Flavio Piscinelli, Matteo Patano e Christian Mennella PRESENT:
MUSEO
L'ARTE NEL TEMPO
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PIANTA DEL MUSEO
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L'ARTE GOTICA
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ARCHITETTURA
Le caratteristiche dell'architettura gotica erano strutture costruite in pietra combinate con grandi distese di vetro, colonne a grappolo, guglie appuntite, grandi archi, decorazioni intricate, volte a vela e archi rampanti.Ma la straordinaria capacità degli architetti gotici non si esaurisce nella nuova struttura statica messa a punto: gli edifici, svuotati dal limite delle pareti in muratura, poterono svilupparsi in uno slancio verticale, arrivando a toccare altezze ai limiti delle possibilità della statica in una continua ricerca di elevazione verso Dio.
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L'ARTE GOTICA
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PITTURA
L’intento delle nuove generazioni di pittori in Italia è quello di superare la secolare immobilità delle figure bizantine per adeguare i contenuti della pittura alle nuove esigenze del tempo. Sorge, accanto ai grandi cicli di affreschi religiosi, per la prima volta anche una pittura profana che, nei palazzi signorili, racconta non solo le storie della nobiltà, ma anche quelle della nuova borghesia cittadina. Sia nella pittura sacra che in quella profana si assiste ad una trasformazione dei temi e dei soggetti raffigurati in virtù della quale eventi e personaggi vengono calati dagli artisti nella realtà materiale e fisica oltre che temporale degli avvenimenti. Anche negi soggetti religiosi sono proposti contenuti storici in modo da facilitare l’immedesimazione dei fedeli e da proporre loro un modello di vita e di spiritualità conforme alle indicazioni della Chiesa. Protagonista indiscusso di questo cambiamento nel campo dell’arte figurativa è Giotto e prima di lui aveva contribuito a tale rivoluzione la grande lezione di Cimabue.
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L'ARTE GOTICA
SCULTURA
La scultura gotica italiana è caratterizzata da indipendenza dal legame architettonico, ispirazione fortemente condizionata dai modelli classici, realismo naturalistico nel trattamento di soggetti umani e della natura e tensione pittorica data dalle linee. In essa si ritrova poco del marcato spiritualismo proprio ad esempio della scultura francese e si caratterizza piuttosto per un senso plastico del tutto originale. Gli scultori italiani, partendo dal concetto romanico della massa, mostrano interesse per le anatomie dei corpi velati da panneggi ricollegandosi alla tradizione antica e preparando quella che sarà la stagione rinascimentale. Tra le personalità di spicco da citare Nicola Pisano che troverà un punto di incontro tra lo stile classico ed il naturalismo gotico di derivazione francese soprattutto nelle opere senesi, il figlio Giovanni Pisano ed Arnolfo di Cambio, non solo scultore, ma anche grande architetto (Basilica di Santa Croce e Palazzo dei Priori a Firenze).
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L'ARTE RINASCIMENTALE
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ARCHITETTURA
L'architettura rinascimentale è quella fase dell'architettura italiana che si sviluppò dal 1420 alla metà del XVI secolo, con il ritorno alla vita dell'antichità classica. Caratteristiche principali dell'architettura rinascimentale sono infatti la sensibilità verso il passato antico, la ripresa degli ordini classici, l'articolazione chiara nelle piante e negli alzati, nonché le proporzioni tra le singole parti degli edifici. Lo stile del cosiddetto "primo rinascimento" ebbe origine a Firenze, favorito dall'affermazione della borghesia e della cultura umanistica, fiorendo poi in altre corti come quelle di Mantova e di Urbino. La successiva fase cinquecentesca, detta "Rinascimento classico", ebbe in Roma il nuovo centro della vita artistica, coesistendo nello stesso secolo con il Manierismo, che è generalmente considerato dalla storiografia come la terza fase del Rinascimento. Nei secoli seguenti le idee architettoniche elaborate in Italia si propagarono anche nel resto d'Europa, ma le opere che ne scaturirono ebbero poco in comune con le caratteristiche dell'architettura italiana, consistenti nella ripresa di particolari romani e nel senso di equilibrio e stabilità.
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L'ARTE RINASCIMENTALE
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PITTURA
La pittura rinascimentale, caratterizzata dall'umanesimo e dalla riscoperta dell'antichità classica, si distingue per l'uso della prospettiva, il naturalismo nella rappresentazione, e la simmetria e la proporzione nelle composizioni. Si pone l'uomo al centro della realtà, valorizzando la sua dignità e individualità. Gli artisti, ispirati al pensiero umanistico, rappresentano l'uomo con una naturalezza mai vista prima, studiando la sua anatomia e le sue espressioni emotive. L'uso della prospettiva lineare centrica, scoperta da Filippo Brunelleschi, crea una sensazione di profondità e realismo nello spazio, rendendo le composizioni tridimensionali. Si cerca di rappresentare la realtà con la massima fedeltà possibile, studiando la natura e la figura umana con un'attenzione ai dettagli. L'arte rinascimentale si ispira ai modelli classici, riprendendo elementi come la simmetria e le proporzioni matematiche nelle composizioni. Questi elementi contribuiscono a creare un senso di armonia e equilibrio nelle opere. Gli artisti rinascimentali rifiutano gli eccessi decorativi del Gotico, preferendo un'estetica più sobria e essenziale. Leonardo da Vinci introduce lo sfumato e il chiaroscuro, tecniche che consentono di creare effetti di luce e ombra più naturali e dinamici.
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L'ARTE RINASCIMENTALE
SCULTURA
La scultura rinascimentale, come la pittura, si caratterizza per il ritorno all'interesse per la figura umana e la sua rappresentazione naturalistica, studiando l'anatomia e i movimenti del corpo. Gli scultori del Rinascimento si dedicarono a creare sculture tridimensionali, utilizzando materiali come marmo, bronzo e terracotta, e ricorrendo all'uso della luce e dell'ombra per enfatizzare i dettagli e la profondità. L'arte rinascimentale recupera i modelli dell'antichità classica, studiando le proporzioni e le forme delle sculture antiche.
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Pulpito Duomo di Pisa
Con la sua articolata struttura architettonica e la complessa decorazione scultorea, l'opera è una delle più vaste narrazioni per immagini trecentesche che riflette il rinnovamento ed il fervore religioso dell'epoca. Nelle formelle, leggermente ricurve, sono scolpiti con un linguaggio espressivo gli episodi della Vita di Cristo. La struttura è poligonale, come gli analoghi esempi precedenti, nel battistero di Pisa, nel duomo di Siena e nella chiesa di Sant'Andrea di Pistoia, ma per la prima volta i pannelli sono leggermente incurvati, dando un'idea di circolarità nuova nel suo genere. Altrettanto originali sono: La presenza di cariatidi e telamoni veri e propri, cioè figure scolpite al posto delle semplici colonne, con vari significati simbolici L'adozione di mensole a volute in luogo degli archetti per sostenere il piano rialzato Lo straordinario senso di movimento, dato dalle numerosissime figure che riempiono ogni spazio vuoto.
Luogo: Duomo di Pisa Data di realizzazione: 1302-1311 Autore: Giovanni Pisano Stile: Gotico
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Lezioni d' autore con Antonio Paolucci - Nicola Pisano
Pulpito Duomo di Siena
Il pulpito del duomo di Siena fu realizzato da Nicola Pisano tra il 1265 e il 1268 con la collaborazione del suo giovane figlio Giovanni Pisano e del giovane Arnolfo di Cambio, di Goro e dei fratelli Lapo e Donato di Ricevuto. È una delle opere scultoree più importanti del Duecento italiano, se non la più importante in assoluto nella storia della scultura italiana di questo secolo. La sua storia La base è ottagonale e qui le scene dei pannelli principali Sugli spigoli ci sono figure che sporgono maggiormente rispetto alle figure dei pannelli. Alcuni dettagli
Luogo: Duomo di Siena Data di realizzazione: 1265-1268 Autore: Nicola Pisano - Giovanni Pisano - Arnolfo di Cambio Stile: Gotico
La Scuola di Atene
La Scuola di Atene è un affresco di Raffaello Sanzio, realizzato tra il 1509 e il 1511 e situato nella Stanza della Segnatura dei Musei Vaticani. Rappresenta una scena di filosofi, matematici e scienziati dell'antichità, riuniti in una piazza con un'architettura classica. L'opera celebra la filosofia e la ricerca razionale, con personaggi come Platone e Aristotele al centro, che incarnano rispettivamente il mondo delle idee e la realtà empirica. Personaggi Significato Simbolismo Curiosità Il grande affresco di Raffaello è una sorta di "manifesto" del Rinascimento che pone l'uomo al centro dell'universo. L'essere umano domina la realtà, grazie all'intelletto, in continuità dall'antichità classica al cristianesimo.
Luogo: Stanza della Segnatura, Musei VaticaniData di realizzazione: 1509-1511 Autore: Raffaello Sanzio Stile: Rinascimentale
Basilica di San Lorenzo
Niente è giunto fino a noi della Basilica Ambrosiana, edificio sicuramente di più modeste dimensioni di quella attuale. Della “seconda” ricostruzione, voluta dal Papa Niccolo II, eseguita nel 1059 abbiamo traccia nei documenti del Codice Rustici. L’imponente basilica che ammiriamo oggi è il frutto del radicale rinnovamento cominciato nel 1418 da Giovanni di Bicci, capostipite della famiglia Medici che affidò la costruzione di una cappella funeraria, oggi la Sacrestia Vecchia, affidata a Filippo Brunelleschi che diresse il grande cantiere fino alla sua morte, avvenuta nel 1446. Il progetto fu ampliato in seguito, sempre sotto la direzione di Filippo Brunelleschi, fino alle costruzione totale della Basilica come la vediamo oggi. Il lavoro fu portato a compimento dal suo biografo ed erede Antonio Manetti nel 1461 e, nonostante alcuni interventi settecenteschi ed ottocenteschi, la Basilica di San Lorenzo conserva ancora oggi la vastità melodiosa ed il senso di perfetta armonia che Brunelleschi aveva voluto infonderle in virtù dei precisi rapporti proporzionali che regolano le sue strutture. Per il completamento della facciata vedi qui
Luogo: Basilica di San LorenzoData di realizzazione: 1418-1461 Autore: Filippo Brunelleschi ed altri Stile: Rinascimentale
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La Pietà
La “Pietà di San Pietro” è forse l’opera più celebre di Michelangelo, commissionata dal Cardinale francese Jean Bilhères de Lagraulas per la propria tomba. Michelangelo vi lavorò tra il 1498 e 1499, quando era poco più che ventenne. Si tratta di gruppo scultoreo in marmo statuario di Carrara realizzato a grandezza naturale (174 centimetri in altezza e 195 in larghezza). La composizione dell’opera ricorda una piramide: Maria, seduta su una larga roccia che forse allude al Calvario, tiene sulle ginocchia il corpo senza vita di Cristo, suo figlio. La Vergine indossa un velo che le copre il capo e un’ampia veste con voluminose pieghe che scendono fino a terra. Con la mano destra sostiene le spalle del figlio, reggendolo da sotto l’ascella, mentre la sinistra è rivolta col palmo verso l’alto, in un gesto che rappresenta l’accettazione della volontà divina. Il volto di Maria, molto giovane, è rivolto verso Gesù e non appare straziato dal dolore, ma composto anche nella sofferenza. Cristo è disteso sulle gambe della madre: il braccio destro ricade verso il basso, la testa è abbandonata all’indietro, coi capelli scompigliati che scendono sulle spalle; gli occhi sono chiusi. Il corpo è liscio e nudo, fatta eccezione per un panno annodato in vita; sul dorso dei piedi e delle mani si possono percepire le stigmati, ma a parte queste, non vi sono altri segni di sofferenza sicché Cristo appare più addormentato che morto.
Luogo: Basilica di San Pietro a RomaData di realizzazione: 1498-1499Autore: Michelangelo BuonarrotiStile: Rinascimentale
Maestà del Duomo di Siena
Si tratta di una grande tavola (425x212 cm.) a due facce. Il lato principale, quello originariamente rivolto ai fedeli, era dipinto con una monumentale Vergine con Bambino in trono, circondata da un'affollata teoria di santi e angeli su fondo oro. Per quanto riguarda la grande Madonna in trono col Bambino, a parte gli angeli, Duccio si sforzò di caratterizzare individualmente le fisionomie, raggiungendo il vertice nei volti delle divinità. La Madonna è seduta su un ampio e sfarzoso trono, che accenna ad una spazialità tridimensionale secondo le novità già praticate da Cimabue, ed è dipinta con una cromia morbida, che dà naturalezza al dolce incarnato. Anche il Bambino esprime una profonda tenerezza, ma il suo corpo non sembra generare peso e le mani di Maria che lo reggono sono piuttosto innaturali.Sul retro della Maestà , destinato alla visione del clero, erano rappresentate 26 Storie della Passione e Resurrezione di Cristo, divise in formelle più piccole, uno dei più ampi cicli dedicati a questo tema in Italia.
Luogo: Duomo di Siena Data di realizzazione: dipinta tra il 1308 e il 1311 Autore: Duccio di Buoninsegna Stile: Gotico
Il Crocifisso di Santa Maria Novella di Giotto
Il corpo di Cristo è appoggiato contro un pannello decorato. Ai lati del braccio corto della Croce sono dipinti poi la Vergine a sinistra e San Giovanni a destra. In alto al sommo della Croce è dipinto un rettangolo rosso con le insegne di Cristo. Il corpo di Gesù è magro e visibilmente provato dalla Passione che lo ha portato alla morte. Infatti sulla sinistra del torace è visibile un fiotto di sangue che esce dalla ferita a l costato. I capelli lunghi e biondi ricadono scriminati al centro mentre una leggera barba incornicia il mento. Dalle ferite alle mani scendono altri rivoli di sangue come dal costato e dai piedi. Intorno ai fianchi è stretto un velo e i piedi in basso sono fissati alla croce da un grosso chiodo.Infine il legno è fissato alla roccia dipinta all’interno del basamento trapezoidale. Sul teschio e su alcune ossa si deposita il sangue che scende in basso.
Luogo: Santa Maria Novella - Firenze Data di realizzazione: 1290-1295 circa Autore: Giotto Stile: Gotico
Lezioni d' autore con Antonio Paolucci
Cattedrale di Colonia
Luogo: Colonia Data di realizzazione: 16 Agosto 1248 - 1880 Autore: Maestro Gerardus (1° progettista) Stile: Gotico
Visione interna della cattedrale
La cattedrale di Colonia è stata progettata inizialmente per custodire l'Arca dei Re Magi contenente le reliquie degli stessi, portata a Colonia da Federico Barbarossa. Questa chiesa, le cui torri sono alte 157m, è la terza chiesa più alta al mondo ed ua delle maggiori attrazioni turistiche in Germania. Suggestive sono le vetrate realizzate con vetri colorati incastonati in scheletri di piombo.
Visione esterna della cattedrale
Duomo di Milano - Meraviglie Alberto Angela
DUOMO DI MILANO
La costruzione del Duomo di Milano iniziò nel 1388 e continuò fino agli inizi del 900, tra molte interruzioni e modifiche del progetto originario. E', quindi, il risultato di un lavoro secolare: per questo non segue uno stile “storico” riconoscibile, ma è il frutto di una continua reinterpretazione del gotico in chiave mastodontica e spettacolare. La maggior parte delle strutture visibili risale al neogotico (XIX secolo). La pianta del Duomo è a croce latina, con cinque navate. Il presbiterio è circondato da un deambulatorio con abside poligonale. Lo slancio verticale dell’edificio è notevole, ma viene attenuato dalla dilatazione orizzontale dello spazio.A differenza delle cattedrali nordiche, la struttura portante del Duomo di Milano è composta soprattutto dai piloni e dai muri perimetrali. I contrafforti rinforzano i muri perimetrali ma non permettono l’apertura di finestroni ampi: la costruzione risulta così avere una forma chiusa. Anche le guglie e i pinnacoli non hanno funzione portante ma esclusivamente decorativa,e sono stati aggiunti nel corso dei secoli.
Luogo: Milano Data di realizzazione: 1388 - inizio '900 Autore: Vari Stile: Gotico
La nascita di Venere
"La Nascita di Venere" è un dipinto di Sandro Botticelli, realizzato intorno al 1485. L'opera è una delle più celebri del Rinascimento italiano e raffigura la dea dell'amore e della bellezza, Venere, che emerge dalla spuma del mare e viene portata verso la riva. La dea è rappresentata come un'elegante bellezza, nuda e con i capelli lunghi, in una postura che ricorda le sculture antiche. Venere è in piedi su una grande conchiglia, simbolo di purezza e fertilità. Due venti, Zefiro e Aura (o Cloris), spingono la conchiglia verso la riva. Un'altra figura, forse la primavera, attende Venere con un manto di fiori. Il paesaggio è caratterizzato da un mare azzurro, una spiaggia dorata e una vegetazione fitta. La Nascita di Venere è spesso interpretata come un'allegoria dell'amore, del desiderio e della bellezza. L'opera si inserisce nell'ambito del neoplatonismo, una corrente filosofica che celebra la bellezza e la perfezione dell'ideale. La scena della nascita della dea rappresenta un momento di rinascita, di ritorno alla bellezza e alla perfezione dell'antichità classica.
Luogo: Galleria degli Uffizi a FirenzeData di realizzazione: 1485-1486 Autore: Sandro Botticelli Stile: Rinascimentale
Basilica di San Pietro
La Basilica di San Pietro è una delle chiese più importanti della cristianità e il simbolo stesso di Città del Vaticano. La Basilica è dedicata al martirio di San Pietro, uno dei dodici apostoli di Gesù Cristo ed è classico esempio di architettura in stile rinascimentale. La Basilica di San Pietro sorge su quella che si presume essere la tomba di San Pietro, l'apostolo di Gesù e primo Papa giustiziato dall'imperatore Nerone. Infatti, proprio sotto la basilica, si trova la Necropoli Vaticana, i resti di un antico sepolcreto romano con tombe risalenti al I e al IV secolo. La cupola della Basilica fu progettata da Michelangelo e si ispirò al Pantheon. La cupola è stata poi la musa ispiratrice di molti edifici, tra cui il Campidoglio di Washington e la Cattedrale di St Paul a Londra. C'è molto da dire sulla cupola, ma le sue dimensioni sono sconcertanti. L'altezza della cupola è di 136,5 metri.
Luogo: Basilica di San Pietro in VaticanoData di realizzazione: 1506-1626 Autore: Vari Stile: Rinascimentale
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David
Un gigante alto cinque metri, monumentale con le sue oltre cinque tonnellate di marmo di Carrara, nudo, armato solo di fionda e di sasso, con il suo sguardo fiero a sfidare il nemico, i muscoli che trasudano coraggio, svetta in una sala della Galleria dell’Accademia di Firenze. E' il David di Michelangelo Buonarroti che si decise di collocare di fronte al Palazzo della Signoria, dopo un un faticoso e rocambolesco trasporto attraverso le vie di Firenze, a simboleggiare la libertà contro i potenti nemici dell’epoca. A chi era stata affidata la commissione della statua prima del Buonarroti? La sfida di Michelangelo In origine alcune parti del David erano dorate: una ghirlanda sul capo, il broncone dietro la gamba destra e la fionda. La scultura, con la base scolpita, era alta 517 centimetri e pesava 5560 chili. Il trasporto nella sede stabilita, al quale presero parte oltre quaranta uomini, avvenne in quattro giorni.
Michelangelo rifinì l’opera sul posto dipingendo in oro il tronco d'albero dietro la gamba destra e aggiungendo delle ghirlande di ottone con foglie in rame dorato che cingevano la testa e la cinghia della fionda. La statua venne rivolta a sud-ovest, in segno di sfida alle popolazioni nemiche pronte ad attaccare Firenze.
Luogo: Galleria dell'Accademia di FirenzeData di realizzazione: 1501-1504 Autore: Michelangelo Buonarroti Stile: Rinascimentale
Cattedrale di Colonia
Luogo: Colonia Data di realizzazione: 16 Agosto 1248 - 1880 Autore: Maestro Gerardus (1° progettista) Stile: Gotico
La cattedrale di Colonia è stata progettata inizialmente per custodire l'Arca dei Re Magi contenente le reliquie degli stessi, portata a Colonia da Federico Barbarossa. Questa chiesa, le cui torri sono alte 157m, è la terza chiesa più alta al mondo ed ua delle maggiori attrazioni turistiche in Germania. Suggestive sono le vetrate realizzate con vetri colorati incastonati in scheletri di piombo.
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Museo Arte Gotica
Flavio Piscinelli
Created on November 10, 2024
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Flavio Piscinelli, Matteo Patano e Christian Mennella PRESENT:
MUSEO
L'ARTE NEL TEMPO
MAIN HALL
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ROOM 3
ROOM 1
PIANTA DEL MUSEO
Room 1
L'ARTE GOTICA
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ARCHITETTURA
Le caratteristiche dell'architettura gotica erano strutture costruite in pietra combinate con grandi distese di vetro, colonne a grappolo, guglie appuntite, grandi archi, decorazioni intricate, volte a vela e archi rampanti.Ma la straordinaria capacità degli architetti gotici non si esaurisce nella nuova struttura statica messa a punto: gli edifici, svuotati dal limite delle pareti in muratura, poterono svilupparsi in uno slancio verticale, arrivando a toccare altezze ai limiti delle possibilità della statica in una continua ricerca di elevazione verso Dio.
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PITTURA
L’intento delle nuove generazioni di pittori in Italia è quello di superare la secolare immobilità delle figure bizantine per adeguare i contenuti della pittura alle nuove esigenze del tempo. Sorge, accanto ai grandi cicli di affreschi religiosi, per la prima volta anche una pittura profana che, nei palazzi signorili, racconta non solo le storie della nobiltà, ma anche quelle della nuova borghesia cittadina. Sia nella pittura sacra che in quella profana si assiste ad una trasformazione dei temi e dei soggetti raffigurati in virtù della quale eventi e personaggi vengono calati dagli artisti nella realtà materiale e fisica oltre che temporale degli avvenimenti. Anche negi soggetti religiosi sono proposti contenuti storici in modo da facilitare l’immedesimazione dei fedeli e da proporre loro un modello di vita e di spiritualità conforme alle indicazioni della Chiesa. Protagonista indiscusso di questo cambiamento nel campo dell’arte figurativa è Giotto e prima di lui aveva contribuito a tale rivoluzione la grande lezione di Cimabue.
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SCULTURA
La scultura gotica italiana è caratterizzata da indipendenza dal legame architettonico, ispirazione fortemente condizionata dai modelli classici, realismo naturalistico nel trattamento di soggetti umani e della natura e tensione pittorica data dalle linee. In essa si ritrova poco del marcato spiritualismo proprio ad esempio della scultura francese e si caratterizza piuttosto per un senso plastico del tutto originale. Gli scultori italiani, partendo dal concetto romanico della massa, mostrano interesse per le anatomie dei corpi velati da panneggi ricollegandosi alla tradizione antica e preparando quella che sarà la stagione rinascimentale. Tra le personalità di spicco da citare Nicola Pisano che troverà un punto di incontro tra lo stile classico ed il naturalismo gotico di derivazione francese soprattutto nelle opere senesi, il figlio Giovanni Pisano ed Arnolfo di Cambio, non solo scultore, ma anche grande architetto (Basilica di Santa Croce e Palazzo dei Priori a Firenze).
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ARCHITETTURA
L'architettura rinascimentale è quella fase dell'architettura italiana che si sviluppò dal 1420 alla metà del XVI secolo, con il ritorno alla vita dell'antichità classica. Caratteristiche principali dell'architettura rinascimentale sono infatti la sensibilità verso il passato antico, la ripresa degli ordini classici, l'articolazione chiara nelle piante e negli alzati, nonché le proporzioni tra le singole parti degli edifici. Lo stile del cosiddetto "primo rinascimento" ebbe origine a Firenze, favorito dall'affermazione della borghesia e della cultura umanistica, fiorendo poi in altre corti come quelle di Mantova e di Urbino. La successiva fase cinquecentesca, detta "Rinascimento classico", ebbe in Roma il nuovo centro della vita artistica, coesistendo nello stesso secolo con il Manierismo, che è generalmente considerato dalla storiografia come la terza fase del Rinascimento. Nei secoli seguenti le idee architettoniche elaborate in Italia si propagarono anche nel resto d'Europa, ma le opere che ne scaturirono ebbero poco in comune con le caratteristiche dell'architettura italiana, consistenti nella ripresa di particolari romani e nel senso di equilibrio e stabilità.
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4/5
PITTURA
La pittura rinascimentale, caratterizzata dall'umanesimo e dalla riscoperta dell'antichità classica, si distingue per l'uso della prospettiva, il naturalismo nella rappresentazione, e la simmetria e la proporzione nelle composizioni. Si pone l'uomo al centro della realtà, valorizzando la sua dignità e individualità. Gli artisti, ispirati al pensiero umanistico, rappresentano l'uomo con una naturalezza mai vista prima, studiando la sua anatomia e le sue espressioni emotive. L'uso della prospettiva lineare centrica, scoperta da Filippo Brunelleschi, crea una sensazione di profondità e realismo nello spazio, rendendo le composizioni tridimensionali. Si cerca di rappresentare la realtà con la massima fedeltà possibile, studiando la natura e la figura umana con un'attenzione ai dettagli. L'arte rinascimentale si ispira ai modelli classici, riprendendo elementi come la simmetria e le proporzioni matematiche nelle composizioni. Questi elementi contribuiscono a creare un senso di armonia e equilibrio nelle opere. Gli artisti rinascimentali rifiutano gli eccessi decorativi del Gotico, preferendo un'estetica più sobria e essenziale. Leonardo da Vinci introduce lo sfumato e il chiaroscuro, tecniche che consentono di creare effetti di luce e ombra più naturali e dinamici.
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La scultura rinascimentale, come la pittura, si caratterizza per il ritorno all'interesse per la figura umana e la sua rappresentazione naturalistica, studiando l'anatomia e i movimenti del corpo. Gli scultori del Rinascimento si dedicarono a creare sculture tridimensionali, utilizzando materiali come marmo, bronzo e terracotta, e ricorrendo all'uso della luce e dell'ombra per enfatizzare i dettagli e la profondità. L'arte rinascimentale recupera i modelli dell'antichità classica, studiando le proporzioni e le forme delle sculture antiche.
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Room 2
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Question 2
Did you know that images are a support to add information?
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Question 3
How much information does our brain retain through visual stimuli such as images, interactivity, or animation?
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Room 2
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Question 4
What would you use in your presentation to entertain, provide relevant information, and capture the attention of your class?
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Room 2
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Question 5
Did you know that images illustrate what you want to convey and are a support to add additional info?
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MAIN HALL
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ROOM 2
ROOM 3
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All the museum's works have disappeared
Take advantage of this space to write a brief explanation that develops the theme of the escape room and enhances its understanding. Can you help us?
ROOM 1
Room 3
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Question 1
Did you know that Genially allows you to share your creation directly, without the need for downloads?
Room 3
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Question 2
Did you know that multimedia contentis essential to achieve a WOW effect in the classroom?
Room 3
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Question 3
Did you know that images are an aesthetic resource that tell stories on their own and also keep the brain awake?
Room 3
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Question 4
How much information does our brain retain through visual stimuli such as images, interactivities, or animation?
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Question 5
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You've lost a piece of the museum!
MAIN HALL
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Oh no!
All the museum works have disappeared
Take advantage of this space to write a brief explanation that develops the theme of the escape room and enhances its understanding. Can you help us?
ROOM 1
Main hall
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Question 1
What percentage of our brain is involved in processing visual stimuli, such as images, interactivity, or animation?
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Main hall
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Main Hall
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Question 3
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Main Hall
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Pulpito Duomo di Pisa
Con la sua articolata struttura architettonica e la complessa decorazione scultorea, l'opera è una delle più vaste narrazioni per immagini trecentesche che riflette il rinnovamento ed il fervore religioso dell'epoca. Nelle formelle, leggermente ricurve, sono scolpiti con un linguaggio espressivo gli episodi della Vita di Cristo. La struttura è poligonale, come gli analoghi esempi precedenti, nel battistero di Pisa, nel duomo di Siena e nella chiesa di Sant'Andrea di Pistoia, ma per la prima volta i pannelli sono leggermente incurvati, dando un'idea di circolarità nuova nel suo genere. Altrettanto originali sono: La presenza di cariatidi e telamoni veri e propri, cioè figure scolpite al posto delle semplici colonne, con vari significati simbolici L'adozione di mensole a volute in luogo degli archetti per sostenere il piano rialzato Lo straordinario senso di movimento, dato dalle numerosissime figure che riempiono ogni spazio vuoto.
Luogo: Duomo di Pisa Data di realizzazione: 1302-1311 Autore: Giovanni Pisano Stile: Gotico
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You have lost a piece of the museum!
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Lezioni d' autore con Antonio Paolucci - Nicola Pisano
Pulpito Duomo di Siena
Il pulpito del duomo di Siena fu realizzato da Nicola Pisano tra il 1265 e il 1268 con la collaborazione del suo giovane figlio Giovanni Pisano e del giovane Arnolfo di Cambio, di Goro e dei fratelli Lapo e Donato di Ricevuto. È una delle opere scultoree più importanti del Duecento italiano, se non la più importante in assoluto nella storia della scultura italiana di questo secolo. La sua storia La base è ottagonale e qui le scene dei pannelli principali Sugli spigoli ci sono figure che sporgono maggiormente rispetto alle figure dei pannelli. Alcuni dettagli
Luogo: Duomo di Siena Data di realizzazione: 1265-1268 Autore: Nicola Pisano - Giovanni Pisano - Arnolfo di Cambio Stile: Gotico
La Scuola di Atene
La Scuola di Atene è un affresco di Raffaello Sanzio, realizzato tra il 1509 e il 1511 e situato nella Stanza della Segnatura dei Musei Vaticani. Rappresenta una scena di filosofi, matematici e scienziati dell'antichità, riuniti in una piazza con un'architettura classica. L'opera celebra la filosofia e la ricerca razionale, con personaggi come Platone e Aristotele al centro, che incarnano rispettivamente il mondo delle idee e la realtà empirica. Personaggi Significato Simbolismo Curiosità Il grande affresco di Raffaello è una sorta di "manifesto" del Rinascimento che pone l'uomo al centro dell'universo. L'essere umano domina la realtà, grazie all'intelletto, in continuità dall'antichità classica al cristianesimo.
Luogo: Stanza della Segnatura, Musei VaticaniData di realizzazione: 1509-1511 Autore: Raffaello Sanzio Stile: Rinascimentale
Basilica di San Lorenzo
Niente è giunto fino a noi della Basilica Ambrosiana, edificio sicuramente di più modeste dimensioni di quella attuale. Della “seconda” ricostruzione, voluta dal Papa Niccolo II, eseguita nel 1059 abbiamo traccia nei documenti del Codice Rustici. L’imponente basilica che ammiriamo oggi è il frutto del radicale rinnovamento cominciato nel 1418 da Giovanni di Bicci, capostipite della famiglia Medici che affidò la costruzione di una cappella funeraria, oggi la Sacrestia Vecchia, affidata a Filippo Brunelleschi che diresse il grande cantiere fino alla sua morte, avvenuta nel 1446. Il progetto fu ampliato in seguito, sempre sotto la direzione di Filippo Brunelleschi, fino alle costruzione totale della Basilica come la vediamo oggi. Il lavoro fu portato a compimento dal suo biografo ed erede Antonio Manetti nel 1461 e, nonostante alcuni interventi settecenteschi ed ottocenteschi, la Basilica di San Lorenzo conserva ancora oggi la vastità melodiosa ed il senso di perfetta armonia che Brunelleschi aveva voluto infonderle in virtù dei precisi rapporti proporzionali che regolano le sue strutture. Per il completamento della facciata vedi qui
Luogo: Basilica di San LorenzoData di realizzazione: 1418-1461 Autore: Filippo Brunelleschi ed altri Stile: Rinascimentale
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La Pietà
La “Pietà di San Pietro” è forse l’opera più celebre di Michelangelo, commissionata dal Cardinale francese Jean Bilhères de Lagraulas per la propria tomba. Michelangelo vi lavorò tra il 1498 e 1499, quando era poco più che ventenne. Si tratta di gruppo scultoreo in marmo statuario di Carrara realizzato a grandezza naturale (174 centimetri in altezza e 195 in larghezza). La composizione dell’opera ricorda una piramide: Maria, seduta su una larga roccia che forse allude al Calvario, tiene sulle ginocchia il corpo senza vita di Cristo, suo figlio. La Vergine indossa un velo che le copre il capo e un’ampia veste con voluminose pieghe che scendono fino a terra. Con la mano destra sostiene le spalle del figlio, reggendolo da sotto l’ascella, mentre la sinistra è rivolta col palmo verso l’alto, in un gesto che rappresenta l’accettazione della volontà divina. Il volto di Maria, molto giovane, è rivolto verso Gesù e non appare straziato dal dolore, ma composto anche nella sofferenza. Cristo è disteso sulle gambe della madre: il braccio destro ricade verso il basso, la testa è abbandonata all’indietro, coi capelli scompigliati che scendono sulle spalle; gli occhi sono chiusi. Il corpo è liscio e nudo, fatta eccezione per un panno annodato in vita; sul dorso dei piedi e delle mani si possono percepire le stigmati, ma a parte queste, non vi sono altri segni di sofferenza sicché Cristo appare più addormentato che morto.
Luogo: Basilica di San Pietro a RomaData di realizzazione: 1498-1499Autore: Michelangelo BuonarrotiStile: Rinascimentale
Maestà del Duomo di Siena
Si tratta di una grande tavola (425x212 cm.) a due facce. Il lato principale, quello originariamente rivolto ai fedeli, era dipinto con una monumentale Vergine con Bambino in trono, circondata da un'affollata teoria di santi e angeli su fondo oro. Per quanto riguarda la grande Madonna in trono col Bambino, a parte gli angeli, Duccio si sforzò di caratterizzare individualmente le fisionomie, raggiungendo il vertice nei volti delle divinità. La Madonna è seduta su un ampio e sfarzoso trono, che accenna ad una spazialità tridimensionale secondo le novità già praticate da Cimabue, ed è dipinta con una cromia morbida, che dà naturalezza al dolce incarnato. Anche il Bambino esprime una profonda tenerezza, ma il suo corpo non sembra generare peso e le mani di Maria che lo reggono sono piuttosto innaturali.Sul retro della Maestà , destinato alla visione del clero, erano rappresentate 26 Storie della Passione e Resurrezione di Cristo, divise in formelle più piccole, uno dei più ampi cicli dedicati a questo tema in Italia.
Luogo: Duomo di Siena Data di realizzazione: dipinta tra il 1308 e il 1311 Autore: Duccio di Buoninsegna Stile: Gotico
Il Crocifisso di Santa Maria Novella di Giotto
Il corpo di Cristo è appoggiato contro un pannello decorato. Ai lati del braccio corto della Croce sono dipinti poi la Vergine a sinistra e San Giovanni a destra. In alto al sommo della Croce è dipinto un rettangolo rosso con le insegne di Cristo. Il corpo di Gesù è magro e visibilmente provato dalla Passione che lo ha portato alla morte. Infatti sulla sinistra del torace è visibile un fiotto di sangue che esce dalla ferita a l costato. I capelli lunghi e biondi ricadono scriminati al centro mentre una leggera barba incornicia il mento. Dalle ferite alle mani scendono altri rivoli di sangue come dal costato e dai piedi. Intorno ai fianchi è stretto un velo e i piedi in basso sono fissati alla croce da un grosso chiodo.Infine il legno è fissato alla roccia dipinta all’interno del basamento trapezoidale. Sul teschio e su alcune ossa si deposita il sangue che scende in basso.
Luogo: Santa Maria Novella - Firenze Data di realizzazione: 1290-1295 circa Autore: Giotto Stile: Gotico
Lezioni d' autore con Antonio Paolucci
Cattedrale di Colonia
Luogo: Colonia Data di realizzazione: 16 Agosto 1248 - 1880 Autore: Maestro Gerardus (1° progettista) Stile: Gotico
Visione interna della cattedrale
La cattedrale di Colonia è stata progettata inizialmente per custodire l'Arca dei Re Magi contenente le reliquie degli stessi, portata a Colonia da Federico Barbarossa. Questa chiesa, le cui torri sono alte 157m, è la terza chiesa più alta al mondo ed ua delle maggiori attrazioni turistiche in Germania. Suggestive sono le vetrate realizzate con vetri colorati incastonati in scheletri di piombo.
Visione esterna della cattedrale
Duomo di Milano - Meraviglie Alberto Angela
DUOMO DI MILANO
La costruzione del Duomo di Milano iniziò nel 1388 e continuò fino agli inizi del 900, tra molte interruzioni e modifiche del progetto originario. E', quindi, il risultato di un lavoro secolare: per questo non segue uno stile “storico” riconoscibile, ma è il frutto di una continua reinterpretazione del gotico in chiave mastodontica e spettacolare. La maggior parte delle strutture visibili risale al neogotico (XIX secolo). La pianta del Duomo è a croce latina, con cinque navate. Il presbiterio è circondato da un deambulatorio con abside poligonale. Lo slancio verticale dell’edificio è notevole, ma viene attenuato dalla dilatazione orizzontale dello spazio.A differenza delle cattedrali nordiche, la struttura portante del Duomo di Milano è composta soprattutto dai piloni e dai muri perimetrali. I contrafforti rinforzano i muri perimetrali ma non permettono l’apertura di finestroni ampi: la costruzione risulta così avere una forma chiusa. Anche le guglie e i pinnacoli non hanno funzione portante ma esclusivamente decorativa,e sono stati aggiunti nel corso dei secoli.
Luogo: Milano Data di realizzazione: 1388 - inizio '900 Autore: Vari Stile: Gotico
La nascita di Venere
"La Nascita di Venere" è un dipinto di Sandro Botticelli, realizzato intorno al 1485. L'opera è una delle più celebri del Rinascimento italiano e raffigura la dea dell'amore e della bellezza, Venere, che emerge dalla spuma del mare e viene portata verso la riva. La dea è rappresentata come un'elegante bellezza, nuda e con i capelli lunghi, in una postura che ricorda le sculture antiche. Venere è in piedi su una grande conchiglia, simbolo di purezza e fertilità. Due venti, Zefiro e Aura (o Cloris), spingono la conchiglia verso la riva. Un'altra figura, forse la primavera, attende Venere con un manto di fiori. Il paesaggio è caratterizzato da un mare azzurro, una spiaggia dorata e una vegetazione fitta. La Nascita di Venere è spesso interpretata come un'allegoria dell'amore, del desiderio e della bellezza. L'opera si inserisce nell'ambito del neoplatonismo, una corrente filosofica che celebra la bellezza e la perfezione dell'ideale. La scena della nascita della dea rappresenta un momento di rinascita, di ritorno alla bellezza e alla perfezione dell'antichità classica.
Luogo: Galleria degli Uffizi a FirenzeData di realizzazione: 1485-1486 Autore: Sandro Botticelli Stile: Rinascimentale
Basilica di San Pietro
La Basilica di San Pietro è una delle chiese più importanti della cristianità e il simbolo stesso di Città del Vaticano. La Basilica è dedicata al martirio di San Pietro, uno dei dodici apostoli di Gesù Cristo ed è classico esempio di architettura in stile rinascimentale. La Basilica di San Pietro sorge su quella che si presume essere la tomba di San Pietro, l'apostolo di Gesù e primo Papa giustiziato dall'imperatore Nerone. Infatti, proprio sotto la basilica, si trova la Necropoli Vaticana, i resti di un antico sepolcreto romano con tombe risalenti al I e al IV secolo. La cupola della Basilica fu progettata da Michelangelo e si ispirò al Pantheon. La cupola è stata poi la musa ispiratrice di molti edifici, tra cui il Campidoglio di Washington e la Cattedrale di St Paul a Londra. C'è molto da dire sulla cupola, ma le sue dimensioni sono sconcertanti. L'altezza della cupola è di 136,5 metri.
Luogo: Basilica di San Pietro in VaticanoData di realizzazione: 1506-1626 Autore: Vari Stile: Rinascimentale
You have lost a piece of the museum!
You have lost a piece of the museum!
You have lost a piece of the museum!
You have lost a piece of the museum!
David
Un gigante alto cinque metri, monumentale con le sue oltre cinque tonnellate di marmo di Carrara, nudo, armato solo di fionda e di sasso, con il suo sguardo fiero a sfidare il nemico, i muscoli che trasudano coraggio, svetta in una sala della Galleria dell’Accademia di Firenze. E' il David di Michelangelo Buonarroti che si decise di collocare di fronte al Palazzo della Signoria, dopo un un faticoso e rocambolesco trasporto attraverso le vie di Firenze, a simboleggiare la libertà contro i potenti nemici dell’epoca. A chi era stata affidata la commissione della statua prima del Buonarroti? La sfida di Michelangelo In origine alcune parti del David erano dorate: una ghirlanda sul capo, il broncone dietro la gamba destra e la fionda. La scultura, con la base scolpita, era alta 517 centimetri e pesava 5560 chili. Il trasporto nella sede stabilita, al quale presero parte oltre quaranta uomini, avvenne in quattro giorni. Michelangelo rifinì l’opera sul posto dipingendo in oro il tronco d'albero dietro la gamba destra e aggiungendo delle ghirlande di ottone con foglie in rame dorato che cingevano la testa e la cinghia della fionda. La statua venne rivolta a sud-ovest, in segno di sfida alle popolazioni nemiche pronte ad attaccare Firenze.
Luogo: Galleria dell'Accademia di FirenzeData di realizzazione: 1501-1504 Autore: Michelangelo Buonarroti Stile: Rinascimentale
Cattedrale di Colonia
Luogo: Colonia Data di realizzazione: 16 Agosto 1248 - 1880 Autore: Maestro Gerardus (1° progettista) Stile: Gotico
La cattedrale di Colonia è stata progettata inizialmente per custodire l'Arca dei Re Magi contenente le reliquie degli stessi, portata a Colonia da Federico Barbarossa. Questa chiesa, le cui torri sono alte 157m, è la terza chiesa più alta al mondo ed ua delle maggiori attrazioni turistiche in Germania. Suggestive sono le vetrate realizzate con vetri colorati incastonati in scheletri di piombo.
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