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CONTESTO ARTISTICO

VENERE DIURBINO

LA GIOCONDA

CONTESTOSTORICO

TIZIANO

LEONARDO DA VINCI

ARTE DEL'500

GIUDIZIO UNIVERSALE

MICHELANGELO

RAFFAELLO SANZIO

IL DAVID

DONATOBRAMANTE

SCUOLA DI ATENE

TEMPIETTOSAN PIETRO

Venere di Urbino (1538)

• Commissionata da Guidobaldo della Rovere, duca di Urbino. • Probabile allusione alle nozze con Giulia Varano: simbolo d’amore coniugale e fertilità. • Interno domestico elegante, non ambientazione naturale come nella Venere dormiente di Giorgione. • Presenza di due ancelle e arredi raffinati (cassone nuziale, tendaggi, piante, stoffe). • Colori complementari (rosso/verde) enfatizzano la luminosità del corpo. • Inserisce la figura in interno borghese. • Aggiunge figura umana attiva (le ancelle). • Rende la Venere consapevole della sua sensualità: guarda lo spettatore con sguardo diretto e seducente. • Trasforma la figura in simbolo di sensualità concreta, non più idealizzata e astratta. Simbolismo • Cagnolino: fedeltà coniugale. • Rosa e mirto: amore e fertilità. • Cassone nuziale: riferimento al matrimonio.

TEMPIETTO DI SAN PIETRO IN MONTORIO (1508, Roma, colle Gianicolo)

• Costruito per segnare il luogo tradizionale della crocifissione di San Pietro. Edificio concepito per la visione esterna, in linea con le memoriae paleocristiane. • Pianta centrale (simbolismo funerario e cristiano). • Cella circolare con una sola porta, su crepidoma. • Peristasi (colonnato esterno) di 16 colonne tuscaniche. • Trabeazione con fregio dorico di metope e triglifi (prima volta dall’antichità). • Metope scolpite con rilievi del martirio di San Pietro. • Tholos vitruviana (descritta in De Architectura). • Tempietti rotondi del Foro Boario e Foro Romano. • Cupola su alto tamburo con balaustra (transizione tra tamburo e cupola). Lesene nella cella che proiettano il ritmo delle colonne esterne.

GIUDIZIO UNIVERSALE (1536–1541, affresco, Cappella Sistina)

Significato • Commissionato da Clemente VII, completato sotto Paolo III. • Visione drammatica del destino umano, lontana dall’armonia della volta. Composizione • Cristo Giudice al centro in gesto di separazione (beati a sinistra, dannati a destra). • Moto circolare e continuo, senza architetture: caos dominato dal giudizio. • In alto: Vergine, santi e angeli con simboli della Passione. • In basso: Caronte e Minosse (ispirati alla Divina Commedia di Dante). • Al centro: angeli dell’Apocalisse svegliano i morti. Concezione del corpo e bellezza • Il corpo umano resta protagonista, ma non più idealizzato: • Corpi pesanti, volti spaventati, esprimono angoscia e fragilità umana. • La bellezza eroica lascia spazio a una visione tragica dell’uomo. Critiche e censura • Accuse di immoralità per i troppi nudi • Censura avviata nel 1565 da Daniele da Volterra (“Braghettone”). • Restauro moderno (terminato nel 1999) ha rimosso aggiunte posticce, tranne quelle cinquecentesche.

• Secondo Vasari, l'arte del primo
Cinquecento rappresenta l'apice del
Rinascimento: è la "maniera moderna". L'artista diventa intellettuale, e l'arte entra tra le discipline liberali.

• Si afferma uno stile ispirato all'arte antica: simmetria, ordine, prospettiva espressiva.

• I papi (Giulio II, Leone X, Clemente VII) promuovono grandiosi progetti artistici per rilanciare Roma. Collaborano con artisti come Michelangelo, Raffaello e Bramante.

• Leone X, della famiglia Medici, usa l'arte anche per rafforzare il potere politico della sua famiglia.

• Fusione tra principi classici (ordine, proporzione, solennità) e naturalismo spontaneo. • La bellezza è ideale, armoniosa, rassicurante e riflette il divino. Non si copia la natura, ma la si trasfigura con riflessione astratta. • Raffaello interpreta il progetto dei papi di fare di Roma il centro culturale e politico del Rinascimento. Il suo stile è monumentale ma chiaro, capace di rendere comprensibili concetti complessi. • Oltre a progettare edifici, fu Conservatore delle antichità romane. Promotore della conservazione e catalogazione dei monumenti antichi.

DAVID (1501–1504, marmo)

Temi principali: • Simbolo civico e politico di Firenze repubblicana: • Eroe che difende libertà e giustizia con virtù e intelligenza. • Da simbolo religioso a icona politica (collocazione davanti a Palazzo della Signoria). Caratteristiche: • Nudo maschile monumentale, primo dall’antichità in luogo pubblico. • Fisico forte, muscolatura possente, ma non rappresenta la vittoria. • Raffigurato prima dello scontro: tensione interna, concentrazione e prontezza mentale. • L’opera trasmette energia trattenuta, razionalità e autocontrollo.

LA GIOCONDA

• Leonardo trasforma il ritratto in un'indagine psicologica: non solo una somiglianza esterna, ma un'espressione dell'anima.
• Secondo lui, l'occhio è "la finestra dell'anima", ponte tra l'interiorità e il mondo.
• La Gioconda, dipinta tra il 1503 e il 1506, rappresenta questa visione. Non la consegnò mai al committente, segno della sua importanza personale.
• La donna è ritratta all'aperto, su un loggiato, con un paesaggio che richiama la Val di Chiana. Indossa abiti semplici, privi di gioielli. Attraverso lo sfumato, figura e paesaggio si fondono, creando un'unità tra microcosmo umano e macrocosmo naturale, entrambi attraversati dal fluire dei liquidi.
• Il celebre sorriso e lo sguardo indefinito trasmettono la profonda complessità dell'animo umano, in dialogo continuo con la natura, anch'essa in costante trasformazione.

• L’arte disvela la perfezione divina e guida alla contemplazione della bellezza suprema. • La scultura è il mezzo privilegiato per liberare la forma dall’involucro materiale, rivelando l’essenza nascosta. • Il mondo sensibile è un’immagine imperfetta della realtà superiore. L’arte deve superare l’imitazione del reale per cercare l’essenza. • L’uomo, prossimo alla perfezione divina, è però intrappolato nella materia e dalle passioni. L’eroe michelangiolesco è razionale, fiero, in lotta interiore.

Per Leonardo, l'arte è conoscenza: non un'attività separata, ma uno strumento per esplorare e comprendere la realtà, proprio come la scienza o la filosofia.

Lo sfumato

Prospettiva aerea

La natura come maestra

La poetica degli affetti

POETICA

• Ispirazione diretta all’architettura classica romana (forme, ordini, proporzioni). Ricerca di armonia, equilibrio e razionalità. • Uso della pianta centrale come espressione di perfezione e simbologia cristiana (soprattutto in contesti funerari o religiosi). • Sintesi tra forme paleocristiane e classiche. Importanza della chiarezza strutturale e del rigore geometrico.

• Dopo la morte di Lorenzo il Magnifico (1492), l'Italia diventa terreno di conquista per potenze straniere: Francia, Impero e Spagna si contendono il territorio italiano. • Carlo V, imperatore del Sacro Romano Impero, conquista Milano e Napoli e fa saccheggiare Roma nel 1527. • Le corti signorili, protagoniste del Rinascimento nel Quattrocento, perdono centralità (soprattutto a Firenze i Medici).

• Il colore è lo strumento principale per definire forme, volumi, atmosfera. • La luce è calda, diffusa, avvolgente. • Importanza della resa sensoriale e tattile della materia pittorica. • Il nudo femminile diventa espressione di bellezza terrena e desiderio, non solo idealizzato. • La figura umana è reale, viva, concreta, non astratta. • Le immagini mantengono un’aura ideale ma sono inserite in ambienti realistici e riconoscibili. • Simbolismo e naturalismo convivono armoniosamente. • Dalle forme più classiche e definite, Tiziano passerà progressivamente a un uso più libero e dinamico del colore, anticipando la pittura barocca.

POETICA

SCUOLA DI ATENE (1509–1511, Stanza della Segnatura, Vaticano)

• Celebra la filosofia come una delle due vie per arrivare a Dio (l’altra è la teologia). Sintesi tra pensiero antico e cultura rinascimentale. • Scenario architettonico ispirato a terme romane e al progetto di Bramante per San Pietro. Volte a botte con lacunari derivate dalla Basilica di Massenzio. • Costruzione prospettica rigorosa, punto di fuga tra Platone e Aristotele. Filosofi disposti in semicerchio attorno a loro. Platone indica il cielo (mondo delle idee), Aristotele la terra (realtà sensibile). • In basso al centro: Diogene ed Eraclito (quest’ultimo con le sembianze di Michelangelo, aggiunto dopo l’ammirazione per la Sistina). Alcuni filosofi hanno i volti di artisti contemporanei (es. Leonardo, Bramante) per rappresentare la continuità tra passato e presente. • L’Eraclito michelangiolesco mostra l’impatto della Cappella Sistina su Raffaello: figure più monumentali e plastiche.