Vanguardias Artísticas
Noa Camacho Molina
Created on November 22, 2024
Over 30 million people create interactive content in Genially.
Check out what others have designed:
Transcript
LAS VANGUARDIAS
ARTISTICAS
Por: Noa Camacho
INDICE
Bibliografia
fauvismo
postimpresionismo
neoimpresionismo
Las vanguardias artisticas
Impresionismo
Definición
El término “vanguardia” ha sido fundamental para entender el arte del siglo XX, por su papel en la sociedad y por su influencia en la historia del arte. Esta relacionado con disciplinas como arquitectura, música y cine. Su origen es medieval y se uaba en el lenguaje militar, pero en el siglo XIX adquirió un sentido figurado en el arte, convirtiéndose en el siglo XX en un concepto clave. La vanguardia implica lucha y avance, se caracteriza por pequeños grupos que desafían el orden establecido y las normas aceptadas por las élites. Estos movimientos buscaban la ruptura y a menudo fueron agresivos y provocadores, con una aceptación gradual que validaba su papel como precursores del futuro. El concepto evolucionó en el siglo XIX con los socialistas utópicos, quienes relacionaron el arte con el progreso social y transformador, junto con la ciencia y la industria. La vanguardia también se relaciona con el activismo y la revolución artística, cristalizados en los “manifiestos”, documentos públicos que declaraban las intenciones del movimiento, frecuentemente con un lenguaje contundente.
LAS VANGUARDIAS ARTISTICAS
Cronología
Desarroyo y causas
Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884), Postimpresionismo (1910) y Fauvismo (1905 / 1907)
El desarrollo de las vanguardias artísticas en el siglo XX tiene raíces en los acontecimientos del siglo XIX y principios del XX. Tres eventos políticos clave: la Segunda y Tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914). Generaron una reacción intelectual contra la sociedad de la época, alimentando la figura del artista bohemio e incomprendido. En el ámbito artístico, los Salones de París, con sus criterios conservadores, rechazaron a los impresionistas, quienes organizaron el Salón de los Rechazados como alternativa para mostrar su obra. Este episodio marcó un desencuentro inicial entre el arte y la sociedad tradicional. A comienzos del siglo XX, cambios significativos como la Segunda Revolución Industrial, la teoría de la relatividad de Einstein, los estudios de Freud, la fotografía y el cine señalaron una transformación profunda en ideas, modos de vida y expresiones artísticas, allanando el camino para las vanguardias.
Impresionismo
El impresionismo surgió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia como una ruptura con los cánones clásicos. Édouard Manet fue un precursor al priorizar tonos, texturas y colores sobre formas idealizadas, influyendo en artistas como Monet, Renoir, Morisot, Pissarro y Degas, quienes exploraron la luz, los reflejos y los matices en escenas cotidianas y paisajes. El término “impresionismo” surgió despectivamente por el crítico Louis Leroy, inspirado en la obra Impresión, sol naciente (1873) de Monet. Sin embargo, este movimiento marcó el inicio de la pintura moderna y se convirtió en un referente para las vanguardias. Principales características: 1. Importancia de la luz: Exploraron la iluminación artificial y natural. 2. Uso de colores puros: Abandonaron el claroscuro tradicional por contrastes con colores complementarios. 3. Pinceladas visibles: Prefirieron pinceladas sueltas y efectos visuales de manchas. 4. Pintura al aire libre: Capturaron efectos atmosféricos y cambios de luz. 5. Interés por el instante: Pintaron escenas fugaces de la naturaleza y la vida cotidiana. 6. Percepción subjetiva: Priorizaron las emociones y sensaciones sobre el detalle.
claudie monet
Claude Monet, nacio en París el 14 de noviembre de 1840, fue un pintor clave del impresionismo. Su familia se trasladó a Le Havre cuando tenía cinco años, donde desarrolló su talento artístico. Estudió en la escuela de artes y recibió la influencia de Eugène Boudin, el lo animó a pintar al aire libre. Tras la muerte de su madre, Monet decidió dedicarse a la pintura, a pesar de la oposición de su padre. En París, estudió en la Academia Suiza y expuso por primera vez en el Salón de París en 1865. Aunque sus primeras obras tuvieron buena recepción, su evolución artística se alejaba de los cánones tradicionales, lo que le valió rechazos posteriores. En 1870, huyó a Londres durante la guerra franco-prusiana, donde se inspiró en los paisajes de Turner y Constable. De regreso a Francia, pintó Impresión: sol naciente, obra que dio nombre al impresionismo. Establecido en Giverny en 1883, Monet encontró inspiración en los jardines de su casa. Allí desarrolló sus famosas series de pinturas, como Pajares y Nenúfares. Pese a sufrir cataratas en sus últimos años, continuó pintando hasta su muerte el 5 de diciembre de 1926, en Giverny. Su casa y jardines, restaurados, son hoy un importante destino turístico.
Artista: Monet, Claude Cronología: 1873 Técnica: Óleo sobre lienzo
Las amapolas
Durante su estancia en Argenteuil, tras regresar de Inglaterra (1871-1878), Claude Monet encontró gran inspiración en los paisajes de la región que le permitieron profundizar en la pintura al aire libre. Las Amapolas, pintado en este periodo, muestra su interés por la luz y el color, elementos clave en su obra. La composición, con líneas suaves y curvas, transmite fluidez y naturalidad. Fue presentada en la primera exposición impresionista en los talleres de Nadar en 1874, y hoy es una de sus obras más famosas. El cuadro evoca un paseo por el campo en un día de verano, con amapolas pintadas como manchas que destacan en el primer plano, anticipando un camino hacia la abstracción. La composición está estructurada por una diagonal que divide el cuadro en dos áreas de color: una dominada por tonos rojos y otra por verdes azulados. Aunque incluye figuras como Camille, su esposa, y su hijo Jean, además de otra pareja, estas solo sirven como un pretexto. El verdadero enfoque está en la atmósfera tranquila y la luz que llena cada rincón del cuadro. Monet logra capturar un instante lleno de movimiento sutil y belleza.
neoImpresionismo
El neoimpresionismo fue un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que abarcó dos técnicas principales: el puntillismo (pintura con puntos) y el divisionismo (separación de colores). Surgió como una evolución del impresionismo, aplicando teorías científicas de óptica y matemática para lograr un enfoque más sistemático en la pintura. Su nombre fue acuñado por el crítico Félix Fénéon. Características principales: 1. Uso de colores primarios yuxtapuestos para que se mezclen ópticamente en la retina del espectador. 2. Aplicación uniforme de puntos o trazos, con tamaños proporcionados al cuadro. 3. Rechazo del claroscuro y la perspectiva tradicional, lo que da a las obras un aspecto plano y estilizado. 4. Influencia de teorías científicas, como las de Michel-Eugène Chevreul sobre los contrastes de color, y del positivismo. 5. Búsqueda de transmitir emociones a través de líneas y colores. Artistas importantes: • Georges Seurat: Fundador del movimiento, conocido por su técnica rigurosa. • Paul Signac: Incorporó tonos disonantes para nuevas experiencias sensoriales. • Maximilien Luce y Henri Edmond Cross: Pintores que continuaron el estilo. Aunque breve, el neoimpresionismo influyó en movimientos posteriores como el fauvismo y cambió la forma de concebir el color en la pintura.
jeanne selmersheim-desgrange
Jeanne Selmersheim-Desgrange (1877-1958) fue una pintora neoimpresionista francesa nacida en una familia de artistas y arquitectos, descendiente del pintor Jean-Baptiste Greuze. Inició su carrera en diseño de joyas, pero tras casarse con el arquitecto Pierre Selmersheim, con quien tuvo tres hijos, cambió su enfoque hacia la pintura en 1909, estudiando con Paul Signac. Se convirtió en amante de Signac, y juntos se establecieron en Saint-Tropez, donde ella encontró inspiración en el paisaje mediterráneo. Sus primeras obras incluyeron naturalezas muertas, reflejando su vida doméstica y la crianza de su hija Ginelle, nacida en 1912. Durante los años 1920, retomó los viajes y el trabajo al aire libre, acompañando a Signac por la costa y otras regiones de Francia. Aunque no se casaron, Signac adoptó legalmente a su hija en 1927. Tras la muerte de Signac en 1935, Jeanne continuó trabajando en Saint-Tropez, convirtiéndose en una figura influyente en la comunidad artística local. Falleció a los 81 años en 1958.
Artista: jeanne selmersheim-desgrangeCronología: 1910 Técnica: Óleo sobre lienzo
La table aux jardin (La mesa en el jardín)
La table aux jardin, de Jeanne Selmersheim-Desgrange, es una vibrante naturaleza muerta neoimpresionista que representa un ramo de flores, frutas y jarras en una mesa rodeada por un exuberante jardín. Utilizando pinceladas audaces y colores complementarios, la obra captura la atmósfera luminosa de un atardecer de verano. Es un ejemplo de su estilo distintivo, influido por su formación con Paul Signac y su vida en Cap d’Antibes, donde encontró inspiración en la luz mediterránea y la naturaleza.
POstimpresionismo
El término postimpresionismo es una categoría creada en 1910 por el crítico Roger Fry para agrupar a artistas como Van Gogh, Gauguin, Seurat y Cézanne, quienes trabajaron después del impresionismo, reaccionando contra él y sentando las bases del arte moderno. Aunque no fueron conscientes de pertenecer a este movimiento ni apreciados en vida, hoy son considerados clásicos cuyas obras son de las más valiosas de la historia. Características Principales: Artísticas: 1. Uso de colores vivos. 2. Pinceladas marcadas y poco discretas. 3. Temas basados en la vida real. 4. Subjetividad: una visión personal y emocional del mundo. Impacto: 1. Sentaron las bases del arte moderno. 2. Enfocaron la pintura en la emoción y expresión. Artistas importantes: Artistas Destacados y sus Aportaciones: 1. Vincent van Gogh: Origen del expresionismo. 2. Paul Gauguin: Influencia en el primitivismo. 3. Paul Cézanne: Base para el cubismo. 4. Georges Seurat: Inspiración para el fauvismo.
Vincent Van Gogh
Vincent van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert, Países Bajos, y creció como un niño solitario. Abandonó la escuela a los 15 años y describió su juventud como "triste, fría y estéril". Trabajó en una empresa de comercio de arte desde 1869, lo que despertó su interés por artistas como Rembrandt y Millet. En 1880, tras fracasar como evangelista, decidió dedicarse a la pintura. Sus primeras obras, como LOS campesinos comiendo patatas, reflejan la vida de los desfavorecidos con tonos oscuros influenciados por el realismo francés. Posteriormente, vivió con su hermano Theo en París, donde conoció a impresionistas y postimpresionistas, experimentando con colores vivos y técnicas como el puntillismo, que se reflejan en obras como Los girasoles. En el sur de Francia convivió con Paul Gauguin, pero tras una discusión violenta, se cortó parte de la oreja.Esto marcó el inicio de su hospitalización por problemas mentales. Internado en Saint-Rémy, creó obras como La noche estrellada. En sus últimos meses, en Auvers-sur-Oise, pintó 79 cuadros en 69 días. Según la versión oficial, se suicidó el 27 de julio de 1890, aunque esta hipótesis ha sido cuestionada. A pesar de ser ignorado en vida, Van Gogh dejó un impacto duradero en el arte moderno. Fue enterrado junto a su hermano Theo, quien murió poco después. Sus obras, como El dormitorio en Arlés, son íconos de su visión subjetiva del mundo.
Artista: Vincent van GoghCronología: 1888 Técnica: Óleo sobre lienzo
Terraza de Café por la noche
Vincent van Gogh describió el proceso de creación de La terraza de café por la noche en una carta a su hermana Wil, donde detalló el contraste entre el azul frío del cielo nocturno y el cálido amarillo del farol de la terraza. El cuadro, pintado en Arlés, destaca por la ausencia de negro, con tonos de azul, violeta, y verde, logrando una atmósfera vibrante y emotiva. Van Gogh enfatizó la importancia del color, usándolo para simbolizar sentimientos, como la felicidad asociada al amarillo. A pesar de algunas inexactitudes realistas, como la desproporción en el tamaño de las estrellas y la exageración en la luminosidad de la lámpara, el artista priorizó la creatividad sobre la fidelidad a la realidad. Esta obra, creada en un periodo feliz de su vida, destaca por su brillante composición, donde el color domina para generar profundidad y emociones. Van Gogh no solo reflejó una escena, sino que transformó la realidad para transmitirnos su visión única del mundo, convirtiendo el arte en un medio para superar las limitaciones de la vida cotidiana.
fauvismo
El Fauvismo, considerado la primera vanguardia del siglo XX, surgió como una reacción radical contra las tradiciones artísticas. El término “fauves” (fieras) fue acuñado por el crítico Louis Vauxcelles tras la exposición del Salón de Otoño de 1905, al observar esculturas clásicas en contraste con las vibrantes pinturas fauvistas. Características del Fauvismo: 1. Color liberado: El color se usaba de manera independiente al dibujo, sin buscar realismo ni claroscuros. 2. Expresión emocional: Predominaba la transmisión de sentimientos sobre la fidelidad a la naturaleza. 3. Técnica audaz: Se aplicaban colores directamente del tubo de pintura con pinceladas rápidas y vigorosas, generando espontaneidad. 4. Ruptura con la tradición: Los fauvistas rechazaban el arte académico y buscaban nuevas formas de expresión. Principales artistas y obras: 1. Henri Matisse: La alegría de vivir (1906), exploró el color como protagonista, abandonando técnicas tradicionales. 2. André Derain: Mujer en camisa (1906), colores brillantes y trazos vigorosos. 3. Maurice de Vlaminck: El huerto (1905), influenciado por Van Gogh. 4. Raoul Dufy: Bañistas (1908), contrastes de tonalidades y geometrización. La frase de Vauxcelles, “Donatello entre las fieras”, reflejaba el contraste entre el clasicismo de las esculturas y la explosión de colores puros de las obras fauvistas, marcando así el inicio de un movimiento que transformó la pintura moderna.
Émilie Charmy
Émilie Espérance Barret, de origen burgués, rechazó la carrera de maestra para dedicarse a la pintura, siguiendo el ejemplo de mujeres artistas impresionistas. Su trabajo enfrentó el desafío de ser visto como “decoración” por la crítica masculina, pero logró alcanzar la independencia económica al vender sus obras, que se centraban en temas tradicionales como naturalezas muertas y escenas domésticas, aunque también exploró paisajes mediterráneos. A lo largo de su carrera, destacó por sus autorretratos, que evolucionaron técnicamente, incluso dejando partes del lienzo sin pintar. Aunque influenciada por el fauvismo, continuó desarrollando un estilo personal. Su representación del cuerpo femenino desde una perspectiva femenina fue una contribución importante a la tradición pictórica. Uno de sus cuadros causó controversia por representar mujeres desnudas en un contexto que sugería un prostíbulo, lo que resultaba escandaloso no por el tema, sino por ser una mujer de clase social alta quien lo abordaba. Además, fue marchante de arte de Berthe Weill, la primera galerista mujer de París, quien promovió a artistas como Picasso y Modigliani.
Artista: Émilie CharmyCronología: 1897 Técnica: Óleo sobre lienzo
Young Girl Reclining
“Young Girl Reclining” de Émilie Charmy, pintada en 1910, refleja su estilo único y su enfoque del cuerpo femenino. La obra muestra a una joven recostada, utilizando colores vivos como el rojo, azul y amarillo, influenciada por el fauvismo. A diferencia de la visión masculina común en la época, Charmy presenta a la mujer desde una perspectiva más empática y personal, evitando la objetivación. La figura se muestra en una postura relajada, lo que genera una atmósfera íntima, y su estilo fluido y menos contorneado aporta dinamismo a la pintura. En general, la obra combina el uso vibrante del color con una exploración introspectiva del cuerpo femenino.