ADMA 2022

à LA DéCOUVERTE DES MéTIERS D'ART

édition 2022

Á la découverte des métiers d’art Présentation vidéo

Le programme Á la découverte des métiers d’art (ADMA) invite à la découverte des arts décoratifs et des métiers d’art. Il s’adresse aux collégiens (classes de 4ème et 3ème) et se développe en trois étapes : 1. Parcours dans les collections La présentation d’une sélection d’objets des collections du Musée des Arts Décoratifs, de Sèvres – Cité de la céramique et de la Monnaie de Paris permet d'observer des matières (bois, céramique, métal, textile…) et de découvrir des métiers (ébéniste, céramiste, graveur, plumassier…). 2. Rencontre avec un artisan Une démonstration des gestes pratiqués dans l’atelier accompagnée d’un échange avec un professionnel conduit à distinguer des savoir-faire et à identifier des compétences (précision, patience, passion…) propres à l’exercice des métiers d’art. 3. Présentation des formations Prendre connaissance de lycées professionnels, d’écoles, de centres de formation aux métiers d’art permet de se projeter dans un parcours d’orientation professionnelle.

Ce programme est proposé en partenariat avec :

Ce programme est soutenu par :

Espace équipes éducatives

Les parcours par matériau

Les institutions culturelles

Développer un projet annuel

La plateforme ADMA a été conçue comme un outil de médiation à destination des élèves et des équipes éducatives. Avec la mention « En savoir plus », vous avez la possibilité d’accéder à des contenus plus développés. Des cartels d’œuvres et des dossiers thématiques vous sont régulièrement proposés pour enrichir les connaissances partagées. Les mots soulignés renvoient à un glossaire spécifiquement orienté sur les arts décoratifs et la description des œuvres présentées. « Le petit quizz » autour des matières offre une dimension plus ludique à ces découvertes. A utiliser en classe ou en autonomie, il invite à associer une œuvre à son matériau de fabrication ou de décoration. Pour compléter ce dispositif, une « activité plastique à réaliser en classe » vous est également proposée. Elle s’appuie sur les collections du Musée des Arts Décoratifs et permet l’utilisation de sa base de données en ligne.

HôTEL DE LA MARINE

LA SAINTE-CHAPELLE SUR L’ÎLE DE LA CITÉ

CHATEAU DE VINCENNES

MONNAIE DE PARIS

SEVRES -MANUFACTURE ET MUSEES NATIONAUX

Musée desArts Décoratifs

INSTITUT NATIONAL DES METIERS D'ART

Découvrir des projets déjà menés

Délégations académiques à l'éducation artistique et à l'action culturelle Académie de Paris Nathalie BERTHON, déléguée à l'éducation artistique et à l'action culturelle nathalie.berthon@ac-paris.fr Académie de Créteil Sylvain BORY, conseiller Arts plastiques, design, photographie sylvain-francoi.bory@ac-creteil.fr Académie de Versailles Amandine BARRIER-DALMON, conseillère Arts plastiques, design, photographie amandine.barrier-dalmon@ac-versailles.fr

Institutions culturelles Institut National des Métiers d'Art Stéphanie GILLE, chef de projets gille@inma-france.org Musée des Arts Décoratifs Isabelle GRASSART, responsable de l'action éducative isabelle.grassart@madparis.fr Monnaie de Paris Bibiane de PAMPELONNE, chargée de l'action culturelle bibiane.de-pampelonne@monnaiedeparis.fr Sèvres, Manufacture et Musées nationaux Alexandra BRONDEX, responsable du développement des publics alexandra.brondex@sevresciteceramique.fr

Contacts projets

L'éducation artistique et culturelle est inscrite comme une des cinq priorités de la loi du 8 juillet 2013 sur la refondation de l'école de la république. Elle introduit la notion de parcours culturel et artistique. Ce parcours "doit permettre aux enfants d'acquérir des savoirs artistiques et culturels, de pratiquer des arts, de découvrir des œuvres, des artistes, des monuments et des lieux à caractère artistique et culturel". Il joue un rôle décisif dans la lutte contre les inégalités, en favorisant un égal accès à l'art et à la culture de tous les jeunes, tout au long de leur scolarité, dans le respect de la liberté et des initiatives des acteurs concernés.

Développer un projet autour des matières et des métiers d'art

METIERS D’ART ET DU SPECTACLE

Dans le cadre d’un PACTE élaboré en partenariat avec le Collège Eugénie Cotton d’Argenteuil et la DAAC de Versailles, le Musée des Arts Décoratifs a développé pour des classes de 4ème un projet sur le thème des métiers d’art et du spectacle. En s’inspirant des collections du musée mais aussi des ressources de la bibliothèque, les élèves se sont essayés au métier de costumier. De la documentation à la recherche et de l’expérimentation à la réalisation, les élèves ont fabriqué des coiffes de papier à porter.

Journées Européennes des Métiers d'Art Public scolaire

Bandes dessinées participatives

Trouver une formation

Découvrir les 281 métiers d'art

Venir au centre de ressources

www.institut-metiersdart.org

L’Institut National des Métiers d'Art, association reconnue d’utilité publique, est un organisme national menant une mission d’intérêt général au service du secteur des métiers d’art et du patrimoine vivant. Sous l’égide du ministère de l’Économie et des Finances et du ministère de la Culture, l’INMA porte la vision des métiers d’art et du patrimoine vivant ancrés dans leur temps, source de développement économique local et international, d’emplois qualifiés et d’innovation. Ses principales missions au plan national et international consistent à apporter son expertise aux pouvoirs publics, aux collectivités locales, aux acteurs territoriaux pour créer des réseaux innovants ; à produire des données et des informations publiques sur les métiers d’art et du patrimoine vivant ; à promouvoir les jeunes talents en formation en tant que futurs professionnels ; à sensibiliser à la pratique par l’éducation ; à apporter une expertise dans la transmission des savoir-faire exceptionnels ; et à promouvoir et célébrer les métiers d’art et du patrimoine vivant. Consulter le site internet pour retrouver toutes les informations relatives à l'Institut National des Métiers d'Art :

INSTITUT NATIONAL DES Métiers d'art

Accéder à l'annuaire des centre de formation de l'INMA

Formation Initiale aux métiers d’art

LEXIQUE BMA : brevet des métiers d’art. BM : brevet de maîtrise, formation continue. BP : brevet professionnel. BTM : brevet technique des métiers. BTMS : brevet technique des métiers supérieur. CAP : certificat d’aptitude professionnelle. DMA : diplôme des métiers d’art. DNMADE : diplôme national des métiers d’art et du design DNAP : diplôme national d’arts plastiques. DNAT : diplôme national d’arts et techniques. DNSEP : diplôme national supérieur d’expression plastique. DSAA : diplôme supérieur d’arts appliqués. ESAA : Boulle, Estienne, Duperré, Olivier de Serres, etc. Manaa 1 an : Mise à niveau arts appliqués, une année pour les élèves qui ne viennent pas d’un BMA ou d’un Bac STD2A MC : Mention complémentaire, une année de spécialisation. STD2A : sciences et technologies du design et des arts appliqués.

Métal

Céramique

Textile

Bois

Verre

Racontez votre propre «Histoire de la création d'un objet métiers d'art» ! Après avoir suivi l'un des parcours proposés (verre, bois, textile, céramique ou métal), téléchargez et imprimez une planche ci-après pour réaliser votre propre bande dessinée en vous inspirant des cases pré-remplies. Commencez par écrire le titre de votre histoire en haut de la planche. Ensuite, choisissez vos outils d’écriture et de dessin (stylos, crayons, feutres, pinceaux et encres…) et complétez les cases en dessinant des objets, outils, personnages et en complétant les bulles de discussion. Vous pouvez nous renvoyer votre/vos planche/s par mail à battistolo@inma-france.org ou par courrier : Chloé Battistolo, INMA, 23 avenue Daumesnil 75012 PARIS. Nous nous ferons un plaisir de les publier sur les réseaux sociaux de l'INMA.

Dessinez votre propre bande dessinée sur les métiers d'art

LAINE ET TAPISSERIE

CUIR

PAPIER

Le Musée des Arts Décoratifs en 9 objets

MODE ET TEXTILE

VERRE

BOIS

www.madparis.fr

CéRAMIQUE

Le Musée des Arts Décoratifs se situe dans le Palais du Louvre le long de la rue de Rivoli, entre les jardins des Tuileries et la place du Palais Royal. Les 6 000 objets présentés (meubles, objets de la table, mode, bijoux, jouets…) témoignent de la vie des hommes et des savoir-faire de leur temps depuis le Moyen Âge et jusqu’à nos jours. Si les formes et les lignes de ces objets nous transmettent le goût, la mode propre à chaque époque, les matières et les techniques nous révèlent l’excellence des gestes de leurs créateurs, artisans et artistes qui aujourd’hui encore défendent l’art de vivre à la française. Le musée est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Il est gratuit jusqu’à l’âge de 26 ans. Toutes les informations (parcours virtuels, base de données, dossiers thématiques, programme des activités, propositions d’ateliers…) sont à retrouver sur le site du musée :

MUSéE DES ARTS DéCORATIFS

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Le Musée des Arts Décoratifs en 9 objets

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Le Musée des Arts Décoratifs se situe dans le Palais du Louvre le long de la rue de Rivoli, entre les jardins des Tuileries et la place du Palais Royal. Les 6 000 objets présentés (meubles, objets de la table, mode, bijoux, jouets…) témoignent de la vie des hommes et des savoir-faire de leur temps depuis le Moyen Âge et jusqu’à nos jours. Si les formes et les lignes de ces objets nous transmettent le goût, la mode propre à chaque époque, les matières et les techniques nous révèlent l’excellence des gestes de leurs créateurs, artisans et artistes qui aujourd’hui encore défendent l’art de vivre à la française. Le musée est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Il est gratuit jusqu’à l’âge de 26 ans. Toutes les informations (parcours virtuels, base de données, dossiers thématiques, programme des activités, propositions d’ateliers…) sont à retrouver sur le site du musée :

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Le Musée des Arts Décoratifs en 9 objets

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Le Musée des Arts Décoratifs se situe dans le Palais du Louvre le long de la rue de Rivoli, entre les jardins des Tuileries et la place du Palais Royal. Les 6 000 objets présentés (meubles, objets de la table, mode, bijoux, jouets…) témoignent de la vie des hommes et des savoir-faire de leur temps depuis le Moyen Âge et jusqu’à nos jours. Si les formes et les lignes de ces objets nous transmettent le goût, la mode propre à chaque époque, les matières et les techniques nous révèlent l’excellence des gestes de leurs créateurs, artisans et artistes qui aujourd’hui encore défendent l’art de vivre à la française. Le musée est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Il est gratuit jusqu’à l’âge de 26 ans. Toutes les informations (parcours virtuels, base de données, dossiers thématiques, programme des activités, propositions d’ateliers…) sont à retrouver sur le site du musée :

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Le Musée des Arts Décoratifs en 9 objets

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Le Musée des Arts Décoratifs en 9 objets

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Le Musée des Arts Décoratifs se situe dans le Palais du Louvre le long de la rue de Rivoli, entre les jardins des Tuileries et la place du Palais Royal. Les 6 000 objets présentés (meubles, objets de la table, mode, bijoux, jouets…) témoignent de la vie des hommes et des savoir-faire de leur temps depuis le Moyen Âge et jusqu’à nos jours. Si les formes et les lignes de ces objets nous transmettent le goût, la mode propre à chaque époque, les matières et les techniques nous révèlent l’excellence des gestes de leurs créateurs, artisans et artistes qui aujourd’hui encore défendent l’art de vivre à la française. Le musée est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Il est gratuit jusqu’à l’âge de 26 ans. Toutes les informations (parcours virtuels, base de données, dossiers thématiques, programme des activités, propositions d’ateliers…) sont à retrouver sur le site du musée :

MUSéE DES ARTS DéCORATIFS

9 objets pour découvrir la diversité des sujets, des matières et des époques des collections du Musée des Arts Décoratifs.

Une chaussure à plume au 21e siècle / Mode et textile

Un siège en rotin au 20e siècle / Arts décoratifs

Une affiche publicitaire au 20e siècle / Publicité et design graphique

Une broche en pierres précieuses à l’Art déco / Bijou

Un lustre en verre à l’Art nouveau / Arts décoratifs

Une poupée en bois et tissu au 19e siècle / Jouet

Un papier peint au 19e siècle / Arts graphiques

Un coffre en bois au Moyen Âge / Arts décoratifs

Une saucière en porcelaine au 18e siècle / Arts décoratifs

CéRAMIQUE

www.sevresciteceramique.fr

Sèvres réunit la Manufacture de porcelaine de Sèvres, en activité depuis le 18e siècle, et le Musée national de céramique créé au siècle suivant par Alexandre Brongniart. La Manufacture est un foyer unique de création de formes et de couleurs où les savoir-faire d’excellence se transmettent de génération en génération. Sous l’impulsion des artistes invités y naissent les œuvres d’art en porcelaine les plus audacieuses. Le Musée représente une source inépuisable d’inspiration, pour les artisans de la Manufacture, les créateurs et les collectionneurs. Il présente des céramiques du monde entier et de toutes les époques. Le Musée est ouvert tous les jours sauf le mardi, de 10h à 13h et de 14h à 18h. La Manufacture est accessible en visite guidée pour les groupes sur réservation. Consulter le site internet pour retrouver toutes les informations relatives à Sèvres – Manufacture et Musée nationaux :

Sèvres - manufacture et musée nationaux

CéRAMIQUE

www.sevresciteceramique.fr

Sèvres réunit la Manufacture de porcelaine de Sèvres, en activité depuis le 18e siècle, et le Musée national de céramique créé au siècle suivant par Alexandre Brongniart. La Manufacture est un foyer unique de création de formes et de couleurs où les savoir-faire d’excellence se transmettent de génération en génération. Sous l’impulsion des artistes invités y naissent les œuvres d’art en porcelaine les plus audacieuses. Le Musée représente une source inépuisable d’inspiration, pour les artisans de la Manufacture, les créateurs et les collectionneurs. Il présente des céramiques du monde entier et de toutes les époques. Le Musée est ouvert tous les jours sauf le mardi, de 10h à 13h et de 14h à 18h. La Manufacture est accessible en visite guidée pour les groupes sur réservation. Consulter le site internet pour retrouver toutes les informations relatives à Sèvres – Manufacture et Musée nationaux :

Sèvres - manufacture et musée nationaux

www.monnaiedeparis.fr

MéTAL

Héritière du droit régalien de battre monnaie, la Monnaie de Paris est la plus ancienne institution française et la dernière manufacture en activité au cœur de Paris. Située sur le quai de Conti, 300 000 objets d’art sortent chaque année de ses ateliers : fontes d’art, monnaies de collection, décorations officielles, médailles ou encore bijoux. Le musée de l’institution est situé au cœur de l’usine et propose une expérience inédite associant collections patrimoniales et savoir-faire techniques, notamment grâce à des vues sur les ateliers. Les gestes traditionnels des artisans dialoguent avec les collections patrimoniales exposées. Le site de la Monnaie de Paris est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 19h. Visites guidées pour les groupes sur réservation. Gratuité pour les moins de 26 ans et les enseignants sur présentation du Pass Education. Informations et contenus numériques disponibles sur le site internet. :

Monnaie de paris

www.monnaiedeparis.fr

MéTAL

Héritière du droit régalien de battre monnaie, la Monnaie de Paris est la plus ancienne institution française et la dernière manufacture en activité au cœur de Paris. Située sur le quai de Conti, 300 000 objets d’art sortent chaque année de ses ateliers : fontes d’art, monnaies de collection, décorations officielles, médailles ou encore bijoux. Le musée de l’institution est situé au cœur de l’usine et propose une expérience inédite associant collections patrimoniales et savoir-faire techniques, notamment grâce à des vues sur les ateliers. Les gestes traditionnels des artisans dialoguent avec les collections patrimoniales exposées. Le site de la Monnaie de Paris est ouvert du mardi au dimanche de 11h à 19h. Visites guidées pour les groupes sur réservation. Gratuité pour les moins de 26 ans et les enseignants sur présentation du Pass Education. Informations et contenus numériques disponibles sur le site internet. :

Monnaie de paris

PIERRE

www.sainte-chapelle.fr

Situé sur l’île de la Cité, dans l’enceinte de l’ancien palais royal, la Sainte-Chapelle, appartient au patrimoine monumental parisien. Elle est construite au XIIIème siècle par Louis IX pour recevoir les reliques de la Passion. Son programme architectural et sa décoration intérieur en font une pièce d’orfèvrerie exceptionnelle, qui exalte la monarchie capétienne et le royaume de France. Au XIXème siècle, l’ancienne chapelle palatine devient un laboratoire pour la restauration des monuments historiques. Elle est aujourd’hui un monument national, géré par le Centre des Monuments Nationaux, enserré dans les bâtiments du palais de Justice. Les élèves pourront découvrir un monument majeur de l’art gothique, avec ses verrières élancées (dont 70% sont d’origine, les autres datant de la restauration du XIXème siècle), et réfléchir à la question de la restauration patrimoniale avec la rencontre d’un tailleur de pierres travaillant sur le chantier actuel de restauration de la Sainte-Chapelle. La Sainte-Chapelle est ouverte tous les jours de 9h à 17h 10 boulevard du Palais, 75001 Paris Gratuit pour les moins de 26 ans Toutes les informations concernant la venue dans notre monument et nos visites sur le site :

La Sainte-Chapelle sur l’île de la Cité

PIERRE

www.sainte-chapelle.fr

Situé sur l’île de la Cité, dans l’enceinte de l’ancien palais royal, la Sainte-Chapelle, appartient au patrimoine monumental parisien. Elle est construite au XIIIème siècle par Louis IX pour recevoir les reliques de la Passion. Son programme architectural et sa décoration intérieur en font une pièce d’orfèvrerie exceptionnelle, qui exalte la monarchie capétienne et le royaume de France. Au XIXème siècle, l’ancienne chapelle palatine devient un laboratoire pour la restauration des monuments historiques. Elle est aujourd’hui un monument national, géré par le Centre des Monuments Nationaux, enserré dans les bâtiments du palais de Justice. Les élèves pourront découvrir un monument majeur de l’art gothique, avec ses verrières élancées (dont 70% sont d’origine, les autres datant de la restauration du XIXème siècle), et réfléchir à la question de la restauration patrimoniale avec la rencontre d’un tailleur de pierres travaillant sur le chantier actuel de restauration de la Sainte-Chapelle. La Sainte-Chapelle est ouverte tous les jours de 9h à 17h 10 boulevard du Palais, 75001 Paris Gratuit pour les moins de 26 ans Toutes les informations concernant la venue dans notre monument et nos visites sur le site :

La Sainte-Chapelle sur l’île de la Cité

VERRE

www.chateau-de-vincennes.fr

Symbole de l'État moderne, le Château de Vincennes affirme le pouvoir royal : il protège la capitale mais garantit aussi les rois contre ses soulèvements. Il est le cœur de la monarchie française jusqu'en 1682, quand Louis XIV lui préfère Versailles. Le donjon sert de prison dès le XVIe siècle et jusqu'au XIXe siècle : Fouquet, le marquis de Sade ou Mirabeau y sont détenus. Transformé en caserne et en arsenal par Napoléon Ier, la forteresse protège Paris lors des invasions du XIXe siècle. Restauré après les graves dommages subis au cours de la Seconde Guerre mondiale, le Château de Vincennes est ouvert à la visite par le Centre des Monuments Nationaux (CMN) et abrite notamment le Service Historique de la Défense (SHD). Informations et contenus numériques disponibles sur le site internet :

Château de vincennes

VERRE

www.chateau-de-vincennes.fr

Symbole de l'État moderne, le Château de Vincennes affirme le pouvoir royal : il protège la capitale mais garantit aussi les rois contre ses soulèvements. Il est le cœur de la monarchie française jusqu'en 1682, quand Louis XIV lui préfère Versailles. Le donjon sert de prison dès le XVIe siècle et jusqu'au XIXe siècle : Fouquet, le marquis de Sade ou Mirabeau y sont détenus. Transformé en caserne et en arsenal par Napoléon Ier, la forteresse protège Paris lors des invasions du XIXe siècle. Restauré après les graves dommages subis au cours de la Seconde Guerre mondiale, le Château de Vincennes est ouvert à la visite par le Centre des Monuments Nationaux (CMN) et abrite notamment le Service Historique de la Défense (SHD). Informations et contenus numériques disponibles sur le site internet :

Château de vincennes

TAPISSERIE

www.hoteldelamarine.paris

Monument emblématique de la place de la Concorde, l’Hôtel de la Marine est édifié au XVIIIème siècle sous la direction d’Ange-Jacques Gabriel, premier architecte de Louis XV. Il abrita jusqu’en 1789 le Garde-meuble de la Couronne, administration prestigieuse en charge du mobilier des résidences royales. Après la Révolution française, il restera pendant plus de 200 ans le siège du ministère de la Marine. Après une importante campagne de restauration menée par le Centre des monuments nationaux depuis 2015, l’Hôtel de la Marine est désormais ouvert à tous. La découverte des appartements de l’Intendant du Garde-meuble de la Couronne, avec ses décors d’origine et meublés d’après les inventaires d’époque, est proposée en immersion à travers différents parcours sonores. Les visiteurs sont également invités à parcourir les fastueux salons d’apparat du XIXème siècle puis à contempler l’une des plus belles vues de Paris depuis la loggia. L’Hôtel de la Marine accueille également la prestigieuse collection Al Thani, réunissant des pièces exceptionnelles issues de différentes civilisations. Pour toute information, rendez-vous sur

hôtel de la marine

TAPISSERIE

www.hoteldelamarine.paris

Monument emblématique de la place de la Concorde, l’Hôtel de la Marine est édifié au XVIIIème siècle sous la direction d’Ange-Jacques Gabriel, premier architecte de Louis XV. Il abrita jusqu’en 1789 le Garde-meuble de la Couronne, administration prestigieuse en charge du mobilier des résidences royales. Après la Révolution française, il restera pendant plus de 200 ans le siège du ministère de la Marine. Après une importante campagne de restauration menée par le Centre des monuments nationaux depuis 2015, l’Hôtel de la Marine est désormais ouvert à tous. La découverte des appartements de l’Intendant du Garde-meuble de la Couronne, avec ses décors d’origine et meublés d’après les inventaires d’époque, est proposée en immersion à travers différents parcours sonores. Les visiteurs sont également invités à parcourir les fastueux salons d’apparat du XIXème siècle puis à contempler l’une des plus belles vues de Paris depuis la loggia. L’Hôtel de la Marine accueille également la prestigieuse collection Al Thani, réunissant des pièces exceptionnelles issues de différentes civilisations. Pour toute information, rendez-vous sur

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LAINE ET TAPISSERIE

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Le petit Quizz

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CéRAMIQUE

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CHATEAU DE VINCENNES

Musée desArts Décoratifs

VERRE

VERRE Musée des Arts Décoratifs

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

Parcours dans les collections

LE MUSéE DES ARTS décoratifs

LE VERRE EN 5 œuvres

UNE Activité à réaliser en classe

Né du sable et du feu, le verre a toujours suscité l’émerveillement. Tout à la fois dur et fragile, opaque ou transparent il se prête à différentes formes, différents usages, différents décors selon les époques et les cultures. De la Renaissance au 21e siècle, le verre est un matériau très représenté dans les collections du Musée des Arts Décoratifs. Verres à boire, vases, bijoux, objets décoratifs mais aussi miroirs et vitraux sont à découvrir dans les salles historiques du musée.

3. L’opaline

5. Objet de verre

4. Le vitrail

1. Le verre vénitien

En savoir plus

2. Le verre de Bohême

Ce verre à boire a plus de 400 ans. Sa matière est pure, fine, légère, transparente et ses formes sont très harmonieuses. Il est réalisé par soufflage à l’aide d’une canne creuse portée à la bouche. L’exercice nécessite une grande maîtrise et beaucoup d’expérience. Il est construit en trois parties ensuite assemblées à chaud. Si son titre est verre « à jambe », on utilise aujourd’hui le terme de verre « à pied ».

Dès la seconde moitié du 15e siècle, les verriers vénitiens (Venise – Italie) installés dans l’île de Murano, mettent au point une nouvelle composition de verre. Très pure et transparente, ils l’appellent « cristallo » en référence au cristal de roche. Cette invention, suivie d’autres évolutions techniques, permet à la verrerie vénitienne de s’imposer économiquement et de dominer le goût européen pendant deux siècles.

En savoir plus

1. Le verre vénitien / Renaissance

Le pot trompeur ou pot à illusion, est un objet plein de surprise. On doit le regarder attentivement pour comprendre son utilisation. Il faut suivre le long tube de verre qui part du fond et forme l’anse puis la paille pour comprendre qu’il faut aspirer pour boire l’eau qu’il contient. La réalisation de ce pot fait appel à une grande maîtrise du geste de l’artisan verrier. La forme est complexe. Le décor est réalisé « à la pince » (le long de l’anse et de l’ouverture) et « à la roue » (frises de motifs floraux).

Le verre vénitien était pour sa pureté et sa transparence, comparé au cristal de roche. On peut aussi comparer le verre de Bohême (Europe Centrale) à ce minéral mais pour d’autres raisons : il en a le poids et la dureté. Ces nouvelles propriétés permettent la création de décors à froid en travaillant directement dans l’épaisseur de la matière. Connue dès l’Antiquité et inspirée du travail des graveurs de pierres précieuses, la « gravure à la roue » est un procédé qui consiste à actionner (autrefois par un pédalier et aujourd’hui par un petit moteur électrique) un outil dont l’extrémité porte une roue verticale en cuivre. Le frottement de la roue enlève de la matière et crée un décor qui joue sur le contraste de transparence et d’opacité. De Prague, la technique se diffuse dans l’ensemble des pays germaniques.

2. Le verre de Bohême / 17e et 18e siècles

Ce grand vase en opaline est d’une forme simple directement inspirée de l’Antiquité. Il est posé sur une monture en bronze doré qui assure son équilibre. Deux anses en bronze doré représentant des serpents permettent de s’en saisir. L’animal dont la forme s’apparente à une ligne que l’on peut tordre selon sa fantaisie et les besoins de l’objet, est souvent utilisé dans les arts décoratifs de cette période.

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L’opaline est un verre précieux à l’aspect laiteux et irisé. Elle tire son nom de l’opale, une roche très appréciée dans la création de bijoux précieux. Sa couleur est teintée dans le verre et non appliquée sur sa surface. C’est dans la première moitié du 19e siècle que l’on voit se multiplier les vases, coupes, flacons dans des teintes de blanc mais aussi de bleu turquoise ou de rose.

3. L’opaline / 19e siècle

Ce vitrail représente le printemps. Une jeune femme récolte dans un jardin, les fruits d’un arbre en fleurs. Symboles de la saison et de l’art nouveau : l’iris et l’hirondelle apportent des touches de couleurs plus fortes à la composition. Les formes sont stylisées et les couleurs douces. Elles sont serties par un filet de plomb qui maintient les différents morceaux de verre coloré à la manière d’une mosaïque ou d’un puzzle.

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Le vitrail désigne une technique qui consiste à assembler des pièces de verre blanches ou colorées, avec ou sans décor. C’est dans les cathédrales gothiques de la fin du Moyen Âge que l’on peut observer les plus nombreux et les plus impressionnants vitraux. Tout au long de son histoire, le verre est intimement associé à la lumière. Au 20e siècle, les progrès techniques permettent la réalisation de surfaces de verre plus grandes et plus résistantes. Les architectures se couvrent de toits de verre et de verrières pour laisser entrer la lumière. La fée électricité amène la lumière au cœur des habitations et les créateurs rivalisent d’ingéniosité pour la réalisation de lampes de verre aux formes et couleurs inspirés de la nature.

4. LE vitrail à l’Art Nouveau

La splendeur des coraux, la souplesse des algues et la beauté de certains coquillages inspirent l’artiste pour la création d’objets de verre qui rejoignent la lignée vénitienne de légèreté, de souplesse et de fragilité du matériau verre.

Au cours du 20e siècle, des ateliers individuels se multiplient et permettent des pratiques plus libres des techniques traditionnelles du verre. Les créateurs, souvent formés dans des écoles d’art, d’architecture et de design, élargissent leur champ d’activité. Si le verre est toujours utilisé pour fabriquer des objets utiles, il est aussi une matière à sculpter pour réaliser des objets pleins de poésie. Les surfaces, les textures, les brillances et les couleurs font l’originalité de ces œuvres.

5. Objet de verre à la période contemporaine

Rencontre avec Aurélie Règue au Lycée de Nehou. Tourné le mardi 26 janvier 2021 en live steaming.

/!\ Cette vidéo présente le savoir-faire de souffleur de verre. Pour toute information sur les formations menant à ce métier, nous vous conseillons de vous adresser directement à l'établissement de formation partenaire.

Découverte des savoir-faire

Atelier Luc-Benoît Brouard vitrailliste

Atelier froid, taille de cristal / Saint Louis © Benoît Teillet

Atelier chaud / Saint Louis © Benoît Teillet

Vitrailliste

Atelier froid

Atelier chaud

établissement de formation partenaire

Site des Feuillantines : 4 rue des Feuillantines 75005 Paris Site rue Friant : 19 rue Friant 75014 Paris

• CAP Arts et Techniques du verre Options Vitrail et Décoration sur verre
• BMA Verrier décorateur
• DNMADE

Lycée Lucas de Nehou

VERRE Château de Vincennes

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

LE Vitrail EN 4 œuvres

LE château de vincennes

Parcours dans les collections

4. La rose occidentale

2. La mer changée en sang

1. Verrière du chœur de la Sainte-Chapelle de Vincennes

3. Henri II

La verrière du chœur de la Sainte-Chapelle est une création du peintre verrier Nicolas Beaurain au XVIe siècle. Elle illustre l’Apocalypse de saint Jean. Ces panneaux témoignent de l’évolution de l’art du vitrail au XVIe siècle : la virtuosité du dessin l’emporte sur le jeu des couleurs. La précision des décors traités en perspective, le rendu des mouvements, la justesse anatomique relèvent de l’art de la Renaissance. Certains vitraux sont encore d’origine.

1. Verrière du chœur de la Sainte-Chapelle de Vincennes

Détail d’une des baies de la verrière du chœur, elle représente la vision apocalyptique de la mer changée en sang. La scène montre un ange annonciateur qui sonne de la trompette puis une montagne de feu tombe dans la mer et toutes les créatures vivantes des eaux ainsi que les bateaux périssent. Les versets correspondant de l’Apocalypse sont repris sur un phylactère sous la scène. La technique du verre peint utilisée est la même sur toutes les baies.

2. La mer changée en sang

Au milieu du XVIe siècle, Henri II commande à son architecte Philibert Delorme d’achever le chantier de la Sainte-Chapelle entamé par Charles V et poursuivi bien plus tard par François 1er, le père d’Henri II. Son règne est marqué de plusieurs chantiers artistiques dont celui de la pose des verrières de cette Sainte-Chapelle. Habituel pour les commanditaires, il est représenté en prière sur la baie centrale du chœur, en tenue de l’ordre de Saint Michel, ordre de chevalerie dont il établit le siège à Vincennes.

3. Henri II

Les vitraux de la nef ont été détruits et remplacés à plusieurs reprises au cours de l’histoire de la Sainte-Chapelle. Les vitraux actuels sont des créations du milieu du XXe siècle. La rose reprend les mêmes verres blancs et teintés que les vitraux de la nef. On retrouve les mêmes motifs dont les chiffres d’Henri II aux extrémités de chaque flamme qui ont été choisis pour intégrer une continuité iconographique avec le reste de la nef.

4. La rose occidentale de la Sainte-Chapelle

Rencontre avec Aurélie Règue au Lycée de Nehou. Tourné le mardi 26 janvier 2021 en live steaming.

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Lycée Lucas de Nehou

BOIS

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

Parcours dans les collections

LE BOISEN 5 œuvres

Le MUSéE DES ARTS décoratifs

Visuel à insérer

UNE Activité à réaliser en classe

1. L’Intarsia

2. De l’ébène à l’ébéniste

3. Le décor en frisage

Du coffre à l’armoire et de la commode au fauteuil, le bois est utilisé du Moyen Age à nos jours pour la construction du mobilier. Le bois est aussi matière à décor pour la réalisation de panneaux muraux (boiseries) en bois sculpté, peint ou doré. Si le chêne et le pin servent à la fabrication du bâti ou ossature des meubles, l’ébène, l’acajou et le palissandre sont des bois précieux utilisés pour l’élaboration de très beaux décors.

5. La marqueterie aujourd’hui

4. La marqueterie Art Déco

Ce petit panneau de bois donne l’illusion d’une porte qui s’ouvre pour nous laisser entrevoir des livres et une mandoline, instrument de musique très à la mode au 16e siècle. L’artisan compose son tableau par incrustation de pièces de bois choisies pour leurs contrastes colorés du miel doré au brun le plus foncé. Ces objets symbolisent les arts et le savoir à une période où l’on cherche à comprendre le monde en s’appuyant sur l’observation, les sciences, la redécouverte de l’Antiquité.

La marqueterie est une technique de décoration du mobilier qui trouve son origine dans l’intarsia. Utilisée pour la décoration d’objets en bois, ce procédé venu d’Italie consiste à creuser le bois pour y incruster d’autres matières souvent plus précieuses. Rares et luxueuses, ces matières proviennent de pays lointains. Elles peuvent être d’origine végétale comme le bois d’ébène (de couleur noire) et le bois d’acajou (de couleur rouge orangé), minérale (pierres dures), métallique (cuivre, laiton, étain) mais aussi animale comme l’écaille de tortue et la nacre (coquillage).

1. L’Intarsia / 16e siècle

2. DE L’ÉBÈNE À L’ÉBÉNISTE / 17E ET 18E SIÈCLES

Toute la surface de cette grande armoire est recouverte d’une marqueterie de cuivre (métal doré) et d’écaille de tortue. Dans une composition ordonnée et parfaitement symétrique, les lignes s’étirent, s’enroulent et s’entrecroisent pour former de gracieux entrelacs et de belles arabesques.

Arrivés d’Allemagne et des Pays Bas à l’invitation du roi Henri IV, les artisans développent au début du 17e siècle une nouvelle technique de décoration du mobilier appelée « placage ». Les « menuisiers en ébène », ensuite appelés « ébénistes », recouvrent le meuble en bois solide (chêne, pin) de très fines feuilles d’ébène (bois très dur et d’un noir intense). Elles sont plaquées puis décorées par le travail de la gravure. L'ébéniste André-Charles Boulle met au point au début du 18e siècle une technique de marqueterie qui portera son nom. Elle consiste à superposer et découper dans un même temps et un même mouvement des matériaux pour obtenir un décor en « partie et contre-partie » ou en « positif et négatif ».

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3. DÉCOR EN FRISAGE / 18E SIÈCLE

Cette commode est sans doute la plus grande du 18e siècle français. Elle mesure près de trois mètres de long. La découpe de son plateau de marbre est un tour de force ! Le meuble ne repose que sur quatre pieds protégés par des bronzes dorés en forme de pattes d’ours. Le meuble comporte quatre grands tiroirs et dans les coins deux petites armoires. Son décor est constitué d’un frisage en mosaïque de palissandre (bois précieux).

Le frisage est une technique de marqueterie. L’ébéniste joue avec fils ou lignes du bois pour obtenir des décors purement géométriques comme les motifs à « cubes », ou encore en « pointe de diamant ».

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4. LA MARQUETERIE ART DÉCO

Les formes géométriques simples (rectangle et ovale) de ce petit meuble de rangement appelé « cabinet » tranche avec l’importance du décor central réalisé en ivoire (blanc) et en ébène (noir). Symbole de la période Art déco, ce motif de vase fleuri est constitué, à la manière d’un puzzle, de pièces ajustées les unes aux autres.

L’Art déco est un mouvement artistique qui apparait en France à partir de 1910. Il se caractérise par l’utilisation de formes géométriques, de lignes droites et des aplats de couleurs fortes et contrastées. Les objets se veulent pratiques pour correspondre à un mode de vie plus moderne. Si de nouveaux matériaux issus de l’industrie comme le tube de métal font leur apparition dans le mobilier, les matières précieuses sont très appréciées. L’art du placage continue à séduire les créateurs. L’utilisation des peaux du serpent au requin (galuchat) sont à la mode !

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5. LA MARQUETERIE AUJOURD’HUI

Le cabinet cloudInChest, est composé de près de trois mille pièces de seize essences de bois différentes, toutes découpées à la main. Elles épousent le volume du meuble dont les formes évoquent les facettes du diamant. Un nuage pixellisé nous apparaît en mouvement et nous invite au voyage.

Si la marqueterie est une technique ancienne, elle est aujourd’hui encore très vivante. De jeunes designers, créateurs, s’en emparent pour la réinterpréter avec des formes nouvelles. Ils allient parfois la tradition du geste aux nouvelles technologies.

Rencontre avec Carole Szwarc pour une démonstration de marqueterie au sein de son atelier Tourné le vendredi 29 janvier 2021 en live steaming.

/!\ Cette vidéo présente le savoir-faire d'ébéniste. Pour toute information sur les formations menant à ce métier, nous vous conseillons de vous adresser directement aux établissements de formation partenaires.

Découverte des savoir-faire

Anne Le Corno © Nicolas Lascourrèges

Atelier Henri Desgrippes, restaurateur de meubles anciens © Alexis Lecomte, INMA

Michel Jamet, ébéniste, restaurateur © Magali Delporte, Picturetank, INMA

Marqueteur

Restaurateur de meubles

Ébéniste

20, rue Bourseul 75015 Paris ac-aris.fr/serail/jcms/s2_101772/accueil

• BAC PRO Agencement de l’Espace Architectural
• BAC PRO Technicien de fabrication bois et matériaux associés
• BTS Développement et Réalisation Bois
• BTS Étude Réalisation d’Agencement

Lycée des méters du bois Leonard de Vinci

200 bis boulevard Voltaire 75011 Paris labonnegraine.org/ecole.html

• CAP et BMA Ébenisterie
• CAP Menuiserie en siège

Ecole d’ameublement de Paris – La Bonne Graine

4 rue de Bretagne 92600 Asnières-sus-Seine lyc-prony-asnieres.ac-versailles.fr

• CAP et BAC PRO Ebénisterie

Lycée Prony

12 rue de la Liberté 93200 Saint-Denis www.bartholdi93.fr

• CAP Menuisier fabricant de menuiserie, mobilier et agencement
• BAC PRO Technicien menuisier-agenceur

Lycée Bartholdi

établissementS de formation partenaireS

9 rue Pierre Bourdan 75012 Paris ecole-boulle.org

• FMA (2de, 1re, terminale)
• CAP, BMA et DMA Ebénisterie
• DNMADE

Ecole Boulle

PAPIER

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

LE papierEN 5 œuvres

Parcours dans les collections

Le MUSéE DES ARTS décoratifs

Visuel à insérer

UNE Activité à réaliser en classe

4. Yoshiume

2. Papier peint "Jardin d’hiver”

1. Estampe coloriée à l’aquarelle

3. J.J. Bourassé

Fabriqué à partir de fibres naturelles, réduites en une pâte que l’on étend et sèche pour former une feuille, le papier se prête à de multiples utilisations dans les collections du Musée des Arts Décoratifs. A la Bibliothèque, associé à l’objet livre, le papier se décline dans différents formats, grammages, couleurs … Matériau de base dans le domaine des arts graphiques (dessin, papier peint, affiche, photographie...), on le retrouve aussi dans le mobilier sous forme de papier mâché ou de carton.

5. Robert Sabuta

Le terme estampe, de l’italien stampa (impression, presse), désigne toute impression réalisée à l’encre sur un support souple à partir d’une plaque de bois ou de métal, gravée, appelée matrice. La coloration était réalisée grâce à l’aquarelle : une technique de peinture à l’eau avec des couleurs transparentes, ayant le moins d’épaisseur possible.

L’histoire de l’objet et son contexte de création L’estampe, appelée aussi gravure, apparaît à l’aube du XVe siècle. Elle marque un tournant dans l’histoire de l’art en Occident parce qu’elle permettait pour la première fois aux artistes de reproduire et de diffuser leurs œuvres d’art.

1. Estampe coloriée à l’aquarelle

Ce papier peint fut présenté par Jules Desfossé aux Expositions universelles de 1855 et de 1862. Sa présence lors de ces deux manifestations prestigieuses illustre l’engouement de l’époque pour les jardins d’hiver et les serres dont la mode fit fureur à Paris sous le Second Empire. Ces constructions de métal et de verre destinées à entreposer des espèces botaniques rares firent entrer la nature dans les intérieurs mais à un prix très élevé. Sous forme de trompe l’œil, ce type de papiers peints répondait à cette envie de nature chez soi mais à moindre frais.

L’histoire de l’objet et son contexte de création L’histoire du papier peint naît en Chine, dès le XIIIe siècle, où les murs des riches demeures étaient ornés de papiers peints à la main. Importés en Europe au XVIe siècle, ces papiers peints vont être concurrencés par les “dominos” : des rectangles de papier imprimés à la planche puis coloriés au pinceau ou au pochoir. Leur usage est multiple : orner le mur d’abord, mais aussi décorer des meubles et des boîtes, ainsi que la couverture des livres. Dès le début du XVIIIe siècle, en Angleterre, on commence à coller les feuilles les unes au bout des autres pour former un rouleau, avant de les imprimer. C'est la naissance du papier peint tel que nous le connaissons.

2. Papier peint ” Jardin d’hiver”

La “distribution des prix” à la fin de l’année scolaire était une très ancienne cérémonie en France. Les meilleurs élèves étaient félicités devant tous et recevaient un livre. La reliure de celui-ci devait être attirante d’où souvent la présence d’une chromolithographie. Mais le décor n’avait pas forcément de rapport avec le titre ou le sujet du livre.

L’histoire de l’objet et son contexte de création En 1833 la loi Guizot impose à toutes les communes de France de plus de 500 habitants, l’ouverture d’une école pour garçons, et pour les villes de plus de 800 habitants, une école de filles. L’ouverture de ces écoles multiplie les besoins en livres. Ces derniers doivent être variés et ne pas coûter trop chers. C'est le début des reliures industrielles.

3. J.J. Bourassé

A la fin du XVIe siècle, une mode venue d’Allemagne utilisa les papiers marbrés pour recouvrir les livres d’amis. Il s'agissait de cahiers permettant aux voyageurs de recueillir des signatures, des dessins ou des petits textes écrits par des amis rencontrés au cours de leur voyage. Ils y notaient aussi leurs impressions et les principaux évènements auxquels ils assistaient.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Les papiers “marbrés” sont des papiers décorés dont les motifs imitent ceux du marbre ou d'autres roches, et qui sont utilisés notamment en reliure. Ils sont nés au Japon, au XIIe siècle, sous le nom de Suminagashishi, ce qui veut dire “ l’encre qui flotte sur l’eau”. La technique arrive en Occident au XVIe siècle : elle consiste à faire flotter de l’encre sur l’eau puis à déposer sur la surface de l’eau une feuille de papier sur laquelle l’encre se fixe.

4. Yoshiume

Le terme pop-up vient de l’anglais : surgir. Un pop-up est un élément qui se déploie à l'ouverture d'une page : un décor qui se met en place, la tête d’un cerf qui se déploie, etc.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Les livres, animés par des mécanismes développant en volume ou mettant en mouvements certains de ses éléments par des jeux de tirettes ou de disques, apparaissent au Moyen Âge, avant l’imprimerie, et s’adressent à des adultes. Il s’agit de manuscrits scientifiques ou religieux. Au XVIIIe siècle naît l’idée d’une littérature spécifique pour la jeunesse et les livres animés, appelés aussi livres à systèmes, vont s’adapter à ce nouveau public. Le but : que les enfants apprennent en s’amusant !

5. Robert Sabuta

En parteneriat avec la Bibliothèque du Musée des Arts Décoratifs

Relieur

Découverte des savoir-faire

Marbreur sur papier

Fabricant de papier

Dominotier - fabricant de papier peint

61, rue Corvisart 75013 PARIS 63 rue du Moulinet 75013 PARIS lycee-corvisart-tolbiac.fr

• CAP
• Bac Pro
• BMA

Lycée des arts graphiques et du livre de Paris - Sites Corvisart et Tolbiac

établissementS de formation partenaireS

18 boulevard Auguste Blanqui 75013 Paris www.ecole-estienne.paris

• DNMADE

Ecole Estienne

HôTEL DE LA MARINE

LAINE ET TAPISSERIE

Musée desArts Décoratifs

LAINE ET TAPISSERIE

Parcours dans les collections

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Découverte des savoir-faire

LA tapisserieEN 5 œuvres

Parcours dans les collections

Le MUSéE DES ARTS décoratifs

Visuel à insérer

UNE Activité à réaliser en classe

4. Le carton de tapisserie

3. La tapisserie de la Savonnerie

2. La tapisserie de haute lisse ou de basse lisse

1. La tapisserie au Moyen Âge

La tapisserie, c’est l’art d’entrelacer les fils. Fabriqué à la main ou sur un métier à tisser, ce tissu peut prendre la forme de tentures installées aux murs pour décorer ou réchauffer la pièce ou de garnitures pour les sièges. Les sujets qui les décorent suivent l’évolution du goût et des créateurs à travers le temps. Elles ponctuent le parcours de visite des collections historiques du musée des arts décoratifs du Moyen Âge à nos jours.

5. La tapisserie contemporaine

Le thème de cette tenture est inspiré par le roman courtois très à la mode au Moyen Âge. La représentation de cette scène avec ses couleurs vives et la précision du dessin font penser aux enluminures. La richesse des matériaux utilisés pour sa fabrication (laine, soie et fils d’or) la destine à une élite. La tapisserie forme, avec les manuscrits enluminés, les bijoux et autres pièces d’orfèvrerie, le trésor des puissants, l’enjeu de rivalité entre les grands princes et monarques européens.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Dès le XIVe siècle, la tapisserie constitue un des éléments essentiels du mobilier des châteaux. Outre leurs vocations décoratives, ces tentures servent à protéger du froid ou des trop grandes chaleurs, arrêtent les vents et atténuent les courants d’air. A cette époque l’insécurité permanente contraint les plus fortunés à se déplacer fréquemment d’une résidence à une autre. Ils emportent avec eux, dans des coffres, les tapisseries pliées, les armes, les vêtements et les objets précieux.

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1. La tapisserie au Moyen Âge

La tapisserie résulte de l’entrecroisement de fils de trame colorés sur une armature en fils de chaîne. Il existe deux types de métiers à tapisserie : le métier dit de haute lisse, vertical, et le métier de basse lisse, horizontal. Dans les deux cas, le principe est le même : d’abord, le lissier tend des fils de chaîne entre deux rouleaux, appelés ensouples. Puis, à l’aide de navettes ou de flutes, il passe les fils de trame colorés, entre les fils de chaîne pairs et impairs. À l’aide d’un peigne, il tasse les fils de trame de façon à couvrir totalement l’armature de fils de chaîne. Un tissage fin et serré est signe de qualité. Il est assez difficile de reconnaître une tapisserie de haute lisse d’une tapisserie de basse lisse.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Cette tapisserie a été créée au début de la période Art déco. Ce style puise son inspiration dans un large éventail de références artistiques, ici il s’agit du Classicisme. Composée dans un cadre ovale, très à la mode au XVIIIe siècle, le sujet de la nature morte est traité de façon classique : une corbeille de fruits surmontée de deux colombes, le tout encadré par une paire de rideaux drapés dans un esprit théâtral et composés en symétrie.

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2. La tapisserie de haute lisse ou de basse lisse

À la Savonnerie, les lissiers exécutent des tapis. La technique de fabrication est celle du point noué dit « de Turquie ». Sur un métier à tisser vertical, l’artisan fait des boucles qu’il coupe ensuite pour obtenir un velours. Sous Louis XIV, la manufacture livre également des garnitures de meubles et des paravents. Cette production, exclusivement réservée au roi, sert à l'ameublement des résidences royales ou à des cadeaux diplomatiques.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Depuis l'Antiquité jusqu'à la fin du Moyen Âge, l'assise était constituée par des coussins amovibles. A partir du XVIIe siècle, la recherche du confort développe les garnitures rembourrées fixées sur la structure du siège en bois en contact avec le corps (assise, dossier, parfois les accoudoirs). Le style de la Savonnerie au début du XVIIIe se caractérise par des fleurs stylisées se détachant sur un fond sombre. La tapisserie étant un matériau coûteux, elle est réservée aux parties visibles du siège. Elle est maintenue par des rangées bien alignées de clous dorés. Quant à sa face arrière, elle est tendue d’un tissu léger en coton. Ce type de fauteuil à dossier plat est destiné à être placé contre les murs et à ne pas bouger. Il donne une certaine solennité à la décoration du logement.

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3. La tapisserie de la Savonnerie

Pour réaliser une tapisserie, il faut d’abord un modèle. Il s’agit d’un dessin ou d’une peinture qui donne les éléments principaux de la composition. Cette première maquette est ensuite agrandie aux dimensions souhaitées de la future tapisserie. C’est ce document, appelé carton, qui va guider le lissier pour l’exécution de la tapisserie. Si le modèle est souvent l’œuvre d’un artiste célèbre, la réalisation du carton est confiée à des artisans spécialisés dans cette tâche. Par souci d’économie, il est fréquent que les lissiers réutilisent d’anciens cartons qu’ils assemblent et modifient pour former de nouvelles compositions. À partir du carton, le lissier évalue la quantité de matériaux (laine, soie, fils d’or et d’argent) dont il a besoin. On appelle cette opération le kilotage. Une fois ces étapes préliminaires réalisées, le tissage proprement dit peut commencer.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Dans le dernier tiers du XVIIIe siècle apparaît un nouveau style de tapisserie. Elles sont décorées de motifs décoratifs à guirlandes de feuillages, bouquets et médaillons qui s’organisent en symétrie. Les cartons sont produits en nombre dans les ateliers qui les utilisent à la fois pour des tapisseries destinées à orner les murs de salons ou de salles de bal et pour la couverture de fauteuils et canapés.

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4. Le carton de tapisserie

Cette tapisserie fait partie d’une série de neuf tissages formant une collection appelée « WovenMovie ». Chacune des œuvres qui la compose présente un « capteur de couleurs » sous la forme de boursouflures tissées en trois dimensions, de façon à mieux attirer la lumière. Chaque tapisserie est imaginée pour être vue à une heure précise de la journée indiquée dans le titre. Elles peuvent être regardées individuellement ou l’une après l’autre, dans un ordre séquentiel, tel un film. « WovenMovie » peut être traduit en français par « Le film tissé ».

L’histoire de l’objet et son contexte de création Sous l’impulsion des recherches innovantes de l’atelier de tissage du Bauhaus, la tapisserie moderne est un art vivant et créatif en permanente évolution. Les artisans et artistes se sont emparés des techniques traditionnelles européennes de la tapisserie en y introduisant des sources d’inspirations d’autres cultures, en y mêlant toutes les techniques se rapportant au textile, en utilisant des matériaux inédits tels que le plastique, le papier… Sans solliciter l’aide d’un lissier, et même sans carton, ils fabriquent des œuvres qui se développent bien souvent en trois dimensions. Elles se placent à mi-chemin entre la sculpture et l’installation.

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5. La tapisserie contemporaine

TAPISSERIE

Parcours dans les collections

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LA tapisserieEN 3 œuvres

L'hôtel de la marine

Parcours dans les collections

3. Tapis de la Savonnerie

2. Fauteuil

1. Lit à la polonaise

Dans les collections de l’Hôtel de la Marine :

La réalisation de cet immense parterre de laine fut confiée aux ateliers des familles Lourdet et Dupont au sein de la manufacture royale. Le modèle des dessins fut donné par les peintres attachés à l’administration des Bâtiments du Roi, qui travaillaient sous la direction du peintre Charles Le Brun et de l’architecte Louis Le Vau.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Ce tapis fut commandé à la manufacture de la Savonnerie par Colbert pour Louis XIV, avec 92 autres tapis, tous d’environ neuf mètres de long. Tissés à partir de 1671 pour couvrir les parquets de la grande galerie du Bord-de-l’eau au Palais du Louvre, ces tapis velours extrêmement luxueux, étaient réservés au roi. Tous étaient composés selon un même dessin sur fond noir, mêlant ornements classiques, symbolique royale et motifs floraux. Ce tissage est l’une des plus étonnantes et ambitieuses entreprises du règne de Louis XIV.

1. Lit à la polonaise

La garniture de damas gris qui recouvre aujourd’hui ce fauteuil résulte d’un tissage moderne d’un modèle intitulé « Les Forgerons » par la manufacture de soieries Tassinari & Chatel, fondée en 1680 et toujours en activité. Afin d’obtenir une teinte semblable à ce que Thierry de Ville-d’Avray avait choisi en son temps, un méticuleux travail de peinture a été confié aux artisans Nicolas et Sébastien Reese.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Ce fauteuil en bois doré présente une structure et des motifs caractéristiques du style Louis XVI. Il porte l’estampille du prestigieux menuisier en sièges Georges Jacob, ce qui permet de le dater des années 1770-1790. Présenté à l’Hôtel de la Marine dans la chambre de l’Intendant du Garde-meuble de la Couronne, il évoque le mobilier de chambre dont Marc-Antoine Thierry de Ville-d’Avray avait passé commande auprès de Claude Sené, contemporain de Georges Jacob.

2. fauteuil

La réalisation de cet immense parterre de laine fut confiée aux ateliers des familles Lourdet et Dupont au sein de la manufacture royale. Le modèle des dessins fut donné par les peintres attachés à l’administration des Bâtiments du Roi, qui travaillaient sous la direction du peintre Charles Le Brun et de l’architecte Louis Le Vau.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Ce tapis fut commandé à la manufacture de la Savonnerie par Colbert pour Louis XIV, avec 92 autres tapis, tous d’environ neuf mètres de long. Tissés à partir de 1671 pour couvrir les parquets de la grande galerie du Bord-de-l’eau au Palais du Louvre, ces tapis velours extrêmement luxueux, étaient réservés au roi. Tous étaient composés selon un même dessin sur fond noir, mêlant ornements classiques, symbolique royale et motifs floraux. Ce tissage est l’une des plus étonnantes et ambitieuses entreprises du règne de Louis XIV.

3. tapis de la Savonnerie

Tapissier d’ameublement

Fabricant de tapis et/ou tapisseries - Lissier - Tufteur

Découverte des savoir-faire

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En savoir plus sur la laine

Tapissier d’ameublement

Fabricant de tapis et/ou tapisseries - Lissier - Tufteur

Découverte des savoir-faire

THE WOOLMARK COMPANY

Plus de vidéos :

- Qu'est-ce que la laine ? - La laine, fibre naturelle - Les propriétés de la laine - Les races de moutons - La tonte

Ressources documentaires

- Transformation de la laine - Industry Voices, Interview des createurs

• Colovos
• Edward Crutchley
• Roland Mouret
• Fashion Conversations
• Byborre

62 boulevard Devaux 78300 Poissy lyc-bolland-poissy.ac-versailles.fr

• BAC PRO Tapissier d’ameublement

Lycée Adrienne Bolland

2 rue de la Constituante 78500 Sartrouville lyc-verne-sartrouville.ac-versailles.fr

• CAP et BMA Broderie

Lycée Jules Verne

54 avenue de la Source 94130 Nogent-sur-Marne lasource-nogent.fr

• BAC PRO Tapissier d’ameublement
• DN MADE Créateur textile – Tissage
• DN MADE Créateur textile – Broderie

Lycée des métiers La Source

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Lycée Adrienne Bolland

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Lycée Jules Verne

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CéRAMIQUE

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LA céramiqueEN 5 œuvres

Parcours dans les collections

LE MUSéE DES ARTS décoratifs

Visuel à insérer

Activité à réaliser en classe

5. Assiette à dessert

C'est Marco Polo qui le premier compare, dans son Livre des merveilles paru en 1271, la nacre du petit coquillage “porcella” à la poterie blanche et translucide qui sera nommée porcelaine. Très recherchées pour leur beauté, les porcelaines sont d’abord importées de Chine où leur secret de fabrication est jalousement gardé. Dès le XVIe siècle, les Italiens essaient d’en fabriquer en petites quantités, mais ce n’est qu’au XVIIIe que les manufactures allemandes puis françaises en percent le mystère et adaptent formes et décors au goût européen. Dans les arts de la table ou sous forme d’objets décoratifs, la porcelaine rythme les vitrines du Musée des Arts décoratifs.

3. Vase

4. Vase ”Couronne”

1. Vase Jingdezhen

2. Saucière « Duplessis »

1. Vase Jingdezhen

Ce bleu profond est dû à l’oxyde de cobalt, un matériau alors beaucoup plus cher que l’or ou le thé. Il est appliqué au pinceau sur le corps cru, avant le passage au four, ce qui ne laisse aucune place à l'erreur pour le peintre.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Ce bleu foncé, mêlé au blanc de la porcelaine, est très évocateur pour les Yuan, ethnie d'origine mongole qui domina la Chine à partir de 1250. En effet, l'association de ces deux couleurs vient en écho à la légende qui aurait donné naissance au peuple mongol : la rencontre amoureuse entre un loup bleu et une biche blanche.

2. Saucière « Duplessis »

Évoquant une vague dont la frange d’écume soulignée de bleu s’enroule en volutes déchiquetées, en emportant sur son passage algues et coraux, cette saucière est un bel exemple de l’art rocaille et du savoir-faire des porcelainiers du XVIIIe siècle.

L’histoire de l’objet et son contexte de création En 1745, un privilège fut accordé à la manufacture de Vincennes pour concurrencer la production de porcelaine de Meissen, qui avait découvert le secret de la porcelaine chinoise et ce pour limiter les importations allemandes. La manufacture de Vincennes ne se contenta pas d’imiter la production de Meissen mais développa un style propre. Cette saucière a été réalisée en 1756, année où Louis XV, qui s’intéressait de très près à la production de porcelaine, racheta la manufacture de Vincennes pour l’implanter à Sèvres sur un terrain que possédait Madame de Pompadour, se rapprochant ainsi de la Cour établie à Versailles. La manufacture devint alors manufacture royale.

3. Vase

Depuis 1863, la maison Bernardaud perpétue à Limoges le travail de la porcelaine. Les créations s’inscrivent dans l’histoire et exigent, aujourd’hui comme hier, un travail minutieux et de nombreuses manipulations. La main, en effet, présente à toutes les étapes de la fabrication, est indispensable dans l’élaboration de chaque pièce.

L’histoire de l’objet et son contexte de création C’est la découverte de gisements de kaolin à Saint-Yrieix-la-Perche en 1765 qui décidera de la fabuleuse destinée de la porcelaine de Limoges. A la présence de cet or blanc d’extrême qualité, qui donnera à la porcelaine de Limoges sa blancheur translucide et sa dureté, s’ajoute également l’abondance de bois pour la cuisson, des cours d’eau qui peuvent alimenter les moulins ou encore d’une main-d’œuvre qualifiée et habile. Ainsi, les premières manufactures de porcelaine ne tardent pas à voir le jour en Limousin.

4. Vase ”Couronne”

Ce vase, couronné de boules en porcelaine évidées, se situe à la charnière entre l’objet utilitaire et l’objet-sculpture purement décoratif. Il est l’œuvre de Martin Zsekely, artiste spécialisé dans le mobilier. Sa vision de l’art part de la recherche de la plus simple expression possible de l’objet en tenant compte de ses fonctionnalités. L’année de la création de ce vase, en 1999, Martin Szkely est honoré du prix Alfred Danhill : Homme remarquable de l’année.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Depuis plusieurs années, la manufacture Bernardaud invite des créateurs, artistes ou designers, à découvrir les qualités de la porcelaine : une réflexion sur la forme ou le décor qui, grâce au savoir-faire des artisans de la manufacture, fait reculer les idées reçues sur une matière trop souvent cantonnée aux arts de la table.

5. Assiette à dessert

Cette assiette est décorée grâce à une chromolithographie, appelée plus simplement “chromo”. C’est une sorte de décalcomanie qui est appliquée directement sur l’assiette déjà cuite. Lors d'une nouvelle cuisson, les peintures utilisées s’intègrent définitivement à l’assiette.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Dans cette collection d’assiettes, baptisée "Euro Tropique", les frères Campana, deux designers brésiliens, ont choisi de surprendre non pas par la forme de l'objet mais plutôt par son aspect graphique. Toute la surface des assiettes ou presque est en effet occupée par des motifs aux formes multiples et aux couleurs bariolées leur conférant un aspect abstrait. Mais en observant de près ce kaléidoscope, on y reconnaît ours en peluche, alligators, dauphins ou poupées... Autant d'objets décalés qui peuplent l’univers créatif des Campana.

En parteneriat avec Bernardaud

Céramiste

Décorateur sur céramique

Découverte des savoir-faire

11 rue Dupetit-Thouars 75003 Paris duperre.org

• DNMADE

Ecole supérieure des arts appliqués Duperré

établissementS de formation partenaireS

MODE ET TEXTILE

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

LA MODE ET LE TEXTILEEN 5 œuvres

Parcours dans les collections

LE MUSéE DES ARTS décoratifs

Visuel à insérer

Activité à réaliser en classe

3. La plume

5. La laine

4. Le pli

1. La haute couture

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2. La broderie

D’origine végétale (coton, lin, chanvre), animale (mouton, lapin, lama, ver à soie…) ou encore minérale (or, argent), le fil est tissé selon différents procédés pour constituer une surface textile ou tissu. Laissé brut ou ennobli par d’autres techniques comme la broderie, le textile est utilisé dans la décoration intérieure (tentures, rideaux, garniture du mobilier) et dans la mode. Vêtements de tous les jours ou tenues de soirée, les collections du Musée des Arts Décoratifs témoignent de l’évolution de la mode et de la société du 17e siècle à nos jours.

1. LA HAUTE COUTURE

Thierry Mugler, créateur à l’imaginaire singulier, a révolutionné la mode, la haute couture et le parfum. Il s’est imposé comme l’un des couturiers les plus audacieux et les plus inventifs de son temps. Dans les années 1990, il contribue fortement à la renaissance de la haute couture par ses collections et son sens de la mise en scène de défilés spectaculaires. Pièce mémorable de cette collection, la fameuse robe fourreau-coquillage est celle dans laquelle est apparue récemment Cardi B, lors des Grammy Awards 2019.

La haute couture rassemble les maisons de couture de luxe. Pour être considérées comme une maison de couture, les marques doivent répondre à des critères très précis : les vêtements doivent être réalisés sur mesure, le travail fait à la main dans les ateliers de la maison, le personnel doit être d’au moins 20 personnes par atelier (broderie, plumasserie…), la maison doit proposer deux défilés par an (janvier et juillet) avec au moins 25 modèles par collection présentée. C’est ce qui distingue la haute couture du prêt à porter. On considère le couturier Charles-Frederick Worth (1825 – 1895) comme l’un des fondateurs de la haute couture parisienne.

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2. La broderie

Fourreau-bustier à traîne en velours noir “ailes de papillon” de la maison Lemarié (brodé de paillettes par Mr Pearl?)… Thierry Mugler s’inspire du monde animal pour ses créations fantastiques. Son bestiaire se compose de reptiles, d’insectes, d’oiseaux et de papillons. Ce modèle représente les gracieuses ailes du papillon aux couleurs chatoyantes.

A l’aiguille et à petits points, la broderie apporte un décor à une surface textile et magnifie tant les tissus utilisés pour la confection de vêtements haute couture que ceux plutôt dédiés à l’ameublement. Fil d’or et de soie, mais aussi perles et sequins ou encore rubans et passementeries dessinent de merveilleuses figures décoratives sur les œuvres textile du Musée des Arts Décoratifs.

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3. LA PLUME

Ce fourreau à corset articulé est orné d’écailles iridescentes brodées de cristaux, de diamants fantaisie, de plume et de crin de cheval. Il a été réalisé en collaboration avec le designer industriel Jean-Jacques Urcun et le corsetier sud-africain Mr Pearl. Chef d’œuvre de Mugler, ”La Chimère” est une créature mythologique, considérée comme l’une des robes haute couture les plus chères de l’histoire, tant sa réalisation a été longue et fastidieuse. Il a fallu deux ans pour créer cette robe, dont chaque écaille est réalisée et peinte à la main.

De faisan ou d’autruche, la plume peut être taillée, courbée, teintée… Elle est sublimée pour orner robes hautes couture et costumes de scène, chapeaux, éventails et chaussures. La plume est une matière délicate et fragile mais aussi, selon les espèces d’oiseaux, une matière protégée.

4. Le pli

Simone Pheulpin est une artiste singulière qui s’est formée elle-même. Elle crée des paysages textiles, véritables architectures de coton et d’épingles. Sa technique inédite repose sur le pliage minutieux et répétitif de bandes de coton non blanchi, non décati, issu de l’une des dernières manufactures vosgiennes.

Simone Pheulpin découpe ses bandelettes aux dimensions nécessaires et réalise ses volumes grâce à un long travail précis et exigeant d’empilement, d’enroulage, de pliage, de serrage denses. Ces structures complexes sont maintenues en leur cœur par des milliers d’épingles. Simone Pheulpin travaille sans dessin préparatoire ni maquette. Dans la nature, elle photographie ce qui l’inspirent. Par la suite, son imagination et sa maîtrise technique donnent corps à ces sculptures tout en délicatesse. La souplesse du matériau et le mouvement de superposition conduisent à des formes avec lesquelles jouent l’ombre et la lumière. Elles évoquent des coquillages ou des végétaux.

5. La laine

Jean-Paul Gaultier est un créateur connu pour mélanger les styles et les matières. Pour ce modèle, il joue sur le contraste d’un pull en laine chinée à col montant et à motif jacquard associé à une jupe longue en taffetas.

La laine est une fibre textile naturelle issue de la toison d’animaux comme le mouton, la chèvre angora, l’alpaga ou encore le lapin. Cette matière possède des qualités multiples : elle isole du froid comme du chaud, elle absorbe bien l’humidité et s’imprègne facilement de teinture. La finesse, la douceur, la solidité, la chaleur de la laine font sa valeur et varient selon l’origine animale. Plus douce, plus rare et plus chère que l’alpaga ou le cachemire, la vigogne est la plus luxueuse. Pour fabriquer un fil de laine, la toison récupérée après la tonte est lavée, puis peignée, étirée, filée et éventuellement colorée. Ensuite ce fil est mis en pelote ou écheveau. Il peut être tissé, tricoté ou encore crocheté. Dans le domaine de la mode, l’incroyable diversité de l’utilisation de cette matière “noble” est sans pareil.

Rencontre avec l'Atelier Bizet pour une démonstration de broderie. Tourné le mardi 26 janvier 2021 en live steaming.

En savoir plus sur la laine

Les métiers des Maisons d'Art de Chanel

En parteneriat avec la Maison Lesage et la Maison Lemarié.

Les métiers des Maisons d'Art de Chanel

© Maison Lemarié - Delphine Achard

© Maison Lemarié - Vincent Lappartient

© Maison Lesage

Découverte des savoir-faire

Brodeur

Couturier

Plumassier

Parurier floral

9 rue Octave Feuillet 75016 Paris lyc-octave-feuillet.scola.ac-paris.fr

• CAP Mode et chapellerie
• CAP Fleuriste en fleurs artificielles
• CAP Plumasserie

Lycée Octave Feuillet

54 avenue de la Source 94130 Nogent-sur-Marne lasource-nogent.fr

• DN MADE Broderie

Lycée des métiers La Source

2 rue de la Constituante 78500 Sartrouville lyc-verne-sartrouville.ac-versailles. fr

• CAP et BMA Broderie

Lycée Jules Verne

19 rue des Taillandiers 75011 Paris lycee-paul-poiret.org/mode_a_paris

• BAC Pro Métiers de la mode vêtements
• DN MADE

Lycée Paul Poiret

établissements de formation partenaires

11 rue Dupetit-Thouars 75003 Paris duperre.org

• DN MADE

Ecole supérieure des arts appliqués Duperré

CUIR

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

Le cuirEN 5 œuvres

Parcours dans les collections

LE MUSéE DES ARTS décoratifs

Visuel à insérer

Activité à réaliser en classe

5. Bracelet “Kelly Double Tour”

Chaussures, vêtements, maroquinerie, livres, revêtement d’objets et de meubles, le cuir est un matériau qui se décline à travers les époques, de la mode aux arts décoratifs. Si les cuirs employés sont le plus souvent d’origine bovine, ovine ou porcine, les créateurs peuvent également choisir des peaux d’autruche, de serpent, de crocodile ou de poisson, comme la raie, tant pour leurs propriétés de résistance, de confort que pour leurs qualités décoratives.

3. Chaise

4. Sac à main “ Ring”

1. Coffret de Meissen

2. Bottines boutonnées

1. Coffret de Meissen

Ce coffret permettait de transporter en toute sécurité un service à café en porcelaine lors de voyages. Il a été réalisé par un gainier. Le métier de gainier consistait autrefois à réaliser des gaines et des fourreaux en cuir pour recevoir et protéger épées, sabres et poignards. Aujourd’hui, le gainier habille de cuir toute sorte de supports comme des petites boîtes ou des flacons.

Le maroquin est un cuir de chèvre, de chevreau ou de mouton qui a été tanné au sumac (le tanin est extrait d’un arbuste des régions chaudes) ou à la noix de galle (excroissance produite sur le chêne par la piqûre d’un insecte et qui produit un tannin noir). Il est originaire du Maroc, d’où son nom, et fut importé en Europe, dès le XVIe siècle. Il est alors considéré comme le cuir le plus prestigieux.

2. Bottines boutonnées

Après la Révolution Française, les talons hauts sont moins à la mode car considérés comme un signe distinctif de noblesse. Ils ne réapparaissent qu’au milieu du XIXème siècle lorsqu’un chausseur crée des bottines à talon pour la reine Victoria de Grande-Bretagne. L’industrialisation, l’invention de la machine à coudre et autres innovations techniques permettent alors une production plus importante et moins chère des chaussures. C’est le triomphe des bottines !

Pour une plus grande résistance, les chaussures sont généralement fabriquées avec du cuir de bovins (vache - veau). Si les cuirs du chevreau et de l’agneau sont aussi couramment utilisés pour leur belle souplesse, les cuirs d’autres animaux, parfois inattendus, servent à la réalisation des chaussures : c’est le cas de l’antilope.

3. Chaise

Le galuchat est la peau de variétés de raies ou de requins. Ce cuir, rare et précieux, est extrêmement résistant. C'est au Japon, dès la fin du VIIIe siècle, que l’on trouve les premiers objets gainés en “peau de chien de mer”. Le matériau tire son nom de Jean-Claude Galluchat, célèbre gainier sous le roi Louis XV. Dès le XVIIIe siècle cette peau est très recherchée pour réaliser le décor de petits coffrets précieux mais aussi d’instrument scientifiques.

En 1910, le créateur Paul Iribe récupère un ancien stock de galuchat. Il dessine un meuble et demande à son ami Clément Rousseau, ébéniste, de le réaliser avec ces peaux. Clément Rousseau ne sait alors rien des techniques complexes nécessaires au traitement du galuchat. Il va donc redécouvrir par lui-même tout un savoir-faire au fil de très nombreuses heures de travail et d’expérimentations, pour devenir l'un des artistes les plus talentueux dans cet art.

4. Sac à main "Ring"

Avec le développement des voyages, à la fin du XIXème siècle, l’industrie du bagage connaît un véritable essor. On voit alors apparaître de plus en plus de sacs, de toutes tailles. Y compris des sacs à main conçus pour voyager. Pour plus de solidité, ils sont réalisés en cuir. Souvent équipés d’une poignée pour être facilement transportés et ils se ferment, permettant ainsi aux femmes d’emporter leurs effets personnels en toute discrétion.

Le pangolin est un mammifère recouvert d’écailles. Le cuir provient de son dos et la trace de ces écailles forment un motif naturel très apprécié des créateurs. Il est aujourd’hui un animal protégé car en voie d’extinction.

5. Bracelet "Kelly Double Tour"

Ce bijou s’inscrit dans l’histoire de la Maison Hermès, associant deux “signatures” : d'une part, le fameux fermoir du sac “Kelly “ (créé en 1930, baptisé ainsi en 1956), véritable bijou à lui tout seul. Et d’autre part, une courroie cousue au “point de sellier”, rappelant les origines de sellerie de la Maison Hermès.

Le “point sellier “ (couture à la main) répond à un besoin de solidité. Cette couture a été conçue au XIXème par les artisans bourreliers, harnacheurs, selliers pour réaliser des pièces d'attelage en cuir destinées à l’équipement des chevaux (selles, harnais, …). Il est aussi utilisé pour la fabrication de pièces de cuir fortement sollicitées (poignées, ceintures...). Aujourd’hui, le point sellier est toujours utilisé par la Maison Hermès.

En parteneriat avec Hermès

Bottier main

Découverte des savoir-faire

Tanneur

Maroquinier - coupeur

106 boulevard Raymond Poincaré 92380 Garches erea-monnet-garches.ac-versailles.

• CAP Cordonnier bottier

EREA Jean Monnet

établissements de formation partenaires

22 Rue des Grilles, 93500 Pantin www.compagnons-du-devoir.com

• CAP Cordonnier bottier
• CAP Maroquinerie
• CAP Sellerie générale

Les Compagnons du Devoir - Pantin

CéRAMIQUE

Sèvres - manufacture et musée nationaux

Musée desArts Décoratifs

CéRAMIQUE

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

Activité à réaliser en classe

La céramique EN 5 œuvres

Sèvres - manufacture et musée nationaux

Parcours dans les collections

3. Danseuse

2. Moufles

1. Vase étrusque

5. Vase

4. Coupe omnisport

1. Vase étrusque à rouleaux

Ce vase de près d' 1,20 m était selon le directeur de la Manufacture, Alexandre Brongniart « l’un des plus beaux qui soit sorti des ateliers de la manufacture » mais aussi « le plus grand qu'on ait [...] peint de figures ». L’or utilisé à Sèvres, depuis ses origines, est l’or pur à 24 carats, mat après cuisson. Le polissage qui lui rend sa brillance, s’appelle brunissage à l’aide de pierres semi-précieuses : l’agate et l’hématite. Les multiples techniques peuvent varier l’éclat de l’or. La technique de brunissage à l’effet permet de composer des décors brillants sur une surface d’or mat, à l’aide de l’agate effilée. Ici la panse est entièrement recouverte d’or, rehaussée de motifs d’abeilles gravées.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Commandé en 1810 par Napoléon 1er, le vase évoque, à la manière d’un triomphe romain, la « Fête de la Liberté des Arts » organisée en 1798 pour accueillir au musée du Louvre les œuvres rapportées d’Italie par l’armée. Le vase n’est totalement achevé qu’en 1814, au moment même de la chute de l’Empereur Napoléon 1er. Menacé de destruction, il est sauvé par le Directeur de la Manufacture, Alexandre Brongniart, qui met en avant ses qualités techniques exceptionnelles, notamment le montage des anses et le mécanisme de rotation qui permet au vase de tourner sur lui-même, ainsi que les qualités esthétiques de la peinture et les effets variés du travail de l’or.

2. MOUFLES

Les moufles sont des fourneaux en terre qui servent à fixer sur la porcelaine les couleurs et les dorures à une température inférieure à 1 000 degrés. La dimension du moufle varie en fonction des pièces à cuire. Ainsi, sur l’étagère de droite, la tasse en or et biscuit du Déjeuner Régnier (du nom du chef des fours et des pâtes), dispose d’un petit moufle ajusté à sa taille. Au premier plan, la réparation des fentes du fourneau avec des agrafes rappelle que la cuisson est délicate et ne supporte aucun courant d’air froid.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Le projet du Service à dessert des Arts industriels naît en 1820. Il faudra 15 ans pour terminer ce service, véritable hommage aux progrès techniques du début du 19e siècle. Le peintre Jean-Charles Develly illustre 89 métiers sur 119 assiettes, dont 8 sont consacrées à la Manufacture de Sèvres. Le service fut en partie présenté à l'exposition du Louvre en 1827 et finalement offert en 1836 par le roi Louis-Philippe au diplomate autrichien, le prince de Metternich.

3. Danseuse N°14 du Surtout du Jeu de l’Écharpe

La pâte nouvelle est mise au point en 1880. Utilisée pour la création des biscuits (porcelaine cuite une fois et non émaillée), elle offre une plus grande liberté d’exécution de formes et de formats. Elle permet ici aux mouleurs-repareurs de gonfler les écharpes, de plisser les drapés et de décliner des gestes inédits sans risque de casse. Chaque personnage est individualisé par sa coiffure, sa tenue et son mouvement.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Le surtout Le Jeu de l’Écharpe est composé de quinze statuettes différentes dont le sujet s’inspire des mouvements de la danseuse Loïe Fuller. Destiné à décorer une table, il est récompensé d'une médaille d'or à l’Exposition Universelle de Paris en 1900.

4. Coupe Omnisports, 1e grandeur

Cette coupe est l’exemple de deux éléments caractéristiques de l’identité de la Manufacture : le bleu de Sèvres et l’or 24 carats. Le bleu de Sèvres est un bleu de cobalt obtenu en 3 couches égalisées avec un pinceau portant le nom de blaireau ; les pièces ornées cuisent en four dit de bleu à 1 360° C et sont triées à l’atelier de tri et polissage. Les couleurs de grand feu sont très différentes avant et après leur cuisson.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Dans les années 1970, la Manufacture de Sèvres fait appel à des artistes contemporains pour renouveler l’inspiration des pièces officielles traditionnellement offertes par l’État. Le peintre graveur Roger Vieillard propose pour cette coupe une forme sobre décorée de deux frises figurant des sportifs en pleine action. La coupe Omnisports est remise au nom du président de la République depuis 1975 au vainqueur du Tour de France. Elle couronne également les vainqueurs des prix hippiques de Diane à l’hippodrome d’Auteuil et des 24h du Mans.

5. VASE

C’est l’unique création céramique du peintre Pierre Soulages. L'artiste a réinterprété une forme classique du répertoire de la Manufacture des années 30, le vase Gensoli n°11. La surface extérieure a été modifiée, striée de haut en bas, puis teintée en dégradé de noir sur un fond gris clair. Le laboratoire a fabriqué, conformément au désir du peintre, un émail noir d'un effet semi-mat très intense. La surface intérieure du vase est recouverte avec 400 grammes d'or pur 24 carats.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Réalisé en 2000 pour la Présidence de la République française, le premier exemplaire de ce vase a été remis par le Président Jacques Chirac au Grand Prix de Sumo de Tokyo. Il a ensuite été édité, en accord avec l’artiste, en dix exemplaires par la Manufacture de Sèvres en 2008. L’édition est aujourd’hui épuisée.

Rencontre dans les ateliers de la Manufacture de Sèvres pour une démonstration de peinture sur porcelaine Tourné le jeudi 28 janvier 2021 en live steaming.

© Coyau Wikimedia Commons

Décoration

© Coyau Wikimedia Commons

L'atelier d'impression

L'atelier de moulage-réparage

L'atelier de peinture

Les ateliers de tournage et d'émaillage

Fabrication

Découverte des savoir-faire

© Sarah Mineraud, Sèvres - Manufacture et Musée nationaux

La Manufacture de Sèvres

www.sevresciteceramique.fr/manufacture/ecole-de-sevres/la-formation-par-apprentissage.html

établissementS de formation partenaireS

La Cité de la céramique – Sèvres et Limoges recrute chaque année des apprentis pour les former pendant deux ans à l’un des métiers de la Manufacture, dans le cadre du Brevet des métiers d’art (BMA céramique) par la voie de l’apprentissage. Cette formation est rémunérée. Elle s’articule entre trois jours de formation en atelier et deux jours d’enseignements spécialisés : histoire de l’art (esthétique), design, dessin d’art, dessin technique, technologie et process de fabrication. À l’issue des deux années de formation, les apprentis pourront passer les épreuves finales de l’examen du BMA céramique et se présenter aux épreuves du concours de technicien d’art organisé par le ministère de la Culture, afin d’intégrer l’équipe des artisans titulaires de la manufacture de Sèvres. Pour plus d’informations sur l’apprentissage à Sèvres, consulter les fichiers attachés à la page suivante :

École de Sèvres

Rue du Gué, 77440 Congis-sur-Thérouanne gueatresmes.fr/

• CAP Décoration en céramique
• CAP modèles et moules céramiques
• BAC Pro Matériaux céramiques
• DNMADE

Lycée des métiers du Gué à Tresmes

24 rue Ganneron, 75018 Paris ltaa-augusterenoirparis.com

• BTS concepteur en art et industrie céramique
• DNMADE

Lycée technologique d’arts appliqués Auguste Renoir

établissementS de formation partenaireS

MéTAL

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

Le métal EN 5 œuvres

Monnaie de paris

Parcours dans les collections

5. Déesse violoncelle

1. Statère d’or de Crésus

3. Balancier

2. Poinçon

4. Légion d'honneur

1. Statère d’or de Crésus, ou créséide

L’histoire de l’objet et son contexte de création Au VIe siècle avant Jésus-Christ, dans le royaume de Lydie, le célèbre roi Crésus tient sa fortune du fleuve Pactole qui sillonne son royaume. Celui-ci charrie des pépites d’électrum. Il parvient à isoler l’or de l’argent pour finir par frapper une monnaie, et bâtir un solide système monétaire dont l’influence va s’étendre sous l’Antiquité de la Grèce à Rome.

2. Poinçon de face figurant Henri IV

La technique et les savoir-faire des ateliers de la Monnaie de Paris se développent sous la Renaissance, et nous pouvons remarquer sur ce poinçon la vie qui se dégage de ce portrait très réaliste du roi de France et de Navarre, Henri IV.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Ce poinçon est un outillage gravé à la main dans le bloc d’acier, on parle de « gravure en taille direct ». Cette technique est toujours utilisée dans l’atelier de la Monnaie de Paris. Gravé à l’endroit et en relief, ce poinçon sert à enfoncer un ensemble de coins, le motif y sera donc « imprimé » en creux et à l’envers. Ces coins seront ensuite installés sur une presse qui permettra de frapper la monnaie ou la médaille qui se retrouvera marquée à l’endroit et en relief.

3. Balancier dit « d’Austerlitz »

L’histoire de l’objet et son contexte de création Fabriqué avec le bronze des canons russes saisis sur le champ de bataille d’Austerlitz en 1805, ce balancier présente de nombreuses avancées : « main poseuse », virole pleine ou encore chassoir. Autant de mécanismes actionnés par le seul mouvement de la vis et dont l’objectif est d’accélérer autant que de sécuriser la frappe.

4. Légion d’honneur

La Monnaie de Paris, qui va d’abord fabriquer quelques éléments constitutifs de ces objets complexes, va progressivement en assurer toutes les étapes de fabrication. Aujourd’hui encore, les artisans produisent cet objet de prestige dans la plus pure tradition du XIXe siècle, ils sont nombreux à participer à sa création : graveur, estampeur, émailleur, doreur.

L’histoire de l’objet et son contexte de création Tous les ordres royaux de chevalerie ont été abolis à la Révolution française. En 1802, Bonaparte rétablit cette tradition et officialise, par décret, la création de l’ordre de la Légion d’honneur pour récompenser les « mérites éminents » militaires et civils.

5. Déesse violoncelle

Créé en 1960 et considéré comme le pendant français du Pop Art, ce mouvement artistique mettant en œuvre des assemblages et des accumulations d’objets hétéroclites, a pour ambition d’incarner le retour au réalisme sans pour autant revenir à un art réellement figuratif. La Vénus est un terme très fréquent dans l’art d’Arman. Elle incarne la beauté antique qu’il déstructure.

L’histoire de l’objet et son contexte de création En 1991, la Monnaie de Paris fait appel au talent du plasticien franco-américain Arman. Cette collaboration débouche sur la fonte d’une œuvre en or dont les caractéristiques esthétiques sont héritées du Nouveau-Réalisme.

Rencontre dans les ateliers de fabrication de la Monnaie de Paris pour une démonstration de fonte d'art Tourné le vendredi 29 janvier 2021 en live steaming.

Graveur

©Monnaie de Paris | Younh-Ah KIM

La fabrication des décorations

©Monnaie de Paris

©Monnaie de Paris

Découverte des savoir-faire

©Monnaie de Paris

La fabrication des fontes d’art

Fondeur

9 rue Pierre Bourdan, 75012 Paris ecole-boulle.org

• Formation Métiers d’Art - FMA (2de, 1re, terminale)
• DNMADE Création métal

Ecole Boulle

63 rue Olivier de Serres, 75015 Paris ensaama.net

• DNMADE Création métal

Ecole nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art (ensaama)

établissements de formation partenaires

PIERRE

Parcours dans les collections

Formations dans les lycées

Découverte des savoir-faire

La Sainte-Chapelle sur l’île de la Cité

Le parcours EN 3 œuvres

Parcours dans les collections

3. Le portail de la chapelle haute

2. Les verrières de la chapelle haute

1. L’architecture gothique

La coloration de l’architecture (vitraux et polychromie murale) unifie fortement l’ensemble. Bleu, Rouge et Or sont les couleurs des armoiries royales : le lys d’or sur champ d’azur (bleu) pour Louis IX, le château de Castille d’or sur champ de gueule (rouge) pour sa mère Blanche de Castille.

1. L’architecture gothique

La Sainte-Chapelle est une œuvre gothique comme l’atteste son architecture recherchant l’élévation vers le ciel, et l’ouverture de grandes baies de vitraux. C’est une chapelle palatine à doubles niveaux. Elle couvre une superficie de 36 mètres de long sur 17 mètres de large. Sa hauteur est de 42,50 mètres sans compter la flèche qui s’élève à 33 mètres de hauteur. A l’extérieur, les contreforts rythment la construction en se resserrant autour de l’abside. Ils permettent la percée de grandes baies dont la couleur des vitraux joue avec la lumière. A l’intérieur, la chapelle basse ressemble à une crypte. D’élégants petits arcs-boutants intérieurs, les étrésillons, soutiennent les poussées de la voûte centrale, évitant ainsi l’apport d’arcs-boutants extérieurs. Dans la chapelle haute, la nef est divisée en quatre travées rectangulaires. Les supports de la voûte sur croisées d’ogives sont divisés en un faisceau de 9 colonnettes apportant ainsi une illusion de légèreté. Les baies sont recouvertes de vitraux sur une surface de plus de 670m2. Les fenêtres mesurent entre 13,70 mètres et 15,5 mètres de haut, donnant ainsi une impression d’un espace vaste.

La réalisation d’un vitrail nécessite de nombreuses étapes : l’esquisse de taille réduite, définit la proposition du verrier. Après approbation du commanditaire, le peintre verrier trace au charbon de bois sur une table blanchie à la craie, un carton aux dimensions exactes de chaque panneau composant la verrière. Le peintre verrier utilise des feuilles de verre soufflées et colorées dans la masse. Il découpe ces pièces de verre, à l’aide d’un fer rougi au feu. Il peut y appliquer de la grisaille pour dessiner les traits des visages ou les plis des vêtements. Les éléments peints sont ensuite soumis à une cuisson de 600°C qui fixe la grisaille. Après refroidissement, chaque pièce est sertie dans des baguettes de plomb soudées à leurs intersections.

2. Les verrières de la chapelle haute

La chapelle haute émerveille par ses dimensions, sa structure aérienne, la somptuosité de son décor et le scintillement multicolore de ses vitraux. Les quinze verrières du XIIème siècle et la rose occidentale du XVème siècle, forme un ensemble homogène. Ces vitraux composés de 1113 panneaux figurés (dont près des 2/3 sont d’origine), constituent un des joyaux de l’art du vitrail. Les verrières sont découpées en petites scènes bien délimitées par des barlotières de fer. On distingue des scènes de la bible de la Genèse à l’Apocalypse, ainsi que des scènes sur la translation des reliques (installation des reliques à la Sainte-Chapelle) par Louis IX, inscrivant celui-ci dans la continuité des rois bibliques.

Au soubassement sont sculptés en bas-relief des scènes de la bible (l’histoire de Noé, de Caïn et d’Abel par exemple) dont on peut d’ailleurs observer des essais de restauration (nettoyage effectué lors de la campagne 2020). Une nouvelle campagne de restauration des pierres du monument commencera en Février 2022.

3. Le portail de la chapelle haute

Le portail du jugement dernier a été réalisé entre 1855 et 1870 lors de la campagne de restauration effectué sous la direction de l’architecte Jean-Baptiste Lassus par l’atelier du sculpteur Geoffroy-Dechaume. Il s’inspire du portail de Notre-Dame de Paris. Le trumeau orné du Christ bénissant, supporte le tympan où est sculpté le Jugement dernier. Le christ assis, montrant ses plaies, est encadré par la Vierge et saint Jean-Baptiste agenouillé. Derrière eux, deux grands anges portent la couronne d’épine pour l’un, la Croix pour l’autre. (allusion aux reliques les plus importantes conservées dans le reliquaire de la Sainte-Chapelle). La Résurrection des morts est placée au linteau (traverse horizontale au-dessus des portes), de part et d’autre de saint Michel pesant les âmes. Rois et anges occupent les voussures (petite voûte d’encadrement du portail) au pied desquelles sont représentées les élus et les damnés.

Découverte des savoir-faire

Sculpteur sur pierre

Tailleur de pierre

19 rue Curial 75019 Paris lycee-hectorguimard.ac-paris.fr

• CAP Tailleur de pierre
• Brevet Professionnel Taille de pierre des Monuments historiques

Lycée des métiers Hector Guimard

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Les mots listés peuvent parfois avoir plusieurs significations mais les définitions proposées donnent à comprendre la description des œuvres et les arts décoratifs.

Arabesque : motif décoratif composé de lignes qui s’enroulent et de feuillages entrelacés. Aplat : surface de couleur uniforme. Bronze : alliage ou mélange de deux métaux (le cuivre et l’étain) utilisé pour réaliser des sculptures, des objets décoratifs. Il peut aussi protéger et décorer les objets comme les meubles (pieds, poignées) ou les vases (monture, anses). Corset : sous vêtement féminin utilisé pour soutenir la poitrine et serrer la taille. Contrasté : opposition de deux choses dont l'une fait ressortir l'autre. Par exemple un contraste de couleur. Cristal de roche : minéral de la famille des quartz qui se caractérise par sa transparence et son éclat. Designer : métier qui consiste à imaginer et réaliser les objets qui nous entourent. Ennoblir : donner de la noblesse, enrichir, magnifier une matière en utilisant différentes techniques de décoration. Par exemple la broderie sur du textile.

GLOSSAIRE

GLOSSAIRE

Les mots listés peuvent parfois avoir plusieurs significations mais les définitions proposées donnent à comprendre la description des œuvres et les arts décoratifs.

Entrelac : motif composé de lignes qui s’entrelacent. Garniture : ensemble des matériaux qui servent à assurer le confort d’un siège ou d’un lit (tissu, sangles, rembourrage…). Gravure : principe qui consiste à inciser, creuser la matière pour créer un motif. Irisé : effet brillant et scintillant à la lumière. Laqué : effet lisse et brillant comme les objets en laque (résine extraite d'arbres d'Extrême-Orient). Ligne brisée : ligne en « dents de scie ». Monture : pièce de métal servant à soutenir, protéger, embellir et faciliter l’usage des objets. Par exemple les anses d’un vase. Mosaïque : petites pièces assemblées pour réaliser une surface. Opaque : qui ne permet pas le passage de la lumière.

GLOSSAIRE

Les mots listés peuvent parfois avoir plusieurs significations mais les définitions proposées donnent à comprendre la description des œuvres et les arts décoratifs.

Ordonné : en bon ordre en opposition à désordonné. Passementerie : ensemble des réalisations en fils de toute nature (ruban, cordon, galon, franges…) utilisés dans la décoration intérieure et la mode. Pixellisé : effet produit lorsque les points qui composent une image deviennent apparents. Sequin : petit disque en métal ou en plastique coloré, cousu sur un vêtement ou un tissu pour le décorer. Sertir : unir une pièce à l’autre afin d’obtenir un ensemble ou panneau. Symétrique : on parle d’un décor symétrique en imaginant qu’une ligne centrale partage le décor en deux moitiés et que les deux moitiés se superposent parfaitement. Stylisé : manière de représenter de façon simplifiée. Volume : espace occupé par l’objet.

https://madparis.fr/francais/musees/musee-des-arts-decoratifs/expositions/expositions-terminees/deboutonner-la-mode/

Accéder au jeu en ligne

En savoir plus sur l’exposition « Déboutonner la mode » présentée au MAD du 10 février au 19 juillet 2015.

Le Petit Quizz en PDF

LE PETIT QUIZZ

Ce petit quizz invite à associer boutons et matières, boutons et techniques Le Musée des Arts Décoratifs possède une collection unique au monde de plus de 3000 boutons. Datées du 18e au 20e siècle, ces objets, petits par leur taille, sont de véritables objets d’art par la préciosité des matériaux et des techniques qui entrent dans leur fabrication. Les matières d’origine animale sont très représentées. L’écaille (carapace de tortue), la nacre (coquillage), l’ivoire (défense d’éléphant) ou encore le galuchat (peau de requin) sont des matières considérées comme luxueuses de par leur rareté. Les espèces sont aujourd’hui protégées et les matériaux sont fabriqués artificiellement pour imiter les couleurs et les textures. Réalisées par des artisans de différents métiers d’art, ces boutons sont comme des concentrés des collections du musée.

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Tissu façonné cousu au dos du bouton avec un fil marron plus épais Europe, fin du 18e siècle Inv. 2012.48.55

Céramique émaillée Jean Clément, Paris 1930 - 1949 Inv. 2012.48.2331

Métal France, 1920-1940 Inv. 2012.48.2674

Verre transparent, travaillé au chalumeau Elsa Triolet, Paris 1930-1939 Inv. 2012.48.163

Calcite bleue (pierre dure) marbrée France, 20e siècle Inv. 2012.48.2797

Bois France, 20e siècle Inv. 2012.48.2948

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Tresse de laine et structure en métal François Hugo Cannes, 1940-1960 Inv. 2012.48.1884

Morceaux de coquille d'escargot Lucien Weingott, Paris 1950 -1959 Inv. 2012.48.2041

Galuchat collé sur une pastille en résine Jean Clément Paris 1930-1949 Inv. 2012.48.2406.1-2

Plumes collées sur un disque en écaille Lucien Weingott, Paris 1950 -1959 Inv. 2012.48.2035

Ecaille Claude, France, 20e siècle Inv. 2014.46.43

Plastique et fourrure France, 20e siècle Inv. 2012.48.2950

Ivoire sculptée Béla Voros, Nice, 1930-1939 Inv. 2012.48.1640

Cuir teinté France, 20e siècle Inv. 2012.48.2822

Nacre Line Vautrin, Paris, 1940 - 1960 Inv. 2012.48.2195

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Taffetas de soie brodé Europe fin du 18e siècle Inv. 2012.48.37

Ivoire et incrustation de nacre Japon, 19e siècle Inv. 2012.48.3014

Marqueterie de paille Atelier Trégor Paris, 1950-1959 Inv. 2012.48.2063

L'activité en PDF

http://collections.madparis.fr/

Photos : Lucy Winkelmann / MAD Paris

Cette activité propose la réalisation de la façade d’un meuble en papier où chacun peut ranger, présenter sa petite collection d’objets précieux. Pas à pas, suis bien le mode d’emploi. Chaque petite fenêtre peut s’ouvrir pour laisser découvrir une œuvre du musée. Amuse-toi à chercher, sur la base de données du site du Musée des Arts Décoratifs, les objets que tu rêves de collectionner et place-les dans ton petit cabinet de papier.

Réalise ton petit cabinet de curiosités en papier

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