História A

AEVO

Grupo : Lara Silva Nº16 e Mafalda antunes nº22

12ºB - História A

Históri

As correntes Estéticas Na viragem do Século XIX e nas primeiras décadas do Século xx

Realismo e ABstracionismo

ínicio

• Revoluções Políticas e Movimentos sociais (ex: Unificação da Alemanha e itália- 1970 e 1971);
• Revolução Industrial e mudanças tecnológicas;
• Expansão do Colonialismo (ex: conferêcia de Berlim (1884-1885));
• Conflitos e Guerras importantes (Ex: Guerras Napoleónicas (1803.-1815));
• Movimentos sociais e ideológicos (EX: Surgimento do comunismo e socialismo);
• Avanços na ciência e na cultura (Ex: Romantismo e realismo);

Século XIX

"Eu nunca vi um anjo. Mostra-me um anjo, e eu pintarei um." - Gustave Courbet

Início

Realismo

o Realismo :

• foi um movimento literário e artístico;
• teve início na segunda metade do século xix;
• iniciou-se na França;
• caracteriza-se por uma visão de um mundo

objetivo e comprometido com a realidade;

• É a oposição do romantismo;
• valoriza a idealização da vida;

O que É o realismo ?

• Oposição aos ideais românticos;
• retrato fidedigno da realidade;
• Críticas aos valores burgueses e instituições sociais;
• carácter descritivo;
• temas urbanos, sociais e quotidianos (forma simples e crua);
• exibição de falhas de carácter, derrotas pessoais e comportamentos duvidosos;
• rejeita o academismo;
• Positivismo;

Características do realismo

• Jean Gustave Courbet nasceu a 10 de junho de 1819, no interior de França;
• Filho de ricos proprietários rurais;
• desde cedo mostrou interesse pelo desenho e pela política, influenciado pelo seu avô, que expressava um forte sentimento republicano;

• Com 12 anos, ingressou no seminário, onde iniciou os seus primeiros estudos em artes;
• Em 1839, foi estudar Direito em Paris, mas acabou por abandonar o curso para se dedicar à arte;
• Alugou um ateliê e dedicou-se à pintura como autodidata;

Gustave Courbet

• Foi um pintor francês e um dos pioneiros da pintura realista no século XIX;
• Iniciou-se na arte copiando os mestres espanhóis do século XVII;
• Procurou retratar o quotidiano de forma imparcial e objetiva, evitando as pinceladas intensas e dramáticas dos românticos;
• Criou um estilo enérgico, que dava maior importância aos pequenos factos da vida quotidiana;
• Adotou um estilo baseado na fidelidade à natureza;

Gustave Courbet

Produção artística do Artista

Info 2

Info 1

Gustave Flaubert

Foi um escritor francês nascido a 12 de dezembro de 1821; Iniciou os estudos de direito em paris, mas foi reprovado nos exames. enfretou diversos probelmas de sáude, tendo sido isolado em croisset. Marcou a literatura francesa:

• pela profundidade das suas análises psicológicas;
• pelo seu senso de realidade;
• pela sua lucidez sobre o comportamento social;
• pela força do seu estilo em grandes romances, tais como Madame Bovari (1857), A educação sentimental (1869), Salammbô (1862).

Gustave Flaubert

Influência do realismo na literatura

Produção artística do Artista

• Madame bovari, ROmance de Gustave Flaubert, publicado em 1857,É CONSIDERADO A OBRA INAUGURAL DO MOVIMENTO REALISTA;
• tornou-se famoso pela sua originalidade;
• O romance é uma dura depreciação aos valores burgueses;

• a obra explora as frustações e conflitos internos das personagens, evitando figuras heróicas e idealizadas;
• Tem descrições detalhadas de paisagens, móveis, vestuários;

Influência do realismo na literatura

Características da sua escultura:

• temas tradicionais da mitologia e da alegoria, modelando o corpo humano com realismo e celebrando o caráter individual e fisicalidade;

Auguste Rodin

Dados Biográficos:

• René-François-Auguste Rodin (1840-1917) nasceu em Paris, França, no dia 12 de novembro de 1840;
• "O Pensador", "O Beijo", "A Porta do Inferno", são algumas de suas famosas esculturas;
• Foi um dos artistas mais influentes do século XX;
• Filho de um modesto funcionário do departamento de Polícia recebeu apoio da família para suas inclinações artísticas;

Influência do realismo na escultura

Produção artística do Artista

Influência do realismo na escultura

• Fim da Primeira Guerra Mundial;
• A emancipação Feminina;
• A Evolução da técnica e as novas conceções científicas;
• O corte com os cânones clássicos da arte europeia: As Vanguardas;

Século XX

Início

“O artista deve treinar não apenas os seus olhos, mas principalmente a sua alma.”- wassily kandinsky

Abstracionismo

O Abstracionismo:

• ascendeu durante o movimento modernista,

originado na Europa;

• ideia de descolar a pintura da representação do

real;

• COncretizada pela primeira vez em 1910 por Vassily

Kandinsky;

• Divide-se em duas tendências:

- Abstracionismo Sensível ou Lírico; - Abstracionismo Geométrico;

O que É o Abstracionismo?

• inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição para construir uma arte imaginária ligada a uma "necessidade interior";
• Foi influenciado pelo expressionismo;

Características:

• Apelo à cor (fortes e vibrantes) e às emoções;

• relação entre forma e emoção (têm em si uma força expressiva própria);
• desperta em cada pessoa reações e sentimentos diversificados;
• transmite sentimentos e experiências através de pinceladas espontâneas e cores vibrantes;
• valoriza a liberdade criativa e a emoção do artista (exprime o interior do pintor);
• relação com a música e a poesia;

Abstracionismo sensível ou Lírico

• Nasceu a 16 de Dezembro de 1866, em Moscovo na Rússia;
• Kandinsky nasceu numa família de classe média alta. O seu pai era comerciante de chá, e ele cresceu exposto tanto à música como às artes;
• Kandinsky mudou-se para Munique em 1896, onde estudou arte na Academia de Belas-Artes e começou a explorar novas formas de expressão;
• Inspirado pelas possibilidades da abstração, as suas primeiras obras ainda eram figurativas, mas progressivamente eliminou elementos reconhecíveis, desenvolvendo um estilo puramente abstrato;
• Kandinsky é considerado o criador da primeira pintura abstrata da história da arte, embora este marco seja debatido. A obra intitulada Primeira Aquarela Abstrata (1910) mostra formas e cores não figurativas;

Wassily Kandinsky

Características:

• abstração expressiva;
• uso intenso de cores;
• linhas e formas livres;
• musicalidade visual;
• espiritualidaDE E abstração;
• movimento e dinamismo;
• sinestesia;

Wassily Kandinsky

Produção artística do Artista

Lado direito

Info 2

Info 1

• Nasceu a 31 de Março de 1914, na ciDADE do México;
• foi um poeta, ensaísta e diplomata mexicano, amplamente reconhecido por sua contribuição à literatura;
• Iniciou a sua carreira literária cedo e publicou o seu primeiro livro de poemas em 1933;
• a Sua experiência na Guerra Civil Espanhola, ao lado dos republicanos, e as suas viagens, especialmente à Índia como embaixador, influenciaram significativamente a sua obra;

AS suas obras mais conhecidas são

• "El laberinto de la soledad" (1950);
• "Piedra de Sol" (1957);

Gustave Flaubert

Octavio Paz

Influência do abstracionismo LÍRICO ou sensível na literatura

Produção artística do Artista

• Este poema, escrito num fluxo contínuo, reflete as características do lirismo abstrato, com ênfase em emoções, associações livres e imagens poéticas que evocam um universo interior e espiritual;
• Inspirado pelo calendário asteca, o poema utiliza simbolismo e uma estrutura circular para explorar temas como o amor, o tempo e a eternidade. Este enfoque na musicalidade da linguagem e na evocação sensorial conecta-se ao espírito do abstracionismo lírico presente noutras artes;

Influência do Abstracionismo lírico ou sensível na literatura

Características da sua escultura:

• Formas Orgânicas e Biomórficas;
• Expressão de Emoções;
• A Recusa de Significados Fixos;
• Exploração do Acaso;

Jean Arp

Dados Biográficos:

• Hans peter Wilhelm Arp, conhecido como Jean Arp, nasceu a 16 de setembro de 1886 ,em Estrasburgo, na Alsácia, França;
• foi um escultor, pintor e poeta franco-alemão;
• era conhecido como um dadaísta e um artista abstrato;
• estudou na Academia de Belas Artes de Weimar e na Académie Julian, em Paris, mas abandonou os estudos formais para seguir um caminho artístico mais livre;

Influência do Abstracionismo Lírico ou Sensível na escultura

Produção artística do Artista

Influência do Abstracionismo lírico ou sensível na escultura

Info

Info

• inFLUENCIADO pelo cubismo, futurismo e o orfismo;

Características:

• elementos básicos: a linha, a cor e a composição, inscritas no espaço plano da tela, em vez de representações figurativas;

• Linhas retas e figuras geométricas elementares (quadrados,retângulos,...) preenchidas por manchas de cor sólida (neoplasticismo de Piet Mondrian);

• conceitos como ordem, equilíbrio e racionalidade (construtivismo russo e suprematismo de Kasimir Malevitch);
• Autonomia da forma, precisão matemática e função objetiva da cor

(concretismo de Theo Van Doesburg);

Abstracionismo Geométrico

Características:

• A arte de Mondrian era altamente utópica e preocupava-se com a busca de valores universais e estéticos;
• Mondrian decidiu limitar o seu vocabulário formal a três núcleos primários (vermelho, azul e amarelo), aos três valores primários (preto, branco e cinza) e às duas primárias direções (horizontal e vertical);

• Pieter Cornelis Mondrian nasceu em 7 de março de 1872 em Amersfoort, nos Países Baixos;
• É considerado um dos maiores artistas do século XX e é conhecido por ser um dos pioneiros da arte abstrata;
• Foi colaborador do movimento e do grupo artístico De Stijl, que co-fundou com Theo van Doesburg;
• Desenvolveu uma forma não representacional que chamou de Neoplasticismo;

Piet Mondrian

Produção artística do Artista

Info 2

Info 1

• Fundada em 1917 por:

-Piet Mondrian; -Theo Van Doesburg; -Kasimir Malevitch; -entre outros artistas;

• foi criada para atingir estes objetivos - procurar as verdades universais, os valores essenciais e permanentes;
• Destinada a divulgar o novo conceito da arte (Abstracionismo Geométrico);
• Os pintores de "De Stijl" procuravam banir das suas obras toda a emotividade pessoal e também tudo o que consideram acessório ou efémero;

Revista "De Stijl" (o Estilo)

Características da sua escultura:

• incorporação de princípios matemáticos e científicos na arte;
• conexão entre matemática e estética;

Georges Vantongerloo

Dados Biográficos:

• Georges Vantengerloo nasceu em 24 de novembro de 1886 em Antuérpia, na Bélgica;
• Vantongerloo estudou na Academia Real de Belas Artes de Antuérpia , onde iniciou a sua formação artística, focando-se na escultura;
• Nos primeiros anos, dedicou-se principalmente à escultura figurativa antes de evoluir para a abstração;
• Ele publicou ensaios que exploravam a ligação entre a matemática e a estética, posicionando-se como um dos pioneiros do abstracionismo geométrico.

Influência do Abstracionismo Geométrico na escultura

Produção artística do Artista

Info

Influência do Abstracionismo Geométrico na escultura

Obrigada!

• Tema: A obra tem um tema multifacetado, combinando elementos de autorretrato, cena de género e alegoria. Courbet retrata-se no seu ateliê, rodeado de figuras que simbolizam a sociedade da época e o círculo de pessoas que o influenciavam. A obra também explora a relação do artista com o mundo social, intelectual e político, através de uma composição simbólica;
• Enquadramento histórico-cultural: O Ateliê do Artista foi pintado em 1855, no contexto da Revolução Industrial e das mudanças sociais e políticas na França. Este período foi marcado pelo crescimento do Realismo, movimento que rejeitava os ideais romantizados do passado, buscando representar a vida como ela era. Courbet foi um dos pioneiros deste movimento e usou a obra para desafiar as normas artísticas da época, rejeitando a idealização e destacando o papel do artista como observador crítico da sociedade;
• Elementos representados e as suas inter-relações: Na obra, ao centro, vemos Courbet a pintar uma paisagem, com uma figura feminina (talvez uma alegoria da inspiração ou da verdade) ao seu lado. À esquerda, encontram-se figuras que representam as classes e condições sociais da França do século XIX – entre eles, trabalhadores, camponeses e mendigos. Estas figuras, em trajes simples e expressões sérias, representam os desafios sociais e a realidade difícil do período. À direita, vemos amigos e apoiantes de Courbet, incluindo escritores, críticos e intelectuais da sua época, que apoiavam as ideias do Realismo. Estes personagens usam trajes mais distintos e assumem poses relaxadas, contrastando com a intensidade e tensão do grupo oposto;
• Significado/interpretação da obra: O Ateliê do Artista é uma reflexão sobre o papel do artista e a sociedade, uma crítica social, e um manifesto do Realismo. Courbet coloca-se no centro da composição, sugerindo que ele é o ponto de ligação entre os diferentes elementos da sociedade. A figura feminina ao seu lado pode representar a musa da verdade ou a realidade nua e crua, que o Realismo se propõe a retratar. A obra não apenas representa Courbet e o seu círculo, mas também atua como uma afirmação do artista sobre a sua autonomia e sobre a importância de a arte refletir a realidade social. Courbet quis mostrar que a arte não deveria estar ao serviço dos poderes dominantes, mas sim ser uma força crítica e independente;

Análise de Conteúdo

• Tema: A obra representa um conflito espiritual, Kandinsky procurava expressar emoções e narrativas universais de forma abstrata. A pintura reflete a interação entre forças opostas, como o caos e a ordem, guerra e paz. Pode ser visto também como uma "sinfonia visual", onde as formas e as cores substituem sons e ritmos para contar uma história.
• Enquadramento histórico-cultural: A "Composição IV" foi pintada em 1911, período em que o modernismo estava em plena ascensão. Kandinsky estava diretamente envolvido no movimento expressionista procurando romper com as formas tradicionais de arte figurativa. Em 1911, Kandinsky e Franz Marc publicaram o "Almanaque do Cavaleiro Azul", defendendo a arte abstrata e espiritual como uma forma de libertar a criatividade e transcender barreiras culturais. Esta obra marcou o ínicio da arte abstrata como um movimento autônomo e influenciou gerações de artistas. Além disso, refletiu a crescente ansiedade e esperança de transformação da sociedade no período pré- Primeira Guerra Mundial.
• Elementos representados e as suas inter-relações: Em "Composição IV" Wassilly Kandinsky representa uma narrativa visual abstrata que envolve uma série de elementos simbólicos e geométricos interrelacionados. As linhas escuras que cruzam a tela sugerem divisões/tensões entre os diferentes planos de composição, sendo vistas como elementos estruturais que fragmentam e organizam o espaço, criando dinâmicas visuais. A forma azul central pode ser interpretada como uma montanha ou colina, enquanto as outras formas sugerem figuras humanas e objetos abstratos. Dois grupos de figuras parecem se opor sugerindo um possivel confronto, um grupo á esquerda composto de linhas angulares contrasta com formas mais fluidas e harmoniozas á direita. As pinceladas mais fluidas e as curvas coloridas sugerem um movimento em direção á união.
• Significado/interpretação da obra: A "Composição IV" reflete o afastamento do artista da representação literal e a exploração das emoções e da espiritualidade. A pintura pode ser interpretada como uma tentativa de kandinsky de capturar uma essência emocional ou espiritual através da abstração, sem depender de representações figurativas. As formas e cores que o mesmo emprega são vistas como um reflexo de sensações internas e estados psíquicos. A exploração de cores está ligada á crença no poder transcedental da arte, onde o abstrato poderia alcançar um plano superior da experiência humana.

Análise de Conteúdo

• Demonstra abordagem analítica e geométrica na arte;
• É composta por prismas retangulares interligados, que criam um jogo de volumes e espaços inter-relacionados;
• O artista utilizou fórmulas matemáticas para proporções e interações entre os elementos da escultura, mostrando a sua preocupação com a harmonia e a ordem;
• Esta obra destaca-se também pela aplicação de conceitos do modernismo, tanto nos materiais escolhidos como na sua execução, representando um diálogo com o avanço industrial da época.

Técnica utilizada: óleo; Suporte: Tela;Composição: A composição está dividida em três secções principais:

• ao centro, Courbet representa-se a si próprio, enquanto pinta uma paisagem;
• à esquerda, vemos um grupo de figuras que simboliza a sociedade em geral;
• e à direita, encontram-se figuras que representam amigos, patronos e intelectuais próximos ao artista. Esta organização não é aleatória; foi intencionalmente disposta para refletir o mundo interior e exterior do pintor;

Luz: A luz em, O Ateliê do Artista, é concentrada no centro da tela, iluminando Courbet e a sua atividade artística, destacando-o como o foco da composição. Em redor, a luz é mais difusa, deixando as outras figuras em sombras parciais, sugerindo a introspecção e o isolamento da criação artística. A luz centralizada também simboliza a clareza e o sentido de propósito que Courbet atribui ao seu trabalho; Cor: Courbet utiliza uma paleta rica e terrosa, com predominância de tons escuros nas figuras que rodeiam o artista. Contudo, o próprio Courbet surge com vestes de tons mais claros, o que cria um contraste visual e destaca a sua posição no centro da obra. À direita, as cores são mais suaves, transmitindo uma sensação de apoio e harmonia emocional; Estilo : Realismo (século XIX);

Aspetos Formais

• Nome: Ateliê do Artista (L'Atelier du peintre);
• Data de Realização: 1855;
• Dimensões: 361 cm x 598 cm;
• Localização: Museu d'Orsay;

Idenficação da Obra

• Tema: A obra tem um carácter essencialmente abstrato, esta pintura inspira-se em duas referências do mundo real: as ruas de Manhattan e o ritmo do boogie-woogie- Mondrian era dançarino e apaixonado por jazz. A obra reflete a interseção entre urbanidade, ritmo e abstração.
• Enquadramento histórico-cultural: Durante a Segunda Guerra Mundial Mondrian, como muitos artistas europeus emigrou para os EUA com o objetivo de fugir da guerra e do avanço do nazismo na Europa. Nova York tornou-se um importante centro cultural, acolhendo artistas como Mondrian, que ficou fascinado pela energia vibrante, pelas luzes, pela vida noturna e pela música jazz da cidade. Mondrian foi um dos fundadores do movimento De Stijl, que pregava o uso de formas geométricas simples e cores primárias para expressar uma ordem universal. Em contraste com as suas obras anteriores, "Broadway Boogie-Woogie" tem uma composição mais dinâmica, que reflete a energia e a fragmentação do espaço urbano.
• Elementos representados e as suas inter-relações: Em "Broadway Boogie-Woogie", Piet Mondrain expressa a energia da cidade de Nova York através de formas geométricas e cores primárias. A pintura é composta por diversos retangulos e quadrados, dispostos de maneira rítmica, que capturam a agitação urbana e o ritmo da música "boogie-woogie". As cores primárias alternam-se com áreas brancas e cinzentas, criando um contraste vibrante e harmoniozo, enquanto o espaço vazio é utilizado para gerar movimento e fluidez. A obra combina a estética do neoplasticismo de Mondrian com a influência da música e da arquitetura urbana, criando uma sensação de dinamismo e harmonia. Assim "Broadway Boogie- Woogie é uma interpretação visual da modernidade, da música e da cidade, traduzidas em uma linguagem abstrata de cores e formas.
• Significado/interpretação da obra: A obra " Broadway Boogie-Woogie" foi criada durante a Segunda Guerra Mundial, quando Modrian, já em Nova York, procurava se distanciar da guerra. A energia das ruas de Manhattan e o som do boogie-woogie tornaram-se elementos centrais na obra servindo como inspiração para o artista. O título Broadway Boogie-Woogie é uma alusão direta á música boogie-woogie, caracterizada por uma batida repetitiva e energética, e á cidade de Nova York, caracterizada pelo seu pulsar frenético. Assim, a pintura simboliza a modernidade urbana, com um choque entre a ordem e o caos, refletida pela interação da cores e dos espaços vazios.

Análise de Conteúdo

• A composição explora a ideia do acaso, um conceito central no trabalho de Arp, que acreditava na espontaneidade e na natureza fluida das formas. Ele buscava criar arte com um sentido de harmonia orgânica, onde as formas se transformam e se conectam, evocando elementos naturais ou biomórficos.

• Técnica utilizada: óleo sobre tela;
• Suporte: Tela;
• Composição: A pintura "Broadway Boogie-Woogie" inspira-se em duas referências do mundo real: a grelha urbana de Manhattan e o ritmo do Boogie Woogie, estilo de dança que Mondrian apreciava. A obra é organizada num sistema de linhas horizontais e verticais formando uma grade geométrica. Essas linhas são fragmentadas em pequenos quadrados e retângulos, que lembram os compassos de uma música ou as ruas de uma cidade, dando assim uma sensação de movimento e energia contínua á obra.

• Luz: Mondrian utiliza a luz como um elemento não apenas visual, mas também simbólico, representando a modernidade e o otimismo da vida urbana. A utilização de cores mais fortes reflete a iluminação das ruas de Nova York, especialmente da Broadway, assim como os pequenos quadrados e retângulos coloridos que imitam a cintilação das luzes noturnas da cidade. As linhas fragmentadas em amarelo, transmitem a sensação de luminosidade e os espaços brancos funcionam como pontos de descanso visual.

• Cor: Mondrian utiliza cores primárias (vermelho, amarelo e azul) combinadas com tons neutros( branco e cinzento), criando assim um dinamismo visual e simbolizando a pureza.Os quadrados pequenos criam uma composição rítmica, remetendo ás batidas da música boogie-woogie. As cores são também usadas para marcar direções e criar um fluxo visual, o amarelo predomina representando luz e energia, o vermelho e o azul funcionam como "notas" musicais.

• Estilo : Abstracionismo geométrico (século XX);

Aspetos Formais

• Nome: Broadway Boogie-Woogie
• Data de Realização: 1942-43
• Dimensões: 127 x 127 cm
• Localização: Museu de Arte Moderna

Idenficação da Obra

• É uma escultura em mármore que reflete as características do abstracionismo lírico e biomórfico. Com formas suaves e orgânicas, a peça remete para elementos naturais, como conchas ou formas aquáticas, alinhando-se à busca de Arp por formas espontâneas e dinâmicas que evocam emoções e interpretam a natureza de forma abstrata.
• Jean Arp, com o seu estilo singular, procurava eliminar o controlo racional nas suas criações, permitindo que as formas fluíssem livremente, o que está bem presente nesta obra. A interpretação destas esculturas é muitas vezes deixada ao espectador, oferecendo uma conexão subjetiva com o trabalho artístico.

• Técnica utilizada: óleo sobre tela;
• Suporte: Tela;
• Composição: A pintura está dividida em dois blocos principais, separados por linhas pretas que criam uma sensação de tensão:
• o lado esquerdo apresenta formas mais curvas e onduladas, enquanto o lado direito é mais angular e rígido;
• As linhas pretas verticais e diagonais conectam diferentes partes da composição criando movimento e uma narrativa visual, como se estivesse a representar uma batalha ou interação entre forças opostas.
• Elementos do mundo real como montanhas, arcos e figuras que podem ser vistas como humanas ou espirituais.
• Harmonia entre as formas curvas e angulares, o que reflete o conceito de "equilíbrio dentro do conflito".

• Luz: A luz em, Composição IV, é usada para guiar o olhar, orientando-o para os pontos de maior contraste, como a faixa azul ao centro e os arcos coloridos no canto superior esquerdo. A interação entre os amarelos brilhantes e azuis profundos cria uma ilusão de luz que emerge das próprias cores. As formas escuras e contornos em preto intensificam a luminosidade das áreas claras, principalmente os amarelos e brancos.

• Cor: Kandinsky atribuia significados emocionais e espirituais ás cores: o azul ligado á calma e á espirutualidade; o amarelo representa energia, alegria e vibração; o vermelho associado à paixão e à força; o branco representa paz e o preto simboliza o silêncio e o desconhecido.

• Estilo : Abstracionismo lírico ou sensível (século XX);

Aspetos Formais

• Nome: Composição IV
• Data de Realização: 1911;
• Dimensões: 159,5 x 250,5;
• Localização: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf;

Idenficação da Obra