El arte y la estética

Los griegos, durante la época antigua, fueron los primeros en intentar definir al arte y a la belleza y pretender clasificar las artes. Uno de los primeros pensadores que reflexionó sobre este concepto fue Platón, quien intentó aclarar las cualidades comunes para todo el concepto de belleza.

Estética en el Renacimiento

La Estética

El ARTE Y

Estética en al antiguedad

Platón 427 - 347 a.C.

Aristóteles 384 - 322 a.C.

Edad Media siglos V y XV período histórico de la civilización occidental continuó . . .

Estética en la Edad Moderna

Estética en la Edad Media

Comprende del siglo XV al XVIII, fue una época de grandes cambios en los ámbitos políticos, sociales, económicos, culturales y científicos, marcó un alejamiento de los dogmas religiosos la Edad Media que limitaron el pensamiento y el arte.

Estética empirista S XVII-XVIII

Estética en el idealismo alemán

Estética con el racionalismo cartesiano

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Estética en la filosofía romántica

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Estética Contemporánea

“Todas las teorías estéticas elaboradas desde el siglo XVIII hasta finales del XIX partieron de la suposición de que el arte era producto de lo bello. Según esta manera de pensar . . .

Conceptos importantes para la historia del arte:

El proceso creativo y la actitud estética

Percepción y significado

Estudio iconográfico e iconológico

Tiempo y espacio

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Observa con detalle la pintura de Frida Khalo.

¿Qué emociones te transmite?

Los seres humanos utilizamos nuestros sentidos para entrar en contacto con el mundo que nos rodea y aunque . . .

Conceptos básicos:

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La Estética

El ARTE Y

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Sólo en la época contemporánea muchas poéticas de artistas de vanguardia parecen desmentir este postulado tradicional de la estética: en sus obras se observa no sólo una búsqueda de los aspectos más grises de la realidad, sino también la decisión de representar lo feo natural en toda su antiestética realidad, sin ninguna manipulación. Es más: a menudo, acentuándolo con técnicas

Estética Contemporánea

“Todas las teorías estéticas elaboradas desde el siglo XVIII hasta finales del XIX partieron de la suposición de que el arte era producto de lo bello. Según esta manera de pensar, el artista selecciona las partes mejores de la naturaleza eligiendo temas bellos de por sí; o bien, cuando decide representar la vida en su crudeza, transfigurando lo feo natural a lo bello artístico.

“El destino de los animales” Franz Marc 1913.Expresionismo (Der blaue reiter)

pobres. La finalidad de estos artistas no es la de embellecer la realidad sino revelarla en toda su brutalidad. El fin ya no es lo bello: el fin es lo autentico” (Atlas Universal de Filosofía, pag. 552)

La estética en el idealismo alemán

Durante el siglo XVII y XVIII tuvo lugar otro importante acontecimiento conocido como la Ilustración. La cultura de la ilustración influyó en la historia del arte y determinó en el siglo XVIII el nacimiento de la estética neoclásica, fueron tres las características esenciales del nuevo estilo: racionalidad, clasicismo y pedagogía. En el último período de este movimiento destacaron las siguientes figuras filosóficas alemanas que también van a abordar como objeto de estudio la belleza y la estética.

Emmanuel Kant

También se ocupó de la belleza y del arte, para él lo bello era todo aquello que produce placer y no posee interés alguno, por lo tanto, una obra de arte es bella cuando ha sido elaborada por el artista sin ninguna finalidad religiosa, política, moral, filosófica o económica y cuya contemplación produce un sentimiento de placer en el contemplador. El artista, utilizando su imaginación, el gusto y cierta habilidad plasma sus ideas en la obra de arte.Para él lo bello, son objetos o situaciones que nos producen placer; por ejemplo, contemplar un prado cubierto por flores. Por otro lado, lo sublime es lo que genera en nosotros sensaciones encontradas, ambiguas, como una tormenta feroz que al mismo tiempo genera el placer ante la belleza de la lluvia y dolor por la destrucción que puede generar.

Friedrich Von Schelling

Federico Hegel

En sus cartas sobre la educación estética del hombre, se encuentra una reflexión sobre ¿Qué es el arte? y ¿Qué diferencia hay entre arte y filosofía?. Schiller sostuvo que toda obra de arte es un objeto concreto, pero al mismo tiempo es un producto del espíritu humano, que requirió de la capacidad de manipulación de lo real, así como de la inspiración del artista, por ello el arte nace de la unión del espíritu y de la materia, también dice que el impulso creador es involuntario, no surge de una decisión consciente de la inteligencia, es decir, un artista pinta un cuadro porque se siente inspirado mas no porque posea un conocimiento científico de esa parte de la realidad que desea plasmar en el lienzo, por ello el arte produce una síntesis del artista y del objeto (obra de arte). El don que poseen los artistas para crear obras de arte, le viene del exterior, es decir, de la naturaleza, todos podemos aprender a pintar, esculpir, pero no todos tenemos el don de la inspiración que nos permita crear obras de arte.

Para este filósofo la evolución de las ideas se produce a través de un proceso dialéctico, es decir, un concepto, la tesis, se enfrenta a su opuesto, la antítesis y como resultado de este conflicto, se construye un tercero, la síntesis. La síntesis se encuentra más cargada de verdad que los dos anteriores opuestos. Todas las cosas son contradictorias en sí mismas y ello es profundo y plenamente esencial. La identidad es la determinación de lo simple inmediato y estático, mientras que la contradicción es la raíz de todo movimiento y vitalidad, el principio de todo automovimiento y solamente aquello que encierra una contradicción se mueve. El arte no escapa del movimiento dialéctico, da clic en las siguientes imágenes:

Filosóficamente el tiempo y el espacio se han explicado de manera distinta en el arte. Algunos filósofos se han ocupado de estos dos conceptos, para Martín Heiddeger el tiempo es intangible, la única forma de verlo es a través de las sucesión de fenómenos que podemos observar, el tiempo científico que podemos cronometrar en minutos, segundos, se mezcla con el tiempo subjetivo, interior de nuestra percepción.Ejemplo: Reproduce el video:"Solo de violín Itzhak Periman".

Tiempo y espacio

El tiempo y el espacio son dos componentes básicos de nuestra realidad, todas nuestras acciones se producen en un espacio determinado y en un tiempo específico; por ejemplo, ir al trabajo, lo cual se localiza en un determinado lugar (espacio) y se asiste durante un tiempo determinado. La importancia de estos conceptos en la historia de la humanidad es que nos permiten comprender la idea de cambio, el tiempo nos separa de viejos pensamientos y nos coloca frente a nuevas ideas, el espacio nos aleja de situaciones, culturas y formas de vida distintas.

Nuestro mundo se ha transformado, estos cambios han influido en las técnicas artísticas, en la inventiva y en la noción misma del arte. Un objeto artístico no se comprendería si no lo analizamos bajo estos dos conceptos, por ejemplo:La estatua antigua de Venus de Milo, en el contexto tradicional de los griegos, hacían de ella objeto de culto, y en otro espacio y tiempo como el de los clérigos medievales la miraban como un ídolo maléfico.

Algunas obras artísticas como la música, la poesía, el teatro, la narrativa, sólo tienen un espacio y tiempo tangible cuando las escuchamos, leemos o percibimos, por ello se consideran artes temporales.

En la escultura, la arquitectura y la pintura el artista construye el espacio. Gracias a las realizaciones del artista podemos hablar de tiempo y de espacio, por ello decimos que son artes espaciales. Es importante comprender estos conceptos porque al mirar una obra de arte, es necesario comprender la concepción espacial de la que partió el artista, considerar la reflexión y análisis que hace de la realidad, porque toda estética manifiesta una visión del mundo y por lo tanto una concepción de la realidad.

Estética empirista siglos XVII - XVIII

Los empiristas centraron sus reflexiones estéticas en el papel que desempeña la imaginación en la creación artística, la teoría del gusto y el concepto de belleza. Para los racionalistas la imaginación era la facultad que posee el hombre para captar las imágenes y combinarlas. Los empiristas también realizaron una reflexión sobre la norma o criterio de juicio que debe tomarse en cuenta para considerar a un objeto como obra de arte, llegando a la conclusión que todo objeto producto de la creatividad humana debía ser analizado inductivamente por un espectador con experiencia, sereno y sin prejuicios.

1651

1711

1626

1680

1759

Para Francis Bacon, la imaginación está situada al mismo nivel que la razón o la memoria.

Thomas Hobbes consideró que existían dos categorías en la imaginación:

Simple: en la cual sólo se recuerdan las imágenes observadas.
Compuesta: producida por el principio de asociación que crea nuevas imágenes ordenando las viejas.

Shaftesbury relaciona el gusto con la moral, sólo aquella persona que pueda distinguir en una obra de arte la armonía, las formas estéticas y las éticas podrá sentir gusto por las creaciones estéticas.

Addison asocia el gusto a la capacidad de poder distinguir en una obra de arte tres aspectos: a) Grandeza b) Singularidad c) Belleza (está entendida como la capacidad de una obra de arte de generar en el espectador la idea de belleza).

David Hume definió la Belleza como “aquel orden o disposición de las partes que, o por constitución primaria de nuestra naturaleza o por costumbre o por capricho, resulta apto para procurar placer y satisfacción al alma.

El pensamiento renacentista le asigna al artista la responsabilidad total de la creación artística, de acuerdo a esta postura, ya no se imita la "forma exterior" de un modelo, sino la "forma interior" (esencia) del objeto. No se trata, por tanto, de una copia de la realidad material,

Renacimiento siglos XV y XVI

La Época Moderna Inicia con el periodo del Renacimiento, en donde las sociedades europeas van a enfrentar importantes cambios en todos los ámbitos, que dan origen a nuevas maneras de interpretar y concebir, al mundo y al hombre. Durante estos siglos se pierde el horror al desnudo, se elabora la teoría heliocéntrica, se descubren nuevos continentes. Estas transformaciones van a dar origen a un movimiento intelectual, inspirado en la antigüedad clásica y donde se coloca al hombre y a la vida terrenal en el centro de atención de la humanidad.

Miguel Angel, David (1501-1504)

Leonardo da Vinci, “Mona Lisa” (1503-1506)

sino deuna interpretación de la misma, que logra percibir en lo exterior la esencia íntima que lo anima. Dicha esencia está comprometida no con formas sino con ritmos,

Filippo Brunelleschi, duomo de Florencia (1436)

simetrías, armonías, números, etc. La belleza de una obra de arte se remite, entonces, a dichos conceptos abstractos, los que aplicados a la imitación apuntan a una mimesis de lo "real idealizado".

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Otro de los grandes pensadores que se ocupó de la belleza fue Santo Tomás de Aquino (-1274 d.C.) quien sostuvo que: "la belleza requiere la satisfacción de tres condiciones: la primera es la integridad o perfección del objeto, pues lo que es defectuoso es, en consecuencia, feo; la segunda es la proporción debida o la armonía; la tercera es la

Durante la Edad Media (período histórico de la civilización occidental) continuó presente el concepto de belleza de la concepción platónica, ya que se pensaba que las artes visuales desarrolladas por una sociedad pagana como la griega y la romana,

Edad Media siglos V y XV

dañaban el alma de los seres humanos. Durante esta época la belleza se concibió como un reflejo de Dios. San Agustín de Hipona (354-430 d.C.) sostuvo que la belleza, el amor y lo divino se encontraban estrechamente vinculados a la imagen de Dios.

claridad, pues de las cosas que poseen un color brillante, se dice que son hermosas". En la Edad Media se reconocía en el artista su condición de "creador segundo", que en el proceso de "fabricar" su obra de arte imitaba de lejos la actividad del "creador primero" que era Dios.

Santo Tomas de Aquino

San Agustín de Hipona

Conceptos para el estudio del arte:

Los seres humanos utilizamos nuestros sentidos para entrar en contacto con el mundo que nos rodea y aunque todos poseemos las mismas características biológicas no todos tenemos el mismo grado de afinación de nuestros sentidos; por ejemplo, en el ejercicio anterior, posiblemente no lograste captar todos los detalles de la pintura.

Nuestros sentidos se van desarrollando con base en las diferentes actividades que realizamos y al contexto en que nos encontramos, esto nos permite distinguir varios objetos y desarrollar con destreza algunas actividades; por ejemplo, un piloto de avión es capaz de realizar con precisión un aterrizaje como un pintor o escultor hacer una creación artística, por ello se dice que nuestros sentidos se han

humanizado, se han refinado o especializado iniciándose con ello una intensa actividad creadora. Regresa a la presentación para abordar los conceptos básicos para el estudio del arte.

El mundo exterior no está estructurado en sí mismo, es el ojo humano el que lo estructura, lo ordena, le da sentido al percibirlo y reflexiona sobre él, distinguiendo entre forma y contexto y entre figura y fondo. Los pensamientos influyen en lo que vemos, y viceversa, de modo que se establece una reciprocidad intrínseca entre lo que aprendemos y lo que hacemos, o lo que percibimos en nuestro entorno y lo que realizamos sobre él.

Percepción y significado

Percepción: "Función psíquica que permite al organismo, a través de los sentidos, recibir y elaborar las informaciones provenientes del exterior y convertirlas en totalidades organizadas y dotadas de significado para el sujeto". A partir de la percepción se pueden reconocer y retener conocimientos y adquirir nueva información. Cada sujeto organiza de manera distinta sus percepciones con base en su estructura biológica y su contexto histórico.

En la lectura e interpretación de las imágenes se ponen en práctica distintas competencias del ser humano:

Competencia iconográfica: que permite identificar las formas y asociarla con el mundo real. (Facilita el análisis objetivo de la imagen, una visión jerárquica diferenciadora)
Competencia lingüístico-comunicativa: que posibilita describir mediante palabras el contenido de la imagen.
Competencia modal (espacio-temporal): que permite identificar espacios y tiempos distintos.
Competencia estética: que valora el componente estético existente en toda obra de arte.
Factor ideológico: que mediatiza la visión de la imagen según la ideología y el concepto de mundo que tenga el receptor de la misma. Es precisamente este factor ideológico lo que hace ver lo que realmente no está.

Proceso creativo

La creatividad es la facultad de hacer que algo exista en donde antes no existía. El proceso creativo implica imaginación, ingenio e inventiva. La imaginación consiste en representar en la mente algo que no existe o no está presente, el ingenio es la habilidad o talento de inventar algo, el acto creativo consiste en ver una relación nueva entre dos o más cosas que permita conseguir un efecto, resolver un problema o producir un determinado resultado.

Mozart en una carta describe su propio proceso creativo de la siguiente manera: “… mis ideas fluyen mejor y con más abundancia cuando estoy solo conmigo mismo. Las que me gustan las recuerdo hasta que puedo preparar un buen plato con ellas, esto quiere decir ajustando las reglas del contrapunto a las peculiaridades de los distintos instrumentos entre otros, suponiendo que nada me distraiga, el tema se va ensanchando, ordenando y definiendo en mi mente hasta que puedo verlo como un fino retrato o una bella estatua de un golpe, cuando procedo a escribir mis ideas las saco de esta bolsa que se encuentra en mi memoria.”

La actitud estética se aleja de la actitud cognoscitiva, es posible que una persona logre identificar los diferentes estilos arquitectónicos de las catedrales de México, por el conocimiento que posee, pero esto no lo hace apreciar estéticamente los edificios coloniales. La actitud estética también se aleja de la forma personalizada de observar un objeto estético, por ejemplo una persona puede presenciar una interpretación de Otelo y en vez de concentrarse en la representación piensa solo en la similitud entre la problemática presentada en la obra y el problema real que el mismo puede estar enfrentando con su mujer, alejándose con ello de toda experiencia estética.En conclusión, podemos decir que las obras de arte producen en nosotros actitudes estéticas cuando logramos captar a través de nuestros sentidos:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)

Actitud estética

a) Las relaciones internas del objeto estético, es decir, sus propiedades. b) Las relaciones externas, su relación con nosotros mismos, con el artista y con la cultura que le dio origen.

La estética en la filosofía romántica

La corriente del romanticismo va a considerar al Arte como la expresión de las emociones personales del artista, de ahí que la imaginación juegue un papel determinante. La imaginación es entendida como un don especial del artista, el cual en esta época se les va a considerar como verdaderos genios. Dentro de los principales filósofos que seguirán esta corriente se encuentran los siguientes:

Arthur Schopenhauer

Afirmó que el arte tiene la capacidad de presentar modelos universales de la humanidad, pero no presenta individuos auténticos. Debido a esta función, el sujeto que percibe una obra de arte logra identificarse con los personajes de una novela o una pintura e inclusive la obra de arte puede logar que el espectador se olvide de su sufrimiento o de su vida cotidiana, mientras disfruta de la obra de arte. El arte interrumpe el ciclo de vida e induce a la contemplación desinteresada del mundo que es para el individuo una forma de liberación de sí mismo. Elaboró una jerarquía de las artes considerando como criterio el poder de implicación del individuo. Para Schopenhauer la música era el arte supremo, sobre todo la de Beethoven y Wagner, porque provoca en el espectador la noluntad, es decir, el extrañamiento del individuo de sí mismo.

Friedrich Nietzsche

Analizó el problema ¿Qué crea la obra de arte? El arte es la expresión de dos impulsos: Uno Apolineo (Este término hace referencia al dios Apolo que en la cultura griega es uno de los más importantes y está relacionado con la música, la poesía y el arte) que establece los criterios de armonía y de perfección que se expresa en las artes plásticas. El artista apolineo interpreta la realidad tal como el hombre común interpreta los sueños, la inspiración apolinea nace del acuerdo con la armonía de la naturaleza. Otro Dionisiaco (dios del vino en la civilización griega) que acepta el mundo como es y acepta la vida en su totalidad, incluidos los sentimientos de dolor y muerte, se expresa en la música. El arte necesita de ambos impulsos para alcanzar el equilibrio. El único momento de la historia que logra este estado en el arte en occidente fue en la Grecia presocrática con la tragedia.

El concepto de belleza que elabora Platón tiene una estrecha relación con su teoría del conocimiento, en la cual divide a la realidad en:

Mundo inteligible o mundo de las ideas

Mundo tangible o mundo material

Platón veía en el arte una reproducción imperfecta de la realidad:

Realidad

Mundo tangible

Idea de silla

Arte

El concepto de silla es lo único verdadero y está presente en todas las sillas del mundo.

La silla material es sólo la apariencia del concepto de silla, es decir, este objeto es una realidad aparente de la realidad.

El arte es una copia de la copia de la realidad, por ello es imperfecta, porque la silla fue hecha por un carpintero a partir de la idea de silla que dicho carpintero tenía y el artista pintó el cuadro considerando este objeto.

Como el arte es una copia imperfecta de la realidad, es nociva para el hombre porque nos aleja de la verdad.

sonidos que escucha en la naturaleza, aunque se percató de que existen algunas creaciones artísticas que no tenían objeto particular de imitar. Para Aristóteles existían tres formas de imitar a la realidad: mejor, igual, peor, y relacionaba al arte con la moral. Desde la perspectiva de este filósofo, la tragedia griega representaba de “mejor” manera las acciones humanas, porque provocaba en el espectador un efecto catártico, es decir, alejaba a los hombres de los actos o pasiones negativas, lo cual no lograba la comedia, género dramático que al mostrar los vicios y pasiones humanas de manera jocosa deformaban las virtudes de los ciudadanos. Para Aristóteles el arte es toda actividad humana productiva y no cognitiva que depende de la habilidad y no de la inspiración conscientemente guiados por normas generales y no por rutina, esta producción es un proceso en que el objeto se hace real porque adquiere una forma definida, “del arte proceden las cosas cuya forma está en el alma”.

Aristóteles consideraba al mundo sensible como una parte importante, el cual se transforma constantemente y era necesario analizar dichos cambios, veía al arte como una actividad fundamentalmente imitativa; por ejemplo, el hombre hace música porque toma como modelo u objeto de imitación los

Alexander Gottlieb Baumgarten 1714-1762 utilizando la teoría cartesiana intentó sistematizar la metafísica del arte, consideró que la visión del Arte implica una forma particular de conocimiento

Estética con el racionalismo cartesiano

Descartes no escribió sobre estética, sin embargo, el método cartesiano centrado en la claridad conceptual, rigor deductivo y la certeza intuitiva de los principios básicos sirvió de base para que otros pensadores lo aplicaran a la teoría estética. De esta forma sus conclusiones teóricas sirvieron de base para el surgimiento de la nueva Estética Neoclásica del siglo XVII.

Rene Descartes 1596 - 1650

“conocimiento sensorial” llamado estética (término usado por primera vez); para Baumgarten el Arte ha de basarse en la imitación de la naturaleza por medio de signos (los que nos ayudan a comprender la imitación).

Estudio iconográfico e iconológico

Las imágenes constituyen un lenguaje y se presentan a través de varias técnicas (pintura, escultura, grabado, etc.) en diferentes estilos dependiendo de la sociedad que las genere, del sistema de valores del momento y del artista que ejecute la obra. Así pues, están dispuestas bajo un orden que es susceptible de ser estudiado y analizado para descifrar las claves de su representación.

Iconología profundiza hasta alcanzar el significado último de las imágenes, pues se busca el significado histórico, filosófico, social etc. La iconología explica el por qué de las imágenes en un contexto determinado. En una obra de arte la forma no se puede separar de su contenido, el cual posee un sentido y expresa valores simbólicos, por lo tanto no sólo hay que estudiar a la obra de arte como algo estético sino como un hecho histórico.

Método iconográfico

¿Qué es la iconología?

Identificar

Buscar

Edad Media

Época Antigua

Época Moderna

Establecer

Buscar el origen y evolución de la imagen: Buscar la propia fuente del artista, en algunas ocasiones el mismo describe su obra. Buscar las fuentes literarias en la que se inspiró.

Análisis preiconográfico: se analiza la obra dentro del campo estilístico ubicándola en el período artístico que el tratamiento de sus formas indique.

Análisis iconográfico: analiza los elementos que acompañan a la obra, sus diferentes atributos o características, siguiendo los preceptos que este método impone.

Análisis iconológico: analiza la obra de arte en su contexto cultural intentando comprender su significado y el tiempo en que se realizó.

Identificar, describir y clasificar las imágenes.

Buscar el origen y evolución de la imagen: Buscar la propia fuente del artista, en algunas ocasiones el mismo describe su obra. Buscar las fuentes literarias en la que se inspiró.

Establecer un repertorio visual ordenado, una clasificación fundamentada en el espacio y el tiempo, es decir, comprender las influencias de las diferentes corrientes artísticas de la época.

El arte y la estética

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