Realismo, Expresionismo, Nueva Objetividad, Dadaísmo y Surrealísmo
Almudena Baeza
Historia del Arte y del Videoarte
¿qué tenemos?
obras realizadas durante el s.XX
¿cómo?
Los regímenes del arte. Arte moderno
¿cómo funciona el sistema del arte moderno que, figuras como marcel Duchamp, empiezan a dinamitar?
¿dónde?
estilos: Realismo, Expresionismo, Nueva Objetividad, Dadaísmo, Surrealismo
¿por qué?
¿cuales son los problemas de representación a los que da respuesta el arte dadaísta del Ready Made? Un arte protoConceptual
Marcel Duchamp, Fuente, 1918
Coubert, Atelier, 1855, Musee D'Orsay
Ingres, La apoteosis de Homero, 1827
Contraste entre el nuevo espíritu realista y los contenidos y el mundo tradicionales. "En el cuadro de Coubert tenemos la vaga impresión de estar ante una una multitud apiñada en una sala de espera y sólo poco a poco logramos ir distinguiendo las diferentes clases sociales; por su parte la mujer desnuda que aparece cerca del artista, que está pintando un paisaje, no es una una modelo, sino la portadora de un símbolo, una musa, una madre, una matriz de fecundidad. Aunque en la multitud hay muchos retratos, entre ellos el de Baudelaire, la impresión general es la de una multitud anónima. (Praz, Mnemosine. El paralelismo entre la literatura y las artes visuales)
Tarea
Realismos
Este siglo realista va de Goya a Cezanne. El arte camina hacia la exploración de la realidad mundana que va ocupando el lugar reservado en otros siglos a los temas religiosos. En efecto, pasamos por la mitología, los temas histórios y caminamos hacia el acontecimiento cotidiano, que tratamos de hacer que adquiera una dimensión simbólica. Hay un esfuerzo permanente por reemplazar los viejos símbolos por otros nuevos. "La multitud, la masa, es uno de los temas preferidospor la escuela realista de pintura; pero no se trata de hombres que comparten la misma diversión (como en Musique aux Tulleries de Manet o en La Grenoullère de Monet) como de hombres envueltos en un acto de violencia colectiva (La liberté guidan le peuple de Delacroix), en una tragedia colectiva (Le Radeau de la Méduse de Géricault) o, como en La Romería de San Isidro de Goya, de hombres con la mirada paralizada de asombro y horror ante la falta de meta o, como sugiere Hoffman, ante la ausencia de Dios. Así, el tema de una comunidad sin historia, aflora a comienzos del siglo XIX como una expresión de ansiedad, como si Goya hubiera previsto, con un siglo de anticipación, la conclusión desesperada del hombre moderno: Esperando a Godot de Becket. (Mario Praz)
Por una comunidad sin historia entiendo que el arte moderno caminará hacia un arte centrado en un sujeto universal
Manet, Musique aux Tulleries, 1862
Goya, La romería de San Isidro, 1823 Gericault, La balsa de la Medusa, 1819
Monet, La Grenouillère, 1869
Sobre la masa
Postura conservadora de Ortega y Gasset y Max Schelar. Una masa que se percibe como un peligro. Como algo deshinibido, voluble, bárbaro, resentido, utilitarista, que no valora ni admira, que se resiste a comprender la idea hegeliana de que la historia tiene un final cuando las democracias liberales triunfen en todo el mundo y reine la paz y la prosperidad. Postura crítica (Escuela de Frankfurt). La masa es fría. Es decir, que está mediada por unas estructuras, por un sistema económico y político que genera tensiones (de clase) y desarraigo propios del capitalismo que la política no soluciona tan rápidamente como aparecen. El comportamiento de masa NO ES EXPRESIONISTA. Estilisticamente, caminamos del Expresionismo de Georges Grotz hacia la Nueva Objetividad que es vista por el Tercer Reich como un movimiento político y un arte degenerado.
George Grotz, Metrópolis, 1917
la masa moderna y posmoderna
(Concurso Beast Games)
Leni Riedenstahl, El triunfo de la voluntad, 1935 Una masa aria orgánica, muy perfecta para fomentar la pertenencia tranquilizante frente a la crisis, las amenazas y la precariedad.
Adorno Psicoanálisis y estructuralismo marxista son las dos patas de la escuela de Frankfurt. Para ellos, hay que entender la posición resentida, el antisemitismo de los años 20, por ejemplo, como una dinámica entre lo psicológico y lo social, dentro de un plano estructural (o sistémico): interviene la economía, la historia y las desigualdades sociales. Las tensiones y los miedos (a la inmigración, la inflacción, las grandes corporaciones, la ineptitud política...) puede conducir al mecanismo compensatorio de identificación con el poder autoritario y la búsqueda de chivos expiatorios, como judíos, inmigrantes, las madres solteras en Inglaterra de Jonh Major, etc. Sloterdijk Reflexiona Sloterdijk sobre el papel de lo irracional en el comportamiento subjetivo y su incidencia en la política de masas. Frente a los hiperracionalismos de raíz ilustrada que han querido convertir el actuar humano, individual y colectivo, en un proceso que podía resultar transparente desde una perspectiva racional, Sloterdijk subraya la importancia de lo irracional en el comportamiento humano.
Frente a los dos elementos más especialmente mencionados en la obra de Marx como instrumentos de dominación, lo político y lo económico, Sloterdijk hace hincapié en las dinámicas de entretenimiento generadas en el siglo XX y que suponen el contrapunto gozoso al sufrimiento que se deriva de las dos primeras. Todo sistema social debe alcanzar, para su reproducción, un cierto grado de asentimiento entre la población, no puede sostenerse sobre el continuo rechazo; el capitalismo contemporáneo, el de la sociedad mediática de consumo, ha encontrado en el entretenimiento, en la construcción de subjetividad, la estrategia para producir consentimiento.
The Pervert's Guide to Ideology (Full) - Slavoj Žižek; Película Tiburon de Steven Spielberg; 38:44
Barbar Kruger, s/t, 1985
Realismo crítico
Mosaico del aburrimiento. Marionetas de rostro vacío. Paisaje del suicidio en pintura. Figuras de anuncio de puros en el primer plano. Sólo se salva la niña.
Antiutopismo. Lenguaje maquínico.
Representación esquemática y desapasionada de la desigualdad y la explotación en un estilo que se parece a los gráficos utilizados por las industrias capitalistas para acelerar la toma de conciencia revolucionaria. (Nochlin, Les politiques de la vision)
Mimmo Rotella, Birra, 1962
Franz Wilhem Steiwert, La guerra de los campesinos y Mundo del trabajo, 1932
Barbara Kruger, s/t, 1989
Expresionismo
Del Fauvismo al Expresionismo
El jinete azul (expresionismo)
Fauvismo
Postimpresionismo
Van Gogh, La mère Roulin, 1889
Matisse, La raya verde, 1905
Münter, Retrato de Marianne von Werefkin, 1909
Kirchner, Fränzi ante una silla tallada, 1910
Expresionismo
Otto Dix, Retrato de la periodista Sylvia von Harden, 1926
Max Beckmannn, Autorretrato con copa de champagne, 1919
Max Beckmannn, 1923
Del Dadaísmo a la Nueva Objetividad
Grosz, El poeta Herrmann Neisse, 1925
Nueva Objetividad
Dadaísmo
Grosz, 1919
https://artsandculture.google.com/asset/the-war-otto-dix/CwHM2HdTO3l2vg?hl=es
En 1932 su obra fue catalogada como arte degenerado. Los nazis le apodaron "el bolchevique cultural número uno". Grosz emigró a Estados Unidos en 1933. Con la Segunda Guerra Mundial volvería a sentir el pesimismo anterior, manifestándolo en obras como "El Superviviente" (1944).
El Fauvismo, otro antecedente del Expresionismo. Gabriele Münter y Vasily Kandinsky pintan juntos en Murnau
Gabriele Münter, La montaña azul, 1909
Kandinsky, Paisaje de verano, 1909
Expresionismo: Gabriele Münter- Vasily Kandinsky
Kandinsky, San Jorge y el dragón 1944
Kandinsky, San Jorge y el dragón 1910
Del expresionismo a la abstracción
Gabriele Münter, Combate del dragón, 1913
Gabriele Münter, Composición abstracta, 1914
Münter, Paseo en Barca, 1910
Del paisaje expresionista al expresionismo abstracto (color field)
Mark Rothko Barnett Newman Ad Reinhardt Jackson Pollock
Gabriele Münter, Señora escribiendo en un sillón, Mujer suiza en un sillón, 1929
Expresionismo y Nueva Objetividad: Gabriele Münter
Gabriele Münter. Futuro (Mujer en Estocolmo), 1917. The Cleveland Museum of Art
Ángeles Santos, La tertulia, 1929
Gabriele Münter, Mujeres escuchando, 1925-30
Ángeles Santos, Niños y plantas, 1930
Surrealismo
Remedios Varo, Creación con rayos astrales , 1955
Remedios Varo, Papilla estelar, 1958
Ángeles Santos, Un mundo, 1930
ExpresionismoNueva Objetividad
Estilisticamente la Nueva Objetividad vuelve al dibujo y a la caricatura. Es decir a la narración. A la búsqueda de la interpretación. Al mecanismo alegórico de transmitir ideas. Busca la expresividad de los detalles dibujísticos más que la expresividad del color.
Grosz, Suicidio (1926) y Día gris (1921)
Videoarte: John Akomfrah, The Unfinished Conversation, Tate Britain
Dadaísmo y Nueva Objetividad en la República de Weimar
Grosz, Autómatas republicanos, 1920
Höch, Fotomontaje dadaísta
«El collage es, más allá de la consideración de una mera técnica, un motor de cambio imprescindible en el arte del siglo XX. » (Sánchez Oms, 2007)
Del fotomontaje dadaísta al constructivista
John Heartfield (Helmut Herzfeld) y Hahnna Höch
El Lissitzky (a la izquierda, 1919 y 1925) y Rodchenko a la derecha (1923 y 1926)
Los dadaístas utilizaron esta idea de unir elementos piezas de distinta naturaleza para la creación de poemas “espontáneos”. Tristán Tzara, escritor rumano creador de este movimiento subversivo y renovador, dio las propias instrucciones para realizar un poema dadaísta: «Coja un periódico. Coja unas tijeras. Escoja en el periódico un artículo de la longitud que quiera darle a su poema. Recorte el artículo... Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en una bolsa. Agite suavemente. Ahora saque cada recorte uno tras otro. Copie concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa. El poema se parecerá a usted. Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo.» T. Tzara, 1920
El dadá
El 5 de febrero de 1916 el poeta Hugo Ball inauguró en Zúrich el Cabaret Voltaire, un pequeño espacio que se convirtió en el motor de explosión de la vanguardia en Europa proclamando para el arte la confusión, el primitivisimo y la contradicción.
Hugo Ball recitando 'Karawane' en 1916.
Baronesa Elsa von Freitag-Loringhoven, 1918
Dadaísmo
Duchamp, Fuente, 1918
Baronesa Elsa von freitag-Loringhoven, Dios, 1917
El arte se confunde, o sucede, en la vida
Cine dadaísta. Marcel Duchamp, Anémic Cinéma (1926)
dadá
Kurt Schwiters, Merz Bau
Collage dadá con billete de metro. K. Schwiters
El arte se confunde, o sucede, en la vida (de las mujeres)
El Ramo, Hannah Höch 1929
1)
2)
Duchamp desmonta el arte moderno El embrague: Marcel Duchamp (1887-1968) Anne Cauquelin 1) Distinción entre la esfera del arte (más amplia) y la de la estética. Ready-made Rueda de bicicleta, 1913 2) Los roles de los agentes (productores, intermediarios y consumidores) no se distinguen, forman un bucle. Y pueden desempeñarse a la vez. Boite de 1914. Una caja con reproducciones de las obras de Duchamp que es un museo ambulante. 3) Abandono del romanticismo de la figura de "artista" y del camino vanguardista. R. Rose Sélavy. Autorretrato como mujer llamada La vida es Rosa. 4) El principal motor del arte ya no es el sentimiento sino el pensamiento y el lenguaje. El arte tampoco es retiniano. L.H.O.O.Q. Juego de palabras en La Gioconda
4)
3)
Marcel Ducham, El gran vidrio
Picabia Máquinas Españolas
Ironía
Surrealismo
Joan Miró
El tocador de Laúd de Hendrick Martensz Sorgh
Interior holandés, 1928 y Mujer, pájaro y estrella, 1966-73
Surrealismo
En 1924 el escritor André Bretón publicó el manifiesto surrealista –dicho manuscrito es ahora un tesoro nacional en Francia– y nace con él uno de los movimientos artísticos más populares de la vanguardia.
Monstruos sagrados del movimiento: Max Ernst, René Magritte, André Mason, Man Ray.
Españoles: Salvador Dalí, Joan Miró, Pablo Picasso (pasó por todos los estilos de la primera vanguardia), Luis Buñuel, Maruja Mallo y Remedios Varo.
Monstruas: Claude Cahun, Dorothea Tanning, Leonor Fini, Frida Kalho, Ithell Colcqhoun, Grace Pailthorpe, Toyen, Lenora Carrington, Styrsky, Dora Maar, Meret Oppenheim, Lee Miler
Salvador Dali, Visage du grand masturbateur, 1929
Huile sur toile 110 × 150 cm
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Legado Salvador Dalí, 1990
René Magritte
Noche y día, 1954
Prohibida su reproducción, 1937
El tiempo paralizado, 1938 Lógica onírica
René Magritte
, 1953
Los grises oficinistas con paraguas son la lluvia
Asociaciones imposibles y sorprendentes
Sobre la pintura
René Magritte
Esto no es una pipa, 1928-9
Intentando lo imposible, 1928
Surrealisme. Cien años de surrealismo en el Pompidou
Almudena Baeza, The Coversation, 2024 El espectador puede pertenecer a uno de estos dos grandes grupos: los que ven en el Surrealismo una simple estética de lo onírico y los que experimentan el deseo, como decían Marx y Rimbaud, de “cambiar la vida” y “transformar el mundo”. Para estos últimos existen un montón de documentos que dan fe de la voluntad política y agitadora del Surrealismo que condenó las guerras coloniales del Rif, Argelia e Indochina, además de los totalitarismos de la primera mitad del siglo XX. En este sentido, la exposición se organiza en torno a las ideas revolucionarias de los escritores surrealistas (Sade, Joyce Mansour, Lautréamont, Carroll…) cuyo objetivo es liberar el pensamiento del control de la razón, la censura o las convenciones sociales para experimentar un universo más gótico, abierto al misterio, lo arcaico y lo mitológico, un mundo menos iluminado por el faro de la ciencia y el progreso. No en vano hay salas dedicadas a temas como: la piedra filosofal, los médiums, el bosque tenebroso, el erotismo o las Quimeras.
La amarga llamada de las lágrimas Joyce Mansour Vengan mujeres de senos febriles Escuchad en silencio el grito de la víbora Y sondead conmigo la baja niebla roja Que de pronto hincha la voz del amigo El río está fresco alrededor de su cuerpo Su camisa blanca flotando como el final de un discurso En el aire expansivo vaciado de conchas marinas Hagan una reverencia damas intempestivas Olvida tus pensamientos encapuchados Tu tonta humedad tus rápidos botines Un remolino tomó forma en las plantas Y el hombre se ahogó en licor
Hans Bellmer, La poupée, 1935-6
Autorretratos
Leonor Fini, Autorretrato con escorpión, 1938
Leonora Carrintong, Autorretrato, 1938
Dorothea Tanning, Aniversario, 1942. Como Alicia en el país de las maravillas ante las puertas
Maruja Mallo y Claude Cahun. Autorretratos
Claude Cahun: la construcción identitaria
Claude Cahun, Estoy entrenando, no me beses, 1927
Maruja Mallo con manto de algas, Chile, 1945
Howadera Pindell, Libre blanca y con 21 años, 1980
Hacia el videoarte feminista preocupado por la cuestión de la identidad racial y de género
Atsuko Tanaka, vestido eléctrico, 1956
Hannah Wilke, S.O.S. series, Objeto de contemplación, 1974
Maruja Mallo
Maruja Mallo, Antro de fósiles, 1930
Maruja Mallo, El espantapeces, 1931
Maruja Mallo
PajarasORG Trazados geométricos reguladores de cuadros Guillermo Pérez-Villalta Jaime Aledo
Maruja Mallo, La verbena, 1927
Reino de lo orgánico femenino
Ithell Colcqhoun, La Alcoba, 1946
Grace Pailthorpe, 16 de mayo de 1941
Formas orgánicas. Entre lo vegetal y lo animal. Me recuerda a los hongos de The Last of Us, creciendo en un interior humano (rojo) para brotar luego hacia el exterior con sus brillantes colores verde, amarillo y azul. También se parecería a un interior de corte vaginal. El título La Alcoba puede remitir a la entrada hacia el útero.
Era cirujana y trabajó en la I Guerra Mundial. Según algunos críticos sus obras "aluden a entornos intrauterinos, con motivos biomórficos similares a cordones umbilicales, óvulos, espermatozoides y ovarios. A pesar de su representación poco realista, su conocimiento profesional de la anatomía y los órganos corporales aún es palpable". Nahum explica que las pinturas de Pailthorpe de finales de la década de 1930 y principios de la de 1940 «se centran en las preocupaciones infantiles de la alimentación y la expulsión corporal, actos físicos que delatan estados psíquicos inconscientes de pérdida, lujuria y aversión».
Meret Oppenheim, Objeto, 1936
Dora MaarSans titre [Main-coquillage], 1934
Épreuve gélatino-argentique,
40,1 x 28,9 cm
Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris Achat, 1991
Surrealisme. Cien años de surrealismo en el Pompidou
El dibujo automático, muy utilizado por Unica Zürn, consiste en dibujar sin prestar atención, teniendo la mente ocupada en otra cosa –por ejemplo, hablando por teléfono– para que el resultado no se vea influido por el control de la conciencia. El frottage (del francés frotar) es un procedimiento explorado por Max Ernst. Se basa en colocar el lienzo sobre un objeto para restregar la pintura con un pincel de cerdas duras y transferir así las texturas de este al soporte. Ernst a veces también lijaba la superficie de los lienzos y obtenía nuevas y azarosas marcas para sus “bosques”. La decalcomanía es otra técnica sencilla que consiste en lanzar gruesas pinceladas para presionar sobre ellas con el papel y obtener manchas sugerentes sobre las que se pueden hacer pequeñas intervenciones. Una muy típica es el León Saltando o León bicicleta (1936), de Óscar Domínguez.
Los más interesados en la estética surrealista disfrutarán de los clásicos temas surrealistas, como el sueño, el mundo de Alicia en el país de las maravillas, las madres o la noche y descubrirán algunos métodos –como el dibujo automático, el frottage, el cadáver exquisito, la decalcomanía…– empleados para introducir el azar y generar ese estilo surrealista tan chocante. Por ejemplo, el cadáver exquisito, una imagen mixta, por lo general bastante sorprendente, creada en un juego donde cada participante realiza una parte de un dibujo y luego dobla el papel de modo que éste quede oculto para el siguiente dibujante, es un buen ejemplo de esta mirada surrealista también reconocible en las composiciones delirantes de Dalí; los personajes totémicos de Leonora Carrington, Dortothea Tanning, Erwin Blumenfeld o Suzanne Van Damme; los locos objetos creados mediante ensamblajes como los de Jean Benoit, Victor Brauner o Claude Cahun; los oníricos collages pintados de Roland Penrose o Remedios Varo y en los fotográficos de Jindrich Styrsky, Dora Maar u Óscar Domínguez.
Obras de Arte con espíritu de cadáver exquisito
Dorothea Tanning
Remedios Varo
Obras con estructura de cadaver exquisito o de tótem
Maruja Mallo, Naturaleza viva, 1943
Claude Cahun, Ilustraciones y Contraportada del libro Le Coeur de Pic, 1936
Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar, 1944
Dibujos automáticos
Unica Zürn
Unica Zürn, s/t, 1965
Unica Zürn, s/t, 1955
Historia Natural, 1926
Max Ernst
Frottage
El bosque, 1927-8
Toda la ciudad, 1935-6
Videoarte: John Akomfrah, The Unfinished Conversation, Tate Britain
Programa Metrópolis sobre John Akomfrah
John Akomfrah, Trailer The nine Muses, 2020 Veinticinco años después del fin de la Guerra de Troya, Odiseo aún no ha regresado a casa. Por ello, su hijo, Telémaco, emprende un viaje en busca de su padre perdido. Así comienza el venerado poema épico de Homero, La Odisea, principal referencia narrativa de LAS NUEVE MUSAS, la notable reflexión de John Akomfrah sobre el azar, el destino y la redención. Estructurada como una fábula alegórica ambientada entre 1949 y 1970, LAS NUEVE MUSAS se compone de nueve capítulos musicales superpuestos que combinan material de archivo con escenas originales. En conjunto, conforman una narración estilizada e idiosincrásica de la historia de la migración masiva a la Gran Bretaña de la posguerra a través de la sugerente perspectiva de la épica homérica. Además de su resonancia con la epopeya de Homero, LAS NUEVE MUSAS fue ideada y escrita a partir de los escritos de una amplia gama de autores, entre ellos Dante Alighieri, Samuel Beckett, Emily Dickinson, James Joyce, John Milton, Friedrich Nietzsche, William Shakespeare, Sófocles, Dylan Thomas, Matsuo Basho, TS Eliot, Li Po y Rabindranath Tagore. LAS NUEVE MUSAS es un viaje a través del mito, el folclore, la historia y un museo de cosas intangibles. Es una «canción de duelo» o un «ciclo de canciones» sobre viajes y migración, memoria y elegía, conocimiento e identidad.
Conceptual Performance
Body art
de corte expresionista
Michel Journiac Gina Pane
Accionismo vienés Otto Muehl Rudolf Schwarzhogler Herman Nitsch Marina Abramovitch, Ritmo 0
Música punk
fin
Gracias
Arte Moderno 2
abaeza
Created on March 5, 2025
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Realismo, Expresionismo, Nueva Objetividad, Dadaísmo y Surrealísmo
Almudena Baeza
Historia del Arte y del Videoarte
¿qué tenemos?
obras realizadas durante el s.XX
¿cómo?
Los regímenes del arte. Arte moderno
¿cómo funciona el sistema del arte moderno que, figuras como marcel Duchamp, empiezan a dinamitar?
¿dónde?
estilos: Realismo, Expresionismo, Nueva Objetividad, Dadaísmo, Surrealismo
¿por qué?
¿cuales son los problemas de representación a los que da respuesta el arte dadaísta del Ready Made? Un arte protoConceptual
Marcel Duchamp, Fuente, 1918
Coubert, Atelier, 1855, Musee D'Orsay
Ingres, La apoteosis de Homero, 1827
Contraste entre el nuevo espíritu realista y los contenidos y el mundo tradicionales. "En el cuadro de Coubert tenemos la vaga impresión de estar ante una una multitud apiñada en una sala de espera y sólo poco a poco logramos ir distinguiendo las diferentes clases sociales; por su parte la mujer desnuda que aparece cerca del artista, que está pintando un paisaje, no es una una modelo, sino la portadora de un símbolo, una musa, una madre, una matriz de fecundidad. Aunque en la multitud hay muchos retratos, entre ellos el de Baudelaire, la impresión general es la de una multitud anónima. (Praz, Mnemosine. El paralelismo entre la literatura y las artes visuales)
Tarea
Realismos
Este siglo realista va de Goya a Cezanne. El arte camina hacia la exploración de la realidad mundana que va ocupando el lugar reservado en otros siglos a los temas religiosos. En efecto, pasamos por la mitología, los temas histórios y caminamos hacia el acontecimiento cotidiano, que tratamos de hacer que adquiera una dimensión simbólica. Hay un esfuerzo permanente por reemplazar los viejos símbolos por otros nuevos. "La multitud, la masa, es uno de los temas preferidospor la escuela realista de pintura; pero no se trata de hombres que comparten la misma diversión (como en Musique aux Tulleries de Manet o en La Grenoullère de Monet) como de hombres envueltos en un acto de violencia colectiva (La liberté guidan le peuple de Delacroix), en una tragedia colectiva (Le Radeau de la Méduse de Géricault) o, como en La Romería de San Isidro de Goya, de hombres con la mirada paralizada de asombro y horror ante la falta de meta o, como sugiere Hoffman, ante la ausencia de Dios. Así, el tema de una comunidad sin historia, aflora a comienzos del siglo XIX como una expresión de ansiedad, como si Goya hubiera previsto, con un siglo de anticipación, la conclusión desesperada del hombre moderno: Esperando a Godot de Becket. (Mario Praz)
Por una comunidad sin historia entiendo que el arte moderno caminará hacia un arte centrado en un sujeto universal
Manet, Musique aux Tulleries, 1862
Goya, La romería de San Isidro, 1823 Gericault, La balsa de la Medusa, 1819
Monet, La Grenouillère, 1869
Sobre la masa
Postura conservadora de Ortega y Gasset y Max Schelar. Una masa que se percibe como un peligro. Como algo deshinibido, voluble, bárbaro, resentido, utilitarista, que no valora ni admira, que se resiste a comprender la idea hegeliana de que la historia tiene un final cuando las democracias liberales triunfen en todo el mundo y reine la paz y la prosperidad. Postura crítica (Escuela de Frankfurt). La masa es fría. Es decir, que está mediada por unas estructuras, por un sistema económico y político que genera tensiones (de clase) y desarraigo propios del capitalismo que la política no soluciona tan rápidamente como aparecen. El comportamiento de masa NO ES EXPRESIONISTA. Estilisticamente, caminamos del Expresionismo de Georges Grotz hacia la Nueva Objetividad que es vista por el Tercer Reich como un movimiento político y un arte degenerado.
George Grotz, Metrópolis, 1917
la masa moderna y posmoderna
(Concurso Beast Games)
Leni Riedenstahl, El triunfo de la voluntad, 1935 Una masa aria orgánica, muy perfecta para fomentar la pertenencia tranquilizante frente a la crisis, las amenazas y la precariedad.
Adorno Psicoanálisis y estructuralismo marxista son las dos patas de la escuela de Frankfurt. Para ellos, hay que entender la posición resentida, el antisemitismo de los años 20, por ejemplo, como una dinámica entre lo psicológico y lo social, dentro de un plano estructural (o sistémico): interviene la economía, la historia y las desigualdades sociales. Las tensiones y los miedos (a la inmigración, la inflacción, las grandes corporaciones, la ineptitud política...) puede conducir al mecanismo compensatorio de identificación con el poder autoritario y la búsqueda de chivos expiatorios, como judíos, inmigrantes, las madres solteras en Inglaterra de Jonh Major, etc. Sloterdijk Reflexiona Sloterdijk sobre el papel de lo irracional en el comportamiento subjetivo y su incidencia en la política de masas. Frente a los hiperracionalismos de raíz ilustrada que han querido convertir el actuar humano, individual y colectivo, en un proceso que podía resultar transparente desde una perspectiva racional, Sloterdijk subraya la importancia de lo irracional en el comportamiento humano.
Frente a los dos elementos más especialmente mencionados en la obra de Marx como instrumentos de dominación, lo político y lo económico, Sloterdijk hace hincapié en las dinámicas de entretenimiento generadas en el siglo XX y que suponen el contrapunto gozoso al sufrimiento que se deriva de las dos primeras. Todo sistema social debe alcanzar, para su reproducción, un cierto grado de asentimiento entre la población, no puede sostenerse sobre el continuo rechazo; el capitalismo contemporáneo, el de la sociedad mediática de consumo, ha encontrado en el entretenimiento, en la construcción de subjetividad, la estrategia para producir consentimiento.
The Pervert's Guide to Ideology (Full) - Slavoj Žižek; Película Tiburon de Steven Spielberg; 38:44
Barbar Kruger, s/t, 1985
Realismo crítico
Mosaico del aburrimiento. Marionetas de rostro vacío. Paisaje del suicidio en pintura. Figuras de anuncio de puros en el primer plano. Sólo se salva la niña.
Antiutopismo. Lenguaje maquínico.
Representación esquemática y desapasionada de la desigualdad y la explotación en un estilo que se parece a los gráficos utilizados por las industrias capitalistas para acelerar la toma de conciencia revolucionaria. (Nochlin, Les politiques de la vision)
Mimmo Rotella, Birra, 1962
Franz Wilhem Steiwert, La guerra de los campesinos y Mundo del trabajo, 1932
Barbara Kruger, s/t, 1989
Expresionismo
Del Fauvismo al Expresionismo
El jinete azul (expresionismo)
Fauvismo
Postimpresionismo
Van Gogh, La mère Roulin, 1889
Matisse, La raya verde, 1905
Münter, Retrato de Marianne von Werefkin, 1909
Kirchner, Fränzi ante una silla tallada, 1910
Expresionismo
Otto Dix, Retrato de la periodista Sylvia von Harden, 1926
Max Beckmannn, Autorretrato con copa de champagne, 1919
Max Beckmannn, 1923
Del Dadaísmo a la Nueva Objetividad
Grosz, El poeta Herrmann Neisse, 1925
Nueva Objetividad
Dadaísmo
Grosz, 1919
https://artsandculture.google.com/asset/the-war-otto-dix/CwHM2HdTO3l2vg?hl=es
En 1932 su obra fue catalogada como arte degenerado. Los nazis le apodaron "el bolchevique cultural número uno". Grosz emigró a Estados Unidos en 1933. Con la Segunda Guerra Mundial volvería a sentir el pesimismo anterior, manifestándolo en obras como "El Superviviente" (1944).
El Fauvismo, otro antecedente del Expresionismo. Gabriele Münter y Vasily Kandinsky pintan juntos en Murnau
Gabriele Münter, La montaña azul, 1909
Kandinsky, Paisaje de verano, 1909
Expresionismo: Gabriele Münter- Vasily Kandinsky
Kandinsky, San Jorge y el dragón 1944
Kandinsky, San Jorge y el dragón 1910
Del expresionismo a la abstracción
Gabriele Münter, Combate del dragón, 1913
Gabriele Münter, Composición abstracta, 1914
Münter, Paseo en Barca, 1910
Del paisaje expresionista al expresionismo abstracto (color field)
Mark Rothko Barnett Newman Ad Reinhardt Jackson Pollock
Gabriele Münter, Señora escribiendo en un sillón, Mujer suiza en un sillón, 1929
Expresionismo y Nueva Objetividad: Gabriele Münter
Gabriele Münter. Futuro (Mujer en Estocolmo), 1917. The Cleveland Museum of Art
Ángeles Santos, La tertulia, 1929
Gabriele Münter, Mujeres escuchando, 1925-30
Ángeles Santos, Niños y plantas, 1930
Surrealismo
Remedios Varo, Creación con rayos astrales , 1955
Remedios Varo, Papilla estelar, 1958
Ángeles Santos, Un mundo, 1930
ExpresionismoNueva Objetividad
Estilisticamente la Nueva Objetividad vuelve al dibujo y a la caricatura. Es decir a la narración. A la búsqueda de la interpretación. Al mecanismo alegórico de transmitir ideas. Busca la expresividad de los detalles dibujísticos más que la expresividad del color.
Grosz, Suicidio (1926) y Día gris (1921)
Videoarte: John Akomfrah, The Unfinished Conversation, Tate Britain
Dadaísmo y Nueva Objetividad en la República de Weimar
Grosz, Autómatas republicanos, 1920
Höch, Fotomontaje dadaísta
«El collage es, más allá de la consideración de una mera técnica, un motor de cambio imprescindible en el arte del siglo XX. » (Sánchez Oms, 2007)
Del fotomontaje dadaísta al constructivista
John Heartfield (Helmut Herzfeld) y Hahnna Höch
El Lissitzky (a la izquierda, 1919 y 1925) y Rodchenko a la derecha (1923 y 1926)
Los dadaístas utilizaron esta idea de unir elementos piezas de distinta naturaleza para la creación de poemas “espontáneos”. Tristán Tzara, escritor rumano creador de este movimiento subversivo y renovador, dio las propias instrucciones para realizar un poema dadaísta: «Coja un periódico. Coja unas tijeras. Escoja en el periódico un artículo de la longitud que quiera darle a su poema. Recorte el artículo... Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en una bolsa. Agite suavemente. Ahora saque cada recorte uno tras otro. Copie concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa. El poema se parecerá a usted. Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo.» T. Tzara, 1920
El dadá
El 5 de febrero de 1916 el poeta Hugo Ball inauguró en Zúrich el Cabaret Voltaire, un pequeño espacio que se convirtió en el motor de explosión de la vanguardia en Europa proclamando para el arte la confusión, el primitivisimo y la contradicción.
Hugo Ball recitando 'Karawane' en 1916.
Baronesa Elsa von Freitag-Loringhoven, 1918
Dadaísmo
Duchamp, Fuente, 1918
Baronesa Elsa von freitag-Loringhoven, Dios, 1917
El arte se confunde, o sucede, en la vida
Cine dadaísta. Marcel Duchamp, Anémic Cinéma (1926)
dadá
Kurt Schwiters, Merz Bau
Collage dadá con billete de metro. K. Schwiters
El arte se confunde, o sucede, en la vida (de las mujeres)
El Ramo, Hannah Höch 1929
1)
2)
Duchamp desmonta el arte moderno El embrague: Marcel Duchamp (1887-1968) Anne Cauquelin 1) Distinción entre la esfera del arte (más amplia) y la de la estética. Ready-made Rueda de bicicleta, 1913 2) Los roles de los agentes (productores, intermediarios y consumidores) no se distinguen, forman un bucle. Y pueden desempeñarse a la vez. Boite de 1914. Una caja con reproducciones de las obras de Duchamp que es un museo ambulante. 3) Abandono del romanticismo de la figura de "artista" y del camino vanguardista. R. Rose Sélavy. Autorretrato como mujer llamada La vida es Rosa. 4) El principal motor del arte ya no es el sentimiento sino el pensamiento y el lenguaje. El arte tampoco es retiniano. L.H.O.O.Q. Juego de palabras en La Gioconda
4)
3)
Marcel Ducham, El gran vidrio
Picabia Máquinas Españolas
Ironía
Surrealismo
Joan Miró
El tocador de Laúd de Hendrick Martensz Sorgh
Interior holandés, 1928 y Mujer, pájaro y estrella, 1966-73
Surrealismo
En 1924 el escritor André Bretón publicó el manifiesto surrealista –dicho manuscrito es ahora un tesoro nacional en Francia– y nace con él uno de los movimientos artísticos más populares de la vanguardia.
Monstruos sagrados del movimiento: Max Ernst, René Magritte, André Mason, Man Ray.
Españoles: Salvador Dalí, Joan Miró, Pablo Picasso (pasó por todos los estilos de la primera vanguardia), Luis Buñuel, Maruja Mallo y Remedios Varo.
Monstruas: Claude Cahun, Dorothea Tanning, Leonor Fini, Frida Kalho, Ithell Colcqhoun, Grace Pailthorpe, Toyen, Lenora Carrington, Styrsky, Dora Maar, Meret Oppenheim, Lee Miler
Salvador Dali, Visage du grand masturbateur, 1929 Huile sur toile 110 × 150 cm Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Legado Salvador Dalí, 1990
René Magritte
Noche y día, 1954
Prohibida su reproducción, 1937
El tiempo paralizado, 1938 Lógica onírica
René Magritte
, 1953
Los grises oficinistas con paraguas son la lluvia
Asociaciones imposibles y sorprendentes
Sobre la pintura
René Magritte
Esto no es una pipa, 1928-9
Intentando lo imposible, 1928
Surrealisme. Cien años de surrealismo en el Pompidou
Almudena Baeza, The Coversation, 2024 El espectador puede pertenecer a uno de estos dos grandes grupos: los que ven en el Surrealismo una simple estética de lo onírico y los que experimentan el deseo, como decían Marx y Rimbaud, de “cambiar la vida” y “transformar el mundo”. Para estos últimos existen un montón de documentos que dan fe de la voluntad política y agitadora del Surrealismo que condenó las guerras coloniales del Rif, Argelia e Indochina, además de los totalitarismos de la primera mitad del siglo XX. En este sentido, la exposición se organiza en torno a las ideas revolucionarias de los escritores surrealistas (Sade, Joyce Mansour, Lautréamont, Carroll…) cuyo objetivo es liberar el pensamiento del control de la razón, la censura o las convenciones sociales para experimentar un universo más gótico, abierto al misterio, lo arcaico y lo mitológico, un mundo menos iluminado por el faro de la ciencia y el progreso. No en vano hay salas dedicadas a temas como: la piedra filosofal, los médiums, el bosque tenebroso, el erotismo o las Quimeras.
La amarga llamada de las lágrimas Joyce Mansour Vengan mujeres de senos febriles Escuchad en silencio el grito de la víbora Y sondead conmigo la baja niebla roja Que de pronto hincha la voz del amigo El río está fresco alrededor de su cuerpo Su camisa blanca flotando como el final de un discurso En el aire expansivo vaciado de conchas marinas Hagan una reverencia damas intempestivas Olvida tus pensamientos encapuchados Tu tonta humedad tus rápidos botines Un remolino tomó forma en las plantas Y el hombre se ahogó en licor
Hans Bellmer, La poupée, 1935-6
Autorretratos
Leonor Fini, Autorretrato con escorpión, 1938
Leonora Carrintong, Autorretrato, 1938
Dorothea Tanning, Aniversario, 1942. Como Alicia en el país de las maravillas ante las puertas
Maruja Mallo y Claude Cahun. Autorretratos
Claude Cahun: la construcción identitaria
Claude Cahun, Estoy entrenando, no me beses, 1927
Maruja Mallo con manto de algas, Chile, 1945
Howadera Pindell, Libre blanca y con 21 años, 1980
Hacia el videoarte feminista preocupado por la cuestión de la identidad racial y de género
Atsuko Tanaka, vestido eléctrico, 1956
Hannah Wilke, S.O.S. series, Objeto de contemplación, 1974
Maruja Mallo
Maruja Mallo, Antro de fósiles, 1930
Maruja Mallo, El espantapeces, 1931
Maruja Mallo
PajarasORG Trazados geométricos reguladores de cuadros Guillermo Pérez-Villalta Jaime Aledo
Maruja Mallo, La verbena, 1927
Reino de lo orgánico femenino
Ithell Colcqhoun, La Alcoba, 1946
Grace Pailthorpe, 16 de mayo de 1941
Formas orgánicas. Entre lo vegetal y lo animal. Me recuerda a los hongos de The Last of Us, creciendo en un interior humano (rojo) para brotar luego hacia el exterior con sus brillantes colores verde, amarillo y azul. También se parecería a un interior de corte vaginal. El título La Alcoba puede remitir a la entrada hacia el útero.
Era cirujana y trabajó en la I Guerra Mundial. Según algunos críticos sus obras "aluden a entornos intrauterinos, con motivos biomórficos similares a cordones umbilicales, óvulos, espermatozoides y ovarios. A pesar de su representación poco realista, su conocimiento profesional de la anatomía y los órganos corporales aún es palpable". Nahum explica que las pinturas de Pailthorpe de finales de la década de 1930 y principios de la de 1940 «se centran en las preocupaciones infantiles de la alimentación y la expulsión corporal, actos físicos que delatan estados psíquicos inconscientes de pérdida, lujuria y aversión».
Meret Oppenheim, Objeto, 1936
Dora MaarSans titre [Main-coquillage], 1934 Épreuve gélatino-argentique, 40,1 x 28,9 cm Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris Achat, 1991
Surrealisme. Cien años de surrealismo en el Pompidou
El dibujo automático, muy utilizado por Unica Zürn, consiste en dibujar sin prestar atención, teniendo la mente ocupada en otra cosa –por ejemplo, hablando por teléfono– para que el resultado no se vea influido por el control de la conciencia. El frottage (del francés frotar) es un procedimiento explorado por Max Ernst. Se basa en colocar el lienzo sobre un objeto para restregar la pintura con un pincel de cerdas duras y transferir así las texturas de este al soporte. Ernst a veces también lijaba la superficie de los lienzos y obtenía nuevas y azarosas marcas para sus “bosques”. La decalcomanía es otra técnica sencilla que consiste en lanzar gruesas pinceladas para presionar sobre ellas con el papel y obtener manchas sugerentes sobre las que se pueden hacer pequeñas intervenciones. Una muy típica es el León Saltando o León bicicleta (1936), de Óscar Domínguez.
Los más interesados en la estética surrealista disfrutarán de los clásicos temas surrealistas, como el sueño, el mundo de Alicia en el país de las maravillas, las madres o la noche y descubrirán algunos métodos –como el dibujo automático, el frottage, el cadáver exquisito, la decalcomanía…– empleados para introducir el azar y generar ese estilo surrealista tan chocante. Por ejemplo, el cadáver exquisito, una imagen mixta, por lo general bastante sorprendente, creada en un juego donde cada participante realiza una parte de un dibujo y luego dobla el papel de modo que éste quede oculto para el siguiente dibujante, es un buen ejemplo de esta mirada surrealista también reconocible en las composiciones delirantes de Dalí; los personajes totémicos de Leonora Carrington, Dortothea Tanning, Erwin Blumenfeld o Suzanne Van Damme; los locos objetos creados mediante ensamblajes como los de Jean Benoit, Victor Brauner o Claude Cahun; los oníricos collages pintados de Roland Penrose o Remedios Varo y en los fotográficos de Jindrich Styrsky, Dora Maar u Óscar Domínguez.
Obras de Arte con espíritu de cadáver exquisito
Dorothea Tanning
Remedios Varo
Obras con estructura de cadaver exquisito o de tótem
Maruja Mallo, Naturaleza viva, 1943
Claude Cahun, Ilustraciones y Contraportada del libro Le Coeur de Pic, 1936
Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar, 1944
Dibujos automáticos
Unica Zürn
Unica Zürn, s/t, 1965
Unica Zürn, s/t, 1955
Historia Natural, 1926
Max Ernst
Frottage
El bosque, 1927-8
Toda la ciudad, 1935-6
Videoarte: John Akomfrah, The Unfinished Conversation, Tate Britain
Programa Metrópolis sobre John Akomfrah
John Akomfrah, Trailer The nine Muses, 2020 Veinticinco años después del fin de la Guerra de Troya, Odiseo aún no ha regresado a casa. Por ello, su hijo, Telémaco, emprende un viaje en busca de su padre perdido. Así comienza el venerado poema épico de Homero, La Odisea, principal referencia narrativa de LAS NUEVE MUSAS, la notable reflexión de John Akomfrah sobre el azar, el destino y la redención. Estructurada como una fábula alegórica ambientada entre 1949 y 1970, LAS NUEVE MUSAS se compone de nueve capítulos musicales superpuestos que combinan material de archivo con escenas originales. En conjunto, conforman una narración estilizada e idiosincrásica de la historia de la migración masiva a la Gran Bretaña de la posguerra a través de la sugerente perspectiva de la épica homérica. Además de su resonancia con la epopeya de Homero, LAS NUEVE MUSAS fue ideada y escrita a partir de los escritos de una amplia gama de autores, entre ellos Dante Alighieri, Samuel Beckett, Emily Dickinson, James Joyce, John Milton, Friedrich Nietzsche, William Shakespeare, Sófocles, Dylan Thomas, Matsuo Basho, TS Eliot, Li Po y Rabindranath Tagore. LAS NUEVE MUSAS es un viaje a través del mito, el folclore, la historia y un museo de cosas intangibles. Es una «canción de duelo» o un «ciclo de canciones» sobre viajes y migración, memoria y elegía, conocimiento e identidad.
Conceptual Performance
Body art
de corte expresionista
Michel Journiac Gina Pane
Accionismo vienés Otto Muehl Rudolf Schwarzhogler Herman Nitsch Marina Abramovitch, Ritmo 0
Música punk
fin
Gracias