CUADERNO DE CAMPO

MI CUADERNO DE CAMPO

Esto es un párrafo listo para contener creatividad, experiencias e historias geniales.

MI CUADERNO DE CAMPO

Esto es un párrafo listo para contener creatividad, experiencias e historias geniales.

Vídeo

Recursos de interés

BLOQUE V

BLOQUE IV

BLOQUE III

BLOQUE II

BLOUE I

EL INICIO

A través de esta materia, es posible abordar fenómenos naturales, como los colores del arcoíris, para comprender cómo funcionan la luz y la percepción, así como analizar objetos y construcciones de nuestro entorno cotidiano. Sin embargo, a pesar de sus numerosas virtudes, la percepción de esta asignatura en las aulas es a menudo negativa. Muchos estudiantes consideran que la educación artística se reduce a ejercicios repetitivos o imitaciones decorativas, y que es exclusiva para quienes poseen habilidades artísticas. artísticas. Por ello, a menudo queda relegada o infravalorada en el ámbito académico. Más bien, deberíamos entender que se trata de un espacio de aprendizaje donde cada estudiante puede desarrollar su capacidad de expresión de manera significativa.

EL INICIO

Info

La educación artística se presenta como un componente esencial en el currículo educativo y ha desempeñado un papel crucial en el desarrollo integral de las personas a lo largo de la historia. Promueve habilidades cognitivas, creativas y emocionales, fomentando no solo la capacidad de conceptualizar y razonar estéticamente, sino también la reflexión sobre la realidad que nos rodea. Tal como señala Eisner (1992, p. 33), se trata de "proporcionar oportunidades significativas para experimentar las artes y aprender a usarlas de modo que se conduzca una vida digna de ser vivida." En un mundo donde predominan el individualismo y el egoísmo, hemos visto una disminución en las capacidades expresivas de las relaciones interpersonales. Las interacciones se tornan cada vez más tecnificadas y menos humanas. En este contexto, la educación artística busca utilizar las artes como un medio para comunicar ideas y sentimientos, ya sea a través de las palabras, el lenguaje corporal o las obras creadas

PANCARTAS ESCOLARES

SIGNIFICADO DEL ARTE

BLOQUE I

También pensé en la opción de usar materiales reciclados para hacer las pancartas. No solo es más económico, sino que también ayuda a reducir residuos y a poner a prueba nuestra creatividad. Cada material reciclado, como cartón, papel de envoltorio, botellas plásticas o telas viejas, creo que eso le daría a las pancartas un toque especial y original.

MI PERCEPCIÓN

Por tanto, la actividad de clase consistía precisamente en eso: crear nuestra propia pancarta con un mensaje significativo, pero en este caso sobre el arte. La actividad en clase consistía en crear una pancarta que expresara lo que sentimos por el arte. Nos dieron total libertad para elegir los materiales y el estilo, lo que en cierto modo era como recibir un lienzo en blanco. ¿Qué pondría en mi pancarta que realmente reflejara lo que pienso sobre el arte? Me pareció una oportunidad interesante, porque a veces lo que sentimos o pensamos sobre el arte es difícil de explicar, como si se sintiera mejor de lo que se puede describir. Esta actividad me parece una forma genial de expresarnos. Al crear nuestras propias pancartas, no solo mostramos lo que pensamos sobre el arte; también nos conectamos con una tradición de protesta y expresión que ha estado presente durante generaciones.

Las pancartas, a lo largo de la historia, han sido algo más que simples mensajes escritos; han sido herramientas poderosas para visibilizar demandas y expresar voces que necesitan ser escuchadas. Es curioso pensar cómo, a lo largo de la historia, estas piezas simples –a veces solo palabras pintadas en cartón– se han convertido en un medio de expresión tan poderoso. ¿Qué es lo que hace que algo tan básico como una pancarta sea capaz de impactar a tantas personas? Quizá es porque en ellas hay algo genuino, algo directo y sin filtro que conecta de inmediato. Por ejemplo, durante las marchas por los derechos civiles en Estados Unidos en la década de 1960, pancartas como "I Have a Dream" se convirtieron en símbolos de lucha por la igualdad racial. Otro ejemplo relevante son las pancartas utilizadas en manifestaciones feministas. Durante la Marcha de las Mujeres en 2017, pancartas con frases como "El futuro es femenino" y "Mis derechos son humanos" se hicieron virales, convirtiendose en símbolos de cambio.

PANCARTAS ESCOLARES

RARA AVIS

MI TESORO PRECIADO

AVES POR AQUÍ, AVES POR ALLÁ

DESAROLLO

BLOQUE II

Hoy tuvimos una actividad que, para ser sincera, no esperaba disfrutar tanto: dibujar un ave. Al principio, nos pidieron que eligiéramos nuestra ave favorita e hiciéramos un pequeño boceto, lo cual me puso un poco nerviosa porque no suelo sentirme cómoda dibujando. Pero cuando entendí que el boceto era solo un intento inicial, como una especie de "primer trazo" sin presión de que quedara perfecto, me relajé un poco. Fue sólo dibujar el contorno sin muchos detalles, una prueba antes del "gran dibujo". Después de este primer paso, nos pasaron un folio más grueso y nos animaron a añadir detalles, sombras y otros elementos que le dieran profundidad a nuestro dibujo. Me di cuenta de que, a medida que avanzaba, estaba realmente metida en la actividad, y eso me sorprendió. ¡Hasta me sentí un poco orgullosa del resultado! El paso final fue quizás el más interesante y compartido. Cada uno de nosotros debía dibujar su ave en un gran folio, pero con una particularidad: usábamos un relleno negro para que pareciera la sombra del ave. No seguíamos un orden específico; solo debíamos asegurarnos de que todas las aves cupieran en el espacio. Usamos carboncillo y experimentamos con corcho para darle texturas diferentes. La inspiración de todo fue una imagen que el profesor nos mostró: la sombra gigante de un ave proyectada sobre unas casas. Era como capturar esa esencia de misterio, de dejar que solo la forma en negro hablara.

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FOTOS

AVES POR AQUÍ, AVES POR ALLÁ

En esta primera sesión, nos sentimos algo nerviosas porque era el inicio de la asignatura, y no sabíamos qué esperar. La profesora nos propuso una actividad dinámica y personal que terminó siendo realmente significativa: nos pidió que lleváramos un objeto especial que tuviera un valor emocional para nosotras. La variedad de artículos que cada una llevó llenó el aula de una atmósfera única, y cada objeto parecía contar una historia diferente. Yo elegí una pulsera que me regaló mi madre cuando cumplí 18 años. Este regalo tiene un significado profundo para mí, ya que me encantan las pulseras y, además, el gesto de mi madre fue un detalle muy bonito. Aunque tiendo a perder cosas con facilidad, esta pulsera la he cuidado especialmente, y hasta ahora la he conservado. Curiosamente, solo unas semanas después de esta actividad, la pulsera se rompió, lo que me recordó lo frágiles que son a veces las cosas materiales. Tras compartir los objetos, dedicamos un tiempo a dibujarlos y pintarlos. La profesora nos animó a plasmar el objeto de una manera libre, captando aquello que más nos llamara la atención. Admito que, al principio, me costó dibujar la pulsera, ya que quería captar su esencia y su valor para mí. Pero poco a poco fui encontrando la forma de hacerlo, y el proceso se volvió casi meditativo. Todas estábamos concentradas en nuestras creaciones, y el ambiente se llenó de un silencio que reflejaba la intensidad del momento.Cuando terminamos, colocamos todos los dibujos en una mesa y, una a una, compartimos el significado de cada objeto y su historia. Al principio, me sentí un poco cohibida, ya que hablar de algo tan personal frente a mis compañeras me hacía sentir vulnerable. Sin embargo, a medida que avanzábamos, me di cuenta de que todas compartíamos ese nerviosismo inicial, y poco a poco el ambiente se volvió más relajado y acogedor. Escuchar las historias de mis compañeras fue muy inspirador, ya que pude ver un lado de cada una que normalmente no mostramos en clase.

MI TESORO PRECIADO

REFLEXIONANDO

ADAPTACIONES

MATERIALES Y TÉCNICAS

BLOQUE III

MI MANUAL DE ARTE

VISITA CASA MÉXICO

PERFORMANCE

SPRAYTÁSTICO: CAOS CREATIVO

ESTRATEGIAS Y RECURSOS

BLOQUE IV

Para finalizar la clase, la profesora nos propuso un reto que me tiene tanto emocionada como nerviosa: en grupo, tendremos que idear y representar nuestra propia performance. Esta idea me desafía y me inquieta a la vez, pero supongo que de eso se trata la performance: de entregarse sin saber exactamente cómo seremos recibidos, de poner en juego nuestras emociones y pensamientos, y de aprender a decir, de una manera completamente nueva, quiénes somos.

La performance ha sido, desde sus inicios, un espacio de expresión fundamentalmente adoptado por mujeres en un entorno artístico dominado por hombres. Este arte de acción les permitió a las mujeres reclamar su propio espacio, desafiando las estructuras establecidas y explorando su identidad a través del cuerpo y el tiempo. Muchas mujeres encontraron en este arte una voz única y directa, una plataforma desde donde cuestionar los roles impuestos y romper con la pasividad que tantas veces se les exigía.

Hoy, en clase, descubrí algo que me dejó pensando profundamente: la performance. Aunque ya había oído hablar de este tipo de arte antes, la sesión de hoy me permitió acercarme a ella de una forma que nunca había experimentado ¿Qué significa, en realidad, “hacer performance”? ¿Y cómo se logra expresar sin palabras aquello que llevamos dentro? Estas preguntas empezaron a dar vueltas en mi mente conforme avanzaba la clase Para introducirnos en este concepto, la profesora nos mostró un breve video en Twitter de Esther Ferrer, una figura fundamental en el mundo de la performance. En este video, Ferrer hablaba de su arte y de cómo lo concibe. También, pudimos observaruna pieza suya: íntima y personal. Ahí aparece desnuda, midiéndose a sí misma. En este trabajo, no puedo evitar preguntarme: ¿qué busca Ferrer cuando se mide de esta manera? ¿Está tratando de comprenderse a sí misma en una sociedad que suele imponer límites sobre el cuerpo y la identidad de las mujeres?

PERFORMANCE

Info

OTRA ARTISTA

IMÁGENES

Volviendo a la actividad de clase, después de usar plantillas ya hechas, el siguiente paso era crear las nuestras. Al principio, dudaba de cómo empezar, así que busqué ideas en Pinterest. Encontré unos diseños de estrellas y planetas que me encantaron y decidí ir con eso. La primera misión era dibujarlo en papel y luego pasarlo a una cartulina para recortarlo. ¿Fácil? Bueno, no tanto. Cuando intenté recortar la cartulina con un cúter, me costó bastante. Al final, decidí hacerlo en papel directamente. Fue un reto, pero el resultado me dejó bastante contenta. Además, ver los trabajos de mis compañeros fue genial: había una mezcla de estilos y diseños muy creativos. Cada uno parecía mostrar un pedazo de la personalidad de quien lo hizo.Luego salimos al patio para la parte práctica: sprays y cartulinas. Ahí ya nos soltamos más y experimentamos con colores y combinaciones, sin miedo a mancharnos. Fue una actividad donde no solo aprendimos, sino que también nos reímos y disfrutamos del momento con las compañeras.

Tuvimos una sesión teórica en la que la profesora nos introdujo a algo que nunca habíamos tocado: ¡plantillas! Nos mostró un montón de plantillas con diferentes formas y diseños, y nuestro reto era combinarlas en una hoja de papel A4, jugando a crear figuras nuevas a partir de dos o tres plantillas. Básicamente, un ejercicio de experimentación visual. Luego, el toque final era pintarlas, y eso fue muy divertido. Esta técnica me hizo pensar en el colectivo “Un mundo feliz”, que la profesora había mencionado antes. La curiosidad me picó, así que me puse a investigar un poco.

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MÁS IDEAS

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Usamos papel vegetal y cartulina para crear papel picado, dándole un toque tradicional al altar. La actividad se realizó en el exterior, y creo que esto añadió una dimensión especial: teníamos un gran papel en forma de círculo como base, y sobre esa superficie fuimos agregando cada uno de los elementos que habíamos creado. Me quedo pensando en el poder que tienen las tradiciones para conectar a las personas y cómo actividades como esta nos ayudan a honrar lo que realmente importa. ¿Será que necesitamos más momentos así en nuestra vida cotidiana, donde podamos detenernos a recordar y celebrar a quienes amamos?

Después de haber visto en persona cómo son esos altares y de aprender sobre su significado, llegó el momento de hacer el nuestro. Llevábamos tantas ideas en mente y materiales por todas partes: cada uno de nosotros trajo algo especial de casa para darle nuestro propio toque.

Algo que me fascinó de esa visita fue descubrir cómo cada elemento del altar parecía contar una historia: las velas, las flores de cempasúchil, las fotos de los seres queridos. No pude evitar pensar en cómo solemos recordar a las personas que ya no están con nosotros y en cómo la tradición mexicana transforma ese recuerdo en una celebración llena de colores, vida y esperanza. Tal vez haya mucho que aprender de esta perspectiva, donde la memoria no necesariamente evoca tristeza, sino alegría y gratitud. Además, me encantó la oportunidad de aprender fuera de las paredes del aula. Me di cuenta de que esta forma de aprendizaje —al aire libre, en un museo, en contacto directo con lo que estudiamos— hace que el conocimiento cobre vida.

Hoy en clase vivimos una actividad muy especial: la creación de nuestro propio altar. Esta experiencia marcó el cierre de un proyecto que comenzó hace algunas semanas, cuando visitamos la Casa de México en Madrid. Allí exploramos una exposición dedicada al Día de Muertos y a los altares tradicionales con los que la cultura mexicana honra a los difuntos. Nunca había visto un altar de este tipo en persona, y me sorprendió la capacidad que tienen para capturar tanto amor y memoria en cada elemento. . Fue entonces cuando entendí el respeto y el cariño que envuelve a cada altar.

CASA MÉXICO

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SALIDA EXTERIOR: PARQUE

CA2M- TALLER SANTIAGO SIERRA

PROCESOS DENTRO Y FUERA DEL AULA

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Para mí, hacer esto me pareció súper cómodo y me ayudó a concentrarme. Estas actividades me relajan, me dan ganas de crear y me mantienen ocupada pensando en nuevas ideas. No son para nada aburridas; al contrario, son muy entretenidas y me invitan a tomar decisiones sobre cada detalle, a planear cada rincón de la pancarta. Me emociona pensar en la variedad de enfoques y estilos que cada uno de nosotros puede aportar. Creo que es una experiencia llena de creatividad y aprendizaje.

Mientras dibujaba, pensaba en cómo podría adaptar algo así para trabajar con niños pequeños. En lugar de pedirles un boceto, quizás podríamos simplificarlo a un "dibujo rápido", permitiéndoles expresar su creatividad sin preocuparse tanto por los detalles. Los niños suelen disfrutar más cuando pueden dibujar sin presión, y eso me pareció una buena alternativa. En cuanto a los materiales, aunque el carboncillo es fascinante, también es fácil de manchar. Podríamos combinarlo con otros materiales, como lápices o ceras, para darles más opciones y asegurarnos de que cada uno trabaje a su ritmo y a su nivel de comodidad. La actividad en grupo también tiene su magia para ellos; imagino lo genial que sería trabajar todos juntos en un gran papel, cada uno aportando su dibujo, dejando que sus creaciones se mezclen de forma natural. Con un poco de orientación visual, como marcando los espacios en el folio para cada ave, podríamos ayudarlos a sentirse más seguros y a entender cómo organizar el dibujo en equipo sin sentirse perdidos. Pensé en llevar esta idea de las sombras un paso más allá. ¿Y si los niños pudieran proyectar sus propias sombras con una linterna en una habitación oscura, experimentando con sus manos para crear diferentes figuras? ¡Podrían hacer animales, objetos, hasta formas abstractas! Creo que sería una manera divertida de estimular su imaginación y creatividad. Otra posibilidad sería llevar esta exploración de sombras al exterior. Podrían ver cómo sus sombras cambian al moverse y cómo la luz afecta la forma y el tamaño de sus siluetas. Imagino que explorar esas proyecciones sobre diferentes superficies y texturas –desde paredes hasta el suelo– podría ser una experiencia única para ellos. Al final, esta actividad es mucho más que dibujar un ave; es una puerta abierta a la creatividad y la expresión personal, tanto para niños como para adultos. Descubrí una nueva forma de disfrutar del dibujo, más libre y sin tanto perfeccionismo, y eso me hizo sentir que realmente aprendí algo nuevo sobre mí misma.

SABÍAS QUE...?

SABÍAS QUE...?

Mientras estábamos en plena tarea con nuestras plantillas y sprays, me vino a la mente una técnica que, de alguna forma, me parecía muy parecida a lo que estábamos haciendo: el stencil. Es una técnica tan directa y sencilla que ni te imaginas todo lo que esconde detrás. La palabra stencil viene del inglés y significa literalmente "plantilla", y el proceso es básico, pero el resultado puede ser realmente potente. Te cuento cómo funciona, porque la verdad me resulta muy interesante: primero, se crea la imagen que quieres, luego recortas las partes en negro, como cuando haces una calcomanía de papel. Después, esa plantilla se coloca sobre la superficie donde vas a pintar (puede ser una pared, una tela, cualquier cosa), y aplicas spray o pintura sobre las partes abiertas. Cuando levantas la plantilla, ahí queda la imagen pintada, casi como si fuera una especie de “sello” pero mucho más grande y visual.Lo que me parece más curioso del stencil es cómo evolucionó de ser algo casi militar a convertirse en una herramienta de expresión artística y política. Al parecer, en la Segunda Guerra Mundial los soldados estadounidenses lo usaban para marcar su equipo y separar sus divisiones. Hasta lo utilizaban como especie de "advertencia", con dibujos de calaveras y símbolos intimidantes para asustar al enemigo. No tenía ni idea de eso y me sorprende pensar en cómo una técnica tan simple podía servir para algo tan serio.Pero el stencil no se quedó solo en eso. En Europa empezó a aparecer en los muros como una forma de protesta y de mensajes que cuestionaban a los gobiernos. De hecho, es la rapidez de la técnica lo que permite hacer mensajes rápidos en espacios públicos, y creo que eso la volvió ideal para el arte urbano y la propaganda. Esto de ser veloz y directo también es lo que hace que sea tan útil para el arte crítico, sobre todo cuando quieres expresar algo "incómodo". Hasta Mussolini lo usó en su momento para propaganda política (y pensaba que solo los artistas lo usaban, pero ya veo que no…).

Además de Ferrer, otra artista que utiliza su cuerpo y su entorno íntimo en sus obras. Wearing me dejó una impresión distinta, pero igualmente profunda. Su trabajo es una invitación a mirarnos a nosotros mismos, a cuestionar qué es lo que mostramos y qué es lo que ocultamos. En su serie “Señales que dicen lo que quieres que digan y no Señales que dicen lo que alguien más quiere que digas” (1992-1993), les pidió a personas comunes que escribieran sus pensamientos en un cartel y luego posaron sosteniéndolo. Las palabras en esos carteles decían tanto sobre esas personas como el propio acto de sostenerlos. Su obra plantea una pregunta difícil: ¿qué tanto de nosotros mismos es auténtico y cuánto está fabricado para ser aceptado o aprobado por otros?

En otro de sus proyectos, el cual nos mencionó la profesora, invita a desconocidos a confesar secretos íntimos usando máscaras. Esta propuesta, que parece un experimento psicológico más que una obra de arte, me hizo preguntarme si, en el fondo, todos necesitamos algún tipo de máscara para expresar nuestras verdades más profundas. Siempre tenemos ese temor a mostrarnos, a veces yo creo que por vulnerabilidad, y otras por miedo a que nos juzguen.

Gillian Wearing

IMÁGENES

El colectivo "Un Mundo Feliz" toma su nombre de la obra distópica de Aldous Huxley, "Un mundo feliz" (1932), y su discurso está relacionado con esa referencia crítica. Está compuesto por los diseñadores y activistas gráficos Sonia Díaz y Gabriel Martínez, quienes se autodenominan trabajadores culturales al servicio de la sociedad. Su enfoque se centra en un diseño socialmente responsable que invita a la reflexión y el diálogo sobre temas actuales, fomentando el análisis crítico. Para ellos, el Diseño, el Arte y la Política son herramientas para impulsar el cambio social. Su obra, de libre acceso y al margen de los circuitos oficiales y comerciales del arte o la publicidad, se presenta en una amplia variedad de formatos como carteles, fanzines, pegatinas y camisetas, buscando llegar al público masivo. Sin embargo, sus mensajes no son opiniones personales, sino que parten de ideas y pensamientos de otras personas, a menudo utilizando citas. Esto lo hacen con la intención de que el impacto sea mayor al transmitir ideas colectivas, no individuales. El colectivo se formó entre los años 2000 y 2001 cuando un grupo de profesionales del diseño gráfico decidió emprender un camino libre de las restricciones de la industria comercial. A lo largo de más de 20 años, sus creaciones han sido vistas en múltiples contextos y han colaborado con diversos grupos y artistas de todo el mundo, compartiendo una visión y técnicas comunes.

COLECTIVO UN MUNDO FELIZ

Esta experiencia me hizo recordar una conversación que tuve con una amiga días antes. Ella también iba a hacer un altar, pero dedicado a sus mascotas en honor al Día de Muertos. Sus dos perros fallecieron hace algunos años, y aunque el tiempo ha pasado, sigue recordándolos con cariño. Me pareció hermoso que su madre y su hermana se unieran a ella en este gesto tan personal. Dedicar toda una tarde a buscar las fotos, los juguetes y las cosas que representaban a sus mascotas fue, según me contó, una experiencia sanadora. Cuando me mostró la foto del altar terminado, no solo me impresionó lo bien que había quedado, sino la profundidad del acto en sí. ¿Qué mejor manera de honrar a esos seres que nos acompañan y nos dan amor incondicional? Esto me llevó a pensar en mis propias mascotas y familiares que ya no están conmigo. ¿Algún día me animaré a hacer un altar propio para honrar su recuerdo?

Hoy en día, las pancartas no solo aparecen en las calles, sino que también se comparten muchísimo en redes sociales. Un mensaje en una pancarta física puede ahora llegar a miles de personas en todo el mundo. El uso de hashtags también le ha dado una vida diferente a estas imágenes: al incluir un hashtag, el mensaje se agrupa con otros, permitiendo que más personas encuentren y compartan el contenido sobre temas específicos.

Esta actividad fue muy divertida e interesante, y la disfruté mucho. No todos los días tienes la oportunidad de trabajar con sprays en clase, así que romper con la rutina de los materiales habituales fue una experiencia genial. Lo que realmente empecé a entender con esta actividad es que lo importante no es dibujar o pintar a la perfección, sino aprender, disfrutar del proceso y atreverte a experimentar sin miedo a equivocarte. Aquí todo es válido y tiene su propio valor. Poco a poco, estoy perdiendo el miedo a hacer las cosas mal y ganando más confianza en lo que hago. Esta experiencia despertó mi imaginación y me ayudó a salir de lo común, a explorar algo diferente y fuera de lo típico.

REFLEXIONAR

A partir de esta actividad, comprendí la importancia de trabajar con elementos emocionales en el arte, lo que me llevó a pensar en su aplicación en el contexto de la educación infantil. Este tipo de dinámicas permitiría a los niños expresarse y compartir algo de sí mismos, dándoles la oportunidad de ser los protagonistas de su propia historia. Disfrutan cuando tienen la oportunidad de hablar y expresarse, y esta actividad fomentaría no sólo su expresión artística, sino también su comunicación y desarrollo emocional. Es importante, sin embargo, tener en cuenta algunos aspectos al realizar esta actividad con niños. Yo procuraría que los objetos no tuvieran un gran valor económico, para evitar que, en caso de pérdida o daño, experimenten sentimientos de tristeza. Además, sería esencial supervisar la actividad para que todos los niños se sientan seguros al manipular sus objetos. Les daría el tiempo suficiente para dibujar y expresarse con calma, para que puedan disfrutar del proceso creativo sin prisas, desarrollando sus habilidades artísticas y, al mismo tiempo, reforzando su capacidad para expresar sus emociones de una forma segura y creativa.

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EL ALTAR DE CLASE

Reflexionando sobre esta actividad, me di cuenta de que en ella había algo que muchos artistas buscan expresar en sus obras: una conexión emocional profunda con aquello que representa su arte. Por ejemplo, Vincent van Gogh, en su cuadro "Memoria del jardín en Etten" (1888), refleja el vínculo emocional que tenía con el jardín de la casa familiar, un lugar en el que pasó parte de su juventud. Van Gogh no intenta representar los detalles físicos del jardín de forma precisa, sino el significado que este tenía para él. Para él, el jardín era un símbolo de nostalgia y de conexión con su familia. Este enfoque de pintar desde la emoción y el recuerdo convierte su obra en un reflejo íntimo de sus vivencias.

Yo no suelo sentirme cómoda dibujando; me pongo tensa y a veces siento que no es lo mío. Sin embargo, esta vez fue diferente. El ambiente era muy relajado y trabajar en grupo me ayudó a soltarme un poco. Me sentí parte de algo más grande, y eso le dio otro significado. De hecho, creo que experimentar con materiales que no son los típicos –como el carboncillo y el corcho– hizo que todo fuera más divertido y menos intimidante.Trabajar en el gran folio con mis compañeras también fue una experiencia bonita. Nos apoyamos unas a otras, compartiendo ideas y hasta risas cuando algo no salió como esperábamos. Creo que esa interacción ayudó a que me sintiera más a gusto y a perder el miedo a "equivocarme". A veces olvidamos que equivocarse es parte del proceso. Al final, esta actividad es mucho más que dibujar un ave; es una puerta abierta a la creatividad y la expresión personal, tanto para niños como para adultos. Descubrí una nueva forma de disfrutar del dibujo, más libre y sin tanto perfeccionismo, y eso me hizo sentir que realmente aprendí algo nuevo sobre mí misma.

MI PEQUEÑA REFLEXIÓN