Pequenos quadros em relevo em cera

Pequenos quadros em relevo de cera

Mariana Coutinho e Mariana Marques - M2B

• Críticas ao Absolutismo e às Instituições Tradicionais

• Imprensa e Difusão do Conhecimento

• Ascensão da Burguesia

• Desenvolvimento das Ciências e da Filosofia

Iluminismo

• O Iluminismo foi um movimento intelectual e cultural que floresceu no século XVIII, caracterizado pela valorização da razão, da ciência, da liberdade e do questionamento das estruturas tradicionais. Vários aspectos do ambiente social e cultural da época favoreceram o seu desenvolvimento.

Aqui estão quatro deles:

ENQUADRAMENTO POLÍTICO, SOCIAL E CULTURAL

O Rococó foi um movimento artístico que surgiu em França no início do século XVIII e espalhou-se por toda a Europa até meados do século XVIII, caracterizando-se pela sua estética ornamental, leveza e elegância. Para entender como esse estilo se manifesta em pequenos quadros de cera, podemos considerar os aspectos políticos, sociais e culturais tanto fora quanto dentro de Portugal, durante esse período.

Contexto Político, Social e Cultural na Europa

Contexto Político, Social e Cultural em Portugal

Os Pequenos Quadros em Cera no Estilo Rococó

Estes quadros, frequentemente de pequeno formato e feitos em cera, eram muito populares entre as elites. Eles possuíam uma delicadeza e riqueza de detalhes que refletiam a estética do Rococó, sendo muitas vezes usados como objetos de luxo ou colecionáveis. Estes quadros poderiam representar cenas mitológicas, retratos de figuras da corte ou até paisagens de grande beleza natural.

Mediadora cultural: As mulheres, anfitriãs dos salões, desempenhavam um papel de mediadoras entre artistas, filósofos e elites sociais. Elas promoviam debates intelectuais, patrocinavam obras e conectavam figuras influentes. Fomento às artes e ao Rococó: As mulheres influenciavam diretamente o gosto artístico e literário da época. Sua predileção por temas delicados, íntimos e sentimentais incentivou a produção de obras no estilo Rococó, que privilegiava leveza, sensualidade e ornamentos graciosos. Participação intelectual: Muitas mulheres, participavam ativamente dos debates filosóficos e científicos promovidos nos salões, contribuindo para o Iluminismo. Símbolo de refinamento social: A “mulher culta” era vista como um ideal de sofisticação e educação, combinando o domínio das artes e da conversação.

O surgimento do Rococó, está ligado à “cultura do salão”, um fenómeno social marcado pelos encontros realizados em residências aristocráticas e burguesas, especialmente em França. Estes espaços eram cenários para a troca de ideias iluministas, o refinamento cultural e a exibição de gosto artístico. O Rococó refletia as características dessa sociabilidade: um estilo elegante, íntimo e ornamentado, adaptado à escala doméstica dos salões. O papel da “mulher culta” na sociedade de Setecentos era central para o funcionamento dessa cultura e pode ser caracterizado em quatro aspetos principais:

Enquadramento do novo estilo rococó

caracteristicas plásticas

caracteristicas formais

elementos decorativos

Materiais/técnicas

Função

Lucrezia Cupido

caracteristicas plásticas

caracteristicas formais

elementos decorativos

Materiais/técnicas

Função

La Cananea

caracteristicas plásticas

caracteristicas formais

elementos decorativos

Materiais/técnicas

Função

SCENA BACCHICA(CENA BÁQUICA)

caracteristicas plásticas

caracteristicas formais

elementos decorativos

Materiais/técnicas

Função

la caridad

caracteristicas plásticas

caracteristicas formais

elementos decorativos

Materiais/técnicas

Função

la sagrada familia

caracteristicas plásticas

caracteristicas formais

elementos decorativos

Materiais/técnicas

Função

el martirio de san sébastian

Fim

• Função religiosa e pedagógica: A obra serve como um meio de inspiração e instrução religiosa, ilustrando uma passagem bíblica que exalta a fé, a humildade e a perseverança.
• Função devocional: Destina-se a fomentar a devoção pessoal ou coletiva, ajudando os fiéis a meditar sobre o tema da compaixão e do poder da fé, especialmente através da representação visual dramática e emotiva.
• Função estética: Como obra de arte, o quadro também tem o propósito de encantar pela beleza formal, com seu tratamento cuidadoso de composição, cor e emoção.
• Função social: Reflete o papel da arte como ferramenta de comunicação cultural no período, reforçando o prestígio da Igreja e, possivelmente, dos patronos que encomendaram a obra.

• Cenário Simples e Simbólico: Possivelmente com elementos como uma carpintaria (para José), tecidos finos ou mantos (para Maria) e objetos religiosos sutis, como um crucifixo ou um livro.
• Luz Divina: Um foco de luz celestial pode ser usado como elemento decorativo e simbólico, iluminando o Menino Jesus ou a família, reforçando o caráter sagrado.
• Elementos Naturais: Flores como lírios (símbolo de pureza) ou parreiras (ligadas à vida e à missão de Cristo) podem estar presentes.
• Vestes: Roupas detalhadas e ricamente trabalhadas com dobras naturais, enfatizando o realismo e a importância da cena.

• Religiosa: A principal função do quadro é servir à veneração religiosa, evocando o martírio de São Sebastião, que simboliza a resistência e a fé inabalável diante da perseguição. A imagem pode ser uma ferramenta para reflexão e meditação sobre o sofrimento, a fé e a virtude cristã.
• Educacional: Em um período onde as artes visuais eram usadas como meio de ensino da doutrina cristã, essa pintura pode ter a função de instruir os fiéis sobre a vida e os sacrifícios de São Sebastião.
• Estética e Cultural: A obra pode ser apreciada por sua técnica, estilo e contribuições para o movimento artístico da época. O tratamento visual do martírio e a representação do corpo humano em sofrimento são aspectos de interesse artístico e histórico.
• Emocional: A obra também pode ter a função de provocar uma resposta emocional nos espectadores, seja pela compaixão pela dor do santo ou pela admiração pela sua resistência.

• Tela de linho ou algodão: A tela era esticada e preparada com uma base de gesso e cola animal.
• Tintas a óleo: As tintas eram feitas de pigmentos naturais (minerais, vegetais ou orgânicos) misturados com óleo de linhaça ou de noz.
• Pigmentos naturais: Os pigmentos usados incluíam azurita ou ultramarino (azul), óxidos de ferro (vermelho e amarelo), chumbo-estanho (branco), comuns na época.
• Pincéis de pelo natural: Os pincéis, geralmente feitos com pelos de animais como marta, javali ou esquilo, permitiam precisão nos detalhes e variedade de texturas.

• Composição fluida e dinâmica: O arranjo das figuras apresenta movimento e leveza, com linhas curvas predominantes.
• Cores suaves e harmoniosas: O uso de uma paleta de cores em tons pastel, como rosas, azuis claros e dourados, cria uma atmosfera delicada e sofisticada, típica do Rococó.
• Detalhismo e texturas refinadas: Há um cuidado especial na representação de detalhes, como os tecidos das roupas, cabelos, e elementos decorativos, que exibem texturas ricas e ornamentadas.
• Enfoque na sensualidade e emocionalidade: A interação entre Lucrezia e Cupido sugere um clima de intimidade e leveza emocional, com ênfase na expressão delicada dos sentimentos e na beleza idealizada dos personagens.

• Linha sinuosa e curva: O uso predominante de linhas curvas e onduladas confere leveza e movimento à composição, criando uma sensação de fluidez e dinamismo.
• Cores delicadas: A paleta cromática privilegia tons pastel e suaves, como rosas, azuis claros e dourados, criando uma harmonia visual e reforçando o caráter íntimo e elegante da cena.
• Textura rica e detalhada: Há atenção minuciosa aos detalhes, como a textura dos tecidos, os cabelos e os ornamentos, que conferem realismo e sofisticação.
• Tratamento da luz e sombra: A iluminação é suave, com transições delicadas entre luz e sombra, criando volume nas figuras e uma atmosfera etérea e íntima.

• Composição fluida e dinâmica: O arranjo das figuras apresenta movimento e leveza, com linhas curvas predominantes.
• Cores suaves e harmoniosas: O uso de uma paleta de cores em tons pastel, como rosas, azuis claros e dourados, cria uma atmosfera delicada e sofisticada, típica do Rococó.
• Detalhismo e texturas refinadas: Há um cuidado especial na representação de detalhes, como os tecidos das roupas, cabelos, e elementos decorativos, que exibem texturas ricas e ornamentadas.
• Enfoque na sensualidade e emocionalidade: A interação entre Lucrezia e Cupido sugere um clima de intimidade e leveza emocional, com ênfase na expressão delicada dos sentimentos e na beleza idealizada dos personagens.

• Função decorativa: Destinada a embelezar espaços de elite, como palácios ou salões de festas, onde o tema de Baco e a celebração da vida e da liberdade estivessem em harmonia com os gostos da época.
• Função alegórica e simbólica: A cena bacchica, que frequentemente aborda temas de prazer, excesso e a relação entre os humanos e o divino, pode ter uma função alegórica. A representação de Baco e seus seguidores poderia simbolizar a busca pela liberdade, a transitoriedade da vida e os prazeres terrenos, refletindo os valores da sociedade aristocrática do século XVIII.
• Função educacional e cultural: O quadro pode servir para educar o espectador sobre a mitologia clássica, especialmente sobre o culto a Baco, e sua importância nas tradições culturais europeias.
• Função de entretenimento e prazer visual: Oferecendo um prazer estético através de suas cores vibrantes, formas sensuais e a representação do excesso.

• Claro-escuro: Uso contrastante de luz e sombra para destacar figuras e gerar um efeito de volume e profundidade, muito típico do estilo barroco.
• Composição dinâmica: A disposição das figuras não é estática. Há movimento implícito na postura e nos gestos dos personagens, o que gera uma sensação de dinamismo.
• Uso de cores quentes: Predominam os tons terrosos, vermelho e dourado, que enfatizam o sentimento de compaixão e a atmosfera calorosa que caracteriza a caridade.
• Naturalismo: Os detalhes das expressões faciais, as dobras das roupas e as texturas são executados com precisão, conferindo realismo à cena.

• Composição: A obra apresenta uma organização equilibrada, mas com dinamismo. Os personagens estão dispostos de forma a criar uma sensação de movimento e interação entre eles.
• Cores: Predomina uma palete quente e terrosa, que transmite aconchego e reforça o tema da caridade como algo humano e caloroso.
• Texturas detalhadas: Há um cuidado no tratamento das superfícies, como as dobras das vestes, as expressões faciais e os cabelos, para dar realismo e riqueza visual à cena.
• Centralização da figura principal: O foco principal da composição está na figura da Caridade, geralmente representada como uma mulher com crianças, evidenciando seu papel simbólico.
• Expressividade: As figuras são altamente expressivas, com gestos e expressões faciais que comunicam emoção, reforçando o tema de empatia e generosidade.

Contexto Social

• Cultura aristocrática: O Rococó foi muito associado à elite europeia, que usava a arte para expressar a sua opulência e sofisticação. As cenas representadas nos quadros de cera, por exemplo, eram muitas vezes de festividades, festas galantes, retratos da alta sociedade e mitologia clássica. Essas obras eram muitas vezes destinadas a interiores privados, palácios e mansões.
• Mudanças nas relações sociais: Na sociedade europeia, o Rococó desenvolveu-se num momento de ascensão da classe média, que também começou a adquirir gostos mais refinados, ainda que a nobreza fosse a principal patrocinadora das artes. No entanto, era um período de contrastes sociais, com as grandes desigualdades de classe e tensões que culminariam na Revolução Francesa (1789).

• Roupas luxuosas e ornamentadas: As vestimentas dos personagens, como as figuras de Baco, são detalhadamente trabalhadas, com dobras suaves e ricos adornos.
• Elementos da natureza: Como a cena envolve o Deus Baco, há uma presença de elementos naturais, como folhas de videira, uvas e cachos de frutas, que são símbolos tradicionais associados ao culto de Baco.
• Motivos florais e vegetais: Detalhes decorativos com padrões florais, especialmente flores pequenas e curvas, são comuns em obras Rococó e podem ser encontrados na vegetação ao fundo ou nos detalhes das vestes dos personagens.
• Elementos arquitetónicos clássicos: Embora a cena tenha um caráter mitológico e festivo, podem ser incluídos elementos arquitetónicos clássicos como colunas, arcos ou outras formas arquitetônicas estilizadas.

• Composição Dinâmica: A composição da pintura tende a ser dinâmica e dramática, o que é uma característica típica do Barroco. Isso pode ser observado no posicionamento das figuras (especialmente São Sebastião, cujos braços e pernas podem ser representados em ângulos dramáticos) e nas flechas que atingem o corpo do santo. O uso de linhas diagonais e curvaturas nas figuras e objetos serve para dirigir o olhar do espectador, muitas vezes criando uma sensação de ação.
• Realismo e Detalhamento: São Sebastião, um dos principais elementos da pintura, a mostrar a sua musculatura e a dor que ele experimenta. Este realismo visa transmitir não apenas a aparência física, mas também a intensidade do sofrimento. As flechas, os trajes dos soldados e até mesmo o fundo podem ser igualmente detalhados, evidenciando o cuidado com os detalhes que é característico da pintura barroca.

• Suporte: Tela de linho ou madeira.
• Técnica: Pintura a óleo, comum no período barroco, devido à sua capacidade de criar camadas ricas, cores vivas e detalhes minuciosos.
• Pigmentos: Pigmentos naturais e minerais, misturados com óleo (como óleo de linhaça), para dar brilho e profundidade às cores.
• Acabamento: Verniz para proteger a pintura e realçar a luminosidade.

Estes materiais permitiam aos artistas da época alcançar os efeitos dramáticos e emocionais típicos do barroco, como o uso de luz e sombra (chiaroscuro) e a textura detalhada.

• Suporte: Era comum o uso de telas preparadas com gesso, mas também de madeira como base para as pinturas.
• Pigmentos: O barroco utilizava pigmentos minerais e orgânicos misturados com óleos (como óleo de linhaça ou noz). Alguns pigmentos populares na época eram:
• Vermelho-carmesim (feito de cochonilha ou raízes como a rubia).
• Azurite para azuis vibrantes.
• Ouro para detalhes ricos e ornamentos.

• Vestimentas detalhadas: As roupas dos personagens apresentam dobras bem trabalhadas e detalhes que refletem riqueza visual, sugerindo nobreza ou dignidade, mesmo em contextos de humildade.
• Objetos simbólicos: É comum o uso de objetos simbólicos, como alimentos, roupas ou crianças, que reforçam a ideia de generosidade e cuidado associados à caridade.
• Cenário neutro ou simplificado: O fundo geralmente é discreto, permitindo que os personagens e suas ações sejam o foco principal. Pode haver uma leve sugestão de arquitetura ou paisagem para criar profundidade.
• Posições e gestos ornamentais: As posturas dos personagens são cuidadosas e graciosas, criando uma composição harmoniosa que também serve como elemento decorativo.

• Cor: Paleta de tons quentes, como vermelhos, dourados e castanhos.
• Luz e sombra: Uso dramático do claroscuro para criar profundidade, volume e foco nos personagens centrais. A iluminação direcionada realça as expressões faciais e as ações, enfatizando o tema.
• Textura: Representação realista das superfícies, como as dobras das vestimentas, a pele das figuras e os objetos, conferindo uma sensação tátil e riqueza visual.

• Linhas: Linhas curvas e sinuosas dominam a composição, conferindo movimento e fluidez.

• Composição fluida e curvilínea: A cena é organizada de forma a criar movimento, com figuras e elementos dispostos em linhas suaves e curvas. Isso transmite a sensação de leveza e fluxo. As posturas dos personagens e a disposição das figuras ao redor de Baco, criam uma composição dinâmica e sensual, onde os corpos e os gestos fluem naturalmente.
• Centralidade do tema: O quadro coloca Baco, , no centro da composição, com outros personagens em torno dele.
• Uso de cores suaves e vibrantes: A paleta de cores é leve, com tons suaves e brilhantes. Tons de dourado, rosa, verde e azul são usados para destacar as figuras e a decoração.
• Contrastes de luz e sombra (chiaroscuro): A obra utiliza a técnica de claro-escuro (chiaroscuro) de maneira suave para criar contraste entre as áreas iluminadas e sombreadas.

• A função da pintura é sobretudo devocional e inspiracional, destinada a reforçar os valores cristãos e criar uma conexão espiritual entre o observador e a cena bíblica retratada. Além disso, como parte do movimento barroco, a obra provavelmente busca evocar emoções profundas, utilizando contrastes de luz e sombra (chiaroscuro) e uma composição harmoniosa para destacar a centralidade do sagrado.

• Modelagem de Formas: Uso de transições suaves entre tons claros e escuros para criar volume e realismo nas figuras da Sagrada Família.
• Veladuras: Aplicação de camadas finas e translúcidas de tinta a óleo para intensificar a cor e criar efeitos de luminosidade.
• Perspectiva Atmosférica: Embora o foco seja nas figuras centrais, é comum no barroco incluir alguma sugestão de espaço ao fundo.
• Composição Dinâmica: O artista provavelmente seguiu uma composição equilibrada e triangular, com o Menino Jesus no centro e Maria e José em posições complementares.
• Detalhamento nas roupas e Gestos: Atenção especial às texturas, gestos e expressões para transmitir emoção e sacralidade.

• A função principal da obra é representar o ato de doar-se aos outros, muitas vezes personificado por uma figura feminina (Caridade) a cuidar de crianças, simbolizando proteção, cuidado maternal e bondade. Estas imagens eram comuns em representações artísticas para transmitir valores morais e espirituais, servindo como inspiração para o público da época.

• Uso do espaço: O quadro provavelmente utiliza uma composição que dá foco central à Sagrada Família, com um fundo simples.

• Luz e sombra: A luz pode também ser usada de maneira simbólica, iluminando as figuras da Sagrada Família.

• Cores: As cores ricas e vibrantes, são usadas para destacar as figuras e transmitir uma atmosfera emocional.

• Textura: A textura da pintura a óleo seria detalhada, com pinceladas finas que destacam a suavidade dos rostos, os detalhes das vestes e o brilho da luz.

• Óleo sobre tela: A pintura foi realizada com tintas a óleo, permitindo mistura suave de cores, profundidade tonal e brilho duradouro.
• Velaturas: O artista utilizou camadas finas e translúcidas de tinta (velaturas) para criar transições delicadas entre luz e sombra, conferindo à obra um efeito tridimensional e atmosférico.
• Modelagem com luz e sombra (chiaroscuro): A técnica do claro-escuro é empregada para dar volume às figuras e criar um contraste dramático, destacando a centralidade do tema.
• Desenho prévio: Antes da aplicação da tinta, era comum o uso de um esboço ou desenho em carvão ou sanguínea sobre a tela preparada, definindo a composição.

• Composição dinâmica: A cena apresenta linhas diagonais e curvas que criam movimento.
• Centralidade das figuras: As figuras de Jesus e da mulher cananeia estão em destaque, dispostas de forma a atrair a atenção para o momento do diálogo, enquanto os demais elementos reforçam a hierarquia visual.
• Clareza narrativa: A organização da cena facilita a compreensão da história bíblica, com expressões faciais e gestos claramente delineados para transmitir emoção e significado.
• Contrastes de luz e sombra (chiaroscuro): O uso do claro-escuro confere profundidade e volume às figuras, ao mesmo tempo em que cria uma atmosfera de intensidade dramática.

Contexto Político

• França e a Monarquia Absolutista: O Rococó nasceu em França sob o reinado de Luís XV (1715–1774), durante um período em que a monarquia absoluta dominava. A corte de Versalhes, com o seu luxo e extravagância, foi uma das principais influências do movimento, com a nobreza à procura de um estilo de vida indulgente, voltado para o prazer e o hedonismo.
• Outros países europeus: O Rococó também se espalhou para outros países com monarquias absolutistas ou com poderosos sistemas aristocráticos, como a Áustria, a Espanha e a Prússia, que viam no estilo uma forma de expressar o poder e a riqueza da nobreza.

• Pintura a Óleo: A tinta a óleo oferece maior flexibilidade e tempo de secagem mais lento, permitindo ao artista trabalhar detalhes e realizar graduações sutis de luz e sombra (o efeito de sfumato, por exemplo).
• Perspectiva e Composição: Os artistas dominavam o uso da perspectiva para organizar o espaço e direcionar o olhar do espectador. A composição é organizada de forma a enfatizar São Sebastião.
• Detalhamento Realista e Anatomia: Pieri empregou o realismo anatômico ao pintar o corpo de São Sebastião, especialmente no modo como ele é retratado sendo atingido por flechas.
• Técnica de Glacês: é o uso de camadas finas de tinta chamadas glacês. Essas camadas criam uma transparência sutil, que contribui para o efeito de luz suave e a sensação de profundidade. Isso ajuda a dar uma sensação de realismo e a modelar as figuras de forma mais natural.

• Draparias e Tecidos: O uso de draparias e tecidos, é uma característica comum nas pinturas barrocas. Essas representações de tecidos detalhados e realistas ajudam a dar volume e movimento à composição, além de introduzir uma sensação de riqueza e elegância à obra.
• Flechas: As flechas que atingem o corpo de São Sebastião são elementos decorativos que podem ser representadas de forma elaborada.

• Uso do claro-escuro (chiaroscuro): A manipulação da luz e sombra é evidente no quadro, com a iluminação cuidadosamente aplicada para destacar as figuras centrais, como a mulher cananeia e Jesus.
• Modelagem das formas: Pieri utiliza pinceladas suaves para modelar as formas, especialmente as figuras humanas, criando um efeito tridimensional. As dobras das roupas, a pele e as expressões faciais são suavemente trabalhadas para dar um realismo sensível.
• Texturas detalhadas: O tratamento das texturas é minucioso, seja nas vestimentas (como veludos e sedas), no cabelo ou nos elementos do fundo. Isso proporciona um contraste visual entre as superfícies.

• Cores suaves e harmoniosas: A paleta de cores provavelmente inclui tons suaves de pastéis, como rosas, azuis e dourados, com pequenas inserções de cores mais saturada. A suavidade das cores contribui para a sensação de serenidade e harmonia.

• Suporte: Tela de linho ou painel de madeira (comum no período barroco, especialmente para obras de menor porte ou destinadas a igrejas e coleções privadas).
• Técnica: Pintura a óleo, que era amplamente utilizada por sua versatilidade e capacidade de criar camadas, efeitos de luz e profundidade.
• Pigmentos: Pigmentos naturais moídos.
• Verniz: Uma camada de verniz final para proteger e dar brilho à pintura, geralmente feita com resinas naturais como damar ou copal.

• Óleo sobre tela: A pintura foi realizada utilizando a técnica de óleo sobre tela, um meio popular no século XVIII. O óleo também permite a construção de camadas e detalhes finos.
• Velaturas: A técnica de velatura, que envolve a aplicação de finas camadas de tinta transparente sobre uma base seca, seria provavelmente utilizada para criar uma tonalidade suave e luminosa nas figuras e nas áreas iluminadas da pintura.
• Chiaroscuro: A técnica do claro-escuro, é usada para criar um forte contraste entre luz e sombra, modelando as formas e conferindo volume e realismo.
• Pinceladas fluidas e delicadas: As pinceladas na “Scena Bacchica” seriam finas e detalhadas, especialmente nas expressões faciais, roupas e elementos decorativos.

• Tinta a Óleo: As tintas eram feitas de pigmentos misturados com óleos vegetais (como o óleo de linhaça), que ofereciam maior durabilidade e a possibilidade de criar gradações sutis de cor e luz.
• Tela ou Madeira: As telas de linho ou algodão esticadas sobre um quadro de madeira eram preparadas com uma camada de gesso ou cola (chamada de preparação), o que criava uma superfície lisa e ideal para a aplicação das camadas de tinta.
• Pigmentos: Os pigmentos usados para criar as cores eram extraídos de minerais, vegetais e outros materiais naturais.
• Verniz: Após a pintura estar finalizada e seca, um verniz transparente (geralmente feito de resinas naturais) era aplicado para dar brilho à superfície e proteger a obra contra poeira e danos.

• Formas e Modelagem: Pieri utiliza uma representação de formas naturais e bem definidas para criar volume e realismo. O corpo de São Sebastião, por exemplo, é modelado com atenção ao volume muscular, mostrando a anatomia humana de maneira detalhada. As flechas que atingem o corpo de São Sebastião também são representadas de maneira que se destacam com clareza, mostrando sua forma e ângulo, o que contribui para a dramática presença visual da cena.
• Textura: Pieri utilizou a técnica de pintura a óleo para criar texturas ricas e variadas, que se manifestam nas diferentes superfícies da obra. A pele de São Sebastião, por exemplo, pode ser tratada com suavidade e realismo, enquanto o metal das flechas ou as roupas dos personagens ao redor são representadas com maior rigidez ou brilho.
• Cores e Contrastes: Pieri provavelmente usou cores ricas e saturadas para destacar a figura de São Sebastião e suas flechas, contrastando com um fundo mais escuro, que dá ênfase ao sofrimento do santo. O vermelho (nas flechas ou vestes), o dourado e o preto (nas sombras e no fundo) são cores comuns para criar um forte contraste.

• Modelagem e volume: A modelagem das figuras seria uma característica plástica importante. O uso da técnica de glazing (aplicação de camadas finas e translúcidas de tinta a óleo) permitiria que as figuras se destacassem com uma aparência volumétrica e realista. A forma das roupas, a representação das expressões faciais e os gestos são tratados com volume, criando um efeito de profundidade e um maior realismo visual.
• Textura: As texturas das vestes e da pele das figuras seriam detalhadas. A textura das vestes de Maria, por exemplo, pode ser representada com pinceladas delicadas para dar a sensação de suavidade e fluidez.
• Cores e contrastes: A aplicação das cores no quadro seria feita de maneira rica e expressiva. As cores vibrantes e saturadas, como o azul do manto de Maria, o vermelho das vestes e os tons dourados, são usadas não só para dar vida às figuras, mas também para estabelecer contrastes dramáticos.

• Óleo sobre tela: A pintura foi provavelmente realizada com tinta a óleo, uma técnica dominante na época, que oferece maior controlo sobre as cores.
• Tela de linho ou algodão: A base da pintura seria uma tela de linho ou algodão, que seria esticada em um quadro de madeira.
• Pigmentos naturais: Os pigmentos usados seriam naturais, derivados de minerais, plantas ou outros recursos orgânicos.
• Pincéis de pelo natural: Os pincéis usados para a aplicação da tinta seriam feitos de pelos de animais, como marta, javali ou esquilo, que permitiam tanto pinceladas finas para detalhes quanto pinceladas mais largas para áreas maiores da tela.

• Uso de luz e sombra: Embora o Rococó não seja tão focado em contrastes dramáticos como o Barroco, a técnica de chiaroscuro ainda é utilizada, mas de forma mais suave. As áreas iluminadas e sombreadas são tratadas com sutileza para criar volume nas figuras e uma sensação de profundidade.
• Modelagem das figuras: As figuras humanas são modeladas com pinceladas suaves e detalhadas, criando volumes tridimensionais.
• Texturas delicadas: A textura das roupas e dos elementos decorativos é um aspecto importante da obra. As vestes das figuras são detalhadamente representadas, com o uso de pinceladas finas para criar a aparência de tecidos como seda, veludo ou brocado.
• 4. Cores vibrantes e harmoniosas: A paleta de cores é uma característica plástica central da obra. As cores são vibrantes, mas tratadas de forma a criar uma sensação de suavidade e luminosidade.

Contexto Político

• Aristocracia e Igreja: A aristocracia portuguesa, que ainda mantinha grandes privilégios, seguia os mesmos padrões de ostentação de seus pares europeus, e o Rococó era visto como uma forma de afirmar seu status. A Igreja Católica também desempenhou um papel significativo na arte portuguesa do período, com muitas das obras religiosas sendo produzidas em estilo Rococó, muitas vezes encomendadas pela Igreja para ornamentar seus templos.
• O povo e o Rococó: O Rococó era uma expressão essencialmente aristocrática. O povo português, na maioria, vivia em uma realidade muito diferente, marcada por pobreza e grande desigualdade social. No entanto, a arte Rococó começou a se popularizar através de peças de mobiliário, tapeçarias e objetos de luxo que, eventualmente, alcançaram a classe média urbana.

• Tem uma função artística que dialoga com os valores e ideais do seu tempo. Pieri foi um pintor barroco italiano, e, no contexto dessa obra, ela possivelmente reflete temas mitológicos, simbólicos e literários, características típicas do período.

Os Pequenos Quadros em Cera no Estilo Rococó

• Elementos Típicos: As cenas representadas nestes quadros poderiam incluir figuras mitológicas e alegóricas, como Cupido, Vénus e outras divindades do amor e da natureza, com detalhes minuciosos, cores suaves e uma sensação de leveza e movimento. As figuras frequentemente eram envoltas em paisagens serenas ou espaços elegantes, alinhados com a sensibilidade do Rococó.
• Material e Técnica: A cera, por sua maleabilidade, permitia uma modelagem altamente detalhada, e sua luminosidade ajudava a destacar as formas e figuras com uma suavidade característica. A técnica poderia envolver o uso de cera colorida, incrustações e, por vezes, elementos adicionais como pedras preciosas ou dourados para acentuar a ideia de opulência.

Contexto Cultural

• Mudança estética: Em termos culturais, o Rococó representava um afastamento do Barroco, anterior a ele, com as suas formas mais pesadas e dramáticas. O Rococó trouxe uma estética mais leve, delicada e ornamentada, com temas que exploravam o prazer, a natureza e as relações amorosas, muitas vezes em um tom lúdico e escapista.
• Relação com o Renascimento: Apesar da sua ornamentação e leveza, o Rococó não abandonava completamente as ideias do Renascimento, como o foco na beleza humana, mas as suavizava. Esta era também uma época de grande interesse pelo mundo clássico, embora reinterpretado de maneira mais sensual e idealizada.

Contexto Político

• Reinado de João V (1706–1750): Em Portugal, o Rococó foi promovido principalmente durante o reinado de João V, que era um grande patrocinador das artes. O seu governo é conhecido pela riqueza e pelo impulso nas obras de arte e arquitetura, sendo também um período de grande influência da Igreja Católica. João V, que se aliou com a corte de Roma, também financiou importantes projetos artísticos, incluindo a construção do Palácio de Mafra e a criação do Museu da Ajuda.
• Declínio da monarquia: Embora Portugal não tenha experimentado revoluções tão cedo quanto França, a segunda metade do século XVIII foi marcada por um processo de declínio da influência da monarquia absolutista, com os primeiros sinais de reforma.

Contexto Cultural

• Integração do Rococó com a Arte Religiosa: Em Portugal, o Rococó foi fortemente influenciado pela arte religiosa. Elementos como dourado, formas sinuosas e decorações exuberantes se integraram em altares, retábulos e igrejas. No entanto, o Rococó em Portugal, por vezes, não foi tão delicado quanto na França, devido à forte presença da Igreja e à devoção religiosa que permeava a sociedade.
• Desenvolvimento de um estilo próprio: O Rococó em Portugal teve um caráter particular, adaptado ao gosto nacional e à influência do Barroco tardio. A produção artística portuguesa dessa época misturava elementos de luxo e ornamentação com a tradição da arte religiosa, criando uma fusão única.

• Cera Policromada: A composição é feita de cera colorida, permitindo um alto grau de detalhe e realismo.
• Baixo relevo: A obra apresenta elementos tridimensionais em relevo, destacando figuras e cenas.
• Inspiração de Pinturas Clássicas: A “Lucrezia” baseia-se em obras de Parmigianino, enquanto “Cupido” tem origem em Bartolomeo Schedoni.
• Acabamento com Moldura Dourada: A moldura ornamentada realça a sofisticação da peça.

• Estas técnicas destacam a sua habilidade na escultura em cera e referências clássicas.

• Ornamentação graciosa e detalhes minuciosos: A composição inclui detalhes refinados, como tecidos ricamente trabalhados, flores, e outros elementos que refletem um senso de luxo e delicadeza.
• Simbolismo mitológico ou alegórico: A presença de Cupido sugere o uso de elementos mitológicos ou alegorias relacionadas ao amor, típicos da estética Rococó, com ênfase na leveza e sensualidade.
• Cores suaves e pastel: Tonalidades claras, como rosa, azul, dourado e branco, são frequentemente usadas no Rococó para criar uma atmosfera de harmonia e beleza.
• Cenário íntimo e elegante: A ambientação do quadro pode incluir cenários interiores requintados, com mobílias e decorações que refletem a sofisticação do século XVIII.