Rosario Anastasi

Prova orale - A01 (60CFA)

Il colore e il segno tra l'Espressionismo e l'Astrattismo

Rosario Anastasi(MAT. 18615)

Start

Indice

DESCRIZIONE DEL MACRO E MICRO CONTESTO

OBIETTIVI E METODOLOGIE DIDATTICHE

LEZIONE SIMULATA

CRITERI DI VALUTAZIONE

Descrizione del Macro e micro contesto

Introduzione

Istituto San Luigi è stato fondato dai Fratelli delle Scuole Cristiane nel 1908 ed offre un percorso formativo che va dal nido alla scuola secondaria di primo grado. Esso è ubicato al centro di Acireale ed è un articolato insieme di edifici al cui interno dispone di una palestra, un laboratorio di informatica, un laboratorio d’arte, una biblioteca, un’aula multimediale, un teatro, una cappella e molto altro. Questi spazi sono progettati senza barriere architettoniche per favorire un ambiente educativo stimolante e accogliente per tutti gli studenti.

+ info

Descrizione del Macro e micro contesto

La classe è una terza secondaria di primo grado

Composta da 20 alunni; all'interno della classe è inoltre presente un alunno con BES per il quale i docenti hanno predisposto un Piano Didattico Personalizzato (cause: straniero in situazione di svantaggio linguistico)

Fasi dell'attività didattica

Il colore e il segno

Laboratorio

Aprile 2025

L'espressionismo e l'astrattismo

Obiettivi didattici

Approfondire i principi scientifici della percezione cromatica. Comprendere l’evoluzione storica del colore e del segno nell’arte del XX secolo. Analizzare opere di artisti espressionisti e astrattisti come Munch, Kirchner, Kandinsky e Mondrian. Sviluppare competenze pratiche attraverso la realizzazione di opere artistiche ispirate ai movimenti studiati. Stimolare la riflessione critica e interdisciplinare su arte e scienza.

Metodologie didattiche e strategie inclusive

Didattica Multimediale Lezione partecipata Gamification Didattica laboratoriale

Lo studente BES con svantaggio linguistico riceverà all'inizio della lezione un testo prodotto dal docente con l'ausilio degli stumenti di traduzione online. Il testo contiene: - traduzione in arabo della lezione; - glossario italo-arabo delle parole che potrebbero essergli utili durante la lezione.

strumenti usati

Dispense

Monitor Touch

Libro di testo

per potersi confrontare e studiare da casa

da fornire in arabo per l'alunna BES con svantaggio linguistico

per la proiezione delle immagini

Lezione simulata

Il colore e il segno

L'epressionismo e l'astrattismo

Laboratorio

IL colore e il segno

Per catturare l'attenzione degli alunni e introdurli al concetto di colore, il docente ha preparato un esperimento pratico utilizzando il cerchio di Newton. Questo cerchio, realizzato su carta, comprende i sette colori: rosso, arancione, giallo, verde, blu, indaco e violetto. Due fili sono stati collegati al cerchio per permettergli di ruotare velocemente.Durante la dimostrazione, il cerchio di Newton viene fatto ruotare rapidamente, e grazie alla velocità della rotazione, i colori si fondono visivamente, creando l'illusione del colore bianco. Questo esperimento non solo cattura l'interesse degli studenti ma fornisce anche una base visiva e pratica per comprendere meglio la teoria del colore e la percezione cromatica nell'arte e nella scienza.

Lezione

01

WARM UP

LEZIONE PARTECIPATA

GAMIFICATION

lezione partecipata

A seguire inizia la lezione sull'importanza del colore come linguaggio espressivo e simbolico, con riferimenti agli studi di Newton e Goethe.

La luce è un’onda elettromagnetica che si propaga nel vuoto. Le lunghezze d’onda visibili variano da 380 nanometri (blu-violetto) fino ai 760 nanometri (rosso). Quando la luce interagisce con la materia, può essere assorbita, riflessa, trasmessa o deviata. I colori, invece, sono una percezione visiva che si ha quando la luce viene riflessa o trasmessa attraverso un oggetto e poi entra nell’occhio.

lezione partecipata

Le ricerche di Newton e Goethe

La scomposizione della luce bianca nei colori è un fenomeno affascinante! Fu il fisico inglese Isaac Newton nel 1666 a dimostrare per la prima volta che la luce bianca è composta da tutti i colori dello spettro. Per farlo, passò un raggio di luce bianca attraverso un prisma di vetro. Quando la luce fuoriesce dal prisma, viene scomposta nei sette colori fondamentali che lui individua: rosso, arancione, giallo, verde, blu, indaco e viola. Questi colori sono gli stessi che vediamo nell’arcobaleno nel cielo! Johann Wolfgang von Goethe, oltre a essere un famoso scrittore e poeta, ha anche svolto ricerche scientifiche sulla teoria dei colori. Contrariamente alla teoria di Newton, che considerava la luce bianca come la sovrapposizione dei colori, Goethe individua solo sei colori e sosteneva chenon fossero “primari”, ma risultassero dall’interazione tra luce e oscurità. Egli introdusse un concetto interessante: studiare i colori partendo da due poli opposti. Al primo polo, associò il giallo, mentre al secondo, l’azzurro. Goethe considerava il giallo come il colore più luminoso e caldo. Lo associava alla luce solare e all’energia. Secondo lui, il giallo rappresentava la luce in sé e la sua massima intensità. L’azzurro, invece, era il polo opposto al giallo. Goethe lo vedeva come il colore più freddo e tranquillo. Associava l’azzurro al cielo e all’acqua e rappresentava l’oscurità e la calma.

prisma di vetro

schema polarità

lezione partecipata

Scomposizione dei colori

La scomposizione dei colori riguarda la suddivisione di un colore in componenti più semplici. Ne esistono due principali: Sintesi Additiva: Si basa sui tre colori primari: rosso, verde e blu (RGB). Questo processo riguarda i video e i monitor. Per ottenere il bianco puro, si sommano in percentuali uguali i tre colori primari. La sintesi additiva è anche chiamata “colore luce”. Sintesi Sottrattiva: Si basa sui quattro colori fondamentali: ciano, magenta, giallo e nero (CMYK). Questo metodo è utilizzato per le realizzazioni stampate. Per ottenere il bianco, si sottraggono i colori primari. Il nero è già contenuto tra i quattro fondamentali e si ottiene sommando gli altri tre. La sintesi sottrattiva è detta anche “colore pigmento”.

Attività di gamification

Per finire la lezione ed evitare che esploda la bomba bisogna disinnescarla con una combinazione. La password si ottiene rispondendo a tutte le domande! CLICCA sull'immagine ed inizia la partita!

punti di forza e criticità

Punti di forza

Utilizzo di tecniche per mantenere alto l'interesse e l'attenzione. Didattica multimediale ed inclusiva per rendere tutti partecipi.

Criticità

Mancanza di connessione a internet. Impossibilità di sapere, se non tramite lo studente, se il materiale tradotto sia adeguato o meno.

L'espressionismo e l'astrattismo

LEZIONE

Analisi dei movimenti espressionisti e astrattisti. Presentazione di opere significative di Munch ("Urlo"), Kirchner ("Cinque donne per strada"), Kandinsky ("Der Blaue Reiter" “Impressione III”) e Mondrian (“Composizione con rosso, blu e giallo”). Discussione sull'emozioni che gli alunni hanno percepito con la visione delle opere.

02

INTRODUZIONE

AUTORI

COMMENTO

introduzione

L'Espressionismo e l'Astrattismo sono due movimenti artistici che hanno rivoluzionato il mondo dell'arte nel XX secolo, rompendo con le tradizioni e sperimentando nuove forme di espressione. Nonostante le loro differenze, entrambi i movimenti condividono un forte legame con il colore e il segno, utilizzati per trasmettere emozioni, concetti e percezioni. Entrambi i movimenti utilizzano il colore e il segno come strumenti fondamentali per la comunicazione visiva, ma lo fanno in modi che riflettono le loro diverse intenzioni artistiche. Mentre l'Espressionismo tende a sottolineare l'esperienza emotiva e personale, l'Astrattismo esplora la dimensione estetica e spirituale del colore e della forma.

introduzione

L'Espressionismo è caratterizzato dall'uso intenso e spesso distorto del colore per evocare emozioni profonde e stati d'animo. Gli artisti espressionisti, come Edvard Munch e Ernst Ludwig Kirchner, utilizzavano colori vividi e linee marcate per rappresentare la loro visione soggettiva del mondo, spesso influenzata da esperienze personali e contesti sociali. Il colore, quindi, diventa un veicolo per esprimere ansie, paure e speranze. L'Astrattismo, d'altro canto, si allontana dalla rappresentazione diretta della realtà per esplorare forme, linee e colori in modo più libero e sperimentale. Artisti come Wassily Kandinsky e Piet Mondrian hanno utilizzato il colore e il segno per creare composizioni che riflettono armonie interiori e principi universali. Per Kandinsky, ad esempio, ogni colore e forma possedeva una propria risonanza emotiva e spirituale, trasformando l'arte in un linguaggio universale.

gli autori

Edvard Munch (1863-1944) è stato un pittore norvegese noto soprattutto per il suo stile distintivo e le sue esplorazioni tematiche sull'angoscia e la condizione umana. Nato a Loten e cresciuto a Oslo, Munch fu profondamente influenzato dalla malattia e dalla morte prematura di diversi membri della sua famiglia, eventi che segnarono il suo lavoro artistico. Munch studiò all'Accademia di Belle Arti di Oslo e fu influenzato dai movimenti simbolista ed espressionista.

gli autori

"L'urlo" è probabilmente l'opera più celebre del pittore norvegese Edvard Munch, creata nel 1893. Raffigura una figura androgina con un'espressione di angoscia estrema, che si copre le orecchie mentre urla sotto un cielo turbolento e rosso sangue. La figura è collocata su un ponte, che si curva in maniera innaturale, accentuando il senso di distorsione e tumulto emotivo. L'opera è spesso interpretata come una rappresentazione visiva dell'angoscia esistenziale e della paura. Munch stesso ha spiegato che l'ispirazione per "L'Urlo" è venuta durante una passeggiata al tramonto, quando ha percepito "un enorme, infinito urlo che attraversava la natura". Munch utilizza colori vividi e pennellate ondulate per creare un senso di movimento e instabilità, elementi che contribuiscono a trasmettere l'emozione angosciante del momento. Il contrasto tra la figura centrale e il paesaggio circostante sottolinea l'isolamento e la disperazione.

gli autori

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) è considerato uno dei principali esponenti dell'Espressionismo tedesco. Le sue opere sono caratterizzate da colori intensi e forme angolari. Kirchner dipingeva spesso scene di vita urbana a Berlino, ritraendo l'ansia e l'alienazione della società moderna. Il suo stile unico combinava elementi dell'arte primitiva con una visione critica della vita contemporanea. Tra le sue opere più famose ci sono "Scena di strada berlinese" e "Autoritratto come soldato".

gli autori

"Cinque donne per strada" è un dipinto a olio su tela realizzato nel 1913 da Ernst Ludwig Kirchner. Il dipinto raffigura cinque donne che camminano per una strada cittadina. Le figure sono stilizzate e allungate, con contorni spigolosi. Le donne sono vestite in modo simile, con abiti eleganti e cappelli, e sembrano muoversi in modo indipendente l’una dall’altra, senza interagire tra di loro. Kirchner utilizza colori acidi e stridenti, come il giallo e il blu scuro, per esprimere la sofferenza e l’alienazione dell’uomo moderno. Lo sfondo è dipinto in verde acido, che tende a inglobare le figure esili e rigide delle donne. L’ambientazione urbana è suggerita da pochi dettagli, come una ruota di automobile in basso a sinistra e un palazzo a destra. L’opera riflette le tensioni sociali e psicologiche del periodo, offrendo uno sguardo profondo sulla condizione umana e sulla modernità. Le donne, forse prostitute, sono rappresentate come figure spettrali, quasi uccellacci, che si prostituiscono non per necessità, ma per arricchirsi ulteriormente.

gli autori

Wassily Kandinsky (1866-1944) è considerato uno dei pionieri dell'arte astratta, fu una figura chiave del gruppo Der Blaue Reiter. Kandinsky credeva che l'arte potesse esprimere verità spirituali attraverso colori e forme pure. Le sue opere, come "Composizione VII", mostrano un uso audace del colore e forme astratte che sembrano fluttuare sulla tela. Kandinsky sviluppò una teoria del colore che associava tonalità specifiche a emozioni e sensazioni particolari.

gli autori

"Der Blaue Reiter" (Il Cavaliere Azzurro) è un'opera iconica di Vasilij Kandinskij del 1903. Questo dipinto rappresenta un cavaliere che attraversa un paesaggio collinare a cavallo, vestito con un mantello azzurro. L'immagine evoca un senso di movimento e libertà, con il cavaliere che sembra sfidare l'ignoto. Il colore blu, predominante nell'opera, è significativo per Kandinskij, che associava i colori a specifiche emozioni e stati d'animo. Il blu, in particolare, rappresentava la spiritualità e l'infinito. L'opera è un esempio della sua transizione verso l'astrazione, dove le forme e i colori diventano più importanti del soggetto stesso. "Der Blaue Reiter" non solo ha dato nome al celebre gruppo artistico fondato da Kandinskij e Franz Marc, ma ha anche segnato un momento cruciale nello sviluppo dell'arte espressionista e astratta.

gli autori

"Impressione III (Concerto)" di Vasilij Kandinskij è un'opera d'arte affascinante che rappresenta un momento fondamentale nella transizione dall'arte figurativa all'astrazione. Dipinta nel 1911, questa tela cattura l'energia e il dinamismo di un concerto a cui l'artista aveva assistito poco prima. L'opera si distingue per l'uso audace e potente del colore e per le linee fluide che sembrano danzare sulla superficie. Kandinskij abbandona la rappresentazione realistica in favore di un'espressione più emozionale e sensoriale. Il giallo vibrante domina la composizione, suggerendo l'intensità della musica e il coinvolgimento emotivo del pubblico. Le forme nere, che possono essere interpretate come pianoforti o musicisti, contrastano fortemente con lo sfondo giallo, creando un senso di movimento e drammaticità.

gli autori

Piet Mondrian (1872-1944) è stato un pittore olandese e uno dei pionieri dell'arte astratta del XX secolo. Dopo aver studiato arte all'Accademia di Amsterdam, Mondrian iniziò la sua carriera come insegnante e pittore naturalista, ma ben presto si avvicinò all'astrazione. Mondrian sviluppò il Neoplasticismo, una forma d'arte che utilizzava solo linee perpendicolari e colori primari per creare composizioni di estrema purezza formale.

gli autori

"Composizione con rosso, blu e giallo" è una delle opere più emblematiche di Piet Mondrian e rappresenta perfettamente i principi del Neoplasticismo. Realizzata nel 1930, questa composizione utilizza una griglia di linee nere perpendicolari che dividono la tela in rettangoli e quadrati riempiti con colori primari (rosso, blu, giallo) e non colori (bianco, nero). L'opera riflette l'idea di Mondrian di cercare l'armonia e l'equilibrio attraverso la semplicità e l'ordine. I colori primari e le forme geometriche sono disposti in modo tale da creare un equilibrio visivo perfetto, esprimendo la visione dell'artista di un'arte pura e universale. La scelta di limitare la tavolozza dei colori e di utilizzare solo linee orizzontali e verticali sottolinea la ricerca di una bellezza essenziale e senza tempo.

punti di forza e criticità

Punti di forza

Le slide aiutano a mantenere una struttura chiara e logica della lezione, facilitando la comprensione e la memorizzazione delle immagini e dei concetti.

Criticità

Una presentazione troppo lunga può diventare monotona, facendo perdere l'attenzione degli studenti.

LABORATORIO

LEZIONE

03

Laboratorio didattico

Dopo la presentazione dell'autore di riferimento, gli studenti si dedicheranno alla preparazione del loro progetto durante l'attività laboratoriale

Introduzione

autore

progetto

introduzione

L'Espressionismo Astratto è un movimento artistico nato negli Stati Uniti negli anni '40 e '50 del Novecento. Caratterizzato da un linguaggio visivo potente e gestuale, questo stile punta a trasmettere emozioni profonde e stati d'animo attraverso l'uso del colore, delle forme e della texture. Gli artisti espressionisti astratti cercavano di andare oltre la rappresentazione figurativa per esplorare il potenziale evocativo dell'arte. Tra i suoi esponenti principali troviamo Jackson Pollock e Mark Rothko. Questo movimento ha cambiato radicalmente il panorama artistico internazionale, favorendo un approccio più soggettivo e personale alla creazione artistica.

gli autori

Mark Rothko (1903-1970) è uno degli artisti più significativi dell'Espressionismo Astratto. Nato in Lettonia e trasferitosi negli Stati Uniti, Rothko è conosciuto per i suoi grandi dipinti a campi di colore, caratterizzati da rettangoli di colore luminoso e trasparente che sembrano galleggiare uno sopra l'altro. Rothko credeva che l'arte dovesse evocare un senso di spiritualità e di connessione emotiva, e la sua produzione è stata profondamente influenzata dalla filosofia e dalla mitologia.

Opere

No. 14: Questa tela presenta un forte contrasto tra colori vivaci e profondi, come il rosso e il nero, invitando lo spettatore a una contemplazione intima.

No. 61 (Rust and Blue): Un'opera caratterizzata da tonalità di blu, ruggine e nero, con campiture di colore che si sovrappongono in maniera delicata.

Untitled (Black on Grey): Un esempio del periodo più sobrio di Rothko, con una tavolozza ridotta al bianco e nero, che enfatizza il dialogo tra luce e oscurità.

Attività Laboratoriale

Creare la propria opera ispirata a Mark Rothko

• Osservate attentamente le opere di Mark Rothko e notate come utilizza i colori e le forme per creare un effetto emotivo.
• Sul foglio di carta da disegno, usate matite per tracciare delle forme rettangolari di diverse dimensioni. Queste saranno le aree che verranno riempirete con i pastelli a cera.
• Scegliete una tavolozza di colori che risuoni con voi emotivamente. Potete ispirarvi ai colori usati da Rothko o scegliere i vostri.
• Riempite le forme rettangolari con i pastelli a cera, cercando di creare delle sfumature morbide e traslucide. Potete sovrapporre i colori per ottenere gli effetti desiderati.
• Mentre lavorate, concentratevi su come i colori e le forme vi fanno sentire e cercate di trasmettere quelle emozioni attraverso la vostra opera.

punti di forza e criticità

Punti di forza

La lezione collega la teoria dell'Espressionismo Astratto con un'attività pratica, facilitando la comprensione. Gli studenti hanno l'opportunità di esprimere la propria creatività e interpretare l'opera di Rothko in modo personale.

Criticità

Gli studenti potrebbero avere livelli diversi di abilità artistiche, il che potrebbe influenzare la loro esperienza e partecipazione. La natura soggettiva dell'arte astratta potrebbe rendere difficile per alcuni studenti comprendere o apprezzare pienamente l'attività.

Criteri di valutazione

Per la verifica verranno valutati i seguenti aspetti: Conoscenza teorica: Capacità di spiegare i concetti fondamentali degli argomenti trattati.Analisi critica: Abilità nel commentare e interpretare le opere, evidenziandone gli elementi principali.Connessione personale: Capacità di collegare i temi trattati alle proprie esperienze o riflessioni personali.Chiarezza espositiva: Uso di un linguaggio appropriato e strutturato durante la presentazione orale.

La valutazione del progetto si basa sui seguenti criteri: Partecipazione: Coinvolgimento attivo durante le varie fasi del laboratorio, dalla discussione iniziale alla condivisione finale. Impegno creativo: Originalità e sforzo dimostrato nella scelta dei colori e nella composizione dell'opera. Capacità espressiva: Abilità nel rappresentare emozioni o stati d'animo attraverso l'uso del colore e delle campiture. Esecuzione tecnica: Uso appropriato dei materiali e applicazione delle tecniche mostrate durante il laboratorio.

Summary

Grazie

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