Arte del Renacimiento al Neoclásico

Arte del Renacimiento al Neoclásico

Presentación de Rita Karen Jiménez Torres

Renacimiento

Auto retrato, Durero

Manierismo

Perseo con la cabeza de Medusa

El rapto de las hijas de Leucipo

Barroco

El triunfo de Venus

Rococó

La muerte de Sócrates

Neoclásico

índice

Auto RetratoAlberto Durero (1471-1528)

Renacimiento

Año: 1498Técnica: Oleo sobre tablaMedidas: 52cm x 41cmOrigen: AlemaniaUbicación actial: Museo del Prado, Madrid, España.

En su autorretrato se muestra como un Gentilhombre con la intencion de dignificarse como artista. Sus autorretratos al primer instante fueron tomados como ireverentes ya que por la forma en que el posaba estaba designada solo a Dios, esto es un claro ejemplo del pensamiento humanista.

Alberto Durero nacido En Alemania, fue uno de los más destacodos del Renacimiento, fue el primero en retratarse desnudo y hacerse multiples autorretratos, el intentaba ser el artista más importante de su ciudad y lo consiguó.

Contexto histórico

El Renacimiento se produjo en Italia en entre los siglos XV y XVII, fue la trancsicion de la Edad Media a la Edad Moderna. Durante este periodo se renovó el pensamieto filosófico, las artes y las ciencias retomando los principios de la cultura antigua clasica. El humanismo es parte fundamental para que estos cambios se den, la religión deja de ser el centro del universo y se sustituye por el hombre.

Los guantes representados que porta son de una tela muy fina que solo podian llevar los caballeros distingudos. Probablemente optó por usar guantes para cubrir sus manos maltratadas por su trabajo como grabador.

La mirada está puesta en el espectador, cuenta con un brillo y hace sentir que te está mirando fijamente. Es una mirda penetrante.

Escribe en la parte inferior derecha: "1948, lo pinté según mi figura. Tenía yo veintiseis años. Albrecht Dürer"Sieno también uno de los primeros artistas en firmar su obra.

Este autoretrato de Durero me transmite poder, la mirada desafiente te dice que no puedes demeritar su talento. Automáticamente te remonta a pleno renacimeinto, comparando la pintura con alguna de un siglo antes, te hace ver como fue el cambio de pensamiento.

Sin duda Durero dignificó a los artistas para que dejarn de nombrars artesanos y recibieran el reconocimiento que tanto anhelaban

Perseo con la cabeza de MedusaBenvenuto Cellini (1500-1571)

Manierismo

Año: 1545-1554Técnica: Bronce fundido a la cera perdidaMedidas: 3,20m (5,20m conpedestal)Origen: ItaliaUbicación actial: Plaza de la señoría, Florencia, Italia

El pedestal original que elaboró Cellini al mismo tiempo que la escultura fue remplazado en el siglo XX por una réplica. La escultura se sigue encontrando en el mismo lugar desde el momento de su inaguración.

Cellini siguió con esta opocicion a las reglas del arte clásico pero aun estaba interesado por el los temas mitológicos. La obra fue encargo de Cosme I al momento de tomar posecion como duque de la ciudad. La escultura está conformada por dos cuerpos desnudos, Perseo se para sobre el cuerpo de Medusa mientras sostiene su cabeza cortda por la espada que lleva en la mano derecha.

Contexto histórico

El Manierismo se produjo en el siglo XVI y perduró poco tiempo hasta finales del mismo siglo, cuando el Renacimiento entraba en crisis se generó una opocicion a las reglas del arte clásico, se dejan las lineas claras, la proporcion de las figuras, la perspectiva espacial y las expresiones dulces claras del Renacimiento. Algunos contemplan este estilo como la transicion del Renacimiento al Barroco.

Perseo se muestra con el cabello corto rizado y un casco con alas, la mirada se dirige hacia el suelo para que los espectadores puedan ver su cara. Medusa , con el cabello rizado, derrama sangre por el cuello.

El cuerpo inerte de Medusa se posa bajo los pies de Perseo, se aprecia la contorcion de las formas.

Viendo la escultura por la parte de atras se puede apreciar que el casco y el cabello hacen un auto retrato claro de Cellino

La escultura fue realizada con la intencion de mostrar la conexión de la familia Médici con la mitología.La obra sin duda es de apreciarse, los detalles de cuepo y del ingenio del autoretrato la hacen única, aunque no estoy muy deacuerdo con el tratamiento de la historia de Medusa.

La obra de Cellini representa muy bien el estilo Manierista, las contorciones del cuerpo de Medusa y la expresion como de enfado de Perseo muestran la opocicion a las ideas del Renacimiento.

El rapto de las hijas de LeucipoPedro Pablo Rubens (1577-1640)

Barroco

Año: 1618Técnica: Oleo sobre tablaMedidas: 2,22m x 2,09mOrigen: ItaliaUbicación actial: Alte Pinakothek, Múnic, Alemania

Rubens desde temprana edad comenzó a rodearse de la aristocracia volviendose más diplomático. Se influenció por grandes artistas de su época y otros del renacimiento. En su Obra se puede notar la composición clásica y equilibrada pero también el dramatizmo y las formas del Barroco. La escena nos cuenta el momento exacto del rapto, se aprecian dos hombres, dos mujeres, dos caballos y dos cupidos en un campo abierto.

Se caracterizó por mostrar una sensibilidad dramática con mucha pasión, la exuberancia y exceso de ornamentación, contrastaba con la línea del Barroco. El Barroco fue visto como algo inapropiado y de mal gusto, la sociedad de ese momento no estaba acostumbrada a ver las obras con escenas "horrorosas" cargadas de figuras que llenaban todo el espacio.

Contexto histórico

El Barroco se produjo en la segunda mitad del siglo XVI y se extendió hasta la primera mitad del siglo XVIII. La busqueda de nuevos territorios por parte de los los paises dominantes de Europa, permitió que este género se expandiera por toda Europa y por América Latina.

Representa a Cástor como un jinete mortal intentando subir a la jóven, su caballo es color obscuro, el cupido que sostiene el caballo tiene las alas color negro.

Hilaira y Finea se encuentran desnudas tratando de defenderse de los dos hombres. Sus cuerpos se ven tensos por la lucha, sus caras muestran angustia y desesperación.

Por el otro lado, representa a Pólux como un guerrero desnudo inmortal sosteniendo a las mujeres. Su caballo es color blanco lenatandose en dos patas, el cupido que lo sostiene al parecer tiene las alas blancas.

La pintura cuenta con mucho color y movimiento, me provoca un poco de inquietud por el esfuerzo de liberarse de las hermanas, pero se distrae por ver todos los simbolismos que plasmo el artista.

Rubens narra la historia con tanto detalle, establece perfectamente quienes son los personajes, escoje el momento mas dramatico, característico del Barroco. Su ornamentacion es abundante pero mantieniendo un equilibrio en la composición. Los cupidos te adelantan en que va a terminar la historia.

El triunfo de VenusFrancois Boucher (1703-1770)

Rococó

Año: 1740Técnica: Oleo sobre lienzoMedidas: 130cm x 162cmOrigen: ParísUbicación actial: Museo Nacional de Estocolmo, Suecia

Boucher narra en su obra el nacimiento de Venus, utiliza colores frios suavisados con un tono rosa, optó por un estilo galante con movimiento. La obra fue encargada por el embajador sueco Carl Gustaf, posteriormente se la vendió al rey de Suecia en 1749.

La sociedad en ese entonces estaba pasando por muchos cambios, se dieron muchos avances en la tecnología y la ciencia, la burguesía iba en asenso y se le da mayor importancia a la mujer en las representaciobes. Busca representar lo refinado, exótico y bello en escenas de la vida cotidíana o históricas. Al comienzo el estilo Rococó fue despreciado por parecer hostigante

Contexto histórico

El Rococó se desarrollo en la primera mitad del siglo XVIII durante en francia y abarcó los reinados de Luis XV y Luis VXI. Se caracteriza por la implementacion de colores luminosos y suaves, su ornamentación es inspiración de la naturaleza y los temas más usados son los mitológicos y el amor galante

Narra como nace Venus a partir de la espuma del mar. La escena es erótica y teatral.

Venus es arrastrada por las ninfas hacia la isla de Citerea. En la escena aparecen tritones y nereidas que son movidos por las olas del mar de foema suave.

En el cielo revoloreal cupidos con flechas, sostienen la antorcha del amor y junto a ellos una tela con movimiento ondulante.

En lo particular me parece que la obra cuenta con demasiada información que en ocaciones hace imposible entender los detalles, lo que hace que sea placentera al observara es la elección de los colores.

La obra refleja las características del Rococó, la exaltación del amor, el romanticismo de los cuerpos mezclandose en el mar, la forma dramática y apacionada de contar la historia, nos habla de la forma de la burguesía de ver la vida, como si se tratara de un sueño o cuento de hadas.

La muerte de SócratesJaques-Louis David (1748-1825)

Neoclásico

Año: 1787Técnica: Oleo sobre lienzoMedidas: 129,5cm x 196,2cmOrigen: ParísUbicación actial: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, E. U.

David muestra el momento de la muerte de Sócrates por beber sicuta, condenado por expresar su opinion. La obra cuenta con una proporción adecuada, los colores son intensos, las luces y sombras dan protagonismo y con el minimo de detalles narra perfectamente la historia.

Se caracterizó por un arte sereno y equilibrado, se recuperan las proporciones del cuerpo y el arte se vuelve más sencillo. Buscaba que las pinturas contaran con la mayor claridad posible, sin dejar marcas del pincel. Se buscaba exaltar los logros políticos y las virtudes del hombre, en ese momento en Francia se estaban generando conflictos sociopolíticos que dieron pie a la Revolución Francesa.

Contexto histórico

El Neoclasicismo surge en el siglo XVIII, después de haber vivido la gran ornamentación del Barroco y el romanticismo del Rococó, los artistas vuelven a retomar la inspiracion del arte grecoromano, toman de ejemplo su estética y filosofía. Las escavaciones arqueológicas en las tierras antiguas provocó que se volviera a tener interes en las reglas del arte clásico.

En el cuadro aparece Platón ya anciano sentado a los pies de la cama dando la espalda a la escena con las manos en sus piernas y la cara agachada como si estuviera resignado esperando el final.

Sócrates se encuentra sentado en la cama con una túnica blanca como símbolo de inocencia. Levanta un dedo como dando la útima cátedra a sus amigos que lo miran desconsolados.

Un jóven con túnica roja ofrece la copa con veneno al pensador mientras voltea la cara y se la cubre como si estuviera apenado de lo que hace y no quisiera verlo a los ojos.

Esta obra está llena de detalles a pesar de verse sencilla, te hace sentir que estas ante una injusticia y al mismo tiempo te invita a ser fiel a tus ideales hasta el último momento. El manejo de la luz te va guiando por el cuadro para entender el tema.

La obra de David muestra la exaltacion del ambiente político que se vive en ese momento retomando un téma de la historia antigua. El manejo del color en los peronajes te muestras las emociones, la escena es lo más clara posible.

¡Gracias!

Fuentes de consulta

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