LDG0902_ANT_02

Semana 2

Animación 2D

2.4

2.12

2.8

2.2

2.10

2.6

Referencias

Aceleración y freno

Atractivo

Puesta en escena

Pose to pose y straight ahead

Arcos

Exageración

Squash y stretch

Overlapping action

Dibujo sólido

Timing

Acciones secundarias

Anticipación

12 principios de la animación

Unidad 2.

2.7

2.11

2.3

2.9

2.5

2.1

12 Principios de la animación

Unidad 2.

12 Princiopios de animación en Disney

El objetivo de documentar estos principios fue crear guías para producir animaciones más realistas y que las animaciones se apegaran un poco más a las leyes básicas de la física.

Los "12 principios de la animación" son un conjunto de técnicas y conceptos fundamentales desarrollados en 1981 por los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro "The Illusion of Life: Disney Animation" (La ilusión de la vida: La animación de Disney).

12 Principios de la animación

El principio de "Timing" en animación se refiere al ritmo y la velocidad de los movimientos dentro de una secuencia animada.Es esencial para transmitir la sensación de peso, la física y la personalidad de los personajes o elementos en movimiento.

2.1 Timing

En el contexto de los 12 principios de la animación, el timing determina la duración de cada movimiento y la relación entre ellos. Por ejemplo, un timing rápido puede crear un efecto de acción intensa o excitación, mientras que un timing más lento puede sugerir solemnidad o contemplación. Es crucial para los animadores dominar el timing para lograr una animación convincente y expresiva.

Ejemplo

Imaginemos una escena en la que un personaje está corriendo hacia una puerta para abrirla. Si queremos transmitir la sensación de urgencia y rapidez en la acción, aplicaríamos un timing rápido. Esto significa que los movimientos del personaje serían ágiles y el tiempo que tarda en correr hacia la puerta, alcanzar el pomo y abrirlo sería relativamente corto. Cada paso sería rápido y enérgico, lo que reflejaría la urgencia del personaje por llegar a su destino lo más pronto posible.

Por otro lado, si quisiéramos transmitir una sensación de pesadez o cansancio en el personaje, podríamos aplicar un timing más lento. En este caso, los movimientos del personaje serían más pausados y pesados, y el tiempo que tarda en llegar a la puerta y abrir el pomo sería más prolongado. Cada paso sería más arrastrado y el personaje podría tomarse un momento antes de abrir la puerta, dando la impresión de fatiga o esfuerzo.

El principio de "Squash y Stretch" en animación se refiere a la deformación temporal de un objeto o personaje para enfatizar su peso, elasticidad y movimiento. Cuando un objeto o personaje se aplasta o estira, se da la ilusión de que está experimentando fuerzas físicas, como la gravedad o la inercia. Este principio es fundamental para crear animaciones más dinámicas y expresivas, ya que añade realismo y vida a los movimientos.

2.2 Squash y stretch

Se utiliza en una variedad de situaciones, desde acciones simples como saltar y caer, hasta movimientos más complejos como las expresiones faciales y las deformaciones de objetos.

Ejemplo

El principio de "Exageración" en animación amplifica acciones, expresiones y características para hacerlas más reconocibles y expresivas. No busca replicar la realidad de manera exacta, sino resaltar elementos clave para hacerlos más efectivos y visuales. Esta técnica permite a los animadores comunicar ideas y emociones de manera más impactante y memorable.

2.3 Exageración

La exageración no se limita a las acciones físicas, sino que también se aplica a la forma, color, tamaño y otros aspectos visuales. Es una herramienta poderosa que ayuda a crear animaciones más expresivas y emocionantes, captando la atención del espectador y transmitiendo mensajes de manera efectiva.

Ejemplo

Imaginemos una escena en la que dos personajes están teniendo una conversación importante en un parque. Para crear una puesta en escena efectiva, podríamos colocar a los personajes en primer plano, con el parque de fondo mostrando árboles, bancos y otros elementos que dan contexto al lugar.

2.4 Puesta en escena

Para dirigir la atención del espectador hacia los personajes y su diálogo, podríamos colocarlos en una posición ligeramente elevada en relación con el fondo, utilizando la regla de los tercios para ubicarlos en puntos de interés visual.Podríamos también usar la composición para destacar la interacción entre los personajes, asegurándonos de que estén mirándose entre sí y que no haya obstáculos visuales que distraigan la atención del espectador.

También se utiliza para añadir interés y emoción a las acciones animadas. Por ejemplo, en una escena de una película de acción, la anticipación puede utilizarse para aumentar la tensión antes de un momento clave, como un golpe o una explosión.

El principio de "Anticipación" en animación se refiere al movimiento preparatorio que un personaje realiza antes de ejecutar una acción principal. Es esencial para hacer que las acciones animadas sean más realistas y creíbles, ya que permite al espectador anticipar lo que está por venir y entender mejor la secuencia de eventos.

2.5 Anticipación

El principio de "Overlapping action" en animación se refiere al fenómeno en el que diferentes partes del cuerpo o elementos de la escena se mueven de manera independiente y con diferentes velocidades, creando una sensación de fluidez y realismo en la animación.Se puede utilizar para enfatizar la dirección del movimiento y agregar interés visual a la animación.

2.6 Overlapping action

Ejemplo

Imagina una escena en la que un personaje está bailando. Mientras se mueve al ritmo de la música, su cuerpo experimenta overlapping action en diferentes partes. Por ejemplo, cuando levanta un brazo para saludar, su cabeza puede inclinarse ligeramente hacia el lado opuesto en un movimiento independiente.Además, sus piernas pueden seguir moviéndose en una dirección mientras su torso comienza a girar en otra dirección, creando una sensación de fluidez y naturalidad en el movimiento.

El principio de "Arcos" en animación se refiere al movimiento de los objetos o personajes a lo largo de una trayectoria curva en lugar de un movimiento rectilíneo. Este principio se basa en el hecho de que la mayoría de los movimientos en la naturaleza siguen trayectorias curvas, lo que ayuda a que la animación se vea más fluida, orgánica y natural.

2.7 Arcos

Los arcos también son importantes en la animación de personajes para transmitir la dirección y la intención del movimiento. Por ejemplo, en una animación de un personaje lanzando una pelota, el movimiento del brazo y la mano seguiría una trayectoria curva que indica la dirección y la fuerza del lanzamiento.

Observa en el video como el auto se desplaza, puntualiza la aceleración, los detalles de movimiento y sonido durante la misma… ¿Qué aprecias? Reflexiona e imagina.

Ejemplo

El principio de "aceleración y freno" en animación se refiere al cambio gradual en la velocidad de un objeto o personaje para que los movimientos parezcan naturales y realistas. Es crucial para transmitir una sensación de peso y momentum, ya que un objeto pesado o un personaje rápido requerirá más tiempo y distancia para acelerar y detenerse en comparación con uno ligero o lento.

2.8 Aceleración y freno

Mientras los personajes principales tienen una conversación importante en una fiesta, en segundo plano otros bailan, ríen o interactúan entre sí. Estas acciones enriquecen visualmente la escena y refuerzan la narrativa, creando un ambiente dinámico y coherente. Cada elemento animado parece tener su propia historia dentro de la escena principal, haciendo que el mundo animado se sienta más vivo y convincente para el espectador.

Las acciones secundarias en animación son movimientos adicionales que acompañan la acción principal de un personaje o elemento animado. Estos gestos y expresiones faciales pequeñas complementan la escena principal, añadiendo profundidad, interés y realismo a la animación.

2.9 Acciones secundarias

Ejemplo

Estas acciones secundarias no solo sirven para hacer más vívida y detallada la animación, sino que también ayudan a caracterizar al personaje y a crear una conexión emocional con el espectador. Cada gesto y movimiento adicional contribuye a construir un ambiente creíble y atractivo dentro de la escena animada, haciendo que la experiencia sea más inmersiva y memorable.

El principio del "Dibujo Sólido" en animación se refiere a la habilidad de los animadores para crear personajes y objetos que parecen tener peso, volumen y consistencia en un espacio tridimensional. Este principio es esencial para asegurar que los elementos animados se sientan tangibles y creíbles, incluso cuando sólo existen como imágenes bidimensionales en la pantalla.

2.10 Dibujo sólido

Ejemplo

Imagina una una animación donde un personaje levanta una pesa.

Straight Ahead: En contraste, esta técnica implica animar cuadro por cuadro, dibujando cada fotograma de la secuencia en orden secuencial. Ideal para capturar movimientos orgánicos y fluidos.

Pose to Pose: Esta técnica implica planificar y animar las poses clave de una secuencia antes de rellenar los cuadros intermedios. Luego, llenan los cuadros intermedios dibujando las poses necesarias para completar la transición entre las poses clave.

2.11 Pose to pose y straight ahead

Ejemplo

Si utilizas la técnica de "Pose to Pose", primero planificarías las poses clave de la secuencia: la posición inicial del personaje antes de correr, la posición de salto justo antes de despegar del suelo y la posición de aterrizaje en el otro lado del abismo.

El principio del "Atractivo" en la animación se refiere a la cualidad de los personajes, diseños y movimientos que los hace agradables, interesantes y memorables para el espectador.Este principio es fundamental para captar la atención del público y crear una conexión emocional con los personajes y la historia. Además, el atractivo en la animación no se limita sólo a los personajes, sino que también se aplica al diseño de los escenarios, la composición visual y la narrativa en su conjunto.

2.12 Atractivo

Ejemplo

Una película animada en la que hay varios personajes principales. Uno de ellos es un héroe valiente y carismático con un diseño visualmente atractivo: Tiene una apariencia distintiva, con colores vibrantes y una postura segura. Este personaje tiene una personalidad encantadora y carismática, con un sentido del humor agradable y una actitud positiva hacia la vida.

We are content. (2023). Animación 2D: ¿cómo aprovechar esta técnica en tu audiovisual?.https://www.wearecontent.com/blog/animacion/animacion-2d

Escardo Club de animación 3D (2017) 12 Principios de la animación en Disney.https://www.youtube.com/watch?v=aCDJKi0v3ME

Chalán, K. (2023). 12 mandamientos de la animación.https://transicionesiavq.com/wp-content/uploads/2020/08/Karelis-Chal%C3%A1n.pdf

Animum creativity advanced school. (2021). Todo sobre los 12 principios de la animación. https://www.animum3d.com/blog/los-12-principios-de-la-animacion-teoria-y-practica/

21Draw. (2023). 12 Principios de Animación. https://www.21-draw.com/es/12-principles-of-animation/

Industria animación. (2021). Animación y sus principios.https://www.industriaanimacion.com/2021/02/los-12-principios-de-la-animacion/

Referencias

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Por otro lado, si utilizas la técnica "Straight Ahead", comenzarías dibujando el primer cuadro de la secuencia, mostrando al personaje en su posición inicial.Luego, avanzarías secuencialmente, dibujando cada cuadro a medida que el personaje corre hacia el borde del precipicio, salta sobre el abismo y aterriza al otro lado.

Por otro lado, también hay un villano en la película, cuyo diseño y personalidad contrasta con el del héroe. El villano tiene un aspecto más oscuro y amenazante, con colores sombríos y una postura intimidante.Aunque su apariencia puede no ser tan visualmente atractiva como la del héroe, su presencia en la pantalla es poderosa y cautivadora debido a su carisma y su determinación.