Présentation - Kardesch

KARDESCH

Traces et tracés

Exposition du 04/04/25 au 25/05/25

DIDAM Espace d'art contemporain 6 chemin de quai de Lesseps didam.bayonne.fr

Ouvert du mardi au dimanche de 13H à 18H30. Entrée libre, sans réservation préalable.

L'oeuvre de Kardesch s'inscrit dans cet héritage sensible des artistes qui puisent dans l'abstraction le support tangible de leur rapport au monde. La matière tracée, craquelée, superposée, porte la mémoire du temps, celle des disparitions et de l'effacement, celle de l'écoulement des jours heureux ou intranquilles. Kardesch, connue pour ses chemins de vie où la césure donnait le sens et traçait des lignes d'horizons, travaille aujourd'hui différemment les matériaux pour mieux traduire le déplacement du temps. Moins linéaires, les tracés creusent la peinture, se croisent, se superposent, ajoutant ou soustrayant la matière aux surfaces peintes. Le geste de l'artiste transforme, découpe, éclipse l'ombre et la lumière, sur des ciels sombres et des terres argileuses, dessinant des cicatrices assumées et nourricières. D'autres toiles aux couleurs plus affirmées, brillantes ou métalliques conservent des lignes en mouvement, incertaines comme des archives intuitives de la mémoire. L'irruption du cercle apaise le regard et adoucit parfois la fragilité du geste. D'autres, traces durables d'un passé enfoui, les équilibres révèlent la permanence obsessionnelle de la matière. L'exposition accueillie au Didam du 4 avril au 25 mai 2025 présente une quarantaine d'oeuvres de l'artiste, conçues spécialement pour cet espace, écrin éphémère et complice de cette nouvelle étape de création.

Avant-propos

"Black is my happy color"

L'abstraction, un courant universel

Traces et tracés

Brigitte Kardesch

Une quête de l'équilibre : entre mouvement et immobilité

Biographie

Sommaire

Ancienne élève de l’École du Louvre et de l’École des Beaux-Arts, Kardesch découvre très tôt l’abstraction, un langage artistique qu’elle adopte pour exprimer sa vision du monde. Elle privilégie la peinture à l’huile, le fusain, la poudre d’or et le chrome, créant des œuvres d’une richesse matérielle et lumineuse. Son processus créatif s’organise en séries numérotées, marquant une continuité dans ses recherches tout en évitant les liens évidents entre les thématiques abordées. Réfractaire à toute interprétation critique figée, elle revendique une énergie vitale qui échappe aux cadres rigides. Sa démarche explore les interactions possibles entre la peinture et d’autres disciplines comme le design, la haute couture ou encore la photographie, questionnant constamment la relation entre l’œuvre et le public. Ses créations s’exposent à Biarritz, Bayonne, Saint-Jean-de-Luz, Bordeaux, Genève, Paris et New York. Kardesch participe également à des expositions collectives à Miami, Houston, Los Angeles, Osaka et Rome, inscrivant son œuvre dans une dimension internationale.

A. Biographie

I. Kardesch

Kardesch travaille principalement à partir de peintures à l’huile, des pigments purs, et des poudres métalliques comme l’or et l’aluminium. Ces matériaux confèrent à ses œuvres de la texture et de la lumière. Ses compositions se distinguent par leurs formes épurées, souvent géométriques et par une maîtrise remarquable des contrastes chromatiques et des textures.

Depuis ses débuts, Kardesch explore des thématiques liées au passage du temps, au mouvement et à l’équilibre. Sa découverte de l’abstraction à l’âge 13 ans, ouvre la voie à un univers créatif infini. Ses œuvres traduisent une tension constante entre le vide et le plein. Les matériaux qu’elle utilise jouent un rôle central : transparents ou opaques, légers ou denses, ils instaurent un dialogue subtil qui capte l’attention du spectateur. Kardesch s’attache à exprimer l’idée de « chemins », métaphore du passage entre des états opposés : mouvement et immobilité, fragilité et solidité, lumière et ombre. L’équilibre entre tension et apaisement est au cœur de son travail. Ses compositions cherchent à suspendre le temps, défiant parfois la gravité, tout en laissant émerger une profonde sérénité. Ses œuvres deviennent ainsi des espaces d’introspection où chacun est libre d’interpréter les interactions entre formes et espaces.

B. Une quête de l’équilibre : entre mouvement et immobilité

Lignes intersectantes, 1923 ©Kandinsky

Par exemple, Kandinsky voyait les couleurs comme des énergies capables de susciter des émotions spécifiques. Pour lui, chaque teinte porte une signification propre : le bleu évoque la profondeur et l’infini, tandis que le jaune exprime une énergie rayonnante et dynamique. Ses œuvres reflètent une quête de correspondances entre les formes, les lignes et les couleurs, transformant ses tableaux en véritables symphonies visuelles. Cette recherche fait écho au poème "Correspondances" de Charles Baudelaire, où le poète décrit les liens invisibles entre les sensations. Comme Baudelaire qui évoque des "parfums, couleurs et sons" se répondant dans une harmonie mystérieuse, Kandinsky établit des passerelles entre les perceptions visuelles et les émotions. Ses peintures, à l’image des synesthésies du poème, traduisent une vision du monde où tout est relié, et où les couleurs, telles des notes de musique, résonnent avec l’âme du spectateur.

A. L'abstraction, un courant universel

II. Traces et tracés

Le travail artistique de Kardesch illustre la continuité de l’abstraction comme moyen d’expression universel, tout en renouvelant ses codes à travers une exploration audacieuse des matériaux et de formes. L’art abstrait est né au début du 20ème siècle, en réaction à l’académisme et au réalisme. Des artistes comme Vassily Kandinsky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1844), et Kasimir Malevitch (1879-1935) ont cherché à représenter des idées ou des émotions au-delà du figuratif. Ils ont utilisé des formes géométriques, des couleurs pures et des compositions dynamiques pour créer un langage visuel universel.

Kardesch s’inscrit dans cette lignée tout en renouvelant les codes. Elle conserve la recherche d’un équilibre harmonieux propre à l’abstraction, mais intègre des matières riches comme des pigments métalliques (or, aluminium, chrome) qui donnent une dimension tactile et lumineuse à ses œuvres. Elle puise son inspiration dans les premières expressions artistiques de l’humanité, en revisitant des formes simples et des motifs archaïques. Ces références incluent des symboles géométriques tels que les cercles, les spirales ou les lignes qui peuvent rappeler les gravures rupestres et les ornements des civilisations anciennes. Elle s'inspire également de l'art asiatique, à travers l'utilisation de l'encre noire et la maîtrise du geste avec un simple trait qui évoque l'esthétique minimaliste asiatique. La représentation du rond dans ses oeuvres rappelle les estampes japonaises symbolisant l'harmonie, le cycle de la nature et la spiritualité. Il représente souvent la lune, le soleil ou l'ensö (cercle zen), évoquant l'éveil et la beauté de l'instant. Cette forme équilibre les compositions entre le vide et le plein.

Composition en rouge, jaune, bleu et noir, 1921 ©Mondrian

De son côté, Mondrian a un langage artistique radicalement différent, basé sur une rigueur géométrique et une simplification extrême : utilisation exclusive des lignes droites, des formes rectangulaires et des couleurs (rouge, bleu, jaune), qu’il associait au noir, au blanc et au gris. Pour Mondrian, cette réduction à l’essentiel était une manière de révéler une harmonie universelle sous-jacente, une structure fondamentale du monde qu’il nommait « équilibre dynamique ». Ses compositions, marquées par un équilibre subtil entre le mouvement et la stabilité, invitent le spectateur à une contemplation intérieure, où chaque détail porte un sens profond.

Chicago ©Kardesch

Cette œuvre de Kardesch se distingue par un jeu entre formes organiques et géométriques, disposées verticalement pour évoquer une harmonie dynamique. Chaque élément est doté d’une texture unique : craquelée, patinée ou brillante qui dialogue avec une palette chromatique mêlant les tons sombres (noir, bleu profond) à des teinte terreurs et métalliques. Ce contraste entre textures et couleurs rappelle des matériaux naturels comme la pierre ou le bois tout en suggérant une tension entre tradition et modernité. La composition, à la fois statique et vibrante, invite à une réflexion sur l’équilibre entre mouvement et immobilité.

L'Appellation Art cinétique apparaît en 1954 pour définir des oeuvres caractérisées par le mouvement. Ce mouvement peut-être provoqué par l'action du vent, celles de la lumière, du spectateur ou d'un moteur. Artistes célèbres : Yaacov Agam (1928-), César Andrade (1939-2022),

Ce style d'art visuel a émergé dans les années 1960 et a transformé la perception visuelle en terrain d'exploration créative. C'est un mouvement artistique qui explore la faisabilité de l'oeil à travers des illusion ou des jeux d'optique. Artistes célèbres : Victor Vasarely (1906-1997), Bridget Riley (1931 -), Richard Anuszkiewicz (1930-2020).

Le tachisme est une tendance de la peinture abstraite et informelle dans les années 1950, caractérisée par la projection de tâches et de couleurs. Artistes célèbres : Hans Hartung (1904-1989), Wols (1913-1951)

L'expressionnisme abstrait, également connu sous le nom de "l'école de New-York" est le premier mouvement authentique d'art abstrait né aux États-Unis qui a obtenu une audience internationale. Il se caractérise par des toiles de grandes tailles, voir immenses. Ce mouvement met l'accent sur l'acte physique de peindre, en mettant surtout le geste au coeur de l'oeuvre, pour traduire les impulsions viscérales, qu'elles soient physiques ou psychiques. Artistes célèbres : Jackson Pollock (1912-1956), Marie Abbott (1921-2019), Franz Kline (1910-1962)

L'abstraction lyrique désigne un mouvement artistique qui s'étend approximativement de 1945 à 1970 et dont il existe deux principales branches : l'une européenne, l'autre américaine. Elle traduit "l'expression directe de l'émotion individuelle", caractérisée par des formes organiques, des couleurs vibrantes et des compositions dynamiques. Artistes célèbres : Robert Motherwell (1915-1991), Adolph Gottlieb (1903-1974)

Le constructivisime est un mouvement artistique russe d'avant-garde basé sur l'idée du fonctionnalisme et de symbiose entre la technologie et l'art ainsi que sur l'utilisation de matériaux industriels modernes. Il s'est dévéloppé en parallèle au suprématisme.Artistes célèbres : Joaquin Torres Garcia (1874-1949), Vladimir Tatine (1885-1953)

Le suprématisme est un mouvement d'art moderne et abstrait, né en Russie au début du XXe siècle et fondé par Kazimir Malevitch (1878-1935). Ce mouvement propose d'éliminer la représentation réelle de tout élément de l'oeuvre d'art. Le mot "suprématisme" renvoie à la liberté absolue de la liberté plastique. Artistes célèbres : Alexandra Exter (1882-1949), Olga Rozanova (1886-1918)

L'abstraction géométrique est un courant artistique apparu au début du 20ème siècle, basé sur l'utilisation des formes géométriques et des couleurs purs. Artistes célèbres : François Morellet (1926-2016), Carlos Cruz-Diez (1923-2019), Gottfried Honneger (1917-2016)

5. L'expressionnisme abstrait 6. Le tachsime 7. L'Op Art (art optique) 8. L'Art cinétique

1. L'abstraction géométrique 2. Le Suprématisme 3. Le Constructivisme 4. L'abstraction Lyrique

- Les différents mouvements dans l'art abstrait -

Pour aller plus loin

©Yves Klein

©Kasimir Malevitch

Dans l’histoire des monochromes, plusieurs artistes ont visé une expérience conceptuelle de la couleur. Kazimir Malevitch (1879-1935) a poussé l’abstraction extrême radicale réduisant la peinture à une exploration spirituelle de la forme pure. Ses monochromes s'inscrivent dans une démarche métaphysique. Son oeuvre "Carré blanc sur fond blanc", peinte en 1918 est l'une de ses oeuvres les plus célèbres. Appartenant au mouvement du suprématisme, le concept de cette oeuvre repose sur la réduction extrême de la couleur et de la forme : une sorte de "zéro" artistique. Le peintre Yves Klein (1928-1962) et ses monochromes bleus symbolisent une fusion entre la couleur et l’immatériel. Pour lui, le bleu devient un espace infini, un moyen d’atteindre une dimension spirituelle universelle. Son approche conceptuelle est marquée par un détachement total de la texture ou de la matière, au contraire de Kardesch qui semble explorer la matérialité.

B. "Black is my happy color"

Les monochromes blancs et noirs de Kardesch s’inscrivent dans une exploration contemporaine de la matière et de la lumière, où la texture joue un rôle clé. Contrairement à une approche purement conceptuelle, ses monochromes semblent privilégier une relation tactile avec la surface, où les reliefs, les craquelures et les finitions brillantes interagissent avec la lumière et modifient la perception de l’œuvre selon l’angle ou l’intensité lumineuse. Cette approche confère à ses œuvres une profondeur sensorielle dans laquelle la matière dialogue avec l’espace.

©Archives Soulages

Maître et influence pour Kardesch, l'artiste peintre Pierre Soulages (1919-2022), s'insère dans cette mouvance des artistes qui interrogent la couleur, mais en gardant un rapport unique à la matière. Il choisit de concentrer son art sur la matière même de la peinture. S'il est reconnu pour ses oeuvres monochromes, c'est par sa manière de jouer avec la lumière, la texture et la surface qu'il redéfinit l'expérience picturale. Ses gestes, entre racler et graver, révèlent des strates, des nuances et des éclats qui renvoient à une recherche quasi tactile de la lumière et de la matière. Dans cette quête, son approche rejoint celle de Kardesch, qui semble également interroger la matérialité de la peinture et son rapport avec la lumière. Leur approche se fond dans une exploration plus tactile et physique de l'oeuvre.

Exposition Pierre Soulages au centre Georges Pompidou en 2009

Pierre Soulages, Broux de noix sur papier 65,4 X50,3 CM, 1949 – 1949 ©DR

Musée Soulages à Rodez ©DR

musee-soulages-rodez.fr

Pierre Soulages (1919-2022) est un peintre et graveur français majeur, reconnu comme l'une des figures emblématiques de l'art abstrait. Dès ses débuts, il s'intéresse à l'usage du noir, une couleur qu'il considère comme porteuse de lumière et d'émotion. Son oeuvre se distingue par des compositions épurées où le contraste entre les matières et les reflets joue un rôle central. À partir de la fin des années 1970, il développe le concept d'Outrenoir, un terme qu'il invent pour désigner une approche du noir qui dépasse sa simple matérialité pour devenir un véritable phénomène lumineux. Grâce à une technique unique, Soulages applique le noir en couches épaisses sur la toile, sculptant la matière avec divers outils pour capter et réfléchir la lumière. Ce travail sur la texture et la brillance confère à ses oeuvres une profondeur et une intensière singulière. Son art, à la fois minimaliste et expressif, a été exposé dans les plus grands musées du monde, notamment au centre Pompidou et au Musée Soulages à Rodez, sa ville natale. Son influence sur l'art contemporain reste considérable, et son approche radicale du noir continue d'inspirer de nombreux artistes.

- Pierre Soulages

Pour aller plus loin

BIBLIOGRAPHIE

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DIDAM

du mardi au dimanche de 13H à 18H30 Entrée libre, sans réservation préalable didam@bayonne.fr / 05 59 46 63 436, quai de Lesseps didam.bayonne.fr