LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

las vanguardias artísticas

EMPEZAR

SONIA MORENO PANTOJA 3ºB

Índice

1. Definición y cronología2. Desarrollo y causas por las que surgieron las vanguarias en el arte3. Impresionismo4. Neoimpresionismo5. Posimpresionismo6. Fauvismo

1. Definición y cronología

Las vanguardias artísticas son los movimientos de la primera mitad del siglo XX que revolucionaron las artes plásticas occidentales (pintura y escultura). Algunos de estos movimientos se expresaron también en el diseño gráfico, industrial y arquitectónico. Las vanguardias fueron experiencias grupales más o menos organizadas, en las cuales los artistas suscribían una misma agenda estética e ideológica. Por eso, varios tuvieron manifiesto escrito. Entre ellos, el expresionismo, el futurismo, el suprematismo, el dadaísmo, el neoplasticismo y el surrealismo.

Todo se enmarcaba en una época que, abrazada al progreso científico e industrial, también quería que el arte progresara. Este impulso transformador respondió en parte a la modernización del siglo XX, que contrastaba radicalmente con el conservadurismo de la academia artística, todavía atada a la tradición plástica. CARACTERÍSTICAS: -Espíritu de rebeldía con respecto a la academia artística. -Cuestionamiento de la imitación de la naturaleza. -Ruptura con el ideal clásico de belleza. -Ejercicio de la libertad de expresión por medio del arte. -Deseo de expresar los temas y preocupaciones del sujeto contemporáneo. -Rechazo de la confiscación simbólica del arte por parte de la burguesía.

EJE CRONOLÓGICO

Fovismo o fauvismo (Francia, 1904-1908)

Cubismo (1907-1914 aprox.)

Surrealismo (1924-1945)

Abstracción lírica (Rusia, 1910)

Suprematismo (Rusia, 1915)

Expresionismo (Alemania, 1905-1930)

Futurismo (Italia, 1909)

Constructivismo (Rusia, 1914)

Dadaísmo (Suiza, 1916-1923)

2.DESARROLLO Y CAUSAS POR LAS QUE SURGIERON LAS VANGUARDIAS EN EL ARTE

Estas corrientes surgieron en un mundo entre guerras y crisis. Las vanguardias artísticas se gestan en Europa, entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Momentos de grandes tensiones y enfrentamientos: la Primera Guerra Mundial, la Revolución Soviética, y un período signado por recesión económica, al que se unió a la gestación de regímenes totalitarios y trajo como consecuencia la Segunda Guerra Mundial. Ante estas tensiones y crisis mundiales, el arte funcionó como una respuesta al mundo de la razón. El contexto cultural de las vanguardias se caracteriza por el dominio del Racionalismo Positivista, doctrina que consideraba certero todo aquello que es posible de conocer por medio de los sentidos. En disconformidad con ello, el filósofo H. Bergson desarrolló una visión distinta en la que superpone a la intuición por encima del Positivismo reinante.

Sin reglas más que los sentimientos, la vanguardia representa la innovación sobre lo establecido. Por ello se dice que la única regla del vanguardismo sería no respetar ninguna regla. La consigna era expresarse con la mayor fuerza posible. La herramienta ya no será la visión, ahora los sentimientos jugarán el papel primordial, el artista volcará en el lienzo soledades, angustias, ansias, miedos y hasta inseguridades. La pintura se volverá agresiva y los colores ya no representarán la realidad, sino las emociones del artista. De esta forma, las vanguardias destruyeron el pasado, lo desfiguraron y transformaron para crear un lenguaje propio, bello y único. Un lenguaje de gran valor estético que mutaría con los años en numerosos estilos y corrientes, desde el impresionismo hasta las abstracciones que se manifestaron no sólo en la pintura, sino en otras expresiones artísticas. La gran lección de las vanguardias para la sociedad contemporánea fue que el arte es una legítima forma de expresión emocional, una forma de comunicación política y social que aún perdura en nuestros días.

Así se dio paso a un nuevo paradigma que se aleja del cuño positivista, sembrando una mirada espiritual del mundo que se apoya en la intuición del hombre. Este nuevo paradigma rompe la tradición, y da génesis a una nueva forma de interpretar y entender al mundo. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de la exsaltación de lo inconsciente, de la libertad, de la pasión, del individualismo y la intuición, nacerán las primeras vanguardias artísticas.

3. IMPRESIONISMO

El impresionismo fue un movimiento inicialmente pictórico y luego extendido a otras artes, que emergió en Francia entre 1867 y 1886 como reacción a la rigidez del arte académico de su tiempo. Su objetivo principal era capturar el efecto cambiante de la luz sobre las formas. CARACTERÍSTICAS: 1. Importancia de la luz: los impresionistas dejaron la forma en segundo plano, y prefirieron explorar los distintos comportamientos de la luz, como la iluminación artificial en interiores, la iluminación natural filtrada por las hojas, o la iluminación natural de un lago y una multitud. En esto daban la espalda al clasicismo, que tenía el volumen y la forma como preocupación principal de la pintura. Los impresionistas priorizaban la luz por sobre los objetos.

2. Uso de colores puros: en esa época se crearon nuevos pigmentos, y los pintores dispusieron de colores más puros. Esto les permitió a los impresionistas explorar nuevas formas de color y contraste. Así, los impresionistas se atrevieron a hacer juegos de sombras que rompían con la dinámica del claroscuro. Utilizaban, en cambio, sombras hechas con colores complementarios. Este avance fue fundamental para las vanguardias a las que el impresionismo abrió la puerta. 3. Pinceladas visibles: en lugar de ocultar el paso del pincel por la superficie del lienzo, los impresionistas preferían la pincelada suelta, el efecto visual de las manchas. Lo que complementaba el color y las figuras era la forma en que se superponía una pincelada sobre otra.

4. Pintura al aire libre: la pintura al aire libre o plein air fue una práctica muy habitual para los impresionistas, quienes se dedicaron intensamente al paisaje. Salir del atelier les permitió captar los diferentes efectos de la luz y los cambios atmosféricos como el viento, la niebla o los reflejos sobre las figuras. 5. Interés por el instante: los impresionistas se interesaron por atrapar en sus lienzos momentos impermanentes y fugaces, no solo de elementos de la naturaleza, sino también escenas de la vida cotidiana: dinámicas de la calle y la sociedad moderna o actividades de la gente al aire libre. 6. Importancia de la percepción: para el impresionismo, son fundamentales las percepciones subjetivas, tanto del pintor como del espectador. Las atmósferas, el color, el juego con la luz, y la intención de capturar el instante no son algo superficial, sino que buscan conectar con las sensaciones y las emociones humanas.

PRINCIPALES ARTISTAS DEL IMPRESIONISMO:

• Édouard Manet
• Camille Pissarro
• Claude Monet
• Alfred Sisley
• Edgar Degas
• Berthe Morisot
• Auguste Renoir

ÉDOUARD MANET

Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia. Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató de ingresar en la Escuela Naval hasta que, su familia accedió a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture. Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En estos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras. En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura. Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia. Denegada a su inclusión en la exhibición pictórica de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia. Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional en la guerra franco-prusiana de 1870-1871. La exhibición póstuma de sus obras, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, conocido como el padre del impresionismo.

OLYMPIA

Es una obra maestra pintada por el pintor francés Édouard Manet en 1863. Esta pintura desató un escándalo en su época y se convirtió en un hito en la historia del arte, marcando un punto de inflexión en la representación del primer desnudo de una mujer real en la pintura occidental. La pintura representa a una mujer desnuda reclinada sobre un lecho, mirando directamente al espectador con una actitud desafiante y segura de sí misma. A su lado, una sirvienta negra presenta un ramo de flores, mientras que en la parte superior derecha de la composición se vislumbra un gato. La figura central, Olympia, es representada con una piel pálida y un cuerpo voluptuoso, destacando su sensualidad y su poder de seducción. Olympia fue pintada por Manet como una respuesta deliberada y provocativa a la tradición del desnudo en el arte. Inspirado en el tema clásico de Venus, la diosa del amor, Manet presenta a Olympia como una mujer real y contemporánea, despojada en cualquier idealización romántica. Su mirada directa y su postura desafiante desafían al espectador a confrontar su propia mirada y su propio deseo. En cuanto a las características técnicas, Olympia mide aproximadamente 130 cm de alto por 190 cm de ancho. Manet empleó un estilo de pintura realista en esta obra, caracterizado por pinceladas sueltas y una paleta de colores audaz.

Su enfoque en la representación de la figura humana y su habilidad para capturar la expresión y la personalidad de sus sujetos lo convierten en uno de los principales exponentes del realismo en el arte. Actualmente, Olympia se encuentra en la colección permanente del Museo de Orsay en París, Francia, donde sigue siendo una de las obras más admiradas y estudiadas del siglo XIX. La pintura continúa fascinando a los espectadores con su poderosa representación del desnudo femenino y su provocativa exploración de la sexualidad y el poder en la sociedad moderna.

4. NEOIMPRESIONISMO

El neoimpresionismo fue un movimiento artístico nacido en Francia, fundado por Georges Seurat y acuñado por Féliz Fénéon en 1886. Algunos sostienen que fue el primer movimiento verdaderamente vanguardista en la pintura. Su rápida aparición en el siglo XIX puede atribuirse, a su fuerte conexión con el anarquismo. CARACTERÍSTICAS:

1. Uso de pinceladas precisas y científicas y teorías ópticas.2. Énfais en el uso del color y la luz para crear un efecto visual vibrante y dinámico.3. Desarrollo del puntillismo, una técnica en la que pequeños puntos de color se aplican al lienzo para crear una imagen.4. Interés por representar la vida urbana moderna y los paisajes.5. Rechazo de la espontaneidad y el emocionalismo del impresionismo en favor de un enfoque más racional y analítico.6. Influencia de las teorías científicas sobre el color y la percepción.7. Preocupación por el volumen.8. Preocupación por el ornen y la claridad.9. Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses.

PRINCIPALES ARTISTAS DEL NEOIMPRESIONISMO:

• Paul Signac
• Georges Seurat
• Henri-Edmond Cross
• Maximilien Luce
• Théo van Rysselberghe

Pintor francés. Inicialmente se alineó con los impresionistas, pero en 1884 se adscribió como artista y teórico, al neoimpresionismo o puntillismo. En sus obras plasmó sobre todo escenas marineras, primero con un puntillismo estricto y después con un toque más amplio, proporcional a las dimensiones del cuadro. Sus cuadros evidenciaron su creciente interés por la luz y los colores. Procedente de una familia acomodada, Paul Signac pudo dedicarse casi enteramente a la pintura. Se formó en la École des Arts-Décoratifs de París(1882) y en un taller libre. En 1886 participó en la IX Exposición Impresionista. Bajo el impulso de Seurat, Signac profundizó en la técnica puntillista, tomando como motivo las orillas del Sena y las costas mediterráneas. Tras la muerte de Seurat, Paul Signac se trasladó a Saint-Tropez, donde vivió hasta el año 1911. Fue un gran viajante y navegante a lo largo de su vida, esta afición lo llevó a viajar a Marsella y Constantinopla, viajes en los que pintaría temas marinos y que explicarían la gran cantidad de acuarelas presentes en su obra, además de su estilo tan particular, ágil y exacto. Su técnica dejó de ceñirse tan estrictamente a las reglas puntillistas, y evolucionó hacia un ensanchamiento de sus pinceladas. A partir de 1913, además de paisajes y retratos, también pintó bodegones y algunas composiciones decorativas. En sus pinturas al óleo, Signac es reflexivo y voluntarioso, en cambio, en sus acuarelas desvela su sensibilidad y se expresa con libertad.

PAUL SIGNAC

MUJERES EN EL POZO

El cuadro de Mujeres en el pozo de Paul Signac fue pintado en 1892 y se dio en un periodo de intensa creatividad para el artista, quien buscaba explorar nuevas formas de representar la naturaleza y la vida cotidiana. La obra refleja su interés por capturar la atmósfera y la luz en sus pinturas.Representa a varias mujeres en un entorno natural, junto a un pozo. Las pinceladas cortas y el uso de colores brillantes caracterizan esta pintura. Signac se aleja de la representación detallada para crear una imagen más sugestiva y emotiva, invitando al espectador a sumergirse en la armonía y la belleza de la naturaleza. La obra transmite una sensación de calma, paz y belleza, evocando la serenidad de un momento cotidiano en el campo, donde las mujeres parecen estar inmersas en sus pensamientos y experiencias.

5. POSIMPRESIONISMO

El posimpresionismo designa al conjunto de estilos pictóricos que sucedieron al impresionismo entre 1875 y 1905 aproximadamente, en Francia. Expresar la subjetividad a través de las formas trajo consigo la liberación del estilo artístico. CARACTERÍSTICAS:

1. La subjetividad priva sobre la verosimilitud: el posimpresionismo se atrevió a alterar las formas de la naturaleza en función de la expresión personal. 2. Color con fines expresivos: el uso de los colores en el posimpresionismo no se corresponde con la naturaleza sino con las intenciones expresivas de los pintores. Con frecuencia estos colores se usan puros sobre grandes superficies.3. Exploración de nuevas técnicas plásticas: el puntillismo; tendencia a la geometrización de las formas; contornos gruesos bien delineados; zonas de color plano; supresión de la profundidad espacial; uso de pinceladas gruesas y manchas.4. Interés por lo exótico: además del arte japonés, los artistas se interesaron en el arte antiguo de culturas no occidentales.

PRINCIPALES ARTISTAS DEL POSIMPRESIONISMO:

• Paul Cézanne
• Paul Gauguin
• Vincent van Gogh
• Henri de Toulouse-Lautrec

VINCENT VAN GOGH

Pintor holandés. Vincent van Gogh no pudo encasillarse en ninguna escuela, y abrió por sí solo nuevos caminos. Encarnación del artista torturado e incomprendido, van Gogh no llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos. El reconocimiento de su obra no empezó hasta un año después de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva organizada por el Salón de los Independientes. Vincent van Gogh comenzó trabajando en una galería de arte en La Haya, dando clases de francés y ejerciendo de pastor entre los mineros belgas. Sus primeras obras reflejaban ese ambiente proletario cargado de crítica social. Entre 1886 y 1888 vivió en París con su hermano Theo van Gogh, que era marhante de arte. Allí conoció a Toulouse-Lautrec y a Gauguin y se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban el pleno desarrollo. En 1888 abandonó la capital francesa para trasladarse a Arles, al sur de Francia, con la intención de fundar una comunidad de artistas. Pintó escenas rurales y empezó a abandonar los métodos puntillistas e impresionistas en favor de una pintura de formas más sintéticas y colores más estridentes.

En octubre de 1888 Gauguin fue a verle a Arles y vivieron y trabajaron juntos durante un corto periodo de tiempo, ya que pronto empezaron a tener violentos enfrentamientos. Una noche del mes de diciembre, después de una gran pelea en la que van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja, el artista se cortó parte de una oreja. Después de este incidente, estuvo algún tiempo internado en un hospital de Arles y un año en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy. Van Gogh pasó el final de su vida en Auvers-sur-Oise, un pueblo al norte de París donde vivía el doctor Gachet, médico y coleccionista de obras de arte, a quien Theo van Gogh encargó el cuidado de la salud de su hermano pintor. En los casi dos meses que residió allí antes de su suicidio, vivió, con recuperada energía, una frenética etapa creadora. Durante esas últimas semanas de vida pintó algunos retratos, pero sobre todo numerosos paisajes en los que utilizaba una paleta reducida y unas pinceladas agitadas y nerviosas, de ritmo ondulante y repetitivo. En la exposición de Los XX en Bruselas, por primera y última vez en su vida, vendió una obra. Sin embargo, a pesar de estos pequeños cambios en la apreciación de su trabajo por parte de crítica y púbico, tras una nueva crisis depresiva, Vincent van Gogh acabó con su vida disparándose un tiro.

LA NOCHE ESTRELLADA

La hospitalización en la clínica hace que van Gogh pinte La noche estrellada. Retrata el paisaje idealmente visto por van Gogh desde su propia ventana mientras la oscuridad de la noche envuelve el mundo exterior. Un ciprés a la izquierda anticipa la visión del elemento situado en el centro, un pequeño pueblo iluminado en cuyo centro se alza el campanario de la iglesia y una densa vegetación en el lado derecho del cuadro. Sobre este pequeño núcleo residencial se alza un gran cielo estrellado que ocupa dos tercios del cuadro y parece envolver por completo el resto de la composición, captando de inmediato la mirada del observador. El contraste es uno de los elemento principales de La noche estrellada: existe entre el cielo y la tierra, símbolos de la dimensión humana y de otro mundo, así como de vida y muerte. El elemento dominante de La noche estrellada es sin duda el imponente cielo nocturno y las numerosas estrellas.

En este vórtice destacan los numerosos astros celestes, el lucero del alba, que iluminan el ambiente y el cuadro. Por lo tanto, la naturaleza aparece incontrolable y su poder se convierte en un reflejo del estado d

En este vórtice destacan los numerosos astros celestes, el lucero del alba, que iluminan el ambiente y el cuadro. Por lo tanto, la naturaleza aparece incontrolable y su poder se convierte en un reflejo del estado de ánimo de van Gogh. CARACTERÍSTICAS: 1. Es un paisaje que ejerce una atracción especial sobre los espectadores. A causa de esto, existen numerosas interpretaciones de su significado o del mensaje que el artista quiso transmitir. 2. Si bien van Gogh mencionó que había pintado el cuadro motivado por la emoción que le provocaba el paisaje que veía por la ventana de su cuarto en el asilo, en realidad no tomó como modelo un paisaje real. 3. La intención de van Gogh, por lo tanto, no fue pintar un paisaje real, sino transmitir un sentimiento y provocar en el espectador una emoción similar a la que él sentía frente a ese paisaje. 4. Van Gogh coleccionaba estampas japonesas, muy de moda en la época entre los artistas. Éstas fueron una gran influencia en su pintura. Tomó de ellas la construcción de la profundidad mediante superposición de planos de color, la ausencia de sombras, las líneas de contorno y las distorsiones en la perspectiva.

5. Las formas blanquecinas espiraladas del cielo sugieren los dibujos hechos por el astrónomo inglés Lord Rosse en 1850 y reproducidos como grabados en el libro Astronomía popular de Camille Flammarion publicado en 1880 en el que se describen las nebulosas espirales. Van Gogh conocía el libro y se había entrevistado con el autor. Sin embargo, esas nebulosas no se pueden observar a simple vista.

6. FAUVISMO

Se conoce como fauvismo o fovismo a un movimiento pictórico surgido en Francia a principios del siglo XX, y extendido luego a otros países, caracterizado por un uso provocativo de los colores y de pinceladas rápidas y feroces. CARACTERÍSTICAS: 1. Tuvo influencia del impresionismo y del primer posimpresionismo: al igual que todas las corrientes pictóricas de las primeras vanguardias, el fauvismo se vio inspirado por el espíritu disruptor de los impresionistas. 2. Sus colores eran puros y brillantes: en la pinturas fauvista el color se aplicaba con pinceladas espontáneas y formas simples, a veces directamente del tubo, con goteos de pintura y regiones en las que el lienzo quedaba expuesto. buscaba acabados más expresivos que precisos.

3. Trató de expresar el mundo emocional del artista: el fauvismo hacía énfasis en la subjetividad y apelaba al mundo emocional interno. Rompió con la intención tradicional de representar la realidad de manera objetiva. 4. Dio un primer paso hacia la abstracción: el fauvismo fue el pionero de una serie de movimientos de vanguardia que buscaron romper con una tradición pictórica de siglos basada en la mímesis. 5. Rompió con el academicismo: los fauvistas abandonaron por completo la obligación de imitar la realidad y también las técnicas que empleaba el arte clásico para lograrlo, así como las representaciones idealiazadas de belleza. En su lugar, dieron espacio a la espontaneidad y la expresión individual.

6. Se interesó en la teoría del color del siglo XIX: los fauvistas se interesaron por las teorías del color de 1850 y experimentaron con una amplia gama de posibilidades cromáticas y diferentes combinaciones de colores para lograr efectos expresivos. 7. Fue más que una propuesta pictórica: la técnica más utilizada por los fauvistas fue la pintura al óleo, pero exploraron también otras posibilidades de espresión con acuarela, el pastel, el grabado, la escultura, la cerámica y otras técnicas. 8. Sus temas oscilaron entre las representaciones urbanas y el mundo rural: en el fauvismo hay desnudos, bodegones, escenas al aire libre o paisajes. Para los fauvistas, el tema del cuadro era menos importante que las emociones que expresaba y transmitía. 9. Fue fugaz, pero muy determinante: a pesar de su corta vigencia como corriente, el fauvismo abrió un camino estético y filosófico que iluminó casi todo el arte del siglo XX y, de cierta manera, continúa haciéndolo.

ARTISTAS MÁS DESTACADOS DEL FAUVISMO:

• Henri Matisse
• André Derain
• Maurice de Vlaminck
• Georges Braque
• Raoul Dufy
• Georges Raoault

GEORGES BRAQUE

Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Georges Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo. Desde 1907 hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso. Braque, a diferencia de Picasso, prefirió a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas. Después de la Primera Guerra Mundial, el artista prescindió de los trazos angulosos y las líneas geométricas para inclinarse hacia la línea curva en un nuevo repertorio de temas. Braque, que fue también ilustrador, escenógrafo, escultor y grabador, alcanzó un importante reconocimiento en vida y dejó una profunda huella en el desarrollo de la pintura.

CASAS EN L'ESTAQUE

Pintada en 1908. En el paisaje representado, las casas parecen estar aprisionadas por las colinas. Es un paisaje árido con solo unos toques de vegetación. Al fondo el viaducto salva el valle con sus arcadas. Todos los elementos están geometrizados.Con una red de retículas y líneas que enmarcan colores planos va construyendo mediante formas geométricas los elementos arquitectónicos, de este paisaje tan diferente y alejado del romanticismo realizando una visión esencialmente conceptual. Completan este paisaje: un cielo algo irreal con azul y una zona anaranjada en medio, elementos de la vegetación construidos con planos facetados verdes que atenúan la aridez del paisaje... CARACTERÍTICAS: 1. No existe la perspectiva tradicional. 2. Sin embargo si existen líneas de continuidad que conducen nuestra vista. 3. Tampoco se atiene a la proporción. 4. Existen diferentes encuadres: el encuadre es frontal, pero existe otro cenital, lateral.

5. La luz naranja-amarilla lo inunda todo, y las sombras son coloreadas. 6. La gama cromática se reduce: predominan los tonos ocres, anaranjados cálidos, el verde de la vegetación de planos facetados... 7. Esos bloques sólidos de las casas armonizan con la naturaleza.

BIBLIOGRAFÍA

-https://culturacolectiva.com/arte/que-son-las-vanguardias-en-el-arte/ -https://www.biografiasyvidas.com -https://humanidades.com/impresionismo/ -https://concepto.de/fauvismo/ -https://www.cuadrosdekorarte.com/pinturas-famosas/olympia-manet/#:~:text=En%20cuanto%20a%20las%20caracter%C3%ADsticas,una%20paleta%20de%20colores%20audaz. -https://artistasycuadros.com/paul-signac/mujeres-en-el-pozo/ -https://www.culturagenial.com/es/postimpresionismo/ -https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/gogh-vincent-van -https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_823.html