El Romancismo

El Romanticismo

El romanticismo es un movimiento crucial para comprender la cultura occidental moderna. La música es considerada la más romántica de las artes. Los compositores románticos rompieron con las estrictas formas del pasado e intentaron democratizar la música. Hay una revalorización del arte y la música tendrá un papel muy importante. A raíz de la importancia que alcanzó la música en la sociedad del siglo XIX, se construyeron salas de conciertos y teatros de ópera y se fundaron las orquestas más antiguas. Muchos de ellos han sobrevivido hasta nuestros días: en Viena, en París, en Madrid, en Barcelona, ​​en Buenos Aires, etc.

Contexto Histórico

Características

Estética Musical

Música instrumental y formas

Música vocal y formas

Composers

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Ópera francesa

1. La Gran Ópera: Surgió como reemplazo de la ópera seria, caracterizada por el uso de grandes decorados, múltiples actos (generalmente cinco), espectaculares escenas de ballet y la destacada participación del coro y la orquesta. Compositores como G. Meyerbeer establecieron el género con obras como "Robert le diable" y "Los hugonotes".
2. La Ópera Cómica: Evolucionó para adaptarse al gusto de un nuevo público burgués, presentando obras con diálogos hablados, canciones, romances. , coros y orquestación descriptiva. En este género destacan obras como "Fra Diavolo" de Auber.
3. Drama Lírico: Desarrollado como una alternativa más íntima a la Gran Ópera, centrándose en historias y leyendas con un enfoque más psicológico. Compositores como Gounoud ("Fausto", "Romeo y Julieta"), Massenet ("Werther") y Saint Saëns ("Sansón y Dalila") destacaron en este género.
4. Ópera Realista: Representada por obras como "Carmen" de Bizet, se caracterizó por su enfoque en la vida cotidiana, con elementos de tensión dramática y el uso de bailes populares como la habanera y la seguidilla.
5. La Opereta: Se distinguió por el uso de cantos, marchas y bailes populares. Jacques Offenbach, con obras como "Orfeo en el infierno" y "Los cuentos de Hoffmann", fue su más destacado representante.

Compositores

Gustav Mahler: fue un compositor austrohúngaro del período romántico tardío y principios del siglo XX, conocido por sus sinfonías épicas y complejas. Su música aborda temas universales como la vida, la muerte y la naturaleza humana, expresando una amplia gama de emociones. Mahler fusionó elementos de la tradición sinfónica con innovaciones armónicas y estructurales, y su obra influyó en generaciones posteriores de compositores. Su legado incluye diez sinfonías influyentes, así como canciones y obras de ópera. La Segunda Sinfonía de Mahler, también conocida como "Resurrección", es una obra monumental que ejemplifica su estilo distintivo y su exploración de temas filosóficos y espirituales. Compuesta entre 1888 y 1894, esta sinfonía abarca cinco movimientos y emplea una enorme orquesta, coro y solistas vocales. Edward Elgar: fue un compositor inglés de finales del siglo XIX y principios del XX, conocido por su capacidad para capturar el espíritu de la Inglaterra eduardiana. en su música. Nacido en 1857, Elgar creció en una familia de clase trabajadora en el oeste de Inglaterra y mostró un temprano talento musical. A pesar de enfrentar obstáculos sociales y económicos, logró consolidarse como uno de los compositores más destacados de su época. A menudo se le considera el primer gran compositor inglés surgido desde la era de Henry Purcell en el siglo XVII. Edward Elgar es conocido por su obra maestra, el "Concierto para violonchelo en mi menor", compuesta en 1919, justo después de la Primera Guerra Mundial. Esta pieza es una de las obras más destacadas del repertorio para violonchelo y uno de los conciertos más importantes del siglo XX. El concierto está imbuido de un profundo sentido de melancolía y reflexión, que refleja el estado de ánimo de la Europa de posguerra. Consta de cuatro movimientos, cada uno con su propio carácter y desarrollo temático. Richard Strauss: fue un compositor y director de orquesta alemán del período romántico tardío y principios del siglo XX, conocido por su innovación armónica, riqueza orquestal y enfoque en poemas sinfónicos y óperas. . Nacido en 1864, Strauss mostró un talento musical excepcional desde una edad temprana, influenciado por el legado musical de su padre, Franz Strauss, quien fue un destacado trompetista. Strauss alcanzó fama internacional con obras como "Así habló Zaratustra", un poema sinfónico inspirado en la filosofía de Friedrich Nietzsche. Compuesto en 1896, este poema sinfónico es una exploración musical de las ideas del filósofo sobre el eterno retorno y la voluntad de poder. Su famoso "Tema del amanecer" se ha convertido en un símbolo cultural, utilizado en numerosas películas y otros medios. Sergei Rachmaninov: fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso del período romántico tardío y principios del siglo XX. Nacido en 1873, Rachmaninov es conocido por su distintivo estilo melódico, su riqueza armónica y su virtuosismo pianístico. Es famoso por sus composiciones para piano, que capturan la emoción y la pasión del romanticismo. Rachmaninov también escribió música de cámara, incluida la "Sonata para violonchelo y piano en sol menor", op. 19, una de sus obras más destacadas en este género. Compuesta en 1901, esta sonata es una de las piezas fundamentales del repertorio para violonchelo. Consta de cuatro movimientos y muestra la capacidad de Rachmaninov para crear melodías profundamente expresivas y desarrollar temas de una manera hábil y variada. Desde los pasajes líricos y melancólicos hasta los momentos de gran virtuosismo y pasión, la sonata es un viaje emocional que cautiva tanto a intérpretes como a oyentes.

Compositores

Frédéric Chopin: fue el genio del piano polaco del siglo XIX. Es conocido por su inmensa contribución al repertorio romántico para piano. Su música profundamente emotiva y rica en letras ha dejado una huella imborrable en la historia de la música. Entre sus obras más notables se encuentra la "Fantasía-Impromptu en do sostenido menor, Op. 66", una pieza brillante y virtuosa que cautiva tanto a intérpretes como a oyentes. Compuesta en 1834, esta obra destaca por su brillantez técnica y belleza melódica. El "Fantasy-Impromptu" presenta un motivo distintivo de apertura en semicorchea que establece el carácter virtuoso y apasionado de la obra. A lo largo de la pieza, Chopin despliega una serie de pasajes técnicamente exigentes, como arpegios rápidos y ornamentaciones elaboradas, manteniendo al mismo tiempo una profunda expresión emocional y una sensibilidad romántica. Franz Liszt: fue un destacado compositor, pianista y profesor húngaro del siglo XIX, considerado uno de los pianistas más virtuosos de su tiempo y uno de los principales representantes del movimiento romántico en la música. Nacido en 1811 en Hungría, Liszt comenzó a destacar como un pianista prodigio desde temprana edad y más tarde se convirtió en uno de los compositores y profesores más influyentes de su época. La música de Liszt abarca una amplia gama de géneros, desde obras para piano solo, como sus famosas "Rapsodias húngaras", hasta obras sinfónicas, música vocal y piezas de cámara. Una de sus obras más conocidas es la "Rapsodia húngara nº 2 en do sostenido menor", compuesta en 1847 y que forma parte de una serie de diecinueve rapsodias. "Hungarian Rhapsody No. 2" es una obra virtuosa y apasionada que captura el espíritu y la energía del folclore húngaro. Con una estructura libre y una variedad de temas melódicos y ritmos característicos de la música gitana, esta pieza es una exhibición de destreza técnica y expresividad emocional.Georges Bizet: fue un destacado compositor francés del siglo XIX, mejor conocido por su obra maestra "Carmen" , una de las obras más famosas y populares del repertorio de ópera. Nacido en 1838 en París, Bizet mostró un talento musical excepcional desde una edad temprana y pronto emergió como uno de los compositores más prometedores de su generación. "Carmen", estrenada en 1875, es una ópera en cuatro actos que se desarrolla en Sevilla, España, y cuenta la historia de Carmen, una bella y seductora gitana, y su trágico romance con Don José, un soldado que se deja llevar por su pasión por ella. La ópera está llena de pasión, drama y música vibrante que captura la atmósfera y el espíritu del sur de España. Jules Massenet: fue un prolífico compositor francés del siglo XIX, conocido por sus numerosas óperas y música vocal. Nacido en 1842, Massenet se destacó por su capacidad para componer melodías emocionales y su capacidad para capturar la psicología de los personajes en su música. Una de sus obras más famosas es la ópera "Werther", basada en la novela epistolar de Johann Wolfgang von Goethe "Los sufrimientos del joven Werther". Estrenada en 1892, "Werther" cuenta la trágica historia de Werther, un joven poeta que se enamora perdidamente de Charlotte, una mujer comprometida con otro hombre. La ópera está llena de pasión y romanticismo, con una partitura exquisita que refleja los intensos sentimientos y emociones tumultuosas de los personajes. Massenet crea una atmósfera de melancolía y anhelo a través de su música, utilizando armonías sensibles y orquestaciones delicadas para resaltar momentos de amor y desesperación.

Compositores

Giuseppe Verdi: fue uno de los compositores de ópera más influyentes del siglo XIX, conocido por sus obras maestras llenas de dramatismo, emoción y melodías inolvidables. Nacido en 1813 en Italia, Verdi desarrolló un estilo distintivo que combinaba una rica orquestación con poderosas arias y coros. Una de sus óperas más famosas es "Nabucco", estrenada en 1842. La trama se basa en la historia bíblica del rey babilónico Nabucodonosor (Nabucodonosor II) y la opresión del pueblo judío. La ópera está llena de intrigas políticas, conflictos familiares y elementos religiosos, todo ello en un contexto épico. "Nabucco" es especialmente conocido por su aria "Va, pensiero", también conocida como Coro Hebreo de Esclavos, que se ha convertido en un himno no oficial de resistencia y libertad. La música de Verdi en "Nabucco" es apasionada y emotiva, con momentos de intensidad dramática y lirismo conmovedor. Richard Wagner: fue un influyente compositor alemán del siglo XIX, conocido por sus óperas épicas e innovaciones musicales. Una de sus obras más notables es "Die Walküre" (Las Valquirias), la segunda ópera de su monumental ciclo de cuatro óperas "El Anillo del Nibelung". "Las Valquirias" se estrenó en 1870 y sigue siendo una de las óperas más populares e interpretadas de Wagner. La trama está basada en la mitología nórdica y sigue la vida de dioses, héroes y mortales que buscan poder y redención. El foco principal de la ópera se centra en la relación entre los hermanos gemelos Siegmund y Sieglinde, hijos de Wotan, el dios principal, y la intervención de las Valquirias, guerreras divinas encargadas de llevar a los héroes muertos al Valhalla. La música de "Las Valquirias" es excepcionalmente poderosa y emotiva, con melodías famosas como "La Cabalgata de las Valquirias" y el "Dúo de Primavera". Wagner revolucionó la ópera con el uso del "leitmotif", un motivo musical asociado a un personaje, lugar o idea específica, que se repite y transforma a lo largo de la obra para reflejar el desarrollo de la trama y los personajes. Francisco Barbieri: fue un siglo XIX. Compositor y director de orquesta español del siglo XIX, conocido por su contribución al género de la zarzuela, una forma de teatro musical español. Nacido en 1823 en Madrid, Barbieri fue una figura importante del panorama musical español de su época y desempeñó un papel crucial en el desarrollo y popularización de la zarzuela. Barbieri es mejor conocido por su colaboración con el famoso libretista Luis Mariano de Larra en la zarzuela cómica "El barberillo de Lavapiés", estrenada en 1874. Esta obra es una de las zarzuelas más interpretadas y queridas del repertorio español y destaca por su combinación de música animada, diálogos ingeniosos y personajes coloridos. "El barberillo de Lavapiés" está ambientada en el Madrid del siglo XVIII y sigue las aventuras del barbero Lamparilla y sus amigos en el vibrante barrio de Lavapiés. La trama está llena de enredos amorosos, desencuentros y situaciones cómicas, todo ello acompañado de la animada y pegadiza música de Barbieri. La música de Barbieri refleja la vitalidad y el espíritu de la vida madrileña, con melodías alegres y ritmos animados que captan la esencia de la zarzuela española.Franz Schubert: fue un destacado compositor austríaco del siglo XIX, conocido especialmente por sus lieder, que son canciones acompañadas de piano. Entre sus obras más famosas se encuentran "El rey de los elfos" (Erlkönig)."Erlkönig" es una de las composiciones más conocidas de Schubert. Se trata de un lied basado en el poema homónimo de Johann Wolfgang von Goethe. La canción cuenta la historia de un padre que viaja a caballo con su hijo enfermo en brazos. El niño delira al ver al Rey de los Elfos, que lo atrae con trucos. El padre intenta calmar al niño, pero al final el niño muere en sus brazos. Schubert capta magistralmente la tensión y el dramatismo de la historia con su música, utilizando diferentes voces para representar a los personajes y creando una atmósfera intensa y angustiosa.

Es notable la influencia del pensamiento filosófico en el Romanticismo musical, especialmente de Hegel y Schopenhauer. Hegel, en su concepción del idealismo, ve la música como una expresión del sentimiento puro o de la subjetividad misma, basando esta idea en la temporalidad compartida entre la música y el alma. Por otro lado, Schopenhauer considera que la música representa directamente la voluntad, siendo esta la única manera de acercarse a la esencia del mundo y satisfacer el impulso vital del ser humano.Estas ideas filosóficas influyeron profundamente en muchos músicos del siglo XIX, especialmente en Richard Wagner, quien llevó al límite el concepto de música como una unión entre lo humano y lo sobrehumano. Su ideología de unir todas las artes en una "obra de arte total" marcó una tendencia ultraromántica en contraste con el formalismo de Johannes Brahms, quien representaba un lenguaje compositivo más clásico.El conflicto entre estas dos corrientes dominó la vida musical de la segunda mitad del siglo XIX en toda Europa, pero a finales de siglo empezó a superarse, ya sea surgiendo una nueva etapa poswagneriana o buscando una síntesis entre las dos tendencias. A pesar de estas diferencias, el Romanticismo Musical dejó un legado duradero que influyó no sólo en la música sino también en el pensamiento filosófico y cultural de la época.

Pensamiento filosófico y musical

El romanticismo musical surge como un movimiento arraigado en el pensamiento literario de finales del siglo XVIII, particularmente entre los jóvenes alemanes de la generación Beethoven, como Wackenroder, Tieck, Schlegel y Hoffmann. Influenciado por el Sturm und Drang y ciertos ideales de la Ilustración francesa, este movimiento se caracteriza por su rechazo al racionalismo ilustrado y su defensa de los ideales revolucionarios de la época. Sus rasgos característicos incluyen el individualismo, el sentimentalismo y la exaltación de lo popular y nacional. En el ámbito musical, el romanticismo se manifiesta con una admiración casi religiosa por la música instrumental, vista como capaz de expresar los sublimes e inefables conceptos centrales de la ideología romántica. La música se convierte en la más sagrada de las artes y los compositores adquieren un papel central en la actividad musical. La música instrumental absoluta, desligada de la poesía, es considerada la forma de arte más sublime, capaz de expresar lo que las palabras no pueden.

Influencias

• Expresión de anhelos románticos de intimidad y subjetividad.
• Comúnmente comparte rasgos con el clasicismo de 1770 a 1890.
• Intensa expresión emocional, buscando la belleza y la pasión en las melodías.
• Uso flexible del movimiento y el pulso, con variaciones que crean una sensación de balanceo.
• Uso de técnicas como el rubato y una rica variedad de efectos dinámicos.
• Enriquecimiento de armonías con cambios tonales, cromatismos y disonancias no resueltas.
• Preferencia por tonalidades menores.
• Formas musicales de gran duración y aplicación más liberal.
• Surgimiento de nuevos géneros musicales como nocturno, improvisado, entre otros.
• Afición por las miniaturas y relajación de las grandes formas musicales.
• Predominio del piano como instrumento favorito, con énfasis en el virtuosismo.
• Ampliación de la orquesta sinfónica con nuevos instrumentos.
• Variedad de estilos musicales, incluyendo adaptaciones de danzas folclóricas y elementos nacionales.
• Interés por temas relacionados con el misterio, el exotismo, lo oriental y el pasado.
• Predominio de la música instrumental, aunque hay formas como el lied y la ópera romántica que combinan a la perfección texto y música.

Características

Durante el período romántico, los compositores comenzaron a darle más importancia al timbre de los instrumentos, explorando nuevas técnicas instrumentales y añadiendo nuevos instrumentos a la orquesta para crear nuevas combinaciones. El "Tratado sobre instrumentación y orquestación" de Berlioz es un ejemplo de esta revalorización del timbre, equiparándolo a la voz. Esto se reflejó en la música de destacados compositores como Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms y Richard Strauss, quienes experimentaron con una amplia gama de colores sonoros.La Revolución Industrial contribuyó a mejorar los instrumentos, especialmente en las familias de viento y metal, mejorando su afinación. y poder. Se adaptaron nuevas tecnologías, como el sistema Boehm para las llaves de madera y los pistones para la trompa y la trompeta, permitiendo pasajes cromáticos. Esto impulsó a compositores como Carl Maria von Weber y Claude Debussy a explorar nuevas posibilidades sonoras en sus obras.El aumento de músicos aficionados impulsó la producción en masa de instrumentos para satisfacer la demanda. Las orquestas crecieron en número de integrantes y surgió la figura del director moderno, destacando figuras como Héctor Berlioz y Gustav Mahler, quienes contribuyeron al desarrollo y ampliación del repertorio orquestal. Aunque las cuerdas siguieron siendo fundamentales, se hicieron innovaciones en el técnica del arco, en las posiciones de la mano izquierda de los violines y en la orquesta. Los instrumentos de viento también vieron avances, con un mayor énfasis en el bajo y un papel temático para los metales, influyendo en compositores como Richard Wagner y Anton Bruckner.

• El piano: se convirtió en el instrumento más representativo del Romanticismo, con cambios que ampliaron su alcance, potencia y dinámica. posibilidades, gracias a las innovaciones en martillos y cuerdas. Esto inspiró a músicos como Frédéric Chopin, Franz Liszt y César Franck a explorar nuevas formas de expresión pianística.
• El órgano: reflejaba la estética de la época, destacando compositores como César Franck por su uso y una tendencia a la recuperación de sonidos antiguos, acordes con la religiosidad y el misticismo de la época.

Desarrollo de la música instrumental

• Francia
• Italia
• Alemania
• España

La ópera, durante el Romanticismo, fue un reflejo de las diversas corrientes culturales y estilísticas de la época. Cada país aportó su propia contribución única y distintiva al desarrollo del género que experimentó una rica diversidad y evolución:

Formas vocales: Ópera

Italia En Italia, la ópera siguió arraigada en la tradición napolitana, con énfasis en el bel canto y la perfección vocal. Compositores como Rossini, Donizetti y Bellini fueron referentes en este estilo, destacando obras como "El barbero de Sevilla", "Lucía de Lammermoor" y "Norma". Giuseppe Verdi destacó como el compositor italiano más importante del siglo XIX, fusionando tendencias operísticas italianas con temas nacionalistas y políticos. Obras como "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata" y "Aida" lo consagraron como un maestro del género.

Alemania

• La ópera alemana comenzó con compositores como C.M. von Weber, quien introdujo el "singspiel", una forma de ópera que incorporaba diálogo hablado y elementos del canto popular.
• Richard Wagner revolucionó el género con su concepto de "drama musical", donde música, texto y escenografía se integraban de forma totalizadora. Obras como "El anillo del Nibelung" y "Tristán e Isolda" son ejemplos notables de su innovación.

España La ópera española quedó rezagada con respecto a otros países europeos, pero desarrolló la zarzuela, una forma de teatro musical que combinaba música, canto, diálogo hablado y danza. Autores como Barbieri, Arrieta y Gaztambide se destacaron en este género.

• El romanticismo se extiende desde 1780 con el movimiento Sturm un drang hasta la muerte de G. Mahler en 1914. Sturm und Drang es un término alemán que se traduce como "Tormenta e ímpetu" o "Tempestad y asalto". Se refiere a un movimiento cultural y literario surgido en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII, aproximadamente entre 1760 y 1790.
• En 1789 estalló la Revolución Francesa, alimentada por el descontento social provocado por la presión fiscal que ejercía la nueva clase burguesa estaba experimentando.
• El músico ya no estará al servicio de un patrón ni de la iglesia porque la relación entre el músico y su público se volvió más directa. Esto permitió una mayor libertad creativa y diversidad de expresión dentro del campo de la música romántica.
• Los conciertos cobran mayor importancia, desde pequeñas salas de conciertos hasta conciertos multitudinarios en la calle. Se crean sociedades filarmónicas y sinfónicas.El piano de cola se convirtió en el instrumento más importante de la época.
• En 1814 el Congreso de Viena reorganizó Europa.
• En 1830 (27, 28 y 29 de julio) se produjeron las primeras insurrecciones burguesas (Francia, Bélgica, Polonia e Italia) buscando reformas políticas, más derechos y mayor participación en el gobierno. En Francia, la insurrección de 1830 provocó la caída del rey Carlos X y el establecimiento de la monarquía constitucional bajo Luis Felipe de Orleans (Monarquía de Julio) y Bélgica se separará de los Países Bajos.
• A finales del siglo XIX se produjeron movimientos obreros que fracasaron estrepitosamente.

Contexto Histórico

El Romanticismo musical fue una época de gran diversidad y experimentación en cuanto a formas instrumentales. Estas son algunas de las formas más notables:

1. Sinfonía: esta forma alcanzó nuevos niveles de expresión y tamaño durante el romanticismo, con compositores como Beethoven, Brahms, Tchaikovsky y Mahler escribiendo sinfonías que exploraban temas emocionales y narrativos más profundos.
2. Concierto: Conciertos para instrumento solista y la orquesta se hizo popular durante este período, con compositores como Mendelssohn, Schumann, Elgar, Dvorak y Rachmaninoff que escribieron obras notables en este género.
3. Poema sinfónico: esta forma, desarrollada principalmente por Franz Liszt, consistía en una composición orquestal de un solo movimiento que evocaba un poema, una historia o una idea extramusical. Otros compositores, como Richard Strauss, también contribuyeron significativamente a este género.
4. Sonata: La forma sonata, aunque había existido antes del Romanticismo, fue transformada por compositores románticos como Beethoven y Schubert, quienes ampliaron sus límites estructurales y emocionales.
5. Fantasía: Esta La forma permitió a los compositores explorar libremente ideas musicales sin restricciones formales rígidas. La fantasía para piano solo, como las de Schumann o Chopin, y la fantasía para piano y orquesta, como las de Beethoven, son ejemplos notables.
6. Balada: La balada musical se hizo popular durante el Romanticismo, siendo una forma que contaba historias o evocaba imágenes a través de música. Compositores como Chopin y Liszt escribieron notables baladas para piano solo.
7. Rapsodia: similar al poema sinfónico, la rapsodia era una composición orquestal que a menudo incorporaba elementos folclóricos o nacionales. Liszt compuso varias rapsodias húngaras que son ejemplos famosos.

Formas instrumentales