Siglo XX

EN MÉXICO - 1910

Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central - Diego Rivera, 1947

Muralismo

Diego Rivera pinta juntas a varias figuras históricas de distintas épocas y distintas procedencias. De una indígena anónima a José Martí, exiliado en Mexico desde Cuba. De Frida Kahlo a un autorretrato del propio Rivera como un niño. En el centro de estos 30 personajes de la historia de Mexico tenemos a La Catrina, la esqueleto de clase alta vestida de gala, con sombrero francés con sus plumas de avestruz que representa la miseria, los errores políticos y la hipocresía de toda una sociedad. Y de su brazo tiene a su creador, el caricaturista José Guadalupe Posada que popularizó en la prensa la figura de la calavera. Y rodeando a estas figuras centrales aparecen escritores, políticos, políticos y demás gentes que escribieron la historia de Mexico, todos ordenados de forma cronológica. A la izquierda vemos la conquista, la época colonial, la independencia, la invasión norteamericana y la intervención europea. Sus protagonistas son gentes como Hernán Cortés o el emperador Maximiliano. En el lado derecho Rivera muestra la revolución, los movimientos campesinos y la lucha proletaria. Ahí están por ejemplo Emiliano Zapata o Porfirio Díaz. Todos están en la Alameda Central, con sus árboles frondosos y sus quioscos, un centro de reunión los domingos de la burguesía mexicana, que con el tiempo fue cambiando de clase sociales.

HISTORIA DEL ARTE

ARTE EN EL

SIGLO XX

Expresionismo

Edvard Munch. El grito.Fuente:¿Qué es el Expresionismo? Artistas y obras. (s/f). Ifema.es; IFEMA MADRID. Recuperado el 23 de octubre de 2024, de https://www.ifema.es/noticias/arte/que-es-el-expresionismo

De naturaleza heterogénea, el movimiento expresionista aglutina diversas tendencias y estilos donde los artistas expresionistas plasman sus emociones y sentimientos por encima de la realidad colectiva. Originado en Alemania, se convirtió en una corriente artística que marcó un antes y un después en cómo las obras plasman el mundo según sus autores.

Fuente: ¿Qué es el Expresionismo? Artistas y obras. (s/f). Ifema.es; IFEMA MADRID. Recuperado el 23 de octubre de 2024, de https://www.ifema.es/noticias/arte/que-es-el-expresionismo

Algunas de sus características en común fueron:

• Reaccionaba contra los principios del impresionismo. En la visión expresionista, el arte representaba la emocionalidad del artista y no los fenómenos del mundo físico (que había sido la principal preocupación de los impresionistas).
• Distorsionaba la realidad. Los expresionistas distorsionaban las formas y usaban colores vibrantes y alterados, trazos violentosy pinceladas gruesas.
• Sus temáticas giraban en torno a la condición humana. El expresionismo surgió en la Alemania de entreguerras, sumergida en una crisis moral, política y económica que motivó una transformación de los lenguajes artísticos.

Fuente: https://concepto.de/expresionismo/#ixzz8pRHIvZdl

HISTORIA DEL ARTE

• Sus obras tenían contenido simbólico.

Las obras expresionistas buscaban provocar o generar conmoción, inquietud e introspección. A menudo recurrían a las metáforas y los símbolos para establecer una conexión más profunda con el espectador.

• Buscaba libertad.

El expresionismo representó una ruptura con el pasado y un llamado a la libertad no solo en el ámbito artístico, sino también filosófico y moral. Los expresionistas aspiraban a la libre expresiónde su arte y a vivir de acuerdo a sus propias convicciones y principios.

• Hacía énfasis en la subjetividad.

El expresionismo se caracterizó por indagar en la experiencia y la expresión individual para acceder a los pensamientos y emociones más profundas.

• Sus temas eran emocionalmente intensos.

Los expresionistas tendían a temáticas de fuerte contenido emocional como la soledad, la miseria, la ansiedad, la ira, el conflicto, el miedo o la angustia.

Expresionismo

Edvard Munch. Melancolía.Fuente:¿Qué es el Expresionismo? Artistas y obras. (s/f). Ifema.es; IFEMA MADRID. Recuperado el 23 de octubre de 2024, de https://www.ifema.es/noticias/arte/que-es-el-expresionismo

CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO La pintura expresionista se destacó por sus trazos distorsionados y expresivos, sus colores intensos y artificiales y sus composiciones desequilibradas, muy alejadas del orden realista y académico. Se desarrolló en torno a dos grandes grupos de artistas: “El puente” (Die Brücke) y “El jinete azul” (Der Blaue Reiter). El grupo Die Brücke apareció en Alemania en 1905. Se trató de un grupo de artistas que buscaban romper con las normas de la pintura para expresar las emociones humanas de la forma más intensa posible. Su arte estaba cargado de fuerza, ímpetu y emotividad. Sus principales representantes fueron Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Erich Heckel (1883-1970). Der Blaue Reiter fue otra agrupación muy importante de la pintura expresionista. Fue fundada en Munich en 1911 por Vasili Kandinsky (1866-1944) y Franz Marc (1880-1916). Se diferenciaba del grupo Die Brücke por tener un mayor nivel de abstracción y una búsqueda más espiritual. Pinturas expresionistas:

• Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
• Los grandes caballos azules (1911) de Franz Marc
• El grito (1893) de Edvard Munch
• El jinete azul (1903) de Vasili Kandinsky

Fuente: https://concepto.de/expresionismo/#ixzz8pUPbLDan

Expresionismo

Fränzi ante una silla tallada.Ernst Ludwig Kirchner

LITERATURA EXPRESIONISTA La literatura del expresionismo rompió con las formas literarias tradicionales. Se caracterizó por exponer las emociones humanas de manera cruda e intensa y se enfocó en temas como la soledad, la muerte, la guerra y la locura. Los autores expresionistas abandonaron la búsqueda de objetividad para centrarse en su mundo personal e íntimo. Utilizaron un lenguaje cargado de símbolos, metáforas e imágenes exageradas e incluso grotescas. MÚSICA EXPRESIONISTA El expresionismo musical se originó en Viena. Se alejó de las armonías clásicas y las estructuras tradicionales para explorar la disonancia (la combinación de notas que crean tensión en lugar de armonía), la atonalidad (la ausencia del tono central y pérdida de estructura armónica tradicional) y la fragmentación (la ruptura de las estructuras tradicionales de armonía, melodía y ritmo). Estos recursos estéticos sirvieron a los compositores para expresar su visión trágica en medio de la crisis social y política que atravesaba Europa a las puertas de la Primera Guerra Mundial. La figura central del expresionismo musical fue Arnold Schoenberg, quien desafió todas las normas occidentales de la música con la invención del sistema dodecafónico, una técnica de composición que eliminó la tonalidad tradicional. El sistema dodecafónico, también conocido como dodecafonismo, permitió explorar sonoridades disonantes y perturbadoras para transmitir emociones de manera intensa. Fuente: https://concepto.de/expresionismo/#ixzz8pUUAmz4V

Expresionismo

CINE EXPRESIONISTA El cine expresionista se alejó del realismo tradicional y se caracterizó por decorados escenográficos de pesadilla que creaban atmósferas perturbadoras y misteriosas, con una iluminación contrastante que acentuaba las sombras y los rincones ocultos. Estos recursos, junto a actuaciones enérgicas y dramáticas, transmitían emociones extremas como la angustia, la desesperación y la locura. Los temas del cine expresionista reflejaban las inquietudes de su momento histórico: la alienación, la violencia y la brutalidad, la inestabilidad mental y la desesperación ante una sociedad en ruinas. Películas como «El gabinete del Doctor Caligari» (1920), «Nosferatu, el vampiro» (1922) y «Metrópolis» (1927) se convirtieron en íconos del movimiento. REPRESENTANTES DEL EXPRESIONISMO Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938). Fue un pintor y grabador alemán, cofundador del grupo Die Brücke. Tras sufrir una crisis nerviosa durante la Primera Guerra Mundial, se retiró a pintar paisajes campestres en Suiza. El nazismo destruyó gran parte de su trabajo.

Expresionismo

Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg

UN ESPEJO DE LA ÉPOCA

Erich Heckel (1883-1970). Fue un pintor, ilustrador y grabador alemán, cofundador del grupo Die Brücke. Sus xilografías se consideran entre las obras más importantes del expresionismo. Vasili Kandinsky (1866-1944). Fue un pintor y teórico de arte ruso, cofundador del grupo Der Blaue Reiter. Exploró la expresión de las emociones y la búsqueda espiritual a través de las formas, los colores y las líneas. Franz Marc (1880-1916). Fue un pintor alemán, cofundador, junto a Vasili Kandinsky, del grupo Der Blaue Reiter. Su interés artístico se centraba en mostrar el mundo espiritual de los animales. Murió en combate en la Primera Guerra Mundial a los 36 años. Egon Schiele (1890-1918). Fue un pintor austríaco y uno de los mayores exponentes del expresionismo en su país. En sus pinturas, de fuerte carga psicológica, explora la muerte, la sensualidad y el cuerpo humano. Fuente: https://concepto.de/expresionismo/#ixzz8pUkS1oXq

Expresionismo

MÚSICOS EXPRESIONISTAS Arnold Schoenberg (1874-1951). Fue un compositor austríaco, fundador de la llamada Segunda Escuela de Viena (origen de la atonalidad y el dodecafonismo) y uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Anton Webern (1883-1945). Fue un compositor austríaco, discípulo de Schoenberg y miembro de la Segunda Escuela de Viena. Alban Berg (austríaco, 1885-1935). Fue un compositor austríaco, miembro de la Segunda Escuela de Viena y discípulo de Schoenberg. CINEASTAS EXPRESIONISTAS Robert Wiene (1873-1938). Fue un director de cine alemán, autor de El gabinete del Doctor Caligari, considerada la primera película del cine expresionista y una de las principales referencias de los comienzos del cine de terror en el mundo. Friedrich Murnau (1889-1931). Fritz Lang (1890-1976). Fue un director de cine austríaco y estadounidense, reconocido en todo el mundo por la maestría de la composición visual, manejo del suspenso y expresión de las emociones en sus obras. Fuente: https://concepto.de/expresionismo/#ixzz8pUpDNwAY

Expresionismo

El fauvismo se caracterizó por un atrevido uso del color. [Henri Matisse. Danza, 1910]

Fauvismo

El fauvismo o fovismo fue un movimiento artístico surgido en Francia entre 1904 y 1908. También fue el estilo pictórico propio de esta corriente, caracterizado por una audaz paleta de colores no naturalistas, gruesas pinceladas e intensa expresividad. El fauvismo desarrolló una estética atrevida y desenfadada, que omitía los claroscuros y las perspectivas. Además, apostaba por la brillantez de los colores y la expresión de los sentimientos a través de un estilo espontáneo, vigoroso, que contradijo la norma clásica de representar el mundo. Son considerados fundadores y máximos exponentes del fauvismo Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) y Maurice Vlaminck (1876-1958). La relación de estos artistas como grupo fue corta: acercaron sus caminos hacia 1904 y ya en 1908 comenzaron a tener exploraciones individuales que desembocaron en la disolución del movimiento. El fauvismo tuvo como evento fundacional la exposición del Salón de Otoño en el Gran Palacio de París (18 de octubre al 25 de noviembre de 1905), donde se expusieron obras de los primeros fauvistas. Las piezas descolocaron a los críticos de la época, quienes se encontraron con un arte que no supieron clasificar. Fuente: https://concepto.de/fauvismo/#ixzz8pUsnOjdT

CARACTERÍSTICAS

• Trató de expresar el mundo emocional del artista. El fauvismo hacía énfasis en la subjetividad y apelaba al mundo emocional interno. Rompió con la intención tradicional de representar la realidad de manera objetiva. Dio un primer paso hacia la abstracción. El fauvismo fue el pionero de una serie de movimientos de vanguardia que buscaron romper con una tradición pictórica de siglos basada en la mímesis (es decir, en la imitación de la realidad).

• Rompió con el academicismo. Los fauvistas abandonaron por completo la obligación de imitar la realidad y también las técnicas que empleaba el arte clásico para lograrlo (por ejemplo, el claroscuro y la perspectiva lineal), así como las representaciones idealizadas de belleza. En su lugar, dieron espacio a la espontaneidad y la expresión individual.

• Se interesó en la teoría del color del siglo XIX. Los fauvistas se interesaron por las teorías del color de 1850 (que tanto habían influido a los impresionistas) y experimentaron con una amplia gama de posibilidades cromáticas y diferentes combinaciones de colores para lograr efectos expresivos.

• Fue más que una propuesta pictórica. La técnica más utilizada por los fauvistas fue la pintura al óleo, pero exploraron también otras posibilidades de expresión con la acuarela, el pastel, el grabado, la escultura, la cerámica y otras técnicas.

• Sus temas oscilaron entre las representaciones urbanas y el mundo rural. En el fauvismo hay desnudos, bodegones, escenas al aire libre o paisajes.

• Fue fugaz, pero muy determinante. A pesar de su corta vigencia como corriente (duró cerca de cuatro años, de 1904 a 1908), el fauvismo abrió un camino estético y filosófico que iluminó casi todo el arte del siglo XX y, de cierta manera, continúa haciéndolo.

Fuente: https://concepto.de/realismo/#ixzz8orfROvee

Fauvismo

El 17 de octubre de 1905 el crítico Louis Vauxcelles (1870-1943) publicó en el diario Gil Blas una reseña de la exposición en la que comparaba los tonos puros de las pinturas expuestas con el acecho de fieras (fauves), lo cual sirvió para bautizar al nuevo movimiento artístico. Los fauvistas, sin embargo, nunca se identificaron con ese nombre. Entre las obras presentadas en la exposición estaba Lujo, calma y voluptuosidad, de Henri Matisse, obra considerada el manifiesto artístico del fauvismo por sus colores contrastantes, su fuerza expresiva y su espíritu hedonista (es decir, basado en el placer), rasgos que influyeron e inspiraron a otros artistas. En su momento, el cuadro generó un escándalo en la crítica, ya que atentaba contra todas las convenciones compositivas de la época, porque dejaba incluso partes del lienzo sin cubrir. Por eso Matisse es considerado el líder y uno de los padres fundadores del movimiento, junto con André Derain y Maurice de Vlaminck.

Fauvismo

Lujo, calma y voluptuosidad. Henri Matisse.

CARACTERÍSTICAS DEL FAUVISMO

• Tuvo influencia del impresionismo y del primer postimpresionismo. Al igual que todas las corrientes pictóricas de las primeras vanguardias, el fauvismo se vio inspirado por el espíritu disruptor de los impresionistas y estuvo muy influenciado por Vincent Van Gogh (1852-1890), Eugène Carrière y Gustave Moreau.
• Sus colores eran puros y brillantes. En las pinturas fauvistas el color se aplicaba con pinceladas espontáneas y formas simples, a veces directamente del tubo, con goteos de pintura y regiones en las que el lienzo quedaba expuesto. Buscaba acabados más expresivos que precisos.

Fuente: https://concepto.de/fauvismo/#ixzz8pV3Ay0pQ

AUTORES Y REPRESENTANTES

Las obras fauvistas más destacadas y sus autores son: Henri Matisse (1869-1954). Considerado el padre del fauvismo, se destacó por su uso audaz del color y la simplificación de las formas. Obras: La raya verde (1905), La alegría de vivir (1906), La habitación roja (1908). André Derain (1880-1954). Fue cofundador del fauvismo junto a Matisse, y posteriormente exploró otros estilos. Obras: El puente de Charing Cross (1906), Vista de Collioure (1905), Retrato de Matisse (1905).

Fauvismo

EN MÉXICO

Se construye el Palacio de Bellas Artes - ícono del arte en México.Inició su construcción en 1904, durante los últimos años de gobierno de Porfirio Díaz, quien quería representar su lema “Orden y progreso” en un edificio que pudiera estar terminado para los festejos del Centenario de la Independencia en 1910. La tarea se le encomendó al famoso arquitecto italiano Adamo Boari. Los antecedentes históricos del Palacio se remontan a 1842, cuando el entonces presidente de la República, Antonio López de Santa Anna, inicia la construcción del Teatro Santa Anna el 18 de febrero de ese año, la obra arquitectónica más importante del XIX para la ciudad.

Palacio de Bellas Artes.

Fauvismo

El trabajo le fue encomendado al arquitecto Lorenzo Hidalga, quien le dio un estilo neoclásico, característico de la época. Se terminó dos años más tarde con una magistral apertura. Sin embargo, también ese año se le cambió el nombre a Teatro Vergara, por el rechazo que la gente tenía a Santa Anna. Poco tiempo después se renombró Teatro Nacional, que fue testigo de numerosos acontecimientos de gran importancia como el estreno del Himno Nacional Mexicano. Años más tarde, durante la intervención francesa, se convierte en Teatro Imperial, y restaurada la república vuelve a ser Teatro nacional. Con tantas historias y el interés de Porfirio Díaz de mostrar la prosperidad de su gobierno, se proyectó la construcción del nuevo Teatro Nacional, fue así que Boari, en 1901, inicia la construcción demoliendo el edificio anterior y varias construcciones que se encontraban entre la Alameda y el Edificio de Correos, la ubicación que tanto el arquitecto como el general consideraron idónea. Durante esa época, una de las corrientes más importantes y vanguardistas era el Art Nouveau, o modernismo como se le denominó en España y en algunos otros países. El especial interés de ésta era la de crear una estética nueva que pudiera reflejar todas las posibilidades que había dado la producción industrial o en serie; a través del uso profuso de elementos de origen natural, pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.

PALACIO DE BELLAS ARTES

El uso de las curvas y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos. Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, retratadas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas, que se ve en el gusto por la curva, entre otras. Fue así que cuando Boari, después de recorrer Europa y Estados Unidos (lugares donde se gestó esta nueva línea artística) entre 1901 y 1902 regresó a México con los elementos necesarios para materializar las grandes expectativas del general Díaz. En 1904, entregó los primeros 18 planos del nuevo Teatro Nacional y en ese mismo año se comenzaron las excavaciones de 2.4 metros bajo el nivel de la calle y 3.5 metros para lo que sería la ubicación del escenario. Para la decoración Boari consideraba que el recinto debía emplear y expresar sus propias formas arquitectónicas haciendo alusión a la cultura mexicana, lo cual explica que en las fachadas predominaban elementos de las culturas prehispánicas como cabezas de jaguares, monos, coyotes, serpientes, etc. Para la decoración Boari consideraba que el recinto debía emplear y expresar sus propias formas arquitectónicas haciendo alusión a la cultura mexicana, lo cual explica que en las fachadas predominaban elementos de las culturas prehispánicas como cabezas de jaguares, monos, coyotes, serpientes, etc. Con los retrasos y los nuevos retos que presentaba la construcción de este recinto y el estallido de la Revolución Mexicana, el ritmo de trabajo disminuyó considerablemente de 1912 hasta que en 1916 fue suspendida totalmente y Boari regresó a su país, donde siguió trabajando en su obra magna inconclusa.

Fauvismo

Aproximadamente entre 1918 y 1919 se intentó, por primera vez, reanudar el trabajo para concluir la obra bajo la dirección del arquitecto Antonio Muñoz, justo dentro del periodo presidencial Venustiano Carranza; ambos querían que la obra ser terminara en 1921, pero los graves problemas sociales y económicos de la época no lo permitieron y nuevamente la obra se abandonó, aunque contaba con un mayor avance. En 1932, mediante un nuevo decreto presidencial, se intenta nuevamente concluir la obra. El nuevo arquitecto a cargo fue Federico Mariscal, quien rediseñó el interior del teatro a las reglas del nuevo Art Decó, que para muchos es considerado un paso lógico del Art Nouveau. El magistral Palacio de Bellas Artes fue inaugurado el 29 de septiembre de 1934 por el entonces presidente Abelardo Rodríguez. Desde esa fecha hasta el día de hoy, en este recinto se han presentado más de 100 mil eventos; conciertos, obras de teatro, ópera, danza y exposiciones de pintura y escultura.

Cubismo

CUBISMO 1907 - 1919 El cubismo reconoce y abraza la naturaleza bidimensional del lienzo y renuncia a la tridimensionalidad, tratando más bien de representar en sus pinturas todos los puntos de vista posibles de un objeto, de manera simultánea. Al hacerlo, revolucionaba los preceptos vigentes en la pintura desde la antigüedad, razón por la cual se considera al cubismo como la primera de las vanguardias artísticas. La dificultad que suponía interpretar ciertos cuadros cubistas, dada su ruptura con toda forma de naturalidad, ocasionó que fuera necesario acompañar la obra con un texto explicativo o de naturaleza crítica, gesto que luego se haría común en las obras de arte de las vanguardias. Fuente: https://concepto.de/cubismo/#ixzz8pVFD6XTC

Cubismo.

Cubismo Analítico vs Cubismo Sintético

Cubismo

En el universo complejo del Cubismo, dos fases distintas se destacan: el Cubismo Analítico (1909-1912) y el Cubismo Sintético (1912-1914). El primero, marcado por la disección y descomposición de formas, representa la fase inicial de este movimiento revolucionario. Por otro lado, el Cubismo Sintético emerge con una perspectiva diferente. Caracterizado por la reintegración de elementos figurativos y la inclusión de nuevas texturas y materiales en las obras, esta fase marca un cambio hacia la síntesis de formas más reconocibles.

Muchas obras del cubismo analítico se volvían prácticamente abstractas.

El cubismo sintético añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma.

Les Demoiselles d'Avignon (1907) - Pablo Picasso

Cubismo

"Les Demoiselles d'Avignon" de Picasso rompió radicalmente con la perspectiva tradicional y abrió las puertas a una nueva manera de representar la realidad. La obra muestra un grupo de figuras femeninas con formas angulares y fragmentadas, reflejo de la influencia africana.

La Mujer que Llora (1937) - Pablo Picasso

Obras del cubismoAlgunos de los cuadros más representativos del cubismo son:

• Guernica (1937) de Pablo Picasso.
• Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso.
• Violín y paleta (1909) de Georges Braque.
• La botella de anís (1914) de Juan Gris.
• Mujer leyendo en la playa (1937) de Pablo Picasso.

Fuente: https://concepto.de/cubismo/#ixzz8pVKr57co

EN MÉXICO - 1910

Muralismo

David Alfaro Siqueiros - La Marcha de la humanidad en la tierra y hacia el Cosmos.

El Muralismo Mexicano es uno de los géneros artísticos más distintivos de América Latina. Tiene su origen en la Revolución mexicana de 1910, paralelamente al movimiento de transformación en México. Era un movimiento artístico mexicano con fines educativos, además fue esencial para unificar a un país que estaba recuperándose de una revolución y aunque es comúnmente considerado como una corriente artística, también se le puede considerar como un movimiento político y social.

El Hombre controlador del Universo, Diego Rivera (1934)

Diego Rivera, José Clemente Orozco y Alfaro Siqueiros, se encargaron de resaltar lo nacional, lo popular y lo revolucionario. A través de él, los artistas encontraron una gran fuente de expresión para la transmisión de sus ideales.

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

Muralismo

El retrato de Miguel Hidalgo - 1937. Está la bóveda de la escalera del Palacio Nacional de Guadalajara

El hombre en llamas, fue pintado entre 1937 y 1939 y tiene 11 metros de diámetro esta obra con técnica al fresco da un efecto de movimiento y cautiva a todo espectador, que busque identificar los detalles contrastantes. Está en la Capilla del Museo de Cabañas en Guadalajara, Jalisco.

La trinchera - 1926. Antiguo Colegio de San Ildefonso. CDMX.

DAVID ALFARO SIQUEIROS

Muralismo

El retrato de Miguel Hidalgo - 1937. Está la bóveda de la escalera del Palacio Nacional de Guadalajara

‘Nueva democracia’, el panel lateral izquierdo ‘Víctimas de la Guerra’, y el panel lateral derecho ‘Víctima del Fascismo’, los tres fueron inaugurados en 1945. La obra celebra el triunfo de la democracia sobre los sistemas totalitarios, a la vez que muestra la violencia y las consecuencias de la guerra sobre la población civil a través de la representación de cuerpos mutilados y torturados.

El pueblo a la Universidad, la Universidad al pueblo. Rectoría de Ciudad Universitaria. 1952 y 1956.

El futurismo fue una corriente artística perteneciente a las vanguardias europeas del siglo XX. Irrumpió en Italia en 1909 a partir de la publicación del Manifiesto futurista del poeta, dramaturgo y editor italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Fragmento del Manifiesto futurista publicado en el diario francés Le Figaro “Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un auto de carrera con su capó adornado de gruesos caños semejantes a serpientes de aliento explosivo… un automóvil rugiente, que parece superar a la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.”. Filippo Tommaso Marinetti, 1909. Se ofrecía como un movimiento actual, feroz y agresivo. Aunque su eje principal tenía que ver con la literatura, tuvo también una importante repercusión en las artes plásticas, la arquitectura, el urbanismo, la moda, el cine y la publicidad. En la pintura, fue un hito la firma del Manifiesto de los pintores futuristas al año siguiente de la publicación del manifiesto de Marinetti. Los mayores exponentes del futurismo se enlistaron cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Pocos volvieron del frente, y quienes lo hicieron no necesariamente continuaron con el movimiento, por lo que el centro operativo del futurismo pasó de Milán a Roma. Fuente: https://concepto.de/futurismo/#ixzz8pVOmlTre

Futurismo

El futurismo se define a sí mismo en sus manifiestos, a partir de estos principios: Se obsesionó por la velocidad El futurismo consideraba que la velocidad era una virtud del momento y la exaltaba en sus obras. Sentía atracción por la novedad y la tecnología Los futuristas confesaron en sus escritos su fascinación por los progresos tecnológicos propios de la industrialización y la mecanización del mundo moderno. Exaltaba la fuerza bruta y el conflicto Para el futurismo, la belleza estaba en la confrontación. Abandonó la imagen fija La pintura se había encargado tradicionalmente de encuadrar un instante inmóvil. El futurismo, en cambio, buscó por todos los medios representar el vértigo del movimiento. Para eso, abandonó la pincelada clásica y exploró formas novedosas de mostrar la velocidad en sus composiciones. Experimentó con nuevos materiales La búsqueda de novedad futurista se hizo notar incluso en el uso de materiales no tradicionales como cartón, vidrio coloreado, acero, tela, aluminio o celuloide.

Futurismo

Dinamismo en un automovil de Russolo 1911.

El arte abstracto es una forma de expresión que propone un lenguaje basado en formas, colores, líneas, gestos y texturas, en lugar de representar figuras concretas del mundo visible (como lo hace el arte figurativo). Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de las formas y perseguir el “arte puro”,no representativo. Según el pintor y primer teórico abstraccionista Vasili Kandinski (1866-1944), la conexión con el arte es espiritual y emocional, tanto en el creador como en el espectador. Al apartarse de las referencias figurativas (es decir, de las representaciones de formas reconocibles), el arte abstracto incorpora y potencia nociones como libertad, autonomía, experiencia e intuición. Exponentes del arte abstracto Algunos de los principales exponentes del arte abstracto son Vasili Kandinski (1866-1944), Robert Delaunay (1885-1941), Kazimir Malevich (1878-1935), Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-1970), Jackson Pollock (1912-1956), Jesús Soto (1923-2005), Carlos Cruz-Diez (1923-2019), Gerhard Richter (1932-presente), Joan Miró (1893-1983), Alexander Calder (1898-1976) y Jean Arp (1886-1966). Fuente: https://concepto.de/arte-abstracto/#ixzz8pWn9SfEg

Arte Abstracto

El baile del Arlequín. Joan Miró.

El horror de los combates de la Primera Guerra Mundial provocó en el arte una renovación en busca de inspiración. Grupos de artistas abrazaron el sueño surrealista, la denuncia social o la vuelta a la pintura figurativa. Las vanguardias (cubismo, expresionismo y arte abstracto) estaban completamente formadas entre 1905 y 1914, antes del estallido de la guerra, recalcan los expertos de este periodo. Lo que pasa en 1917/18 es que la "terrible tristeza" se plasma en la expresión artística, "marcada por imágenes congeladas, colores sombríos". DADAÍSMO Dadaísmo es el nombre que la historia del arte ha dado al dadá, una postura cultural surgida en Suiza en 1916, en tiempos de la Primera Guerra Mundial. El dadá tenía la intención expresa de rebelarse en contra de las convenciones que consideraba burguesas y demoler la razón propia de la filosofía positivista que las sostenía. El dadá se enfrentó a los valores tradicionales del arte porque los consideraba parte del pensamiento elitista que condujo a los horrores de la guerra. Cuestionó la idea del arte como algo bello o armónico y buscó la irracionalidad, el caos, la experimentación y el azar. Por esta razón, el dadá llegó a ser considerado un “antiarte”. Muchos de los artistas dadá, como ​​el rumano Tristan Tzara (1896-1963), el franco-alemán Jean Arp (1886-1966) y el francés Marcel Duchamp (1887-1968) llegaron a Suiza huyendo de la guerra. El dadá expresaba el desencanto, pero al mismo tiempo la rebeldía y el entusiasmo de un grupo de jóvenes inconformes que se oponían a la moral burguesa y la guerra. Fuente: https://concepto.de/dadaismo/#ixzz8pWp4pE49

Primera Guerra Mundial

El dadá no se consideraba a sí mismo un movimiento e insistió en rechazar etiquetas, estructuras o instituciones, así como también la idea de “género” o de “corriente” estética, ya que consideraba las categorías del arte como formas limitantes y elitistas. Se trataba más bien de un espíritu y una actitud no solamente frente al arte, sino frente a la vida. Si hoy se le conoce como dadaísmo, como tantos otros “ismos”, es por una desafortunada catalogación de la historia del arte. El término dadaísmo, acuñado más tarde por los historiadores, está muy lejos de las intenciones originales del dadá. Lo que buscaban estos artistas era una forma de expresión experimental y absolutamente libre, irreverente, espontánea y sin reglas. CARACTERÍSTICAS - Se proponía dinamitar los pilares de la cultura - Rechazaba la lógica y la razón del positivismo - Era provocador, escandaloso y caótico - Valoraba el juego REPRESENTANTES Hugo Ball (1886-1927). Tristán Tzara (1896-1963). Jean Arp (1887-1966). Marcel Duchamp (1887-1968). Emmy Hennings (1885-1948). Richard Hülsenbeck (1892-1974). Marcel Janco (1895-1984). Sophie Taeuber-Arp (1889-1943). Man Ray (1890-1976) Fuente: https://concepto.de/dadaismo/#ixzz8pWqCDCrx

Dadaísmo

Dadaísmo

Pop Art

Andy Warhol, Roy Lichtenstein y David Hockney son artistas representativos de esta vanguardia. La obra más cara de Warhol, considerado uno de los padres del Pop Art, se vendió en noviembre de 2013 por 105 millones de dólares. Se trata de la serigrafía Silver Car Crash (Double Disaster). Masterpiece, de Lichtenstein, se subastó por un precio aún más alto en 2017: 165 millones de dólares. Cuando surgió, los críticos describieron el Pop Art como vulgar, sensacionalista y “una broma”.

"Masterpiece", Roy Lichtenstein, 1962.

Pop Art

Características del Pop Art Sus características principales son: 1. Humor Una de sus características más destacadas es el uso del humor. A diferencia de otros movimientos artísticos más serios y formales, el arte pop se caracteriza por su enfoque divertido y satírico. Los artistas pop utilizan el humor como una forma de crítica a la cultura de masas y al consumismo. Combinan elementos de la cultura popular, como imágenes de productos de consumo y objetos cotidianos, con colores vivos y llamativos, creando obras de arte que transmiten un mensaje irónico y lúdico. 2. Inspiración de la cultura de masas Este movimiento artístico busca tomar elementos de la sociedad y convertirlos en obras de arte. 3. Descontextualización Implica tomar elementos de la cultura popular y sacarlos de su contexto original para utilizarlos en obras de arte. Los artistas pop se apropian de imágenes y objetos cotidianos, que normalmente se encuentran en la vida diaria de las personas, y los transforman en obras de arte cargadas de significado.

Pop Art

"Campbell's Soup Cans", Andy Warhol, 1962.

Un ejemplo icónico de descontextualización en el arte pop es la serie de latas de sopa Campbell's de Andy Warhol. Warhol tomó las latas de sopa, un producto de consumo masivo y común en la vida cotidiana, y las convirtió en obras de arte reconocidas mundialmente. Al hacerlo, Warhol cambió la percepción que se tenía de la lata de sopa, elevándola a un nivel artístico y planteando preguntas sobre la naturaleza del arte y el valor de los objetos. 4. Incongruencia Busca sorprender y provocar al espectador, cuestionando las normas establecidas y generando reflexiones sobre la cultura de masas y el consumismo. A través de la combinación inesperada de elementos, el arte pop desafía las convenciones y crea una experiencia visual única y memorable. Por ejemplo, Roy Lichtenstein utilizaba técnicas de impresión masiva para recrear imágenes de cómics en pinturas al óleo, lo que crea una desconexión entre la técnica tradicional y los sujetos populares de sus obras. Este contraste entre lo "alto y lo bajo", lo popular y lo culto, provoca un efecto sorprendente en el espectador. 5. Provocación El arte pop provoca y desafía las convenciones establecidas al cuestionar la idea de originalidad, la superioridad del genio creador y el papel de los críticos y los museos.

Pop Art

El pop art desafía la autoridad de los críticos de arte y los museos como los únicos árbitros de lo que es considerado arte. Al apropiarse de objetos comunes y convertirlos en obras de arte, los artistas pop socavan la idea de que solo ciertos objetos y formas tienen el mérito de ser exhibidos en un museo o elogidos por los críticos. 6. Colores vivos Esta técnica fue adoptada como una forma de destacar y llamar la atención sobre las obras de arte, capturando la energía y la vitalidad de la cultura popular de la época. Por ejemplo, en la obra 'Marilyn Diptych' de Andy Warhol utiliza colores vibrantes como el rosa, amarillo y azul, para representar múltiples imágenes de Marilyn Monroe. Estos colores intensos transmiten la personalidad icónica y vibrante de la actriz, y también acentúan el impacto visual de la obra.

Pop Art

Crying Girl. Roy Lichtenstein, 1963

El Pop Art nació en Inglaterra. El Independent Group (IG), fundado en Londres en 1952, es considerado precursor del movimiento —el término Pop Art, inclusive, habría sido acuñado en uno de sus debates por el crítico y curador Lawrence Alloway. IG reunió a artistas e intelectuales interesados en debatir y desafiar los conceptos tradicionales en el campo artístico y cultural. Sus miembros trataron de establecer un diálogo entre la cultura pop (publicidad, cine, cómics) y la alta cultura. Sin embargo, en comparación con la versión americana, su enfoque era más académico. Principales artistas del Pop Art Andy Warhol Cuando se habla de Pop Art, este es el primer nombre que nos viene a la cabeza. El norteamericano produjo en diversos medios: pintura, serigrafía, fotografía y cine. Y siempre con una visión irónica del American Way of Life.

"Brillo Box", Andy Warhol, 1964.

Roy Lichtenstein Pintor norteamericano cuyas obras más famosas reproducen el estilo de los cómics mediante el empleo de puntos Ben-Day y colores planos.

Pop Art

"Drowning GirL", Roy Lichtenstein, 1963.

David Hockney Pintor y fotógrafo británico cuyo enfoque ecléctico y colorido abarca collages, ilustraciones, pinturas, fotografías, etc. Sus temas incluyen retratos, paisajes y naturaleza muerta.

"A Bigger Splash", David Hockney, 1967.

Pop Art

"My Parents"', David Hockney, 1977.

Rococó

A diferencia del arte barroco, el arte rococó se caracterizó por ser alegre, celebrar la vida, dar espacio al humor, a la gracia y al erotismo ligero. Puede decirse que fue, en realidad, la expresión de una clase social que huía del aburrimiento por medio de un arte entusiasta, sin pretensiones trascendentes o didácticas. Fue un estilo que buscaba expresar gracia y alegría. Su carácter era festivo. Aunque el rococó fue recargado en la decoración, sus atmósferas buscaron ser luminosas y entusiastas.

Manierismo

El término deriva de la palabra maniera, que, en el contexto de la época, significaba ‘estilo’. En aquel tiempo, se consideraba que los maestros del Alto Renacimiento, Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, marcaban con sus obras el punto de mayor esplendor. Sus seguidores se proponían imitar el estilo de estos artistas, quienes habían alcanzado la perfección en la pintura y la escultura. Sin embargo, sobre la base de esos logros, se produjeron una serie de transformaciones estéticas motivadas por la búsqueda de estilos personales, por lo que la subjetividad del artista se superpuso a los ideales acuñados durante el Renacimiento. En este sentido, el lenguaje visual se renovó: comenzó a dar cuenta de nuevas inquietudes e intereses, vinculados con una clientela refinada y erudita. Fuente: https://www.bellasartes.gob.ar/media/uploads/paginas/MANIERISMO_2zBz0MT.pdf