Dictées et arts 2024-2025

DICTEES ET ARTS CM1-CM2 mme PESTEL 2024-2025

Un peu trop tôt... Reviens plus tard !

Rentrée : L'ours et la lune

HDA : "L'ours blanc" François POMPON

Lecture de l'album "L'ours et la lune"

S1 : LA GROTTE DES ANIMAUX QUI DANSENT

HDA : la grotte Chauvet

S2 : MAMIE PERD SES MOTS

HDA : "le cri", Edvard MUNCH

Edvard MUNCH 1863-1944

S3 : UNE POUPEE POUR MAMAN

HDA : la poupée Akua Ba

Poupée ashanti Akua Ba

S4 : PIERRE ET LE LOUP

HDA : Pierre et le loup l'orchestre symphonique

S5 : L'ÎLE DE PÂQUES

HDA : les Moaïs

L'île de Pâques (en espagnol : Isla de Pascua ; en rapanui: Rapa Nui) est une île isolée au sud-est de l'Océan Pacifique. Elle était peuplée de 5 167 habitants en 2012 et s'étend sur 166 km². L'île est célèbre pour ses statues impressionnantes (les moaï) et son écriture (le Rongo-Rongo). Elle est nommée ainsi car elle fut découverte le jour de Pâques 1722, par Jakob Roggeveen. L'île appartient au Chili. Elle est située à 3 700 km des côtes chiliennes d'Amérique du Sud et à 4 000 km de Tahiti. C'est une île volcanique qui culmine à 507 mètres. L'île compte trois lacs d'eau douce et abrite de nombreux d'oiseaux de mer. Des moutons introduits au XIXe siècle y sont élevés. L'île dispose d'un climat tropical. Les températures varient de 18°C en juillet à 28ºC en février. Il tombe environ 1 140 mm de pluie et c'est en avril où il en tombe le plus. Aujourd'hui, la principale ressource économique est le tourisme. La NASA a installé une très grande piste destinée à d'éventuels atterrissages de secours pour ses navettes spatiales.

Les moaïs sont les statues caractéristiques de l'île. On en a dénombré près de neuf cents. Ce sont des blocs de roche volcanique sculptée (le basalte) qui mesurent de 2,5 à 9 mètres de hauteur et pèsent en moyenne 14 tonnes. Dans la carrière d'extraction de la roche, on a trouvé des blocs sculptés et inachevés, allant de 10 mètres à 21 mètres de haut. Les statues sont alignées le long de la côte, dos à la mer et tournées vers l'intérieur de l'île. On a trouvé des traces de couleurs : les yeux sont blancs grâce à des incrustations de corail ; l'iris de l’œil est rouge grâce au tuf volcanique. Certaines statues sont coiffées d'un chapeau constitué d'un bloc indépendant.

S6 : ON FAIT LE MUR ?

HDA : le street art et Banksy

SoLiCe est un artiste graffeur normand. Il a ainsi réalisé un graff' sur le mur de l'hôpital Baclesse de Caen, le plus haut graff' de Normandie, il a été porteur de la flamme olympique, il a redessiné le drapeau normand. Son blaze ce sont les yeux dans chacune de ses créations.

S7 : LA PETITE DANSEUSE

HDA : la petite danseuse de quatorze ans, Edgar DEGAS

A la mort de Degas, en 1917, on trouva dans son atelier 150 sculptures en cire ou en terre. Du vivant de l'artiste, l'ensemble était demeuré à peu près inconnu du public, à l'exception de la Danseuse de 14 ans, que Degas montra à l'exposition impressionniste de 1881. Colorée au naturel, coiffée de vrais cheveux, vêtue d'un tutu et de véritables chaussons, elle témoigne d'un hyperréalisme, d'un vérisme poussés à l'extrême. Présentée dans une vitrine à la manière d'un spécimen de museum, elle révèle un Degas presque anthropologue ou naturaliste. Les critiques ne s'y trompèrent pas : l'œuvre fut violemment accusée de représenter la fillette de manière bestiale ; on la compara à un singe ou un aztèque. Degas poussait ainsi à bout la logique du réalisme, si en vogue par ailleurs, en dépeignant sans fard ni hypocrisie, de manière quasi scientifique, la société de son temps. L'édition en bronze qui fut faite après sa mort, dont la statuette du musée d'Orsay est un exemplaire, tenta de préserver au mieux les caractéristiques de la cire. La cage de verre est le seul élément voulu par Degas lui-même, affirmant le statut d'œuvre d'art de la Danseuse.

S8 : PETIT NOUN ET LES SIGNES SECRETS

HDA : figurine d'hippopotame

L'hippopotame est debout, son corps est massif, ses pattes sont courtes. On l'imagine marchant lourdement dans les marais, tête baissée, faisant trembler le sol, écrasant toute végétation sur son passage. L'artiste qui l'a réalisé maîtrisait de façon parfaite l'anatomie de cet "Hippopotamus amphibius", espèce alors la plus répandue sur les bords du Nil. Sur la faïence, d'un bleu soutenu et brillant s'apparentant aux couleurs du fleuve, il a souligné de noir ses yeux et sa bouche... Mais il ne s'est pas arrêté là : avec une extrême originalité, il a également esquissé sur sa peau son environnement nilotique. Dans une analyse de différentes représentations de ce pachyderme, Gaston Maspero précise : "Le potier a dessiné sur leur corps, à l'encre noire, des fourrés de roseaux et de lotus au milieu desquels volent des oiseaux et des papillons.Le représenter permettait de maîtriser symboliquement sa force destructrice. Façonné dans une faïence d'un bleu azur très vif évoquant les eaux du fleuve, le corps de l'animal est décoré de plantes aquatiques par association avec les marécages où il aimait vivre.

S9 : LA FLEUR QUI ME RESSEMBLE

HDA : La danse serpentine

En 1 905, avec la « Danse serpentine », Loïe Fuller inaugure un nouveau genre de spectacle, fondateur de tout un pan de la danse moderne et contemporaine. Non seulement elle invente une forme spectaculaire composite, mais elle développe un art du mouvement produisant des formes abstraites et ne recourant nullement au corps comme un véhicule émotionnel de la danse (contrairement à sa cadette Isadora Duncan, fondatrice d'une autre grande lignée de la danse moderne). Loïe Fuller préfigure ainsi les préoccupations d'un chorégraphe comme Alwin Nikolais ou, plus proche de nous, Philippe Decouflé. Le corps de Loïe Fuller n'est entraîné et sollicité que pour activer des effets lumineux. En effet, les chorégraphies de Loïe Fuller ne racontent pas d'histoire et ne sondent aucune psychologie. Selon la danseuse, « le corps jette dans l'espace des vibrations », et la lumière est précisément ce qui rend visible la projection dynamique dans l'espace. Pour la première fois dans la « Danse serpentine », le costume est pensé comme un dispositif technique qui prolonge et fait jouer le corps dans l'espace.

S10 : ALBERTINE

HDA : Rhinocéros de Dürer

Le Rhinocéros de Dürer est une gravure sur bois d’Albrecht Dürer datée de 1515. L’image est fondée sur une description écrite et un bref croquis par un artiste inconnu d’un rhinocéros indien débarqué à Lisbonne plus tôt dans l’année. Dürer n’a jamais observé ce rhinocéros qui était le premier individu vivant vu en Europe depuis l’époque romaine. Vers la fin de 1515, le roi de Portugal, Manuel Ier, envoya l’animal en cadeau au pape Léon X, mais il mourut dans un naufrage au large des côtes italiennes au début de 1516. Un rhinocéros vivant ne sera revu en Europe qu’à l'arrivée d'un second spécimen indien à Lisbonne en 1577. En dépit de ses inexactitudes anatomiques, la gravure de Dürer devint très populaire en Europe et fut copiée à maintes reprises durant les trois siècles suivants. Elle a été considérée comme une représentation réaliste d’un rhinocéros jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Par la suite, des dessins et peintures plus corrects la supplantent, en particulier des représentations de Clara le rhinocéros qui fut exposée dans toute l’Europe au cours des années 1740 et 1750. Néanmoins, beaucoup d'artistes, comme Salvador Dalí ou Niki de Saint Phalle, continuent d’éprouver pour cette œuvre d'Albrecht Dürer une indéniable fascination en la reproduisant selon différentes manières.

S11 : OMOTOU, GUERRIER MASAÏ

HDA : Guerrier debout

Ousmane Sow (1935-2016) est originaire de Dakar au Sénégal. Il sculpte de nombreuses séries, dont celle des Masaï en terre. Ousmane Sow sculpte sans modèle. Il crée lui-même sa matière en laissant macérer durant plusieurs années un mélange de plusieurs produits; mélange qu’il appliquait ensuite sur une ossature faite de fer, de paille et de jute, ouvrant ainsi la porte à l’imprévu. Il travaille ensuite avec une fonderie française pour réaliser d’immenses bronzes à partir de ses modèles existants, dont « le guerrier debout » qui mesure plus de 2,50m. Cette sculpture est visible dans la ville d’Angers en France, sur la parcours du tramway. De nombreuses œuvres de Ousmane Sow sont visibles dans de grandes villes du monde. En 2013, Ousmane Sow est le premier homme noir à entrer à l’académie française des Beaux-Arts.

S12 : LA GRANDE MURAILLE DE CHINE

La Grande Muraille ou muraille de Chine est la plus longue construction humaine au monde : elle parcourt environ 6 700 kilomètres, de la frontière entre la Chine et la Corée, jusqu'au désert de Gobi, à l'ouest du pays. En raison de sa longueur, elle est surnommée en chinois "La longue muraille de dix mille li". Elle a d'abord été construite avec de la terre, des pierres, du bois et des tuiles, puis plus tard avec des briques. Sa largeur est entre 5 et 7 mètres en moyenne et sa hauteur est entre 5 et 17 mètres. Elle possède des tours de guet et des fortifications sur toute sa longueur. Les déplacements des soldats se faisaient à l'aide de chevaux.

S13 : LA MAISON EN CONSTRUCTION

HDA : Composition avec rouge, jaune, bleu et noir

Il s'agit d'une peinture à l'huile sur toile qui mesure 59,5 × 59,5 cm. Composition abstraite correspondant au néoplasticisme, elle consiste en plusieurs rectangles et deux carrés (formes géométriques de base) séparés par des lignes noires horizontales et verticales. L'oeuvre est rigouresement structurée: les lignes verticales et horizontales se croisent en angle droit formant des rectangles remplis ou non d'aplats de couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) ou des dites anti-couleurs (blanc, noir et gris). Avec un motif de grille composée de lignes et de zones colorées Mondrian s'attache à la structure, à l'opposition de la verticale et de l'horizontale pour s'approcher d'un équilibre. Il se concentre sur le rapport entre la figure et le fond sur lequel elle apparaît. L'objectif à mettre en avant est la beauté des lignes, des couleurs et des relations entre elles. Les couleurs primaires ordonnent la réalité physique. Chaque rectangle constitue un module statique. Leur juxtaposition génère un rythme, un dynamisme. Mondrian a cherché à libérer l'art de tous ses accessoires pour arriver à l'art pur. Par l'utilisation de formes géométriques et de couleurs primaires et anti-couleurs, il a cherché à représenter l'essence de l'univers.