TEMA 3. LA GENERACIÓN DEL 27

ALEJANDRO AGUILAR BRAVO

CURSO 2024/25

LA LITERATURA ESPAÑOLA DEL SIGLO XX: HASTA 1939 CÓDIGO: 6401303

TEMA 3 La generación del 27 y la poesía: de Juan Ramón Jiménez a las vanguardias

¿Quiénes la componen?

• Pedro SALINAS
• Jorge GUILLÉN
• (Juan LARREA). Aunque tiene un pie en España y otro en Francia, hasta el punto de escribir parte de su obra en francés, fue el discretísimo impulsor de la vanguardia en los comienzos de los 20.
• Gerardo DIEGO
• Federico GARCÍA LORCA
• Vicente ALEIXANDRE
• Dámaso ALONSO
• Emilio PRADOS
• Rafael ALBERTi
• Luis CERNUDA
• José María de HINOJOSA. Fue uno de los que importaron el surrealismo.
• Manuel ALTOLAGUIRRE

Bajo la sombra de JUAN RAMÓN JIMÉNEZ, el maestro, la GENERACIÓN DEL 27 puede ser entendida como una oscilación entre vanguardia y tradición que se propone, entre otras cosas, eliminar los restos de la retórica dariana y los excesos ultraístas.

I. La generación del 27. La polémica generacional

• El intento de unirlos por el homenaje de 1927 a Góngora tiene sentido porque en el recuerdo al poeta cordobés se quiere llevar a cabo una defensa de la poesía en sentido estricto, quitando las telarañas e interpretaciones desafortunadas en las que había caído la obra de nuestro barroco poeta. Con la influencia gongorina reaperecieron romances, letrillas, octavas reales, sonetos tradicionales… La adopción de parte de estas estrofas se vio favorecida por el llamado «neopopularismo» de Lorca y de Alberti. Después de la influencia gongorina, el grupo recibirá la más discutida: la surrealista.

• Edades similares. La diferencia de edades no excedía los 15 años.
• Una palabra clave para la unidad del grupo es la amistad, aunque con matizaciones. Sucesos como la proclamación de la República o la Guerra Civil los divide ideológicamente, aunque su amistad supera esos escollos. Gerardo Diego desempeñó un papel absolutamente clave en la unidad del grupo, entre otras razones, por aunarlos en su célebre Antología de 1932 junto a los nombres de los cuatro maestros: los hermanos Machado, Juan Ramón y Unamuno.
• Afán metafórico. En la década del 30 la metáfora deja de ser, paulatinamente, reflejo del ingenio y comienza a revelar lo oculto y las nuevas posibilidades que su aplicación consecuente dan al lenguaje poético.
• Tal vez el punto unánime en el que coinciden sea la ruptura con la generación anterior, especialmente con Machado.
• Antes de publicar sus primeros libros, los componentes del 27 se dieron a conocer en revistas y periódicos como Litoral (malagueña), Verso y Prosa (murciana) y Carmen (santanderina)

El 27 no existe como generación aunque la denominación sea imprescindible. Argumentos A FAVOR de considerarlos «generación»…

• El culto a Góngora fue pasajero.
• Políticamente no fueron conmovidos por algo clave, como sí ocurrió con el 98.
• Tampoco existió el caudillaje. Además, la simpatía y admiración que sentían por Juan Ramón Jiménez empezó a resquebrajarse en la década de los 30.
• 4) El lenguaje generacional no existe entre ellos. Bastaría comparar el de Guillén con el de Alberti, o el de Aleixandre con el de Salinas.

Argumentos EN CONTRA de considerarlos «generación»…

II. EL ULTRAÍSMO Y LOS CREACIONISTAS

• El Ultraísmo es el primer movimiento vanguardista español. De acuerdo, con Dámaso Alonso, «el ultraísmo apenas produjo nada durable, pero sin él difícilmente se puede explicar la poesía posterior».
• Pero antes de hablar sobre el ultraísmo es necesario detenernos, aunque sea brevemente, en el CREACIONISMO, representado por el chileno Vicente HUIDOBRO (1893-1948). Para él, hacia 1915 el modernismo estaba exhausto, por lo que era conveniente buscar nuevos rumbos expresivos. Obviando al futurismo, decide fundar el creacionismo en Buenos Aires en 1916. Postulados [algunos procedentes del discurso que pronunció Huidobro en una conferencia de 1921, en el Ateneo de Madrid]:

CARACTERÍSTICAS DEL CREACIONISMO

1. Autonomía del poema: El poema debe ser una creación única que no dependa de la realidad externa. La poesía crea un nuevo mundo.
2. Rechazo de la Imitación: El creacionismo enfatiza la invención pura, sin seguir la lógica del mundo real.
3. Lenguaje Innovador: Promueve un lenguaje original lleno de metáforas y juegos de palabras para sorprender al lector.
4. Imágenes Inusuales: Las imágenes poéticas deben ser novedosas y sorprendentes, creando experiencias visuales únicas.
5. Rechazo del Sentimentalismo: Evita la expresión de emociones personales, siendo objetiva.
6. Poesía Visual: La disposición en la página es importante, usando espacios y tipografías para resaltar la creatividad.
7. Interés en la Estructura: Valora la forma y busca estructuras originales que refuercen la autonomía del texto.
8. Universalidad: Los temas son universales y abstractos, trascendiendo lo personal y lo anecdótico.
9. Rechazo de Influencias: Evita estilos pasados y figuras literarias comunes para expresar ideas nuevas.

EL ULTRAÍSMO

• El ultraísmo nace en 1918 cuando se publica en Madrid su primer manifiesto, firmado por…

• Xavier Bóveda
• César A. Comet
• Fernando Iglesias
• Guillermo de Torre (al que no se pidió permiso para incluir su firma)
• Pedro Iglesias Caballero
• Pedro Garfias
• J. Rivas Panedas
• J. de Aroca
• Estos ultraístas, inmensamente influidos por los poemas de RAMÓN GÓMEZ DE LA SERNA y, sobre todo, de Cansinos-Asséns (anunciadores de la nueva estética), proclaman la necesidad de un ultraísmo, renovación literaria para la que reclaman la atención de la prensa y las revistas de arte. Empiezan con la revita Grecia, pero pronto pasa a ser Ultra la fundamental del movimiento.

• El ultraísmo reducen la lírica a lo que ellos creían que era su elemento primordial: la metáfora. Suprimen, además, las frases medianeras, los nexos y los objetivos inútiles. Desean abolir los trebejos ornamentales, el confesionalismo, las prédicas y la nebulosidad rebuscada. Sintetizan dos o más imágenes en una que ensancha así su facultad de sugerencia. Los poemas ultraicos constan, pues, de una serie de metáforas, cada una de las cuales tiene sugestividad propia, compendiando una visión inédita de algún fragmento de la vida. Ejemplos:
• «Ningún arpista pulsa la lluvia», de E. Montes.
• «La cola de la taquilla es un tren detenido», de G. Diego.

Ortega se ha dado cuenta con regocijo de que la metáfora se hace protagonista de los destinos poéticos. Por otra parte, observa que los nuevos artistas no aceptan una intromisión de lo humano dentro del arte, el arte no consiente en el contagio psíquico, porque es un fenómeno inconsciente, y el arte ha de ser toda plena claridad. Otra observación acertada de la obra es la separación entre el arte, los jóvenes y los movimientos sociales, políticos y religiosos.

III. DE LA DESHUMANIZACIÓN DEL ARTE AL SURREALISMO

Con el título de La deshumanización del arte publicó Ortega su célebre ensayo en 1925, donde rechaza el estudio del arte desde el punto de vista sociológico, y donde pensaba que el arte nuevo tenía en contra a la masa y siempre la tendría, era impopular en ese sentido. Pensaba que el pueblo se dividía en dos respecto al nuevo arte: una minoría amiga y la gran masa hostil. Esta obra se limita a recoger lo que ya estaba expuesto en otros manifiestos y declaraciones, lo importante de ésta es la peculiar prosa de Ortega.

El surrealismo español, además de los cuadros de Dalí y las películas de Buñuel, se expresa fundamentalmente en verso y en poemas en prosa, y no todos los miembros del 27 participan en él. Una de estas obras a destacar es Poeta en Nueva York, de Lorca. Aunque el movimiento no tuvo idéntica influencia y persistencia en estos poetas, a diferencia de Dalí y Buñuel, pues buscaron pronto otras formas expresivas.

Lorca, Alberti, Cernuda o Hinojosa, como pensaba Dámaso Alonso, derivaron hacia un superrealismo, poco amigo de perfecciones o primores de forma, una vuelta necesaria en la que se prescinde de las estridencias de escuela y del calco francés, llegando a la raíz de la inspiración poética.

Ortega recoge en su obra postulados estéticos que los jóvenes del 27 defendían: cultivo de la metáfora, clasicismo, desentendimiento de los problemas sociales, religiosos y políticos, etc. Pero después de 1927 se produce un descenso del gongorismo y se abren nuevas ideas, entre las que no es ajena el surrealismo, que, aunque de origen francés, ha ejercido en España una gran influencia.

IV. ALGUNOS AUTORES DEL 27. SU COMPLEJA NÓMINA

Como nota, decir que no incluiremos a JOSÉ BERGAMÍN, dado que en exilio adoptó posiciones que no coincidieron con el resto de integrantes, y se distanció de los integrantes del 27. Además, era fundamentalmente ensayista. La crítica le ha denegado siempre su pertenencia a dicho grupo, pero lo cierto es que participó desde los comienzos, colaborando en todas sus publicaciones y siendo editor de muchos libros. Se le considera el principal discípulo de Unamuno. En el exilio, desde México, fundó la Editorial Séneca, donde aparecieron las aspiraciones de los escritores exiliados, así como obras de Antonio Machado, Alberti o Lorca.

En su primer libro, Presagios, se ve una clara perfección formal, demostrándose un trabajo anterior lento y seleccionador. En esta obra hay textos con tres tonos diferentes: poemas de tono realista, de ciertas riqueza expresiva, un tanto gongoriano; y poemas de tono intelectual o ingenioso. Seguidos después por Seguro azar y Fábula y signo.

PEDRO SALINAS

Guillén considera que los sesenta años del autor se resolvieron en línea recta: treinta años de preparación, y luego treinta años de producción. La obra poética en verso se distribuye en tres etapas, y a su vez en nueve libros.

Salinas, al igual que Espronceda y Bécquer, que no pudieron realizar tampoco su amor, sabía que el suyo era un amor imposible, y de ahí que se aferrase a él en sus dos primeros libros, hasta la aparición de Largo lamento. En Razón de amor, segunda parte de la trilogía, y segunda etapa de este amor, al ahínco no mengua, pero el tono llega a un nivel más apacible. Largo lamento ya se publicó con él en América, y el nombre lo dice todo: el tono va cambiando entre ironías y quejas cada vez más amargas. En esta tercera obra, los amantes se encuentran en una gran ciudad que nada tiene que ver con la soledad, con la isla, de los dos primeros.

En la segunda etapa, en las obras La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento, hablan de un gran y único tema. Viene a inscribirse en la línea de la poesía amorosa que pasa por Espronceda y Bécquer. En estas obras todo queda exaltado: la pasión, la ternura… los amantes son amantes con ahínco permanente. La novedad se percibe en la soledad de las parejas de enamorados, pues solos viven buscándose y hallándose, en su mundo personal y privado, solos, ellos son su propio mundo.

La tercera etapa fue la más fecunda, donde el autor tocó más facetas: diálogo dramático, narración, estudio de historia literaria, ensayo, etc. Aunque el eje de su obra, según él mismo, seguía siendo la poesía. Hemos de citar sus obras «El contemplado (1946)», «Todo más claro y otros poemas» (1949), y «Confianza»,

JORGE GUILLÉN

Realizó una serie de estudios publicados en revistas y periódicos, donde podemos comprobar la profundidad de su juicio y su sólida formación. Realizó colaboraciones en las revistas más selectas de España en su época, así como hizo traducciones de autores extranjeros. Su primera obra fue Cántico, en el que la mayoría de los poemas ya habían aparecido en revistas. Contó con diferentes ediciones, y hasta la cuarta, la cual apareció en Buenos Aires, no fue la primera edición completa y definitiva. Luego contaría con más ediciones. Por lo que, la obra, se va componiendo en realidad entre los años 1919 y 1950 (cuando la publicación argentina).

Cántico representa el momento más clásico del 27, pues se mantiene fiel generalmente a las formas clásicas: romances, sonetos, etc. Sintiendo preferencia por los heptasílabos. Los poemas de esta obra suelen estar referidos a objetos elementales: un sillón, una puerta, un vaso de agua…

En su segunda etapa, en la que se reflejan diversos conflictos políticos sobre el que predomina la situación de España, publica las tres partes de Clamor, que sorprende después de Cántico, pues el que antes era el poeta de la plenitud, ahora se siente desgarrado por las angustias que padecen los hombres de su tiempo. Aquellos hilos de oscuridad que turbaban al poeta en su primera obra, ahora lo sumergen en la desesperación. Los temas recurrentes de esta etapa son: la nostalgia del pasado, el paso del tiempo y las reflexiones sobre la vejez.

El autor se caracteriza por la reelaboración a la que somete a sus poemas antes de la publicación. Es muy meticuloso hasta llegar a la forma precisa, esquematiza la frase, sin perder su sentido poético, centrándose en sustantivos y adjetivos, y eliminando lo accesorio. Para él mismo, y teniendo en cuenta su estado de depuración, decía que la poesía simple y sencilla es la poesía pura, una vez eliminado aquello que no es poesía, lo que permanece después. Llegó a sentir animadversión por La deshumanización del arte, por culpa de la cual se llegó a considerar a Cántico como un intelectualismo abstracto y deshumanizado, considerándola una grave acusación, cuando su obra estaba llena de emociones humanas.

Queda fascinado por la poesía, en la que busca una salida a la realidad mediocre que lo rodea. Descontento con el entorno y consigo mismo emprende una huida a París, donde abandona el español como lengua de creación y adopta el francés. Allí trabaja junto a César Vallejo, que al morir en París, durante plena Guerra Civil, Larrea le escribe uno de los textos más penetrantes que trata sobre la pérdida de un amigo. En una segunda huida viaja a América, cuya cultura precolombinas estudia. Abandona la poesía tras el fin de la Guerra Civil y se exilia definitivamente en América, donde emprende una obra ensayística importante, destacando sus estudios sobre César Vallejo, Machu Picchu y el Guernica de Picasso.

JUAN LARREA

Aunque era conocido como poeta y Gerardo Diego le publicó varios poemas, su alejamiento de España, y el hecho de que mucha de su producción fuera escrita en francés y traducida por Diego, hicieron pensar a algunos españoles que el autor era una invención de Gerardo Diego. Fue uno de los afines al surrealismo. Su obra poética fue publicada en España en los años 70, dándose así un redescubrimiento, proclamado entonces como el mayor poeta de la vanguardia. La obra poética de Larrea se caracteriza por el irracionalismo de su discurso, que aun así conserva una sintaxis impecable.

Participó a lo largo de su carrera poética en casi todas las tendencias y movimientos, así como tocó todos los temas que pudo. La influencia de Machado, que siempre elogió su obra, es importante. Su papel en el grupo de 27 es fundamental. Fue uno de los organizadores del centenario de Góngora, así como el compilador de Poesía española. Antología de 1915-1931, que con maestría supo compilar lo mejor de la época, pues no sobra ninguno.

GERARDO DIEGO

Frecuento activamente a los poetas de su generación en torno a la Residencia de Estudiantes, sobre todo Buñuel y Dalí. Las primeras obras de Lorca, Poema del cante jondo, Primeras canciones, Libro de poemas y Canciones, anuncian ya la voz lorquiana. Su época de plenitud comienza con Poema del cante jondo, de inspiración folclórica, reúne poemas de tragedia con algunas de sus composiciones más conocidas.

FEDERICO GARCÍA LORCA

En Primeras canciones y Canciones emplea las formas de la canción y el romance. Aunque el segundo es de corte más alegre, en estos primeros poemas vemos presente la angustia por la muerte y ese pánico que sentía hacia la destrucción. Pero la publicación del Romancero gitano y el éxito que trajo consigo perjudicó a estas primeras obras, que son también muy importantes dentro de su producción.

En Romancero gitano gran parte de las metáforas han levantado multitud de comentarios encontrados, pues la identificación entre el objeto real y el evocado resulta difícil, pues la clave para su identificación pertenece a la cultura gitana, a la imaginación del poeta o a cualquier otro factor que el lector por sí solo no puede interpretar. El éxito de esta obra llega a abrumar al poeta. El autor se sentía inclinado a la comprensión simpática de los perseguidos: gitanos, negros, judíos, etc.

• La muerte y la incompatibilidad moral del mundo gitano con la sociedad burguesa son los dos grandes temas del Romancero gitano. No se trata de una obra folclórica, aunque está basada en los tópicos con los que se asocia lo gitano y lo andaluz.
• Lorca, en esta obra, eleva al personaje gitano a mito literario, como después hará también con el negro y el judío en Poeta en Nueva York.
• Su lenguaje es una fusión de lo culto y lo popular, emplea el romance como estrofa.
• Pero también reúne los símbolos centrales de Lorca:
• la luna, su símbolo más frecuente, cuyo significado más común es la muerte, aunque también puede simbolizar el erotismo, la fecundidad;
• el agua corriente como símbolo de vitalidad, pues estancada significa la muerte;
• la sangre es la vida, y derramada la muerte;
• el caballo y su jinete están muy presentes en toda su obra, con un valor de muerte, aunque también representa el erotismo masculino;
• las hierbas, también con una simbología de muerte;
• y los metales, que también evocan la muerte, como los cuchillos, puñales u objetos punzantes. En forma de navaja, acaba siempre en tragedia.

• Lorca decide viajar en 1929 a Nueva York, no se sabe exactamente por qué motivo. Para él la civilización moderna y la naturaleza son incompatibles. Su visión de la ciudad es de pesadilla y desolación, y para expresar la angustia, emplea las imágenes del lenguaje surrealista. Llega en plena bancarrota de la bolsa, y escribe frenéticamente los poemas que se publicarán en 1940 bajo el título de Poeta en Nueva York.
• Casi todos son poemas largos en los que refleja su angustia por los obreros en paro, el poder del dinero, la esclavitud del hombre por la máquina, el problema religioso… Así, un acento social se incorpora a su obra. La violencia y la injusticia del gran capitalismo le inspiran unas composiciones llenas de imágenes rotas y dolor. Al mismo tiempo que añora su tierra, por lo que su angustia no obedece solamente a la contemplación de la gran urbe.

• Uno de sus mejores poemas es Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, escrito a raíz de la muerte del torero en el ruedo.
• El poema no se dirige exclusivamente a éste, que ejerció cierto mecenazgo con los autores del 27, va más allá del hecho de su muerte.
• En él, se resume a la perfección todo el pensamiento sobre la vida y la muerte que Lorca había ido exponiendo.
• Se ve una contraposición constante entre la vida y la muerte, el grito desgarrado ante la sangre derramada.

• Después apareció Diván de Tamarit, un libro de poemas con atmósfera oriental, inspirado en las colecciones de la antigua poesía arábigo-andaluza. El tema central es el del amor enfrentado a experiencias frustrantes, y cuenta con un lenguaje muy próximo a Poeta en Nueva York. Su obra poética se cierra con Seis poemas galegos y Sonetos del amor oscuro.
• Un tema que le preocupaba mucho era la ciudadanía, el ser español, por un motivo, justificar ese orgullo, no sólo porque se haya nacido en ese sitio. Y, aunque amaba España, ante todo, se sentía ciudadano del mundo y hermano de todos.

• Toda su obra (poesía, prosa y teatro) se basa en obsesiones: amor, deseo, esterilidad… Y esa unidad está centrada en la frustración.
• Los símbolos que usa en su poesía frecuentemente se refieren a la muerte y al amor imposible.
• La metáfora es el procedimiento central de su estilo, pudiendo resultar difíciles de descifrar, como se vio con antelación. Las metáforas lorquianas relacionan elementos opuestos y transmiten efectos sensoriales entremezclados.
• Aunque asimila las novedades literarias, su obra está plagada de elementos tradicionales, los cuales demuestran su inmensa cultura literaria. La música y los cantos tradicionales están presentes en su poesía. Profundiza en el espíritu tradicional de su tierra y de su gente.

• Su poesía es un reflejo de un sentimiento trágico de la vida.
• Todos los marginados entran en sus páginas, ya no sólo por raza.
• Su vocación primera fue la música, de ahí su facilidad para plasmar canciones populares.
• Quería ser un autor popular, y por eso recurre al teatro, pues llegaba a más público.
• Pero también quiere que ese público se renueve, por eso lleva el teatro clásico a los pueblos e intentar renovarlo.

• Su primer libro se trata de Ámbito, y a pesar de un gran número de influencias, no se le puede considerar un poemario impersonal.
• En el primero de sus poemas aparece el vocablo “el bulto”, que será uno de los más frecuentes en su poesía, por lo que es de gran consideración, así como porque enlaza con una de sus obras más importantes: Sombra del Paraíso, y con sus dos últimas obras.

VICENTE ALEIXANDRE

• Inmediatamente después de esta obra, el poeta busca mayor libertad de expresión, y la encuentra en el surrealismo, que comenzaba en España, aunque también influye en su nueva actitud la lectura de Freud y los irracionalistas europeos como Joyce.
• Así se da un cambio considerable hasta el poema en prosa de su Pasión de la Tierra, sin el cual no habríamos conocido las fuerzas oscuras y torturadoras de esta etapa surrealista que comienza con esta obra en 1928, y terminará en 1936 con Mundo a solas. Pese a todo, la huella surrealista no se borrará del todo en él.

• Pasión de la Tierra, al igual que Ámbito, sufrieron de una marginalidad al comienzo.
• Esta primera seguramente debido a su difícil lectura y un cierto desdén por parte del poeta hacia esta obra, tuvo que esperar cuarenta años para tener una cierta repercusión.
• El “sujeto” mantiene a lo largo del libro un grito de protesta absoluta, con un tema clásico: el amor como destrucción, en la que ironía y humor negro atacan lo acomodado y burgués, critica a la feliz sociedad.
• Aun así, el mundo caótico de esta obra puede ser entendido con una lectura atenta que considere la dislocación de sentidos y sensaciones.

• Uno de los poemas más célebres del libros es “La muerte o antesala de consulta”, donde se nos presenta una señora que argumentaba con su sombrero, un personaje grotesco en la que se ve y presenta su crítica habitual a la sociedad ridícula, llena de ostentación y falsedad. En esta obra también está presente la influencia bíblica, desde el Génesis al Apocalipsis.
• Otra imagen recurrente en su obra general y que aparece en ésta es la del hombre echado en la tierra, como sucede en el poema que dedica a la muerte de su padre. A tener en cuenta es también la evasión, una huida que siempre termina en desesperación. Así como otros muchos temas: la soledad ante el cosmos, el vestido como encubridor, la búsqueda de nuevo conocimiento y destacando la aparición de una fauna absolutamente repugnante y hasta ahora prácticamente inédita en nuestra poesía

• El surrealismo de Aleixandre entrará en declive a partir de esta obra, y así publica Espadas como labios, donde abandona el poema en prosa, el cual no se mantuvo inédito, como sucediera con Pasión de la Tierra, y fue muy bien acogido. En esta obra, y como la anterior, continua rebelándose contra el sentido común y las formas convencionales de la actitud burguesa, pero aun así, se atenúa bastante el discurso en comparación a Pasión de la Tierra.
• Pero Aleixandre se convirtió en un poeta maduro con La destrucción o el amor, obra compuesta durante el reposo tras sufrir una grave intervención quirúrgica. El poeta concibe ahora el mundo como unidad amorosa, los tormentos anteriores se atenúan. El poemario obtiene el Premio nacional de literatura y Aleixandre comienza a sentir la agridulce sensación de que había dejado de ser un poeta joven. Es el libro que ha escrito en menos tiempo y el primero que interesa con pasión a otros poetas más jóvenes. Pedro Salina señala su dificultad y clasicismo.

• En la obra podemos hablar simultáneamente de un deseo de fusión con el cosmos y otro de disolución, lo que refleja una comunión con el cosmos más que comunicación. En ésta encontramos también la amargura que se reflejará en Mundo a solas, uno de los libros del autor que ha tenido peor suerte, pues el estallido de la guerra lo dejó inédito hasta 1959.
• Esta nueva obra es de las más negras del autor, un contrasentido, pues acababa de recibir el Premio Nacional de Literatura y según los testimonios era feliz. Se podría hablar de esta obra como surrealismo existencial, pues como afirma en uno de los poemas: “No existe el hombre”, posiblemente al experimentar la muerte de sus allegados.
• Mundo a solas es el pórtico de un libro capital: Sombra del Paraíso, ya que entre la redacción de ambos medio la guerra y una recaída en su enfermedad. Es una obra que habla de lo que sucede cuando un hombre pierde lo que quiere o lo que ha tenido, pues aquí comienza la nostalgia. Es la vuelta melancólica a la niñez perdida, donde hombre y Cosmos se identifican, intentando devolvernos la esperanza en medio del caos. Por descontado, esta obra fue sometida a una censura total.

• Fue el protagonista de la década oscura (1939-1950). En 1944, año a considerar, por la publicación de una serie de obras que eran un hito de la poesía española de posguerra, aparecen Hijos de la ira, de Dámaso Alonso, y Sombra del Paraíso, de Aleixandre, ambos de protesta, pues ambos hablan de un ahora insatisfactorio que quieren que sea mejorado por el conocimiento de la maldad presente o por el recuerdo de un paraíso pasado. La obra de Dámaso causó un impacto enorme.

DÁMASO ALONSO

• Hijos de la ira (1944) fue publicada durante la posguerra, y es un libro de poemas que destaca por su tono profundamente existencial y crítico, que refleja el desasosiego y la angustia de una sociedad devastada por la Guerra Civil Española. Con un estilo directo, desgarrador y muchas veces coloquial, Alonso expresa en estos versos una protesta contra la injusticia y el sufrimiento humano, planteando preguntas sobre la existencia de Dios y el sentido de la vida.
• La obra es considerada uno de los máximos exponentes de la llamada "POESÍA DESARRAIGADA" en la generación del 36, caracterizada por un tono de desesperanza y un cuestionamiento moral y social.
• El título, Hijos de la ira, sugiere que el ser humano es un producto de la cólera y el dolor de una realidad caótica, y que cada individuo está atrapado en una lucha interna que refleja las tensiones de su tiempo. La obra sigue siendo un referente de la literatura española contemporánea por su exploración de temas universales como la soledad, el dolor y la búsqueda de sentido en tiempos difíciles.

• De este se conoce más su obra filológica e Hijos de la ira, sin tener en cuenta su carácter aglutinador de su generación, sobre todo entre él, Lorca y Aleixandre, amistad con este último, que duraría intacta hasta el final de sus días, pues poseían coincidencias literarias, culturales y humanas muy ricas, pues entre ellos intercambiaban libros, se daban a conocer autores y libros que habrían de marcarlos.
• En las celebraciones gongorianas su papel es fundamental. Conocida es su vastísima cultura. El conjunto de sus trabajos filológicos, que va desde las primeras obras de nuestra lengua hasta las contemporáneas, lo convierten en el mayor crítico español del siglo XX. Como poeta, no logró la trascendencia de algunos de sus compañeros del 27.

• Ha merecido poca atención, la mala suerte histórica se ha cebado con él. Está influenciado por la lectura de los grandes novelistas rusos. Evolucionó pronto hacia una línea político-social, queriendo ser un poeta de la Revolución. Publicó en casi todas las revistas republicanas del periodo de guerra, y fue el encargado por la Alianza de Intelectuales Españoles Antifascistas de seleccionar las composiciones de guerra que quedaron reunidas en el Romancero General de la Guerra de España, dedicado a la memoria de Lorca.
• En su exilio mexicano, vuelve a ser el poeta hermético, reflexivo y atormentado, donde se añaden además unas reflexiones profundas sobre la muerte y el olvido.

EMILIO PRADOS

• Nació en Cádiz, sitio al que ha estado tan estrechamente relacionada su obra y su vida. Se muda a Madrid y se dedica a la pintura, haciendo copias para el Museo del Prado, vocación que prefirió a continuar sus estudios. Pero la nostalgia de Cádiz y la muerte de su padre lo llevan a refugiarse en la poesía y dejar la pintura en un segundo plano.
• Reunió sus primeros poemas y ganó el Premio Nacional de Literatura, junto a Gerardo Diego, por la obra que finalmente terminaría de llamarse Marinero en tierra, donde convierte al mar en eje de su libro, de tono popular, pero donde también tenía cabida una poesía culta. A partir de este momento frecuenta la Residencia de Estudiantes, donde comienza a relacionarse con los que serían sus compañeros luego del 27, y con Dalí y Buñuel.

RAFAEL ALBERTI

• Con La amante y El alba del alhelí, poemas breves de tono popular, donde se encuentran parte de sus canciones más célebres, se inscribe en la tradición de los poetas de Cancionero y Romancero.

• Obra a destacar es Sobre los ángeles, considerada su obra maestra, una alegoría surrealista donde los ángeles representan fuerzas dentro del mundo real, de claro tono apocalíptico. Producto de una intensa crisis personal, el poeta convierte en ángeles al “amor imposible” y “los celos más rabiosos”.

• Becado por la Junta para la Ampliación de Estudios de la Segunda República, viajó a la Unión Soviética y trato con los escritores de la época. Hecho, que acabó con su afiliación al partido comunista, dato importante en su vida pues determina su obra en el periodo republicano y en la Guerra Civil. Escribió muchos poemas satíricos y de agitación, que recitaría en actos políticos, bibliotecas y plazas públicas.
• De actitud republicana, durante la guerra desarrolló una actitud incansable a favor de ésta. Se mantuvo en España hasta el final de la guerra, y después se refugió en París, donde escribiría Vida bilingüe de un refugiado español en Francia, donde se refleja el terror del pueblo francés ante el peligro alemán, el cual al final terminó invadido. Aunque se sintió desgarrado por la guerra, nunca fue un poeta belicista.
• Abandona Francia en 1940 y se instala con su mujer en Argentina, donde su poesía adquiere un aire sosegado, aunque sin olvidar jamás el sufrimiento de la guerra y de la postguerra, junto con la nostalgia de una España perdida.

• Sus ensayos de crítica literaria, las evocaciones escritas y sus artículos constituyen un todo: la indagación a través de la literatura de la relación entre el deseo y la realidad.
• Su inicial obra: Perfil del aire, no fue acogida con los elogios que esperaba el autor, lo que daría origen a un sentimiento de distanciamiento que iría aumentando y que lo haría enfrentarse con casi todos los miembros del 27.

LUIS CERNUDA

• En su primer poemario se pueden encontrar influencias de Jorge Guillén y Juan Ramón Jiménez, aunque después de su estancia en la universidad de Toulouse como profesor, encontramos una predilección por los autores franceses. En esta primera etapa siente también admiración por los poetas españoles que dentro de un clasicismo formal expresan un intimismo contenido y desbordado a la vez, evocador de paraísos perdidos, como Garcilaso o Bécquer.

• Durante su estancia en Toulouse se encuentra también con los surrealistas, iniciando su etapa en dicha corriente, siendo una consecuencia de su deseo de liberación, tanto lingüística como personal, profundizando dolorosamente en el mito de la caída. Destacando la obra Donde habite el olvido, donde el poeta se debatirá siempre entre una realidad sórdida y un deseo de inocencia, obra por la que más adelante mostraría un especial desdén, seguramente porque en ésta se da una aceptación estoica de la desgracia.
• Cernuda es consciente de que vive en una tierra sucia donde el poeta se ahoga, y asume su vocación poética para poder rescatar una parte leve de su vida. Su lucha contra lo cotidiano la va a realizar a través de la poesía.

• Durante la República participó activamente en algunas actividades, y cuando estalló la guerra se puso sin dudarlo del lado de los republicanos. Pero este asume su verdad diferente frente al mundo, y por ejemplo, a causa del asesinato de Lorca, culpa a ambos bandos.
• Desde 1938 hasta 1947 permanece como profesor en varias ciudades británicas, y la lectura de poetas ingleses lo lleva a un nuevo estilo peculiar, cargado de soledad a causa del exilio. Considera a la sociedad española algo extraño con lo que no puede comulgar, apareciendo un tema desgarrador para él, el no poder cortar del todo sus raíces porque sigue construyendo sus obras en español, y la lengua es clave en una cultura. Una potente relación amor-odio hacia España se manifiesta en su obra.

• En su testamento final: Desolación de la Quimera, siente que no tiene que retractarse ni disculpase ante nada. Reconoce no haber encontrado el paraíso ni a Dios, no ha perdonado a sus enemigos, ni la hipocresía de la sociedad burguesa, así como no quiere ningún trato con esa España que deja atrás. Aun así, a pesar de su desdén, teme que su obra no sea aceptada por sus compatriotas, algo que no sucederá.

• Su poesía arranca de Juan Ramón Jiménez, y como él, intenta descubrir lo que hay debajo de las cosas, aunque su lengua poética no alcanzó la renovación de aquel. Seguramente sus múltiples viajes y ocupaciones le impidieron realizar una obra más profunda y coherente.
• Su obra, Las islas invitadas, es uno de los mejores de la primera etapa del 27, sin embargo, casi todos los miembros de este grupo experimentaron, buscaros nuevos caminos expresivos, mientras que Altolaguirre permanece estático, pese a publicar numerosas obras posteriores

MANUEL ALTOLAGUIRRE

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