Las etapas artísticas de Pablo Picasso
Chiara RaffaA.S. 2024-2025
"El mundo de hoy no tiene sentido, así que por qué debería pintar cuadros que lo tuvieran"
PABLO PICASSO
Índice
¿De qué hablaremos en esta presentación?
Sus etapas
El periodo Negro
Expresionismo
La vida
Cubismo
Periodo Vallauris
El periodo Azul
Neoclasicismo
Revisión de sus clásicos
El periodo Rosa
Etapa Surrealista
Conclusión
Las etapas de su vida
El periodo Negro(1907-1909)
Expresionismo(1937-1947)
Revisión de clásicos (1954-1973)
Neoclasicismo(1917-1927)
El periodo Azul (1901-1904)
Periodo Vallauris(1947-1954)
Cubismo (1909-1919)
El periodo Rosa (1904-1907)
Etapa Surrealista(1925-1935)
06/10/18
Su vida
Pablo Picasso, nacido en 1881 en España, pasó gran parte de su vida en Francia, donde creó una impresionante cantidad de obras. Reconocido principalmente por el cubismo, también incursionó en el surrealismo, el expresionismo y otras corrientes artísticas. A lo largo de su vida, produjo más de 1.800 pinturas, 7.000 dibujos, 342 tapices, 30.000 grabados y litografías, 1.200 esculturas y casi 3.000 cerámicas. Fue un genio reconocido tanto por el público como por la crítica, y se convirtió en millonario gracias a la venta de sus obras. A lo largo de su carrera, Picasso transitó por diferentes etapas, las cuales se dividen en colores y corrientes. Entre las fases más conocidas están el Periodo Azul, el Periodo Rosa y el Periodo Negro. Después, exploró movimientos como el cubismo, el clasicismo, el surrealismo y el expresionismo.
En sus últimos años, se dedicó al "Periodo Vallauris", centrado en cerámicas y esculturas, y realizó versiones de obras clásicas de Velázquez y Delacroix. Su continuo proceso de renovación y experimentación hizo que fuera difícil identificar una constante en su obra. Picasso no se limitó a abandonar un estilo, sino que siguió integrándolos de manera libre, fusionando elementos del cubismo con el surrealismo o el expresionismo, lo que reflejaba su incansable búsqueda de la libertad creativa; Murió en 1973.
Periodo azul
Entre 1896 y 1904, Picasso pasó por su “Etapa de aprendizaje” y luego, influenciado por el suicidio de su amigo Carles Casagemas, inició su "Periodo Azul" (1901-1904). Durante esta etapa, sus obras reflejaron tristeza y desesperación a través del uso predominante del color azul. Los personajes, como mendigos y enfermos, se representan solitarios y con una sensación de sufrimiento, en fondos vacíos y fríos. En particular personas alargadas y con la cabeza agachada, mendigos, enfermos, ciegos… son protagonistas que se encuentran perdidos y que languidecen. Una de sus obras más destacadas de este periodo es "El viejo guitarrista ciego" (1903), que muestra la fragilidad humana y la soledad. Esta fase marcó un cambio importante en el estilo de Picasso, comenzando su exploración de temas más emocionales.
El viejo guitarrista ciego
El "viejo guitarrista ciego" es una obra fundamental del Periodo Azul de Picasso, pintada en 1903, que refleja tanto la vulnerabilidad humana como la profunda tristeza del artista en ese momento de su vida. Esta pintura muestra a un hombre anciano y ciego, encorvado mientras toca su guitarra, con un aire de desolación.A través de la figura del guitarrista, Picasso transmite el sufrimiento de las personas marginadas y la pobreza extrema que él mismo presenció en las calles de Barcelona.
En cuanto a su estilo, Picasso emplea un uso dominante de tonos azules, que evoca una atmósfera melancólica y sombría. Además, la figura del guitarrista, delgada y alargada, parece expresar no solo el sufrimiento físico, sino también una especie de desesperanza existencial. Esta pintura no solo representa la compasión por los más desfavorecidos, sino también un análisis profundo de la fragilidad humana. Además, el guitarrista simboliza la lucha constante de las personas para encontrar consuelo a través del arte.
El cuadro es un reflejo de la influencia del simbolismo en Picasso en esa época, fusionado con el realismo social que mostró en sus retratos de la pobreza.
Periodo rosa
Al mudarse al barrio de Montmartre, Picasso se sumergió en un entorno bohemio y culturalmente vibrante, rodeado de artistas, poetas y personajes de circo como arlequines, saltimbanquis y payasos. Esta influencia dio origen a su Periodo Rosa (1904-1906), donde sus obras adoptaron tonos más cálidos y pasteles. A lo largo de esta etapa, las figuras pasaron de ser alargadas y angulosas a tener formas más redondeadas y llenas, más alegres y graciosas. Sin embargo, los rostros de los personajes seguían mostrando una expresión de indiferencia sosegada, lo que reflejaba un contraste entre la apariencia alegre y las vidas empobrecidas y sacrificadas de estos artistas de circo.
Aunque los colores en sus cuadros eran más cálidos y vibrantes, algunos seguían transmitiendo inquietudes existencialistas, sugiriendo que, a pesar de la apariencia festiva, había una profunda melancolía y reflexión sobre la vida y la condición humana. Este periodo representó una evolución en la técnica y el enfoque de Picasso, pero mantuvo una mirada crítica sobre la pobreza y el sufrimiento ocultos tras las sonrisas de la vida bohemia.
El actor
“El actor” es una pintura emblemática del período rosa de Pablo Picasso, realizada entre 1904 y 1905. Se trata de una de sus primeras representaciones del mundo del circo y el teatro, La pintura muestra a un actor vestido con un traje de escena color rosa con detalles en azul, en una pose elegante y teatral. Su cuerpo es alargado y delgado, con gestos expresivos que sugieren un papel dramático. El fondo es simple y sin detalles, lo que dirige toda la atención hacia la figura.
La paleta de colores cálidos y la estilización de la figura reflejan la transición de Picasso desde la tristeza del período azul a la delicadeza melancólica del período rosa. Aunque el color rosa sugiere un ambiente más amable, la expresión del actor sigue transmitiendo cierta nostalgia y fragilidad.
Contexto y significado Durante el período rosa, Picasso vivía en Montmartre, en París, y frecuentaba espectáculos de circo y teatro. Le fascinaban los artistas ambulantes, como acróbatas y arlequines, que representaban la vida errante y bohemia del propio artista.
“El actor” simboliza la dualidad entre el espectáculo y la realidad: la vida del actor es colorida en el escenario, pero fuera de él puede estar marcada por la soledad y la incertidumbre.
El Periodo Negro (1907-1909), también conocido como el periodo de la influencia africana, es una fase de transición en la que Picasso se aleja de las convenciones artísticas previas y empieza a crear una nueva corriente, el cubismo. Durante esta etapa, dominan los colores grises y oscuros, mientras Picasso se inspira en el arte ibérico y africano. Sus obras muestran rostros geométricos y alargados, como se puede ver en "Tres mujeres" (1908) o "Las señoritas de Avignon" (1907), una de las piezas más emblemáticas de esta fase, que marca el inicio del cubismo al incorporar formas angulares y una estructura fragmentada.
Periodo negro
El Periodo Negro también se denomina protocubismo, ya que en estas obras comienzan a aparecer los trazos angulosos, los planos geométricos sin perspectiva ni fondo, y las caras con apariencia de máscaras, elementos que se desarrollarán plenamente en el cubismo. Esta fase fue clave para la evolución de Picasso, pues sentó las bases para la ruptura con las representaciones tradicionales y la creación de un nuevo lenguaje artístico.
Cabeza de mujer
"Cabeza de mujer” es una escultura realizada por Pablo Picasso en 1907, durante su llamado “Período Negro”, una fase en la que el artista fue profundamente influenciado por el arte africano y el arte ibérico pre-romano. Esta obra es clave en la evolución de Picasso, ya que anticipa los principios del cubismo. “Cabeza de mujer” es una escultura en bronce que representa un rostro femenino, pero con rasgos geométricos y angulosos, alejados del realismo clásico. La estructura de la cabeza está fragmentada en formas simples y estilizadas, con ojos almendrados, nariz prominente y boca reducida a lo esencial.
Contexto y significado En 1907, Picasso comenzó a experimentar con la descomposición de la forma y la representación del cuerpo humano de manera no naturalista. En esta búsqueda, encontró inspiración en: • Máscaras africanas → Especialmente las de las culturas Fang y Baulé, que le mostraron una nueva manera de representar la figura humana mediante la simplificación y la geometrización. • Arte íbero → Esculturas antiguas de España, con formas esquemáticas y volúmenes sólidos. • Paul Cézanne → Su influencia fue clave en la idea de representar los objetos a través de formas geométricas básicas.
Cubismo
El "cubismo", desarrollado por Picasso y Georges Braque, marcó una ruptura total con la pintura tradicional. Este estilo representa la naturaleza a través de formas geométricas, simplificando la realidad mientras mantiene expresividad, buscando la pureza en la pintura. Aunque desapareció con el estallido de la Primera Guerra Mundial, su influencia perdura en artistas futuros.
Se distinguen varias fases dentro del cubismo:
1. Cubismo analítico (1909-1911): Picasso descompone los objetos en varios planos y ofrece distintos puntos de vista. Un ejemplo de esta fase es Paisaje con dos figuras (1908).
3. Cubismo sintético (1912-1919): Con un mayor uso del color y claridad, las obras se volvieron más decorativas. . Nuevos artistas como Duchamp y Léger aportaron diversidad al movimiento.
4. Cubismo cristal (1917-1920): Esta fase presenta grandes planos geométricos y un estilo minimalista, con Juan Gris como uno de sus máximos exponentes.
El cubismo, en sus diversas fases, cambió radicalmente la manera de ver y representar la realidad en el arte.
2. Cubismo hermético (1911-1912): Picasso añade más planos y abstracción, . Durante esta etapa introduce el collage para mejorar la legibilidad y recuperar el color.
Tres musicos
“Tres músicos” representa a tres figuras vestidas como personajes de la Commedia dell’arte: Las figuras están hechas con formas geométricas planas y colores vibrantes, lo que da la impresión de un collage. A diferencia del cubismo analítico (más monocromático y fragmentado), aquí los objetos son más reconocibles, aunque siguen reducidos a formas básicas. El fondo oscuro contrasta con las figuras, que parecen estar unidas entre sí, formando casi un solo bloque de colores y líneas. Cada personaje sostiene un instrumento musical, reforzando la idea de armonía y colaboración entre las artes.
2. El Pierrot (a la izquierda) → Personaje melancólico con una gran máscara blanca, a veces relacionado con el poeta Guillaume Apollinaire, amigo de Picasso.
3. El monje o fraile (a la derecha) → Puede representar a Max Jacob, otro amigo de Picasso que se hizo monje.
1. El arlequín (en el centro) → Representa a Picasso y simboliza el papel del artista.
Neoclasicismo
Tras pasar por sus periodos de colores (azul, rosa, negro) y revolucionar el arte con el cubismo, Picasso experimentó un cambio radical en su estilo durante los Felices Años 20. Influenciado por el ballet ruso y los ambientes de la alta sociedad, el autor vive una etapa de felicidad tras la Gran Guerra, lo que da lugar a su periodo neoclásico. Durante esta fase, Picasso pinta escenas familiares y cálidas que transmiten paz y serenidad.
En 1921 nace su hijo Paul, lo que inspira varias de sus obras, como "La siesta", "Dos mujeres corriendo por la playa" y "Mujer e hijo a orillas del mar", en las que se aprecian sorprendentes rasgos de gigantismo. Además, Picasso realiza telones para el teatro, demostrando una vez más su versatilidad y capacidad de adaptación a nuevas formas artísticas. Este periodo destaca por su cambio hacia una representación más clásica y figurativa, marcada por un estilo más suave y monumental.
La siesta
“La siesta”, pintada en 1919, es una obra en la que Pablo Picasso combina influencias clásicas con la simplificación de formas característica de su estilo en esa época. Esta pintura pertenece a su período neoclásico, una etapa en la que el artista exploró una estética más figurativa después de sus experimentaciones cubistas. “La siesta” muestra a dos mujeres recostadas en un entorno tranquilo y soleado, transmitiendo una sensación de descanso y calma. Sus cuerpos están representados con formas suaves y voluminosas, lo que recuerda las esculturas clásicas y el arte renacentista. Los colores son cálidos y terrosos, con una luz que sugiere una atmósfera mediterránea. Las figuras femeninas, con proporciones robustas y redondeadas, reflejan la influencia de artistas como Jean-Auguste-Dominique Ingres y la escultura grecorromana.
Etapa Surrealista
Aunque Picasso siempre se declaró "no surrealista", el movimiento surrealista lo cortejó constantemente, mencionándolo en escritos y revistas, Influenciado por las obras de Joan Miró y Salvador Dalí, y leyendo los escritos de André Breton, Picasso aborda nuevas formas de expresarse a través de elementos surrealistas: aparecen monstruos, figuras sin sentido (aparente), el mundo de los sueños… metáforas plásticas para transmitir el sufrimiento y el temor., especialmente a partir de "La danza" (1925), que marca el inicio de su etapa surrealista. En estas obras, Picasso utiliza elementos surrealistas como monstruos, figuras sin aparente sentido y el mundo de los sueños, empleando metáforas plásticas para expresar el sufrimiento y el temor.
El surrealismo, definido por Breton como un «dictado real del pensamiento sin la intervención de la razón», se refleja en las obras de Picasso con un enfoque onírico y sin preocupaciones estéticas tradicionales. Un ejemplo claro de este estilo surrealista es "Mujer sentada al borde del mar"(1930), en la que la forma y el contenido parecen ir más allá de lo lógico y racional.
Mujer sentada al borde del mar
“Mujer sentada al borde del mar” es una pintura que Pablo Picasso realizó en 1930, dentro de su período surrealista. En esta etapa, el artista exploró formas distorsionadas y figuras oníricas, influenciado por el movimiento surrealista, aunque sin formar parte oficialmente del grupo. La pintura muestra a una mujer con formas angulosas y deformadas, sentada en una posición retorcida. Su cuerpo está compuesto por líneas curvas y estructuras geométricas, lo que rompe con la anatomía tradicional. Su rostro aparece casi dividido en dos perspectivas, con ojos desproporcionados y una expresión difícil de definir. El fondo representa el mar con tonos oscuros y formas abstractas, reforzando la sensación de un mundo irreal y misterioso. Los colores vibrantes y los contrastes fuertes dan una energía dinámica a la composición.
Expresionismo
Picasso adaptó su obra a los cambios políticos y sociales de su tiempo. Durante períodos de guerra, sus pinturas reflejan un estado de ánimo deprimido, mientras que en tiempos de paz, sus obras son más cálidas. Su fase expresionista, influenciada por el cubismo, surgió tras la Guerra Civil Española, el auge del fascismo y la Segunda Guerra Mundial. En esta etapa, sus obras expresan el dolor y el sufrimiento, utilizando colores oscuros y formas distorsionadas. Ejemplos de su expresionismo incluyen "La mujer llorando" (1937), "Naturaleza muerta con cráneo de toro", Guernica" (1937), un símbolo anti-bélico que consolidó a Picasso como un icono del pacifismo mundial.
La suplicante
“La suplicante” es una pintura realizada por Pablo Picasso en 1937, un año crucial en su carrera, marcado por la guerra civil española y la creación de su obra maestra, Guernica. Esta pintura refleja el profundo impacto de los conflictos sociales y políticos en su arte, mostrando una figura femenina en una expresión de dolor y desesperación. En “La suplicante”, Picasso representa a una mujer con el rostro distorsionado, los ojos y la boca abiertos en una expresión de angustia. Sus manos alargadas parecen suplicar o aferrarse a algo invisible. La figura está formada por líneas angulosas y agresivas, con una anatomía fragmentada que recuerda al cubismo, pero con una fuerte carga emocional propia del expresionismo. Los colores son oscuros y dramáticos, con contrastes entre tonos fríos y cálidos, enfatizando la sensación de sufrimiento. La composición transmite un movimiento tenso, como si la figura estuviera atrapada en un momento de desesperación absoluta.
Periodo Vallauris
A los 60 años, tras una larga carrera llena de cambios, Picasso entra en su 'Periodo Vallauris', una etapa en la que se dedica a diseñar cerámicas y platos mientras disfruta de su retiro en la Costa Azul. Abandona la pintura durante varios años y se enfoca en la escultura y el trabajo con arcilla, creando más de 600 piezas entre 1947 y 1954.
Inspirado por el mar Mediterráneo, la tranquilidad del campo, y temas como los pájaros y la luz, también surgen nuevas creaciones relacionadas con la familia y el ocio, con elementos del circo y la tauromaquia. Durante este tiempo, nacen sus hijos Claudio y Paloma. Picasso experimenta con formas orgánicas y estilizadas, incorporando elementos de su vida cotidiana y de su entorno, lo que marca una fase de mayor introspección y relación con su entorno natural.
Cara de fauno
“Cara de fauno” es una obra de 1936 en la que Picasso fusiona el arte clásico con el surrealismo. Representa el rostro de un fauno, una criatura mitológica, con rasgos distorsionados y geometrizados, típicos del cubismo. La figura tiene ojos grandes y una nariz prominente, con colores terrosos y líneas simplificadas. El fauno, símbolo de lo instintivo y primitivo, refleja la exploración de Picasso sobre el subconsciente y el deseo humano, influenciado por el surrealismo. La obra captura la mezcla entre lo clásico y lo moderno, simbolizando la naturaleza salvaje y los deseos ocultos.
Última etapa
Un anciano Pablo Picasso, ya instalado en la tranquila Costa Azul, pasa sus días en su estudio repasando las obras de los grandes maestros clásicos. Se rodea de Rafael, Velázquez, Delacroix, Manet, Goya, y realiza versiones de sus cuadros más conocidos. En esta revisión de los clásicos, Picasso produjo material muy interesante. Un ejemplo de ello es la serie de estudios sobre "Las Meninas", de la que realizó más de 50 versiones. Las reinterpretaciones de Picasso estaban marcadas por el cubismo, el estilo que él mismo había fundado, y representan el broche de oro de su carrera.
Pablo Ruiz Picasso murió en 1973 en el pueblo de Mougins, a los 91 años. Había sido el pintor más famoso del mundo, el artista más influyente del siglo, y nos dejó una obra irrepetible y fascinante, siempre en constante evolución. Su búsqueda de la innovación llevó la pintura a extremos jamás imaginados por otro artista, regalándonos una nueva forma de ver la realidad.
Almuerzo sobre la hierba
Obra de Picasso (1962)
Obra de Monet (1863)
06/10/18
Picasso abordó “El almuerzo sobre la hierba” desde una perspectiva completamente diferente. En lugar de imitar o reinterpretar fielmente la escena, la deconstruyó a través del cubismo. Su serie de versiones de la obra original muestra figuras fragmentadas, rostros deformados y una composición más abstracta. Para él, no se trataba de capturar un instante de luz, como en el impresionismo, sino de explorar las múltiples perspectivas y formas de representación.
El almuerzo sobre la hierba
Picasso reinterpretó la obra de Manet dentro de su propio estilo cubista, creando más de 27 versiones del tema. Sus principales características son:• Estilo cubista: Fragmentación de las formas y múltiples perspectivas. • Deformación de los cuerpos: Las figuras aparecen descompuestas en formas geométricas, con rostros distorsionados. • Colores vibrantes y contrastantes: Usa una paleta que no busca el realismo, sino la expresión. • Menos naturalismo: A diferencia de Monet, Picasso no se preocupa por la representación realista de la luz o la naturaleza.
Monet, como impresionista, se centró en la luz y el color. Aunque tomó la idea de Manet, su versión es más expansiva, con un mayor número de personajes y una integración más armónica con la naturaleza. Su interés no estaba tanto en la provocación como en la atmósfera del momento. Sin embargo, su obra quedó inacabada, por lo que solo se conservan fragmentos.
Gracias por vuestra atención!
Las etapas artísticas de Pablo Picasso
Chiara Raffa
Created on March 15, 2025
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Las etapas artísticas de Pablo Picasso
Chiara RaffaA.S. 2024-2025
"El mundo de hoy no tiene sentido, así que por qué debería pintar cuadros que lo tuvieran"
PABLO PICASSO
Índice
¿De qué hablaremos en esta presentación?
Sus etapas
El periodo Negro
Expresionismo
La vida
Cubismo
Periodo Vallauris
El periodo Azul
Neoclasicismo
Revisión de sus clásicos
El periodo Rosa
Etapa Surrealista
Conclusión
Las etapas de su vida
El periodo Negro(1907-1909)
Expresionismo(1937-1947)
Revisión de clásicos (1954-1973)
Neoclasicismo(1917-1927)
El periodo Azul (1901-1904)
Periodo Vallauris(1947-1954)
Cubismo (1909-1919)
El periodo Rosa (1904-1907)
Etapa Surrealista(1925-1935)
06/10/18
Su vida
Pablo Picasso, nacido en 1881 en España, pasó gran parte de su vida en Francia, donde creó una impresionante cantidad de obras. Reconocido principalmente por el cubismo, también incursionó en el surrealismo, el expresionismo y otras corrientes artísticas. A lo largo de su vida, produjo más de 1.800 pinturas, 7.000 dibujos, 342 tapices, 30.000 grabados y litografías, 1.200 esculturas y casi 3.000 cerámicas. Fue un genio reconocido tanto por el público como por la crítica, y se convirtió en millonario gracias a la venta de sus obras. A lo largo de su carrera, Picasso transitó por diferentes etapas, las cuales se dividen en colores y corrientes. Entre las fases más conocidas están el Periodo Azul, el Periodo Rosa y el Periodo Negro. Después, exploró movimientos como el cubismo, el clasicismo, el surrealismo y el expresionismo.
En sus últimos años, se dedicó al "Periodo Vallauris", centrado en cerámicas y esculturas, y realizó versiones de obras clásicas de Velázquez y Delacroix. Su continuo proceso de renovación y experimentación hizo que fuera difícil identificar una constante en su obra. Picasso no se limitó a abandonar un estilo, sino que siguió integrándolos de manera libre, fusionando elementos del cubismo con el surrealismo o el expresionismo, lo que reflejaba su incansable búsqueda de la libertad creativa; Murió en 1973.
Periodo azul
Entre 1896 y 1904, Picasso pasó por su “Etapa de aprendizaje” y luego, influenciado por el suicidio de su amigo Carles Casagemas, inició su "Periodo Azul" (1901-1904). Durante esta etapa, sus obras reflejaron tristeza y desesperación a través del uso predominante del color azul. Los personajes, como mendigos y enfermos, se representan solitarios y con una sensación de sufrimiento, en fondos vacíos y fríos. En particular personas alargadas y con la cabeza agachada, mendigos, enfermos, ciegos… son protagonistas que se encuentran perdidos y que languidecen. Una de sus obras más destacadas de este periodo es "El viejo guitarrista ciego" (1903), que muestra la fragilidad humana y la soledad. Esta fase marcó un cambio importante en el estilo de Picasso, comenzando su exploración de temas más emocionales.
El viejo guitarrista ciego
El "viejo guitarrista ciego" es una obra fundamental del Periodo Azul de Picasso, pintada en 1903, que refleja tanto la vulnerabilidad humana como la profunda tristeza del artista en ese momento de su vida. Esta pintura muestra a un hombre anciano y ciego, encorvado mientras toca su guitarra, con un aire de desolación.A través de la figura del guitarrista, Picasso transmite el sufrimiento de las personas marginadas y la pobreza extrema que él mismo presenció en las calles de Barcelona. En cuanto a su estilo, Picasso emplea un uso dominante de tonos azules, que evoca una atmósfera melancólica y sombría. Además, la figura del guitarrista, delgada y alargada, parece expresar no solo el sufrimiento físico, sino también una especie de desesperanza existencial. Esta pintura no solo representa la compasión por los más desfavorecidos, sino también un análisis profundo de la fragilidad humana. Además, el guitarrista simboliza la lucha constante de las personas para encontrar consuelo a través del arte. El cuadro es un reflejo de la influencia del simbolismo en Picasso en esa época, fusionado con el realismo social que mostró en sus retratos de la pobreza.
Periodo rosa
Al mudarse al barrio de Montmartre, Picasso se sumergió en un entorno bohemio y culturalmente vibrante, rodeado de artistas, poetas y personajes de circo como arlequines, saltimbanquis y payasos. Esta influencia dio origen a su Periodo Rosa (1904-1906), donde sus obras adoptaron tonos más cálidos y pasteles. A lo largo de esta etapa, las figuras pasaron de ser alargadas y angulosas a tener formas más redondeadas y llenas, más alegres y graciosas. Sin embargo, los rostros de los personajes seguían mostrando una expresión de indiferencia sosegada, lo que reflejaba un contraste entre la apariencia alegre y las vidas empobrecidas y sacrificadas de estos artistas de circo. Aunque los colores en sus cuadros eran más cálidos y vibrantes, algunos seguían transmitiendo inquietudes existencialistas, sugiriendo que, a pesar de la apariencia festiva, había una profunda melancolía y reflexión sobre la vida y la condición humana. Este periodo representó una evolución en la técnica y el enfoque de Picasso, pero mantuvo una mirada crítica sobre la pobreza y el sufrimiento ocultos tras las sonrisas de la vida bohemia.
El actor
“El actor” es una pintura emblemática del período rosa de Pablo Picasso, realizada entre 1904 y 1905. Se trata de una de sus primeras representaciones del mundo del circo y el teatro, La pintura muestra a un actor vestido con un traje de escena color rosa con detalles en azul, en una pose elegante y teatral. Su cuerpo es alargado y delgado, con gestos expresivos que sugieren un papel dramático. El fondo es simple y sin detalles, lo que dirige toda la atención hacia la figura. La paleta de colores cálidos y la estilización de la figura reflejan la transición de Picasso desde la tristeza del período azul a la delicadeza melancólica del período rosa. Aunque el color rosa sugiere un ambiente más amable, la expresión del actor sigue transmitiendo cierta nostalgia y fragilidad.
Contexto y significado Durante el período rosa, Picasso vivía en Montmartre, en París, y frecuentaba espectáculos de circo y teatro. Le fascinaban los artistas ambulantes, como acróbatas y arlequines, que representaban la vida errante y bohemia del propio artista. “El actor” simboliza la dualidad entre el espectáculo y la realidad: la vida del actor es colorida en el escenario, pero fuera de él puede estar marcada por la soledad y la incertidumbre.
El Periodo Negro (1907-1909), también conocido como el periodo de la influencia africana, es una fase de transición en la que Picasso se aleja de las convenciones artísticas previas y empieza a crear una nueva corriente, el cubismo. Durante esta etapa, dominan los colores grises y oscuros, mientras Picasso se inspira en el arte ibérico y africano. Sus obras muestran rostros geométricos y alargados, como se puede ver en "Tres mujeres" (1908) o "Las señoritas de Avignon" (1907), una de las piezas más emblemáticas de esta fase, que marca el inicio del cubismo al incorporar formas angulares y una estructura fragmentada.
Periodo negro
El Periodo Negro también se denomina protocubismo, ya que en estas obras comienzan a aparecer los trazos angulosos, los planos geométricos sin perspectiva ni fondo, y las caras con apariencia de máscaras, elementos que se desarrollarán plenamente en el cubismo. Esta fase fue clave para la evolución de Picasso, pues sentó las bases para la ruptura con las representaciones tradicionales y la creación de un nuevo lenguaje artístico.
Cabeza de mujer
"Cabeza de mujer” es una escultura realizada por Pablo Picasso en 1907, durante su llamado “Período Negro”, una fase en la que el artista fue profundamente influenciado por el arte africano y el arte ibérico pre-romano. Esta obra es clave en la evolución de Picasso, ya que anticipa los principios del cubismo. “Cabeza de mujer” es una escultura en bronce que representa un rostro femenino, pero con rasgos geométricos y angulosos, alejados del realismo clásico. La estructura de la cabeza está fragmentada en formas simples y estilizadas, con ojos almendrados, nariz prominente y boca reducida a lo esencial.
Contexto y significado En 1907, Picasso comenzó a experimentar con la descomposición de la forma y la representación del cuerpo humano de manera no naturalista. En esta búsqueda, encontró inspiración en: • Máscaras africanas → Especialmente las de las culturas Fang y Baulé, que le mostraron una nueva manera de representar la figura humana mediante la simplificación y la geometrización. • Arte íbero → Esculturas antiguas de España, con formas esquemáticas y volúmenes sólidos. • Paul Cézanne → Su influencia fue clave en la idea de representar los objetos a través de formas geométricas básicas.
Cubismo
El "cubismo", desarrollado por Picasso y Georges Braque, marcó una ruptura total con la pintura tradicional. Este estilo representa la naturaleza a través de formas geométricas, simplificando la realidad mientras mantiene expresividad, buscando la pureza en la pintura. Aunque desapareció con el estallido de la Primera Guerra Mundial, su influencia perdura en artistas futuros. Se distinguen varias fases dentro del cubismo:
1. Cubismo analítico (1909-1911): Picasso descompone los objetos en varios planos y ofrece distintos puntos de vista. Un ejemplo de esta fase es Paisaje con dos figuras (1908).
3. Cubismo sintético (1912-1919): Con un mayor uso del color y claridad, las obras se volvieron más decorativas. . Nuevos artistas como Duchamp y Léger aportaron diversidad al movimiento.
4. Cubismo cristal (1917-1920): Esta fase presenta grandes planos geométricos y un estilo minimalista, con Juan Gris como uno de sus máximos exponentes. El cubismo, en sus diversas fases, cambió radicalmente la manera de ver y representar la realidad en el arte.
2. Cubismo hermético (1911-1912): Picasso añade más planos y abstracción, . Durante esta etapa introduce el collage para mejorar la legibilidad y recuperar el color.
Tres musicos
“Tres músicos” representa a tres figuras vestidas como personajes de la Commedia dell’arte: Las figuras están hechas con formas geométricas planas y colores vibrantes, lo que da la impresión de un collage. A diferencia del cubismo analítico (más monocromático y fragmentado), aquí los objetos son más reconocibles, aunque siguen reducidos a formas básicas. El fondo oscuro contrasta con las figuras, que parecen estar unidas entre sí, formando casi un solo bloque de colores y líneas. Cada personaje sostiene un instrumento musical, reforzando la idea de armonía y colaboración entre las artes.
2. El Pierrot (a la izquierda) → Personaje melancólico con una gran máscara blanca, a veces relacionado con el poeta Guillaume Apollinaire, amigo de Picasso.
3. El monje o fraile (a la derecha) → Puede representar a Max Jacob, otro amigo de Picasso que se hizo monje.
1. El arlequín (en el centro) → Representa a Picasso y simboliza el papel del artista.
Neoclasicismo
Tras pasar por sus periodos de colores (azul, rosa, negro) y revolucionar el arte con el cubismo, Picasso experimentó un cambio radical en su estilo durante los Felices Años 20. Influenciado por el ballet ruso y los ambientes de la alta sociedad, el autor vive una etapa de felicidad tras la Gran Guerra, lo que da lugar a su periodo neoclásico. Durante esta fase, Picasso pinta escenas familiares y cálidas que transmiten paz y serenidad. En 1921 nace su hijo Paul, lo que inspira varias de sus obras, como "La siesta", "Dos mujeres corriendo por la playa" y "Mujer e hijo a orillas del mar", en las que se aprecian sorprendentes rasgos de gigantismo. Además, Picasso realiza telones para el teatro, demostrando una vez más su versatilidad y capacidad de adaptación a nuevas formas artísticas. Este periodo destaca por su cambio hacia una representación más clásica y figurativa, marcada por un estilo más suave y monumental.
La siesta
“La siesta”, pintada en 1919, es una obra en la que Pablo Picasso combina influencias clásicas con la simplificación de formas característica de su estilo en esa época. Esta pintura pertenece a su período neoclásico, una etapa en la que el artista exploró una estética más figurativa después de sus experimentaciones cubistas. “La siesta” muestra a dos mujeres recostadas en un entorno tranquilo y soleado, transmitiendo una sensación de descanso y calma. Sus cuerpos están representados con formas suaves y voluminosas, lo que recuerda las esculturas clásicas y el arte renacentista. Los colores son cálidos y terrosos, con una luz que sugiere una atmósfera mediterránea. Las figuras femeninas, con proporciones robustas y redondeadas, reflejan la influencia de artistas como Jean-Auguste-Dominique Ingres y la escultura grecorromana.
Etapa Surrealista
Aunque Picasso siempre se declaró "no surrealista", el movimiento surrealista lo cortejó constantemente, mencionándolo en escritos y revistas, Influenciado por las obras de Joan Miró y Salvador Dalí, y leyendo los escritos de André Breton, Picasso aborda nuevas formas de expresarse a través de elementos surrealistas: aparecen monstruos, figuras sin sentido (aparente), el mundo de los sueños… metáforas plásticas para transmitir el sufrimiento y el temor., especialmente a partir de "La danza" (1925), que marca el inicio de su etapa surrealista. En estas obras, Picasso utiliza elementos surrealistas como monstruos, figuras sin aparente sentido y el mundo de los sueños, empleando metáforas plásticas para expresar el sufrimiento y el temor.
El surrealismo, definido por Breton como un «dictado real del pensamiento sin la intervención de la razón», se refleja en las obras de Picasso con un enfoque onírico y sin preocupaciones estéticas tradicionales. Un ejemplo claro de este estilo surrealista es "Mujer sentada al borde del mar"(1930), en la que la forma y el contenido parecen ir más allá de lo lógico y racional.
Mujer sentada al borde del mar
“Mujer sentada al borde del mar” es una pintura que Pablo Picasso realizó en 1930, dentro de su período surrealista. En esta etapa, el artista exploró formas distorsionadas y figuras oníricas, influenciado por el movimiento surrealista, aunque sin formar parte oficialmente del grupo. La pintura muestra a una mujer con formas angulosas y deformadas, sentada en una posición retorcida. Su cuerpo está compuesto por líneas curvas y estructuras geométricas, lo que rompe con la anatomía tradicional. Su rostro aparece casi dividido en dos perspectivas, con ojos desproporcionados y una expresión difícil de definir. El fondo representa el mar con tonos oscuros y formas abstractas, reforzando la sensación de un mundo irreal y misterioso. Los colores vibrantes y los contrastes fuertes dan una energía dinámica a la composición.
Expresionismo
Picasso adaptó su obra a los cambios políticos y sociales de su tiempo. Durante períodos de guerra, sus pinturas reflejan un estado de ánimo deprimido, mientras que en tiempos de paz, sus obras son más cálidas. Su fase expresionista, influenciada por el cubismo, surgió tras la Guerra Civil Española, el auge del fascismo y la Segunda Guerra Mundial. En esta etapa, sus obras expresan el dolor y el sufrimiento, utilizando colores oscuros y formas distorsionadas. Ejemplos de su expresionismo incluyen "La mujer llorando" (1937), "Naturaleza muerta con cráneo de toro", Guernica" (1937), un símbolo anti-bélico que consolidó a Picasso como un icono del pacifismo mundial.
La suplicante
“La suplicante” es una pintura realizada por Pablo Picasso en 1937, un año crucial en su carrera, marcado por la guerra civil española y la creación de su obra maestra, Guernica. Esta pintura refleja el profundo impacto de los conflictos sociales y políticos en su arte, mostrando una figura femenina en una expresión de dolor y desesperación. En “La suplicante”, Picasso representa a una mujer con el rostro distorsionado, los ojos y la boca abiertos en una expresión de angustia. Sus manos alargadas parecen suplicar o aferrarse a algo invisible. La figura está formada por líneas angulosas y agresivas, con una anatomía fragmentada que recuerda al cubismo, pero con una fuerte carga emocional propia del expresionismo. Los colores son oscuros y dramáticos, con contrastes entre tonos fríos y cálidos, enfatizando la sensación de sufrimiento. La composición transmite un movimiento tenso, como si la figura estuviera atrapada en un momento de desesperación absoluta.
Periodo Vallauris
A los 60 años, tras una larga carrera llena de cambios, Picasso entra en su 'Periodo Vallauris', una etapa en la que se dedica a diseñar cerámicas y platos mientras disfruta de su retiro en la Costa Azul. Abandona la pintura durante varios años y se enfoca en la escultura y el trabajo con arcilla, creando más de 600 piezas entre 1947 y 1954.
Inspirado por el mar Mediterráneo, la tranquilidad del campo, y temas como los pájaros y la luz, también surgen nuevas creaciones relacionadas con la familia y el ocio, con elementos del circo y la tauromaquia. Durante este tiempo, nacen sus hijos Claudio y Paloma. Picasso experimenta con formas orgánicas y estilizadas, incorporando elementos de su vida cotidiana y de su entorno, lo que marca una fase de mayor introspección y relación con su entorno natural.
Cara de fauno
“Cara de fauno” es una obra de 1936 en la que Picasso fusiona el arte clásico con el surrealismo. Representa el rostro de un fauno, una criatura mitológica, con rasgos distorsionados y geometrizados, típicos del cubismo. La figura tiene ojos grandes y una nariz prominente, con colores terrosos y líneas simplificadas. El fauno, símbolo de lo instintivo y primitivo, refleja la exploración de Picasso sobre el subconsciente y el deseo humano, influenciado por el surrealismo. La obra captura la mezcla entre lo clásico y lo moderno, simbolizando la naturaleza salvaje y los deseos ocultos.
Última etapa
Un anciano Pablo Picasso, ya instalado en la tranquila Costa Azul, pasa sus días en su estudio repasando las obras de los grandes maestros clásicos. Se rodea de Rafael, Velázquez, Delacroix, Manet, Goya, y realiza versiones de sus cuadros más conocidos. En esta revisión de los clásicos, Picasso produjo material muy interesante. Un ejemplo de ello es la serie de estudios sobre "Las Meninas", de la que realizó más de 50 versiones. Las reinterpretaciones de Picasso estaban marcadas por el cubismo, el estilo que él mismo había fundado, y representan el broche de oro de su carrera. Pablo Ruiz Picasso murió en 1973 en el pueblo de Mougins, a los 91 años. Había sido el pintor más famoso del mundo, el artista más influyente del siglo, y nos dejó una obra irrepetible y fascinante, siempre en constante evolución. Su búsqueda de la innovación llevó la pintura a extremos jamás imaginados por otro artista, regalándonos una nueva forma de ver la realidad.
Almuerzo sobre la hierba
Obra de Picasso (1962)
Obra de Monet (1863)
06/10/18
Picasso abordó “El almuerzo sobre la hierba” desde una perspectiva completamente diferente. En lugar de imitar o reinterpretar fielmente la escena, la deconstruyó a través del cubismo. Su serie de versiones de la obra original muestra figuras fragmentadas, rostros deformados y una composición más abstracta. Para él, no se trataba de capturar un instante de luz, como en el impresionismo, sino de explorar las múltiples perspectivas y formas de representación.
El almuerzo sobre la hierba
Picasso reinterpretó la obra de Manet dentro de su propio estilo cubista, creando más de 27 versiones del tema. Sus principales características son:• Estilo cubista: Fragmentación de las formas y múltiples perspectivas. • Deformación de los cuerpos: Las figuras aparecen descompuestas en formas geométricas, con rostros distorsionados. • Colores vibrantes y contrastantes: Usa una paleta que no busca el realismo, sino la expresión. • Menos naturalismo: A diferencia de Monet, Picasso no se preocupa por la representación realista de la luz o la naturaleza.
Monet, como impresionista, se centró en la luz y el color. Aunque tomó la idea de Manet, su versión es más expansiva, con un mayor número de personajes y una integración más armónica con la naturaleza. Su interés no estaba tanto en la provocación como en la atmósfera del momento. Sin embargo, su obra quedó inacabada, por lo que solo se conservan fragmentos.
Gracias por vuestra atención!