimer sur ce qu’il perçoit.L’écoute active repose sur une expérience sensible : on se concentre pleinement sur la musique, en se fixant des objectifs d’écoute que l’on peut restituer par la parole, le mouvement du corps ou encore le dessin.Mais écouter, c’est aussi parfois ne rien faire, se laisser porter par les sons, rêvasser, simplement pour le plaisir d’être enveloppé par la musique. Cela peut mener à la détente, au sommeil, à la danse, ou simplement à une immersion dans l’ambiance et le rythme.
Anche double de hautbois
Lorsque les spectateurs entrent dans la salle, ils découvrent les musiciens et les musiciennes qui arrivent petit à petit ou sont déjà en place et jouent individuellement dans un grand brouhaha. C’est l’échauffement ! Le premier violon solo arrive ensuite en scène et salue le public au nom de tout l’orchestre, qu’il représente. Les lumières baissent et le premier violon solo se lève pour demander la note la au hautbois. Tout l’orchestre accorde son instrument sur cette note. Le ou la cheffe fait alors son entrée sur scène, salué.e par l’orchestre qui se lève, et le public applaudit.
La guitare est un instrument à cordes pincées doté d’une caisse de résonance en bois, d’un manche fretté et de six cordes tendues. On la joue en pinçant ou en grattant les cordes avec les doigts ou un médiator. Bien qu’elle soit très populaire dans de nombreux styles de musique, la guitare est rarement présente dans un orchestre symphonique traditionnel. Lorsqu’elle apparaît, c’est souvent pour des œuvres spécifiques ou dans des formations particulières.
Quand le concert dure longtemps, les artistes ont aussi besoin de se reposer. L'entracte est donc une interruption du concert, qui dure entre 15 et 20 minutes. Cela permet, côté scène, de faire une pause pendant que les régisseurs changent la disposition du plateau selon les oeuvres jouées. Côté public, on peut grignoter un petit en-cas au bar, passer aux toilettes, ou donner ses impressions sur la première partie à ses proches avant la suite.
Pour chaque concert, les œuvres jouées sont différentes, mais un même programme (c’est à dire l’ensemble des pièces musicales qui est joué pour un concert) peut être donné plusieurs fois (dans différentes villes par exemple). Les musiciens et musiciennes travaillent d’abord chez eux, séparément, avec leur partition et leur instrument, puis ils se retrouvent tous ensemble avec le ou la chef.fe d’orchestre pour mettre en place la musique avant le concert. La dernière répétition s’appelle la répétition générale : on joue les œuvres du début à la fin sans s’arrêter, c’est comme au concert… mais sans public !
Il est toujours utile de se préparer avant un concert. Nous recommandons d'écouter des extraits des œuvres du concert à la maison ou en classe, tranquillement avec un enregistrement. Cela permet de reconnaître quelques passages musicaux qui auront marqué, d'avoir identifié le mombre de parties que contient chaque oeuvre, comment les différencier, et de mieux comprendre le texte quand il y en a un.
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Finances
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Fondation de l'OSR
Billetterie
Production et bibliothèque
Direction générale
Marketing et communication
administration
Sponsoring et Mécénat
Régie scène et technique
112 musiciens
Médiation /Jeunesse
Direction artistique
Stagiaires /apprentis
Tout comme le hautbois, le basson est un instrument à anche double, où vibrent 2 morceaux de roseau l’un contre l’autre. Il est composé de deux tubes raccordés par un coude en « U ». Si on les mettait bout à bout, l’ensemble mesurerait 2,5 mètres ! Le basson, et son cousin le contrebasson, sont les instruments les plus graves de la famille des bois.
On ne prend pas de photos ou de vidéos pendant le concert et on veille à éteindre son téléphone portable !
À la découverte de votre orchestre symphonique
OSR Jeunesse
Created on April 23, 2025
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Transcript
À la découverte de votre orchestre symphonique
Démarrer
L'OSR bénéficie du soutien de la Ville de Genève, de la République et canton de Genève et du canton de Vaud
© N. Ackermann
À la découverte de votre orchestre symphonique
Comment se déroule un concert de l'OSR ?
Qu'est-ce qu'un orchestre symphonique ?
La disposition de l'orchestre
Les répétitions
Le métier de musicien.ne d'orchestre
Orchestre de la Suisse Romande
Les métiers administratifs
Les familles d'instruments
Virtual Hall
La direction d'orchestre
La partition d'orchestre
L'OSR à l'Opéra
Les enfants au concerts de l'OSR
Brochure sur l'orchestre à télécharger
Lexique de la musique classique
Activités et jeux à télécharger
Éveiller les enfants à la musiqueclassique
Jeux en ligne
Qu'est-ce qu'un orchestre symphonique ?
Un orchestre symphonique rassemble quatre familles d’instruments. Ces quatre familles d’instruments (cordes, bois, cuivres, percussions) sont disposées de manière à réaliser un équilibre acoustique déterminé par le volume sonore de chaque instrument.
© E. Pardo
Le terme orchestre vient du grec « orkhêstra » qui désigne, dans un théâtre, le lieu situé entre la scène et le public où évoluait le chœur de la tragédie antique. On a donc donné ce même nom à la formation musicale installée à cet endroit.
L'Orchestre de la Suisse romande c'est...
© N. Ackermann
112 musiciens et musiciennes
22 membres de l’administration
plus de 30 instruments différents
25 nationalités
Environ 120 concerts en Suisse et à l’étranger ainsi qu’une quarantaine de représentations à l’opéra chaque année.
L’Orchestre de la Suisse Romande a été fondé en 1918 par Ernest Ansermet qui en a été son chef attitré jusqu’en 1967.
En plus d' un siècle, l’orchestre a su s’imposer sur le plan national comme international, et reçoit de nombreux chefs et solistes prestigieux. Il part en tournée régulièrement (Europe, États-Unis, Japon, Chine, Amérique du Sud…) et produit des enregistrements de grande qualité.
La disposition de l'orchestre
Un grand orchestre symphonique peut compter jusqu’à 80, voire parfois même plus de 100 musicien.ne.s ! Ils sont disposés en demi-disque autour du ou de la chef.fe d'orchestre.
Il existe plusieurs dispositions d’orchestre. Depuis 2017, l'Orchestre de la Suisse Romande est le plus souvent placé selon la disposition «allemande», après avoir été durant des décénies disposé surtout en formation « classique ».
Il existe plusieurs dispositions d’orchestre. Depuis 2017, l'Orchestre de la Suisse Romande est le plus souvent placé selon la disposition «allemande», après avoir été durant des décénies disposé surtout en formation « classique ».
Les contrebasses, les harpes et les violoncelles ont échangé leur place avec les seconds violons et les cors se placent à côté du tuba. Cela modifie la sonorité de l'orchestre et convient mieux au directeur musical et artistique actuel de l’OSR, mais certain.e.s chef.fe.s préfèrent la disposition « classique ».
Disposition "allemande"
Disposition "classique"
cordes
percussions
bois
cuivres
Les répétitions
En plus de sa routine quotidienne qui lui permet de rester en forme et de garder une technique de pointe, chaque musicien.ne doit passer plusieurs heures de son côté, seul, à préparer sa partition et à étudier les pièces du programme du concert. C'est le côté marathon de cette profession qui demande beaucoup de régularité.
Ensuite, vient le volet sprint : les répétitions d'orchestre ! Tout se passe très vite lorsque l'orchestre est réuni, ainsi un concert est généralement préparé en deux jours et demi. Même s’il est rare que deux semaines se ressemblent lorsque l’on travaille dans un orchestre, on peut schématiser ainsi la préparation d'un concert symphonique :
Lundi Répétition de 10h à 12h30 Répétition de 14h30 à 17h
Dès le jeudi Autres concerts si celui du mercredi est rejoué plusieurs fois Travail personnel pour préparer les pièces qui seront répétées la semaine suivante
MardiRépétition de 10h à 12h30 Répétition de 14h30 à 17h
A l'opéra Les répétitions d'un spectacle lyrique sont plus nombreuses car les ouvrages sont souvent plus longs et les contraintes liées à la scène plus nombreuses. La mise en scène nécessite souvent plus d'un mois de travail, durant lequel les chanteurs et chanteuses sont accompagnés au piano. L'orchestre arrive à la fin pour une dizaine de répétitions avant les spectacles.
MercrediRépétition générale de 10h à 13h Premier concert à 19h30
Les services adminstratifs de l'OSR
La direction
direction générale
La régie
régie du personnel, coordination technique et régie de scène
La communication
Publications, marketing, digital, presse, billetterie, sposoring et mécenat
Les finances
comptabilité, assurances sociales, gestion adminstrative
La production
production, artistique, médiation et jeunesse, bibliothèque
Organigramme de l'OSR
Qu'est-ce que le métier de musicien.ne d'orchestre ?
Le métier de musicien·ne d’orchestre est celui d’un.e interprète professionnel.le qui joue d’un instrument au sein d’un ensemble symphonique, philharmonique, d’opéra ou de chambre. Il ou elle exécute des œuvres musicales souvent complexes, en parfaite synchronisation avec les autres musiciens, la plupart du temps sous la direction d’un ou d'une chef.fe d’orchestre. Ce métier exige une excellente maîtrise technique de son instrument, une grande rigueur, de la discipline, de l’endurance physique et mentale, ainsi qu’un sens très développé de l’écoute et du travail collectif. La formation débute généralement dès l’enfance, avec entre 10 et 15 années de pratique intensive, comprenant l’apprentissage en école de musique ou conservatoire, des cours de solfège, de musique de chambre, et souvent un cursus supérieur dans un conservatoire national ou international. L’entrée dans un orchestre professionnel se fait par concours très sélectif, avec des épreuves à huis clos, des passages imposés, et un essai de plusieurs mois avec l’orchestre. Une fois recruté·e, le ou la musicien·ne participe à de nombreuses répétitions, concerts, enregistrements et parfois des tournées. C’est un métier exigeant, qui demande un engagement constant, mais aussi profondément enrichissant, offrant le privilège de faire vivre la musique dans un cadre collectif de haut niveau.
La direction d'orchestre
Le chef ou la cheffe d’orchestre est la personne qui dirige les musiciens pour que tous jouent ensemble de manière harmonieuse. Son but est d’unifier le jeu des instrumentistes, en respectant la musique du compositeur, tout en y apportant sa propre vision. Pendant le concert ou les répétitions, il ou elle utilise ses mains, une baguette, le regard, et parfois même tout le corps pour guider l’orchestre. Par exemple, le bras droit sert souvent à indiquer le tempo (la vitesse de la musique) et les changements de rythme. Il peut aussi montrer si la musique doit être forte ou douce, ou liée (legato) ou sautillée (staccato). Le bras gauche, lui, sert souvent à montrer quand un instrument doit commencer à jouer et à exprimer l’émotion de la musique. Mais ces rôles peuvent changer selon la musique jouée : chaque morceau est unique et demande une approche particulière. Le travail du ou de la cheffe d’orchestre ne se limite pas aux gestes. Il ou elle doit aussi bien connaître la musique, savoir étudier les partitions, comprendre les différents instruments, et même avoir des qualités humaines et psychologiques. En effet, diriger un orchestre, c’est aussi travailler avec des personnes très différentes, et savoir comment leur parler pour créer une belle ambiance de travail. Un bon ou une bonne chef.fe d’orchestre ne donne pas juste des ordres : il ou elle inspire, rassemble, et aide chaque musicien à donner le meilleur de lui-même, pour que l’ensemble devienne une grande équipe au service de la musique.
Battre la mesure à deux, trois ou quatre temps:
La partition d'orchestre
La partition d'orchestre est un document regroupant toutes les voix de l'orchestre, classées par ordre : instruments de la famille des bois en haut, suivis des cuivres, percussions, et cordes en bas. Chaque ligne représente un instrument ou un groupe, permettant au chef d'orchestre de visualiser l'ensemble des parties, de vérifier rythmes et harmonies, et de coordonner les musicienn.e.s. C'est un outil essentiel pour une direction efficace. Fruit du travail du compositeur, la partition est en fait un mode d’emploi, dans lequel figurent toutes les informations nécessaires à l’exécution d’une œuvre musicale. On trouve dans une partition trois groupes d’informations qui permettent l’exécution de l’oeuvre : Que jouer? Quand jouer? et Comment jouer?
Extrait tiré de "Marching Song" de G. Holst
Comment se déroule un concert ?
Le concert est un grand moment, pour le public venu écouter l’orchestre, mais aussi pour le ou la cheffe d’orchestre et pour les musiciens et les musiciennes ! C’est l’aboutissement de tout un travail et de plusieurs répétitions pour offrir au public et partager avec lui la plus belle musique possible.
Le déroulement du concert
Avant de venir au concert
En quelques mots
Avant le concert
Où s'asseoir ?
Que vais-je écouter ?
Place à la musique
L'accord de l'orchestre
Les tenues de concert
L'entracte
Comment se prépare un concert ?
Quand applaudir ?
Les concerts se sont-ils toujours passés ainsi ?
Écouter la musique...
Qu'est-ce que la musique "classique" ?
Et à quoi ça sert ?
Et à quoi ça sert ?
On entend souvent de la plart des plus jeunes, que la musique "classique" c'est pour les personnes âgées, que c'est dépassé. Peut-être ne leur a-t-on pas donné l'occasion de regarder au bon endroit ou transmis les bons messages ? Voici quelques exemples pour comprendre pourquoi elle est toujours d'actualité et que sa présence est importante au quotidien
Name Surname
Raconter des histoiressans mots
Exprimer des émotions
Se relaxer et se concentrer
Apprendre la patience et l'écoute
L'OSR au Grand Théâtre de Genève
Ouvert en 1879, le Grand Théâtre de Genève est la plus grande structure artistique de Suisse romande. La scène de Neuve accueille des productions d’opéra et de ballet selon le modèle de stagione (saison).
l’Orchestre de la Suisse Romande est le partenaire musical privilégié du Grand Théâtre depuis sa fondation en 1918. Les deux institutions collaborent sur six à huit productions majeures par saison.
Cette collaboration permet de réunir des talents suisses et internationaux, et contribue au rayonnement artistique de Genève à l’échelle mondiale. Elle assure également une continuité artistique entre les productions d’opéra et les concerts, favorisant une cohérence esthétique et musicale rare dans le paysage culturel européen.
L’activité de l’Orchestre de la Suisse Romande se partage entre le lyrique et le symphonique, avec environ 40 % de son engagement consacré aux productions du Grand Théâtre de Genève, tandis que les 60 % restants sont dédiés à sa saison symphonique, à des tournées et à d’autres projets musicaux.
De la Radio Suisse Romande à Virtual Hall
On peut entendre l’OSR sur les ondes radio suisses depuis 1929 ! Quasiment un siècle que les prestations de votre orchestre sont diffusées pour le plus grand nombre. En 2025, voici Virtual Hall® !
L'Orchestre de la Suisse Romande révolutionne l’expérience du concert symphonique en créant la première application de réalité virtuelle dédiée aux spectacles vivants. Baptisée Virtual Hall® et développée par la société suisse Cybel’Art, cette innovation nous invite à vivre une expérience immersive au cœur de l’orchestre, comme si vous étiez assis sur scène, entouré des musiciens, avec le chef d’orchestre face à vous. Ressentez l’émotion d’être un membre de l'orchestre, grâce à un réalisme saisissant.
Grâce à une captation en 360° réalisée par sept caméras simultanées, Virtual Hall vous permet de jouer les réalisateurs : choisissez votre point de vue et changez d’angle à volonté. Activez le mode "aide à la réalisation" pour recevoir des suggestions de cadrage basées sur l'orchestration de l'œuvre jouée, pour une immersion toujours plus fluide.Baptisée Virtual Hall®, cette application lève les barrières traditionnelles d’accès à la musique classique. Au-delà des contraintes physiques ou géographiques, elle offre une nouvelle forme de médiation culturelle, mettant à disposition du grand public une expérience immersive et interactive au sein d’un orchestre.
Les familles d'instruments
Un orchestre symphonique rassemble quatre grandes familles d’instruments. Les cordes (violons, altos, violoncelles, contrebasses) forment le cœur de l’orchestre, apportant chaleur et richesse sonore. Les bois (flûtes, hautbois, clarinettes, bassons) ajoutent couleur et légèreté avec leurs timbres variés. Les cuivres (trompettes, cors, trombones, tubas) offrent puissance et éclat, marquant souvent les moments forts. Enfin, les percussions (timbales, cymbales, xylophone, etc.) rythment et ponctuent la musique avec énergie et diversité. Ensemble, ces familles créent toute la palette sonore de l’orchestre.
cuivres
cordes
bois
percussions
La famille des cordes
Les cordes sont une vaste famille d’instruments qui englobe 3 catégories :
Les cordes frottées
Les cordes pincées
Les cordes frappées
Dans un orchestre, les instruments à cordes sont disposés en demi-cercle autour du chef ou de la cheffe d’orchestre, à l’avant de la scène.
Les cordes frottées
La famille des cordes frottées est la plus nombreuse de l’orchestre. Ces quatre instruments ont presque la même forme, on les différencie par leur taille, et donc par la hauteur du son : plus l’instrument est grand plus le son est grave, et à l’inverse, plus l’instrument est petit plus le son est aigu. Le violon est donc le plus aigu de cette famille et la contrebasse le plus grave. Chaque instrument est constitué d’une caisse de résonance, d’un manche et de 4 cordes (parfois 5 pour la contrebasse) qu’il faut frotter avec un archet pour les mettre en vibration et produire le son. La guitare possède des petites barres placées sous les cordes (frettes) qui servent de repères. Ici par contre n’y a aucune indication pour aider le musicien ou la musicienne à placer ses doigts sur les cordes. Cela explique en partie pourquoi il est si difficile de jouer juste lorsque l’on débute !
archet
chevilles
volute
manche
chevalet
ouïes
pique
35,5 cm pour environ 470 g (sans la mentonnière)
environ 2 m pour 11 kg
Les bois
Ce sont des instruments à vent constitués de tubes percés de trous que le musicien ou la musicienne ouvre et ferme en actionnant des clés pour obtenir des notes de hauteurs différentes. Pour mettre le son en vibration, il faut souffler dans des embouchures ou des anches, différentes selon les instruments de cette famille.
Les cuivres
Les cuivres sont les instruments les plus sonores de l’orchestre, constitués généralement de laiton (alliage de cuivre et de zinc).Contrairement à ce que leur nom laisse à penser, le point commun des instruments de cette famille n’est pas la matière qui les constitue mais une même technique utilisée pour produire le son : la vibration des lèvres sur une embouchure.
Les percussions
La famille des percussions réunit le plus grand catalogue d’instruments de l’orchestre ! On peut classer les instruments de percussions en quatre groupes selon le matériau sur lequel on frappe : peaux, métaux, claviers et accessoires. On joue ces instruments le plus souvent avec des baguettes, en bois ou en métal, parfois avec une extêmité en caoutchouc, en coton ou en laine. On en joue aussi certains directement avec les mains.
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Les différentes étapes de fabrication d'un violon par un luthier
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Les cordes pincées
La famille des cordes pincées regroupe des instruments dont le son est produit en pinçant directement les cordes avec les doigts ou un plectre. Parmi eux, on trouve la harpe, le luth, le clavecin ou encore la guitare. Leur timbre est délicat et clair, apportant des touches de poésie, de rythme ou de virtuosité selon les styles et les époques.
Les cordes frappées
Le piano
Le piano fait partie de la famille des cordes, et plus précisément des instruments à cordes frappées. Il a été créé au XVIIIe siècle par l’italien Bartolomeo Cristofori. Les ancêtres du piano sont le clavicorde (et le clavecin) et le cymbalum (instrument encore utilisé de nos jours dans la musique tzigane).
Le mécanisme du piano est assez complexe : les touches actionnent des petits marteaux couverts de feutre (le tissu, pas le stylo) qui viennent frapper les cordes (parfois plusieurs cordes pour la même note). Il y a également un étouffoir, pour que les cordes ne vibrent pas lorsqu’elles ne sont pas sollicitées. Il y a en général deux ou trois pédales actionnées, soit pour donner de la résonnance et/ou du volume, soit pour adoucir le son, le rendre plus feutré. Cet instrument a beaucoup évolué avec les années, et a bénéficié de techniques nouvelles pour s’améliorer. Il possède un ambitus très large, c’est-à-dire qu’il peut aller du très grave au très aigu. Il a également la particularité de pouvoir jouer à la fois une mélodie et son accompagnement.
Il est normal de vouloir voir les artistes le mieux possible. Mais attention, les premiers rangs ne sont pas les meilleurs pour les écouter ! Imagine une salle de concert comme un grand terrain de tennis. Les sons des instruments sont comme des balles, et le filet, c'est le bord de la scène. Si tu es trop près, les sons vont te passer au-dessus de la tête sans avoir eu le temps de se mélanger. Prends-donc du recul ou de la hauteur si possible.
En général, on applaudit à la fin d'une pièce ou de la première partie lorsque le concert comprend un entracte. Mais jamais entre deux mouvements, pour ne pas déconcentrer les artistes ! Le silence ne marque pas nécessairement la fin, il peut aussi indiquer une pause entre deux parties d'une oeuvre. Pour savoir à quel moment applaudir, il faut observer l'attitude du ou de la cheffe d'orchestre, qui baisse les bras et se retourne en direction du public lorsque une pièces est terminée. On peut remercier les artistes en applaudissant bien fort !
On écoute bien-sûr la musique et on observe l’activité de chacun.e : les gestes de la battue ou la synchronisation spectaculaire des archets sur les instruments à cordes. On applaudit à la fin de chaque pièce. Le silence ne marque pas nécessairement la fin, il peut aussi indiquer une pause entre deux mouvements d’une œuvre. C’est pourquoi, mieux vaut se reporter à l’attitude du ou de la cheffe d’orchestre, qui baisse les bras et se retourne en direction du public lorsqu’une pièce est achevée.
Pistons
En musique, un piston est un mécanisme utilisé par la majorité des instruments de la famille des cuivres. Il permet de moduler la hauteur du son en déviant le flux d'air vers un tuyau supplémentaire.
Parfois, écouter de la musique classique peut nous aider à nous détendre après une journée chargée ou à nous concentrer sur nos devoirs. Les mélodies douces et la harmonies apaisantes peuvent calmer notre esprit.
La musique classique demande parfois un peu de patience pour l'apprécier. En écoutant attentivement, on découvre des détails fascinants, comme les instruments qui jouent ensemble ou les changements de rythme ou de volume.
Le clavecin est un instrument à cordes pincées doté d’un clavier. Lorsqu’on appuie sur une touche, un petit mécanisme pince la corde avec un bec, produisant un son clair et délicat. Très utilisé aux XVIIe et XVIIIe siècles, notamment à l’époque baroque, il est aujourd’hui surtout entendu dans la musique ancienne. On ne le trouve presque jamais dans un orchestre symphonique moderne, sauf pour certaines œuvres spécifiques ou en musique baroque.
Instrument à la sonorité éclatante et brillante, la trompette est constituée d’un tube replié sur lui-même, d’un pavillon et de trois pistons.C’est un instrument très ancien qui, avant d’être en métal, était fabriqué avec des os, du bois ou des cornes. Elle servait à communiquer ou à donner l’alarme.
Le trombone est reconnaissable par sa coulisse télescopique. C’est l'un des rares instruments à vent dont la maîtrise ne nécessite pas l'utilisation individuelle des doigts. Que le trombone soit ténor ou basse, son registre est plus grave que celui d'une trompette, car il est plus grand.
Les timbales sont des instruments de percussion formés d'un bassin hémisphérique en métal recouvert d'une peau dont la tension est réglable par des vis et sur laquelle on frappe avec des baguettes.Elles sont le plus souvent utilisées par paires de sonorités et notes différentes.
La musique classique désigne, au sens large, la musique savante composée en Europe depuis le Moyen Âge jusqu’au début du XXe siècle. On parle de musique "savante", non pas parce qu’elle rendrait automatiquement plus intelligent (même si certaines études s’y intéressent sérieusement !), mais parce qu’elle repose sur une tradition écrite : les œuvres ont été notées sur partition, permettant leur transmission fidèle à travers les siècles. Contrairement à de nombreuses musiques orales ou populaires, souvent transmises de manière informelle, la musique classique s’inscrit donc dans une logique de conservation et d’étude. C’est un peu comme si chaque compositeur avait laissé un mode d’emploi pour faire revivre son œuvre… plusieurs siècles plus tard, et parfois dans une salle de concert bien chauffée.Pratiquer un instrument ou le chant, écouter un disque ou assister à un concert... La musique classique se vit de différentes manières, chacune unique avec ses propres émotions. Le rapport de l'enfant à cet art riche en histoire, et pourtant si actuel, se construit grâce à la complémentarité de ces expériences. Lorsqu'il entre dans une salle de spectacle, l'enfant comprend qu'il vit un moment privilégié, hors du quotidien. Cette première fois peut néanmoins être intimidante. Notre rapport à la musique et au concert a besoin de pédagogie autant que notre écoute. L'accompagnement de l'enseignant.e et du parent est aussi essentiel pour former le spectateur de demain.
La clarinette est un instrument à anche simple faite en bois de palissandre. L’anche simple est un morceau de roseau mis en vibration contre le bec qui produit le son. Au bout de la clarinette se trouve le pavillon.Aujourd’hui, la clarinette est percée de 24 trous, trop nombreux pour les doigts de la main, un système de clés permet d’atteindre ceux trop éloignés tandis que les anneaux permettent de boucher deux trous avec un seul doigt. Sa famille comprend plusieurs instruments, dont la petite clarinette et la clarinette basse.
Le violon est composé de 71 pièces de différents bois, (ébène, érable, épicéa...) qui forment trois parties principales : la tête, le manche et le corps. Il se joue à l’aide d’un archet que l’on frotte sur les cordes pour produire le son. On le pose entre l’épaule et le menton du côté gauche, la corde la plus aigüe (mi) est extrêmement fine et fragile. Dans un orchestre, il y a deux « équipes » de violonistes, les premiers violons qui interprètent le plus souvent la partie mélodique et les seconds violons qui alternent entre mélodie et accompagnement.
marteaux
Le piccolo est le plus petit instrument de l’orchestre (env. 33 cm). Il doit son nom à sa taille : « piccolo » signifie petit en italien. C’est donc l’instrument le plus aigu de tous.
La musique classique peut nous faire ressentir toutes sortes d'émotions, de la joie à la tristesse, en passant par l'amour ou la peur. Elle aide les compositeurs et compositrices à exprimer ce qu'ils/elles ressentent et permet aux auditeurs de ressentir ces émotions avec elles ou eux.
Embouchure
La contrebasse est le plus grave des instruments à cordes.À la différence des autres, elle n’a trouvé ni forme, ni dimension complètement standardisée. Elle continue aujourd’hui à présenter un mélange des caractéristiques de la famille des violons et de la famille des violes de gambe. Généralement à quatre cordes, la contrebasse est parfois construite avec une cinquième corde dans le grave pour l’exécution du grand répertoire symphonique.
Elle peut mesurer près de 2 mètres et pèse plus de 10 kilos. Outre sa présence à l’orchestre, la contrebasse est aussi utilisée dans la musique folklorique ou le jazz, jouée souvent en pizzicato pour donner de la vie à l’orchestration. Le ou la contrebassiste joue debout ou assis.e sur un haut tabouret. Il/elle peut tenir son archet de deux façons : la paume de la main vers le sol à la française, la paume de main vers le haut à l’allemande.
L'Orchestre de la Suisse Romande
L’Orchestre de la Suisse Romande a été fondé à Genève en 1918 par Ernest Ansermet. L’Orchestre de la Suisse Romande c’est… 112 musiciens, 24 nationalités, 24 membres de l’administration, plus de 30 instruments différents, environ 80 concerts par année.
Le tuba est l’instrument le plus grave de la famille des cuivres, dont la tessiture varie en fonction de la longueur du tube. L’instrument possède jusqu’à 6 pistons ou palettes.Si l’on déroulait tout le tuba, il pourrait mesurer jusqu’à 9 mètres !
Anche double de basson
Pour les instruments de la famille des cuivres, l'embouchure désigne la pièce en forme d'entonnoir dans laquelle le musicien fait vibrer ses lèvres pour émettre un son. L'embouchure est caractéristique de cette famille d'instruments.
La harpe se joue uniquement en pinçant les cordes. Elle possède 47 cordes, 7 pédales et pèse environ 40 kg. De forme le plus souvent triangulaire, elle est munie de cordes tendues de longueurs variables dont les plus courtes donnent les notes les plus aiguës. C’est sans doute l’instrument à cordes le plus ancien.
Comme dans un film où la musique nous aide à comprendre ce qu'il se passe, la musique classique peut raconter des histoires ou décrire des sentiments, même sans paroles ou sans visuel. Par exemple, une pièce peut nous faire penser à une journée ensoleillée ou une aventure passionnante.
La flûte traversière appartient à la famille des bois bien qu’elle soit en métal.En effet, à ses débuts, la flûte était faite en bois.Aujourd’hui elle est en platine, en argent ou parfois même en or.Elle se tient de travers, d’où son nom. Le son est produit par l’impact du souffle sur une embouchure latérale, sur laquelle le.la musicien.ne pose ses lèvres, et il.elle tient la flûte vers sa droite. Avec ses doigts, il.elle bouche ou débouche certains des treize trous et clés percés dans le corps de l’instrument pour produire les notes voulues. La flûte est presque le plus aigu des instruments à vent, son petit frère le piccolo l’est encore plus.
De forme identique au violon mais de dimensions beaucoup plus grandes, le violoncelle se joue assis, tenu entre les genoux, et repose sur une pique. Il se caractérise par ses sonorités graves et profondes, et son timbre chaud et velouté en fait l’instrument le plus proche de la voix humaine.
C’est l’un des instruments ayant la tessiture (intervalle entre le son le plus grave et le plus aigu) la plus grande.
L’accord de l’orchestre débute par le hautbois qui donne le LA, note de référence pure et stable, suivie du violon solo qui l’accorde en premier, guidant ensuite le reste des musiciens vers une harmonie commune.
Les concerts commencent toujours à l'heure ! Mieux vaut ne pas être en retard, ou s'appercevoir au dernier moment qu'on a besoin d'aller aux toilettes... Contrairement au cinéma, le concert est une performance executée en direct.. Si l'on entend tout ce qui se passe sur scène, c'est aussi vrai pour les artistes, qui peuvent être facilement déconcentrés par les bruits de la salle: discussions, chuchotements, sonneries de téléphones, bruits de nourriture... Tout cela perturbe la petite bulle que chacun crée en se laissant emporter par la musique. Le concert, c'est aussi ça : se laisser bercer et guider par la musique, laisser libre cours à ses émotions et oublier le reste pendant un moment suspendu dans le temps. Pour que chacun.ne profite des meilleures conditions d'écoute, mieux vaut garder ce que l'on a envie de dire ou de partager avec ses amis pour la fin du concert.
On reconnaît le cor par sa forme arrondie en escargot. Il est composé d’un très long tuyau de 5 mètres replié sur lui-même. Sa main gauche active des palettes pour changer la hauteur du son. La main droite est placée dans le pavillon pour soutenir l'instrument.
Pour le public
Tu te demandes comment t'habiller? On a souvent l'image très chic de la musique classique, et on imagine que l'on ne voit aux concerts que des des gens en tenues de soirée. Si certaines personnes ont du plaisir à s'apprêter pour sortir, il est important de se sentir libre d'y aller comme on le souhaite, comme au cinéma.
Pour les artistes
L'uniforme historique des musiciens est le frac (pour les messieurs, une variante de la queue de pie), et la robe noire pour les dames. Aujourd'hui le frac est démodé mais la tenue noire et sobre domine toujours. L'artiste doit se démarquer par son talent musical, pas par ses excentricités vestimentaires. La simplicité de l'uniforme vise simplement à ne pas détourner l'attention du public.
Il y a encore quelques centaines d'années, l'ambiance des concerts était totalement différente, la salle restait allumée, les gens faisaient du bruit et se déplaçaient pendant le concert. On se souciait alors moins de la musique. On venait au concert pour être vu et discuter des derniers potins, le moment du concert jouait le rôle de réseau social !
L’alto se joue comme le violon mais il est plus grand et sonne par conséquent plus grave. L’instrument a trois cordes en commun avec le violon, mais possède une quatrième corde plus grave (le do). Le répertoire original de cet instrument au son chaleureux couvre toutes les époques. Ses rôles sont divers au sein de l’orchestre : il peut jouer des mélodies, s’unir aux bois ou aux cors pour compléter l’harmonie ou réaliser des accompagnements en tous genres pour donner de la vie à l’orchestration.
Bec et anche simple de clarinette
Le hautbois est le plus court des instruments à anche double, c’est donc lui qui produit les sons les plus aigus. Il est généralement en bois (ébène, buis ou palissandre) et possède un tuyau à perce conique qui se termine par un pavillon. Sa famille comprend également le hautbois d’amour et le cor anglais. Pour produire un son, le musicien ou la musicienne doit souffler dans deux petites lamelles de roseau qui vibrent l’une contre l’autre. Cet accessoire indispensable s’appelle une anche double. Le timbre de l’instrument peut être puissant et sonore, doux ou charmeur, clair ou plein de rondeur et de chaleur.
Les baguettes de percussion varient en fonction des instruments pour répondre à leurs caractéristiques sonores. Les baguettes dures, comme celles pour caisse claire ou xylophone, permettent des attaques nettes et précises, idéales pour des sons brillants ou percussifs. À l’inverse, les mailloches recouvertes de feutre ou de laine, utilisées pour les timbales, marimba ou vibraphone, offrent un son plus rond et chaleureux, adapté à des jeux expressifs. Les baguettes de grosse caisse sont volumineuses pour produire des sons profonds, tandis que les balais, utilisés surtout en jazz, permettent des textures douces et feutrées. Ainsi, chaque type de baguette est conçu pour optimiser le timbre, la dynamique et le style de jeu propres à chaque instrument.
Dès son plus jeune âge, l’enfant développe son sens de l’écoute, éveille sa curiosité et façonne ses goûts musicaux. Il est donc essentiel de lui offrir des occasions de découvrir la musique et de s’exprimer sur ce qu’il perçoit.L’écoute active repose sur une expérience sensible : on se concentre pleinement sur la musique, en se fixant des objectifs d’écoute que l’on peut restituer par la parole, le mouvement du corps ou encore le dessin.Mais écouter, c’est aussi parfois ne rien faire, se laisser porter par les sons, rêvasser, simplement pour le plaisir d’être enveloppé par la musique. Cela peut mener à la détente, au sommeil, à la danse, ou simplement à une immersion dans l’ambiance et le rythme.
Anche double de hautbois
Lorsque les spectateurs entrent dans la salle, ils découvrent les musiciens et les musiciennes qui arrivent petit à petit ou sont déjà en place et jouent individuellement dans un grand brouhaha. C’est l’échauffement ! Le premier violon solo arrive ensuite en scène et salue le public au nom de tout l’orchestre, qu’il représente. Les lumières baissent et le premier violon solo se lève pour demander la note la au hautbois. Tout l’orchestre accorde son instrument sur cette note. Le ou la cheffe fait alors son entrée sur scène, salué.e par l’orchestre qui se lève, et le public applaudit.
La guitare est un instrument à cordes pincées doté d’une caisse de résonance en bois, d’un manche fretté et de six cordes tendues. On la joue en pinçant ou en grattant les cordes avec les doigts ou un médiator. Bien qu’elle soit très populaire dans de nombreux styles de musique, la guitare est rarement présente dans un orchestre symphonique traditionnel. Lorsqu’elle apparaît, c’est souvent pour des œuvres spécifiques ou dans des formations particulières.
Quand le concert dure longtemps, les artistes ont aussi besoin de se reposer. L'entracte est donc une interruption du concert, qui dure entre 15 et 20 minutes. Cela permet, côté scène, de faire une pause pendant que les régisseurs changent la disposition du plateau selon les oeuvres jouées. Côté public, on peut grignoter un petit en-cas au bar, passer aux toilettes, ou donner ses impressions sur la première partie à ses proches avant la suite.
Pour chaque concert, les œuvres jouées sont différentes, mais un même programme (c’est à dire l’ensemble des pièces musicales qui est joué pour un concert) peut être donné plusieurs fois (dans différentes villes par exemple). Les musiciens et musiciennes travaillent d’abord chez eux, séparément, avec leur partition et leur instrument, puis ils se retrouvent tous ensemble avec le ou la chef.fe d’orchestre pour mettre en place la musique avant le concert. La dernière répétition s’appelle la répétition générale : on joue les œuvres du début à la fin sans s’arrêter, c’est comme au concert… mais sans public !
Il est toujours utile de se préparer avant un concert. Nous recommandons d'écouter des extraits des œuvres du concert à la maison ou en classe, tranquillement avec un enregistrement. Cela permet de reconnaître quelques passages musicaux qui auront marqué, d'avoir identifié le mombre de parties que contient chaque oeuvre, comment les différencier, et de mieux comprendre le texte quand il y en a un.
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Tout comme le hautbois, le basson est un instrument à anche double, où vibrent 2 morceaux de roseau l’un contre l’autre. Il est composé de deux tubes raccordés par un coude en « U ». Si on les mettait bout à bout, l’ensemble mesurerait 2,5 mètres ! Le basson, et son cousin le contrebasson, sont les instruments les plus graves de la famille des bois.
On ne prend pas de photos ou de vidéos pendant le concert et on veille à éteindre son téléphone portable !