Francis Bacon

Francis Bacon

Lavoro di emma d'addesa, maria sole marini e giulIA DE NATALE

start

introduzione

Francis Bacon è stato un artista di fondamentale importanza nel panorama dell'arte del XX secolo, soprattutto per la sua capacità di rappresentare il trauma e l’angoscia della Seconda Guerra Mondiale. Le sue opere, caratterizzate da figure distorte e atmosfere cupe, riflettono l’orrore e la sofferenza del conflitto, offrendo una visione intensa e drammatica della condizione umana.

Continue>

Missions

OPERE

BIOGRAPHY

Francis Bacon nacque a Dublino il 28 ottobre 1909 in una famiglia benestante, ma con un rapporto difficile con il padre, veterano di guerra e dal carattere irascibile. Fin da giovane soffrì di asma cronica, limitando le sue attività sociali. Dopo lo scoppio della Prima Guerra Mondiale, la famiglia si trasferì a Londra, dove Bacon iniziò a frequentare la scuola e a scoprire la sua passione per l'arte e la sua sessualità, entrambi fattori di conflitto con il padre. Nel 1926 lasciò casa e si trasferì con parenti, trovando a Londra opportunità artistiche, ma vivendo anche l’emarginazione a causa della sua omosessualità, che all'epoca era perseguita dalla legge. Nel 1927 si trasferì a Parigi, dove si appassionò al Cubismo e decise di diventare pittore. Tornato a Londra, lavorò come interior designer e organizzò la sua prima mostra personale nel 1929.

Continue

BIOGRAPHY

Dopo alcuni viaggi in Germania e una nuova esperienza londinese, partecipò alla Mostra Internazionale del Surrealismo nel 1936, ma i suoi dipinti furono rifiutati. Questo lo portò a una pausa dalla pittura, durante la quale distrusse gran parte delle sue opere, salvo una, Crucifixion. Nel 1945, con la sua partecipazione alla Lefevre Gallery, iniziò a ricevere attenzione e successi internazionali, Nonostante il successo, Bacon affrontò difficoltà economiche e personali, soprattutto per il suo stile di vita dispendioso. Due tragedie personali, la morte dei suoi amici Peter Lacy e George Dyer, influenzarono profondamente la sua arte, portandolo a cambiare il suo stile pittorico. Continuò a lavorare fino alla sua morte il 28 aprile 1992 a Madrid, a causa di una polmonite aggravata dalla sua asma.

Continue

BIOGRAPHY

"Head I" (1949) di Francis Bacon è una potente rappresentazione di sofferenza e disumanizzazione. La tela mostra una testa deformata, che appare distorta e sanguinolenta, simbolo di un corpo che sta perdendo la sua integrità fisica e psicologica. Realizzata nel dopoguerra, l'opera riflette l'angoscia e il trauma dell'epoca, segnando il distacco dalla razionalità e dall'identità. La testa, priva di un volto definito, allude alla disconnessione dell'individuo dalla propria umanità, devastato dalle ferite, sia fisiche che mentali, della guerra. Il contrasto tra colori caldi come l'arancio e il rosso enfatizza la violenza, mentre la forma distorta della testa rimanda alla brutalità e alla sofferenza. L'uso di pennellate vigorose e irregolari contribuisce a trasmettere un senso di angoscia profonda, tipico del suo stile.

"Head I"

Continue

"Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" (1944) di Francis Bacon è una serie di tre dipinti che rappresentano figure deformate e tormentate, in una composizione drammatica e inquietante. Le figure presentate sembrano essere intrappolate in un tormento fisico e spirituale. I corpi sono contorti, privi di identità definita, e le espressioni trasmettono angoscia e disperazione. La composizione richiama immagini religiose, in particolare la crocifissione, ma la distorsione dei corpi e l'atmosfera di morte e sofferenza portano a una visione laica e universale del sacrificio umano. L'uso del colore è intenso e drammatico, con toni violenti e contrastanti, che accentuano il senso di sofferenza e caos. La serie segna l'inizio del linguaggio visivo di Bacon, che diventerà distintivo nelle sue opere future.

"Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion"

Continue

"Portrait of George Dyer in a Mirror" (1968) di Francis Bacon è un dipinto che esplora temi di alienazione, sofferenza psicologica e la lotta con l'identità. La figura centrale, George Dyer, un uomo che era una delle muse di Bacon e anche una sua relazione personale, è rappresentata mentre si guarda in uno specchio. La figura è parzialmente riflessa nello specchio, ma la sua immagine è deformata, il che suggerisce una perdita di identità e di controllo. La distorsione visiva, un tema ricorrente nelle opere di Bacon, rappresenta il conflitto psicologico e la frammentazione dell'individuo. I colori scuri e i toni pesanti,

"Portrait of George Dyer in a Mirror"

Continue

L'opera "The Crucifixion" (1933) è un dipinto che ha un impatto straordinario per la sua intensità emotiva e la sua drammaticità. Sebbene il dipinto di per sé non faccia riferimento diretto alla guerra, la brutalità della scena e il corpo martoriato che appare nel dipinto richiamano alla mente il contesto di orrore, sofferenza e morte che definiva il panorama storico di quel momento. In "The Crucifixion", Bacon crea un'immagine distorta e quasi surreale della crocifissione. La figura centrale sembra essere sospesa, con il corpo contorto e deformato in una maniera che rende visibile l'angoscia e il dolore. La composizione è segnata da una forte presenza di colori cupi e toni drammatici, con una figura centrale, nuda e vulnerabile, che urla attraverso il suo corpo torturato.

"The Crucifixion"

Continue

In "Two Figures in the Grass", Bacon rappresenta due figure umane distorte, le cui forme appaiono contorte e deformate. Le figure sembrano essere immerse in un ambiente di natura, ma la scena appare inquietante piuttosto che rilassante. La distorsione fisica delle figure richiama una violenza psicologica e fisica, una caratteristica ricorrente nell'arte di Bacon, che spesso rende visibile il dolore e la disgregazione dell'individuo. La distorsione delle figure potrebbe alludere al trauma psicologico causato dalla guerra, in cui il corpo e la mente sono danneggiati in modo profondo e irreversibile. Le sue figure sembrano quasi imprigionate. Questo senso di prigionia interiore è simile a quello che molti reduci di guerra avrebbero potuto provare: un'incapacità di liberarsi dai ricordi traumatici e dalla devastazione emotiva.

"Two Figures in the Grass"

Continue

In "Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X", Bacon prende come punto di partenza il celebre ritratto del papa realizzato da Diego Velázquez nel 1650, ma lo trasforma radicalmente. Invece di rappresentare una figura solenne e imponente, Bacon crea una versione deformata, angosciosa e straziata del papa. Il volto del papa, in particolare, è ridotto a una maschera di dolore, urla silenziose e disperazione. La bocca spalancata e la posizione contratta sembrano suggerire una sofferenza mentale e fisica impossibile da esprimere a parole. Sebbene non faccia riferimento diretto alla guerra, la figura del papa, intrappolata in una gabbia di sofferenza e angoscia, potrebbe essere interpretata come un'allegoria del potere, della corruzione e della sofferenza psicologica che segnarono l'epoca post-bellica.

"Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X"

Continue

conclusioni

grazie dell'attenzione!