Posmoderno

presentacion interactiva

cUltura visual y el arte posmoderno

evidencia 2

Contexto sociohistorico en el que se desarrollo el diseño y el arte posmoderno

1980

1970

1960

Correlacion de los hechos sociohistoricos y los movimientos artisticos mas representativos

Datos esenciales para entender la nueva cultura visual posmoderna y su relacion con el contexto.

Principales caracteristicas del arte y diseño posmoderno

ArtePosmoderno

DiseñoPosmoderno

Formas

Materialidades

Discursos

Formas

Materialidades

Discursos

ArtesVisuales

Arquitectura y Diseño

Creadores representativos del arte y diseño posmoderno

Zaha Hadid

Philippe Starck

Ettore Sottsass

Michael Graves

Robert Venturi

Jean-Michel Basquiat

Barbara Kruger

Jeff Koons

Cindy Sherman

Andy Warhol

Tate Modern Museo

El Centro Pompidou

Museo MoMA

Museos con exposiciones importantes en arte y/o diseño posmoderno

Museo Tamayo

Jeff Koons (Estados Unidos) Artista controvertido que eleva objetos cotidianos y de la cultura popular a la categoría de arte, explorando el kitsch y el consumismo con una producción a gran escala.

Ampliación de los materiales tradicionales: Uso de materiales industriales, objetos encontrados, residuos, elementos de la cultura popular, medios digitales, el propio cuerpo del artista, etc.Desmaterialización de la obra: En el arte conceptual, la idea prima sobre el objeto físico, pudiendo la materialidad ser mínima o incluso inexistente. Énfasis en la reproductibilidad: La fotografía, el video y los medios digitales permiten la reproducción masiva de la obra, cuestionando la unicidad del objeto artístico.

La nueva cultura visual posmoderna, influenciada por la crisis de la modernidad, el auge de la sociedad de consumo y la globalización, se caracteriza por el escepticismo, el cuestionamiento de jerarquías, la saturación mediática, la mezcla cultural, el impacto de las nuevas tecnologías, la apropiación y la ironía. En esencia, rompe con la modernidad al celebrar la diversidad, la simulación y la interconexión en un mundo visualmente denso y complejo.

Cindy Sherman (Estados Unidos) Fotógrafa conocida por sus series de autorretratos conceptuales que cuestionan los roles de género, la identidad y la representación en los medios.

Andy Warhol (Estados Unidos) Figura central del Pop Art, exploró la cultura de consumo, la celebridad y la producción en masa a través de serigrafías, pinturas y cine.

Político: Distensión en la Guerra Fría, crisis del petróleo de 1973 que marca el fin de la expansión económica sostenida, proliferación de dictaduras militares en América Latina, aumento del terrorismo (Olimpiadas de Múnich), movimientos pacifistas y ecologistas ganan fuerza. Económico: Crisis económica global (estanflación: inflación con estancamiento económico), fin del sistema Bretton Woods, aumento del desempleo, inicio de políticas neoliberales en algunos países. Social: Resaca de la contracultura, aparición de nuevas subculturas (punk, disco), aumento de la conciencia ambiental, debate sobre la energía nuclear, cambios en la estructura familiar, preocupación por la drogadicción y el SIDA hacia finales de la década. Cultural: Diversificación de la música (punk, disco, heavy metal), auge del cine de autor y los blockbusters, desarrollo de las primeras videoconsolas, el arte conceptual continúa su desarrollo, surgimiento del posmodernismo en arquitectura y diseño como crítica al modernismo.

Cuestionamiento de la autoridad y las metanarrativas: Rechazo de las verdades universales y los relatos históricos únicos. Se exploran múltiples perspectivas y se relativizan los significados. Crítica a la originalidad y la autoría: Apropiación, cita y pastiche de obras preexistentes, desdibujando la noción de autoría única y cuestionando el concepto de originalidad. Énfasis en el contexto y la recepción: El significado de la obra depende del espectador y del contexto cultural, social e histórico en el que se inscribe. Hibridación y eclecticismo: Mezcla de estilos, géneros, técnicas y referencias de diferentes épocas y culturas, sin seguir una línea estética única. Ironía, parodia y humor: Uso de la burla, la imitación con intención crítica o lúdica para subvertir expectativas y cuestionar convenciones. Exploración de la identidad y la subjetividad: Interés en las identidades fragmentadas, las narrativas personales y las experiencias individuales. Crítica a la sociedad de consumo y los medios de comunicación: Reflexión sobre la cultura de masas, la producción en serie y el impacto de los medios en la percepción de la realidad. Desdibujamiento de las fronteras entre alta y baja cultura: Incorporación de elementos de la cultura popular, el cómic, la publicidad y el kitsch en el arte "serio".

Jean-Michel Basquiat (Estados Unidos) Artista neoexpresionista conocido por su estilo crudo y simbólico que fusiona graffiti, pintura y dibujo, abordando temas de raza, identidad y crítica social.

Philippe Starck (Francia) Diseñador prolífico y ecléctico que abarca desde mobiliario y objetos cotidianos hasta arquitectura, caracterizado por su ingenio, humor y a menudo formas orgánicas y futuristas.

Político: Guerra Fría en su punto álgido (Crisis de los Misiles en Cuba, Guerra de Vietnam), movimientos de liberación nacional en África y Asia, surgimiento de la Nueva Izquierda y movimientos estudiantiles (Mayo del 68 en Francia, Tlatelolco en México), auge de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos (Martin Luther King Jr.). Económico: Expansión económica en el mundo occidental, desarrollo del estado de bienestar, inicios de la globalización económica con la expansión de las multinacionales. Social: Revolución sexual, auge de la contracultura (movimiento hippie), liberación femenina, cambios en los valores tradicionales, masificación de la televisión, surgimiento de la sociedad de consumo con nuevas generaciones como foco. Cultural: Explosión del rock and roll y la música pop (The Beatles, The Rolling Stones), surgimiento de nuevas formas de arte (Pop Art, Minimalismo, Arte Conceptual), experimentación en el cine y el teatro, auge de la literatura latinoamericana ("boom").

Barbara Kruger (Estados Unidos) Utiliza fotografía y texto en blanco y negro con tipografía impactante para abordar temas de poder, feminismo y cultura de masas.

El arte y diseño posmoderno (desde los 60s) surgieron en un contexto de fin de la Guerra Fría, globalización, auge del neoliberalismo, sociedad de consumo impulsada por la tecnología, y mayor conciencia de la diversidad. Esto llevó a una crisis de la modernidad y sus ideales. Artísticamente, esto se manifestó en el Pop Art (reflejando la cultura de masas), el Minimalismo (búsqueda de lo esencial), el Arte Conceptual (la idea sobre el objeto), el Performance/Body Art (el cuerpo como expresión), el Posmodernismo en Arquitectura/Diseño (rechazo del funcionalismo con eclecticismo), el Neoexpresionismo (retorno a la emoción), el Apropiacionismo/Simulación (cuestionando la originalidad) y las Instalaciones/Arte Multimedia (experiencias inmersivas). En esencia, el posmodernismo fue una reacción plural y ecléctica a la modernidad, reflejando la complejidad, incertidumbre y diversidad del mundo contemporáneo.

Político: Recrudecimiento de la Guerra Fría en su etapa final (carrera armamentística con la "Guerra de las Galaxias"), caída de regímenes comunistas en Europa del Este hacia el final de la década, consolidación de gobiernos conservadores (Reagan en EEUU, Thatcher en Reino Unido), aumento de conflictos regionales.Económico: Consolidación de políticas neoliberales (privatizaciones, desregulación), globalización económica acelerada, crisis de la deuda en América Latina, auge de los mercados financieros, inicio de la revolución informática con la popularización de las computadoras personales. Social: Individualismo y materialismo crecientes ("la década del yo"), preocupación por el SIDA, auge de la cultura del videoclip, movimientos sociales centrados en la paz y el medio ambiente persisten, cambios demográficos con el envejecimiento de la población en algunos países. Cultural: Hegemonía de la música pop comercial (Michael Jackson, Madonna), desarrollo del hip-hop, auge del cine de ciencia ficción y fantasía, el arte posmoderno se consolida con diversas expresiones (neoexpresionismo, apropiacionismo), inicio de la era digital con los primeros ordenadores personales y videojuegos más avanzados.

Ettore Sottsass (Italia) Diseñador y arquitecto fundador del Grupo Memphis, conocido por su estética radical, colorida y lúdica que rompió con las convenciones del diseño funcionalista.

Robert Venturi (Estados Unidos)Arquitecto influyente que desafió los principios del modernismo con su enfoque en la complejidad, la contradicción y la incorporación de elementos históricos y vernáculos. Su famoso lema es "Less is a bore" (Menos es aburrido), en contraposición al "Less is more" modernista.

JZaha Hadid (Irak-Reino Unido) Arquitecta deconstructivista conocida por sus diseños fluidos, curvilíneos y futuristas que desafían la geometría tradicional, aunque su carrera despegó más hacia finales del posmodernismo y principios de la era contemporánea, sus primeras obras ya mostraban una sensibilidad posmoderna en su ruptura con la rigidez moderna.

Michael Graves (Estados Unidos)Arquitecto y diseñador conocido por su estilo posmoderno que combina elementos clásicos con una paleta de colores vibrante y formas geométricas. Diseñó productos para Target que democratizaron el diseño.

Pluralidad de estilos y técnicas: No hay un estilo posmoderno único, sino una coexistencia de diversas formas de expresión (figuración, abstracción, instalación, performance, videoarte, fotografía, etc.).Apropiación y reinterpretación: Uso de imágenes, objetos y estilos del pasado o de otras culturas, resignificándolos en un nuevo contexto. Instalaciones y entornos inmersivos: Creación de espacios que involucran al espectador de manera multisensorial. Performance y arte efímero: Acciones y eventos que se convierten en obras de arte, enfatizando el proceso y la experiencia en el tiempo. Utilización de nuevos medios y tecnologías: Incorporación del video, la informática, el internet y otras herramientas digitales en la creación artística. Yuxtaposición y collage: Combinación de elementos heterogéneos y contradictorios en una misma obra.

Uso de materiales sintéticos y colores llamativos: Experimentación con nuevos materiales y una paleta de colores más audaz y expresiva.Combinación de materiales diversos y contrastantes: Mezcla de texturas, acabados y materiales que no se habrían considerado juntos en el diseño moderno. Revalorización de materiales considerados "bajos" o populares: Uso de plásticos, laminados y otros materiales industriales con una nueva estética.

Ornamentación y decoración exuberante: Recuperación de elementos decorativos que habían sido eliminados por el modernismo.Uso de formas geométricas complejas y asimétricas: Ruptura con la ortogonalidad y la simplicidad formal del diseño moderno. Referencias históricas directas o reinterpretadas: Citas de estilos arquitectónicos, mobiliario y artes decorativas del pasado. Diseño lúdico y experimental: Búsqueda de la sorpresa, el humor y la ruptura de las convenciones. Incorporación de elementos kitsch y populares: Uso de materiales y estéticas consideradas de "mal gusto" por el modernismo.

Rechazo del funcionalismo estricto del modernismo: La forma no sigue necesariamente a la función de manera exclusiva; se valora la expresividad, la ornamentación y el simbolismo.Celebración del eclecticismo y la historicidad: Recuperación y reinterpretación de estilos y elementos del pasado, mezclándolos de manera lúdica y a menudo irónica. Énfasis en la comunicación y el significado: El diseño busca transmitir mensajes, evocar emociones y conectar con el usuario a través de referencias culturales y simbólicas. Valoración de la diversidad y el pluralismo estético: Reconocimiento de diferentes gustos y preferencias, alejándose de la idea de un diseño universal y objetivo. Crítica al consumismo y la producción en masa: Reflexión sobre la obsolescencia programada y la cultura del descarte, aunque a menudo el propio diseño posmoderno participa de esta lógica.

El Museo Tamayo se fundó en la Ciudad de México en 1981 por el artista Rufino Tamayo (Oaxaca, 1899- Ciudad de México, 1991) y su esposa Olga Flores Rivas (Ciudad de México, 1906- 1994) con la vocación de ser un espacio público que diera a conocer el arte internacional de su tiempo.La colección del Museo Tamayo está conformada por dos tipos de obra, de arte moderno y arte contemporáneo. La colección de arte moderno, que integraron Olga y Rufino Tamayo, puede leerse como una síntesis de las vanguardias de la segunda mitad del siglo XX.

El Museum of Modern Art, más conocido por su acrónimo MoMA, es un museo de arte situado en el Midtown de Manhattan (Nueva York, Estados Unidos). Entre sus obras destacan piezas como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie-Woogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas estadounidenses como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper.El MoMA es una entidad privada sin ánimo de lucro. Fue fundado por las filántropas estadounidenses Lillie P. Bliss, Mary Quinn Sullivan y Abby Aldrich Rockefeller,​ para «ayudar a la gente a entender, utilizar y disfrutar de las artes visuales de nuestro tiempo». El Museo se fundó como entidad pública, beneficiándose de numerosas donaciones de sus miembros y de empresas, siendo un ejemplo para otros museos de su clase, ampliando las fronteras del arte a disciplinas no admitidas en otras galerías. Es considerado uno de los santuarios del arte impresionista y surrealista del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e impresos.

El Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, también conocido como Centro Pompidou, es un complejo vanguardista ubicado en el corazón de París, Francia. Inaugurado en 1977, alberga el Museo Nacional de Arte Moderno, una biblioteca pública y un centro de música. El edificio en sí es una obra de arte, diseñado por los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. Su exterior de metal y vidrio de colores brillantes lo hace fácilmente reconocible en el horizonte parisino. El diseño innovador permite que los conductos de ventilación, las escaleras mecánicas y los ascensores estén visibles en el exterior, creando un espacio abierto y luminoso en el interior. El Museo alberga una extensa colección de arte moderno y contemporáneo, que incluye obras de artistas como Pablo Picasso, Henri Matisse, Wassily Kandinsky, Andy Warhol y muchos otros.

Un detalle que hace especial al Tate Modern es su ubicación en la reformada Central Eléctrica de Bankside. Este emplazamiento se inauguró el 11 de mayo del 2000 después de cuatro años de obras y encaja perfectamente con la temática del museo. Gracias a la ampliación del museo ha sido posible dotar de mayor espacio a las exposiciones fotográficas y de vídeo, además de las exposiciones temporales. La colección permanente del Tate Modern, situada entre la tercera y la quinta planta del edificio, es una de las más completas del mundo ya que contiene obras de la mayoría de los artistas más relevantes del siglo XX, como Pablo Picasso, Andy Warhol, Salvador Dalí, Mark Rothko o Edvard Munch. The Sick Child es la pintura de Munch que alberga el Tate Modern, ya que la mayor colección de obras del artista noruego se encuentra en el Museo Munch de Oslo. Las exposiciones temporales se encuentran repartidas entre la cuarta planta y el atrio principal del museo, un enorme espacio en el que antiguamente se encontraban las turbinas de la central eléctrica.