VANGUARDIAS EUROPEAS EXPRESIONISMO
ÍNDICE
Técnicasutilizadas
Ideas básicas
Cómo surge
Principalesartistas
Influenciaactualidad
Obrasprincipales
CÓmo surge
El desengaño y la crítica hicieron que este movimiento tuviera como centro de su programa la percepción pesimista de la vida, el rechazo a la composición premeditada y el cuestionamiento de la belleza apolínea como fin último de la obra artística.
El expresionismo fue un movimiento artístico, cinematográfico, musical y literario que comenzó como estilo pictórico en Alemania durante la transición del siglo XIX al siglo XX. Más tarde se expandió a otras disciplinas y regiones hasta alcanzar su madurez entre 1905 y 1933, dejando por fuera la interrupción que significó la Primera Guerra Mundial.
El expresionismo no fue un movimiento con un estilo unificado.
Expresión Emocional: Se centra en la expresión de emociones profundas y personales a través del arte. Los artistas buscan transmitir sus estados de ánimo, angustias y ansiedades.
Distorsión de la Realidad: Las obras expresionistas a menudo distorsionan la realidad de manera deliberada. Figuras y objetos pueden aparecer deformados, exagerados o estilizados para reflejar el mundo interior del artista.
Colores Intensos: El uso de colores vivos y llamativos es una característica distintiva. Los colores se utilizan para transmitir emociones y crear un impacto visual poderoso.
Énfasis en lo Subjetivo: El Expresionismo pone un fuerte énfasis en la subjetividad. Cada artista interpreta el mundo a su manera y busca expresar su visión personal.
Abstracción: A menudo, las obras expresionistas tienden hacia la abstracción, alejándose de la representación realista hacia la simplificación de formas y líneas.
Temas Oscuros y Angustiosos: Los temas de alienación, ansiedad, soledad y desesperación son comunes en el Expresionismo. Los artistas exploran la condición humana en un mundo en constante cambio.
Pinceladas Audaces y Espontáneas: La técnica de pincelada en el Expresionismo tiende a ser audaz y espontánea, a menudo con pinceladas visibles que reflejan la energía y la pasión del artista.
IDEASBÁSICAS
Técnicas utilizadas
El expresionismo se caracteriza por el uso de técnicas y estilos que refuerzan la expresividad de la obra. Algunas de las técnicas más utilizadas son el pincelado enérgico, las pinceladas visibles y la aplicación gruesa de la pintura. Estas técnicas permiten transmitir la intensidad emocional y la subjetividad del artista. En cuanto a los estilos, el expresionismo se puede dividir en dos corrientes principales: el expresionismo figurativo, que representa figuras reconocibles pero distorsionadas, y el expresionismo abstracto, que se aleja de la representación figurativa y se enfoca en la expresión pura de la emoción a través del color y la forma.
PINTORES
Emil Nolde (Alemania, 1867-1956)
James Ensor (Bélgica, 1860-1949)
Edvard Munch (Noruega, 1863-1944)
PINTORES
Oskar Kokoschka (Austria, 1886-1980)
Franz Marc (Alemania, 1880-1916)
Käthe Kollwitz (Alemania, 1867-1945)
Ernst Ludwig Kirchner (Alemania, 1880-1938)
ESCULTORES
Wilhelm Lehmbruck (Alemania, 1881-1919)
Ernst Barlach (Alemania, 1870-1938)
CINEASTAS
F.W. Murnau (Alemania, 1888-1931)
Henrik Galeen (Austria, 1881-1949)
Fritz Lang (Austria, 1890-1976)
Robert Wiene (Alemania, 1873-1938)
Karl Boese (Alemania, 1887-1958)
ESCRITORES
Georg Trakl (Alemania, 1887-1914)
August Stramm (Alemania, 1874-1915)
Theodor Däubler (Alemania, 1876-1934)
Georg Heym (Alemania, 1887-1912)
ESCRITORES
Georg Kaiser (Alemania, 1878-1945)
Alfred Döblin (Alemania, 1878-1957)
Gottfried Benn (Alemania, 1886-1956)
Johannes R. Becher (Alemania, 1891-1958)
MÚSICOS
Anton Webern (Austria, 1883–1945)
Arnold Schoenberg (Austria, 1874–1951)
Alban Berg (Austria, 1885–1935)
MÚSICOS
Ernst Krenek (Austria, 1900–1991)
Ígor Stravinski (Rusia, 1882–1971)
Paul Hindemith (Alemania, 1895–1963)
PINTURAS
Caballo Azul (1912) de Franz Marc
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
El grito (1893) de Edvard Munch
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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PINTURAS
El jinete azul (1903) de Vasili Kandinski
Senecio (1922) de Paul Klee
+ INFO
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literatura
El despertar de la primavera (1891) de Frank Wedekind
La muerte de Danton (1835) de Georg Büchner
Camino de Damasco (1898) de August Strindberg
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
+ INFO
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LITERATURA
La metamorfosis (1915) de Frank Kafka
La montaña mágica (1924) de Thomas Mann
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
+ INFO
+ INFO
MÚSICA
La luz de los ojos (1935) de Anton von Webern
Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg
Wozzek (1925) de Alban Berg
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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CINE
El golem (1914) de Paul Wegener y Henrik Gaalen
El gabinete del Doctor Caligari (1919) de Robert Wiene
M, el vampiro de Düsseldorf (1931) de Fritz Lang
Nosferatu, el vampiro (1922) de Friedrich Murnau
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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INFLUENCIA ACTUALIDAD
El expresionismo, surgido a principios del siglo XX, sigue influyendo de manera significativa en la cultura contemporánea a través de diversas formas de arte. En el ámbito de las artes visuales, el uso de colores intensos y formas distorsionadas, características del expresionismo, prevalece en las obras de muchos artistas modernos que buscan transmitir emociones profundas y subjetivas. La exploración de temas como la angustia y la alienación sigue siendo relevante en el arte actual.
En el cine, la estética visual del expresionismo alemán ha dejado una huella profunda, especialmente en géneros como el cine de terror y el cine noir. Las sombras dramáticas, los ángulos inusuales y las escenografías estilizadas que evocan el estilo expresionista se utilizan para crear atmósferas cargadas y emocionales. Además, la narrativa cinematográfica contemporánea a menudo se centra en personajes complejos y estados emocionales extremos, reflejando la inclinación del expresionismo por explorar la psique humana.
La literatura contemporánea también adopta el enfoque subjetivo del expresionismo, con narrativas fragmentadas y perspectivas distorsionadas que exploran temas de desesperación, aislamiento y búsqueda de identidad. Poetas y novelistas modernos utilizan imágenes vívidas y simbolismo potente para establecer una conexión emocional directa con el lector. La música contemporánea también se ve influenciada por el expresionismo, con compositores que utilizan disonancias, ritmos irregulares y estructuras no convencionales para evocar emociones intensas y crear atmósferas cargadas. Géneros como la música experimental y la música electrónica incorporan elementos expresionistas, explorando nuevas formas de expresión emocional y conceptual.
GRACIAS
CARACTERÍSTICAS DE LA LITERATURA
- Amplio desarrollo de la novela y el teatro especialmente
- En narrativa se desarrollaron dos tendencias: una naturalista y otra experimental
- En poesía, se dio espacio a una estética de lo grotesco y a la renuncia de ciertas normas formales en a favor de la expresión
- En la dramaturgia, con frecuencia las figuras no tienen nombres individualizados sino que responden a denominaciones de tipos
- No se preocupa por la verosimilitud sino por la expresión del mundo interior de los sujetos en permanente tensión
En Camino de Damasco, el método narrativo para explorar la intimidad de los protagonistas cambia: se instala en las cuestiones morales y los tormentos inconscientes del personaje principal, no ya en sus avatares familiares, amorosos o sociales. Además, mientras que en los dramas naturalistas los personajes eran independientes entre sí (seres autónomos que se interpelaban), en Camino de Damasco todos los sujetos en escena dependen del Yo del protagonista, pues son multiplicaciones de él mismo. Por ese motivo, el personaje no sufre un vaciamiento de su interioridad mientras va respondiendo a las demandas de los demás (como Adolfo en Acreedores), sino que su mundo interno ha estallado desde el inicio la pieza y los relatos de los personajes dan cuenta de la fragmentación del Yo del Desconocido: “Es, pues, un teatro del desdoblamiento. Y se sabe que el desdoblamiento no es de por sí un fenómeno tranquilizador. Es, pues, un teatro de la angustia: el Yo recibe en toda su plenitud y todo su horror la carga aplastante de la vida individual, de la vida aislada” .
"Senecio" es una pintura creada por Paul Klee en retrato de un rostro, creado usando formas geométricas y colores llamativos. El rostro se representa como una serie de círculos y cuadrados superpuestos, con ojos grandes y estilizados y una nariz. Los colores utilizados en la pintura son principalmente amarillo, azul y verde, con líneas negras que definen las formas.
Una de las características más llamativas de la pintura es la forma en que la cara se aplana y se abstrae. En lugar de crear una representación realista de una cara, Klee la dividió en una serie de formas que enfatizan sus cualidades geométricas. El resultado es un retrato divertido y sofisticado que combina elementos del arte popular y la abstracción modernista.
El título "Senecio" se refiere a un tipo de planta conocida como "hierba cana" o "tierra", que a veces se denomina "senecio vulgaris". Klee era conocido por su uso de títulos enigmáticos que a menudo agregaban una capa adicional de significado a su trabajo.
La acción de esta novela transcurre en un sanatorio de tuberculosos de Zauberberg, que fue noticia por su cierre, donde coinciden dos primos de caracteres muy distintos. Más que en los sucesos, el conocimiento con Claudia Chauchat o con una pareja de peculiares y enfrentados pensadores, los pequeños conflictos generados por la convivencia, el goteo constante de fallecimientos..., el interés de esta novela reside en la perfecta reproducción de la vida interior, afectiva e intelectual, de la amplia galería de personajes que despliega Mann ante los ojos del lector, todos ellos perfectamente individualizados e interesantes por sí mismos.
La montaña mágica se cuenta entre las diez mejores obras literarias del siglo XX. Esta nueva traducción, coincidiendo con el cincuentenario de la muerte del autor ha sido elogiada por crítica y lectores y, al fin, nos permite leer la obra maestra en su totalidad, pues incorpora numerosos pasajes desaparecidos en traducciones anteriores.
CARACTERÍSTICAS CINE EXPRESIONISTA ALEMÁN
- Preferencia por la construcción oval del espacio, que acentúa la sensación de opresión y vigilancia
- Profundidad de campo lograda con los decorados (carácter antinaturalista)
- Planos oblicuos que inducen vértigo
- Uso de luz menguante
- Intenso claroscuro como expresión de la dualidad del individuo confrontado con su mundo interior
- Uso recurrente del primerísimo primer plano
CARACTERÍSTICAS EN LAS ARTES PLÁSTICAS
- Preferencia por las formas angulosas
- Uso de la perspectiva no-natural, es decir, arbitraria
- La figura se deforma para resaltar el sentimiento
- Construcción del espacio oblicuo
- Superposición de escenas
- Coloración expresiva uso de colores resplandecientes o bien colores patéticos
- Pasta gruesa, martillada, áspera
- Técnica violenta que acude a la improvisación
Johan Simons ha logrado una extraordinaria, reflexiva y singular puesta del drama Dantons Tod (La muerte de Dantón), que el insigne médico, agitador y dramaturgo Georg Büchner, escribiera entre enero y febrero de 1835, dos años antes de su muy temprana muerte.
A nadie le puede extrañar que Simons haya elegido la metáfora del circo para hacer entrar en escena disfrazados de payasos a todos sus personajes políticos y revolucionarios.
La obra “Despertar de la primavera: Una tragedia infantil” fue escrita por Wedekind, entre el otoño de 1890 y la primavera de 1891, en Múnich, donde ningún editor quiso publicarla por su contenido trasgresor obligando al autor a editarla con sus propios recursos económicos en la editorial Jean Gross, de Zúrich, en octubre de 1891. Este fue su primer libro impreso con la portada hecha por el pintor Franz von Stuck y muestra un paisaje de primavera con flores evitando los motivos trágicos. La obra está inspirada en los recuerdos de adolescencia del autor, en el Gymnasium, donde conoció a Frank Oberlin y Moritz Dürr dos compañeros que se suicidaron, el primero en 1883 y el segundo en 1885. Moritz Dürr le comunico su idea de suicidio a Wedekind, así en su obra toma el nombre de este para darle, paradójicamente, vida al personaje de Moritz Stiefel. El autor dedica su texto al hombre enmascarado a quien representa, llevando una máscara de mujer, en la primera puesta en escena de la obra en un teatro de Berlín en 1906.
Su título original en alemán es Die Verwandlung, que podría traducirse como ‘la transformación’. No obstante, en español se ha optado por designarlo como 'metamorfosis', palabra que tiene un componente mítico asociado.
En este relato se ha visto una alegoría del enfrentamiento del hombre ante un mundo moderno que lo oprime y lo borra.
Por su parte, la transformación de Gregorio es un suceso fantástico que inaugura la literatura del absurdo, y en las décadas posteriores influirá a numerosos escritores consagrados. En esta historia se ha querido ver paralelismos biográficos con Kafka, especialmente en lo relacionado con su relación conflictiva con el padre.
Dichas similitudes se pueden encontrar en Carta al padre (1919), un escrito en el que Kafka se dirige a su progenitor y pone de manifiesto la conducta abusiva y tiránica de su padre hacia él. Este hecho se puede ver también reflejado en la amenaza que supone el señor Samsa para su hijo en esta narración.
Esta pintura no es solo una imagen, sino una explosión de emociones en colores y formas. En ella, un personaje solitario se encuentra en un puente con un paisaje oscuro y retorcido detrás.
Su rostro es una máscara de desesperación y parece gritar en silencio mientras dos figuras difuminadas caminan al fondo. Para entender “El Grito”, debemos mirar más allá del lienzo y considerar el contexto en el que Munch vivió.
La pintura se creó en una época marcada por crisis personales y sociales. Munch vivió experiencias traumáticas, como la muerte de su madre y la lucha contra la enfermedad mental. Además, Europa estaba inmersa en un período de cambio social y tecnológico que generaba ansiedades y temores. Los colores en “El Grito” son poderosos y expresivos.
El rojo y el naranja del cielo contrastan fuertemente con el azul del agua, creando una sensación de caos y angustia. La figura central, con su cabeza alargada y distorsionada, aporta una sensación de despersonalización y alienación.
El estilo expresionista del grupo alemán Die Brücke, caracterizado por la simplificación formal y el uso arbitrario del color, encuentra uno de sus mejores ejemplos en el retrato de esta muchacha del barrio obrero de Friedrichstadt de Dresde. Protagonista de varios retratos de Kirchner y otros artistas del grupo, Fränzi aparece sentada en una silla, cuyo respaldo tiene tallada una figura desnuda de mujer. La joven nos mira desafiante con su rostro definido a base de gruesas pinceladas antinaturalistas de un intenso color verde, que contrastan con el carnoso tono de la silueta femenina que la enmarca. La frontalidad con la que se presenta ante nosotros pone en evidencia la herencia de modelos pictóricos de Munch, Van Gogh y Gauguin, así como del arte primitivo.
Fundado en 1911, es uno de los grupos más reconocidos del expresionismo, el movimiento que se aleja de la imitación de la naturaleza y deforma la realidad en función de expresar sentimientos, emociones y la visión subjetiva del artista.
Un detalle a tener en cuenta es que sus principales integrantes, Kandinky y Marc, resultarán siendo padres de la abstracción (a la que le encuentran un importante contenido simbólico y psicológico). En esta etapa, todavía, la abstracción es parcial: reconocemos figuras y objetos, aunque son representados de forma sencilla (como podemos ver en el cuadro que elegimos).
Siendo expresionistas, los artistas del grupo se caracterizan por no utilizar ni formas tan duras ni asociaciones cromáticas tan contrastantes (como los del grupo El Puente, por ejemplo). Es un expresionismo más lírico, menos “violento” a la hora de transmitir estados de ánimo.
Sus principales intereses son el misticismo, el simbolismo y las formas de arte que consideran más genuinas: el arte primitivo, el popular, el infantil e incluso el de los enfermos mentales.
En sus teorías le otorgan mucha importancia a la música. Asocian la composición musical con la composición pictórica. La música es abstracción y color.
Caballo azul (1911) es uno de los cuadros más famosos de Franz Marc y del “Jinete Azul “. Tanto el caballo como el paisaje están resueltos a base de formas geométricas: cubos, cuadrados, triángulos y rombos, que contribuyen a la fusión formal de unos y otro.
En el cuadro se puede visualizar un monte con plantas de color verde fijadas en el suelo; fiables a la realidad y hojas de palmeras rojas y azules un tanto surrealista. En el centro de la composición se encuentra un esbelto caballo con la cabeza boca abajo en una actitud como si estuviera pensando. El cuerpo está claramente estilizado, y éste aparece sin herraduras en las patas. La cabeza, sustentada por un poderoso cuello, era alargada y de rasgos afilados, en ella destacaban los ojos negros que contrastaban con el resto de colores vivos. El autor quería reflejar la libertad; por eso plasma al caballo sin ataduras. El color predominante en la obra es el azul que representa la austeridad masculina y lo espiritual.
CARACTERÍSTICAS EN LA MÚSICA
- Aporta el sistema dodecafónico, es decir, la escala conformada por 12 sonidos de igual intervalo que rompe con la estructura de la escala occidental (basada en 8 sonidos);
- Promueve el desarrollo de la música atonal;
- Acude a armonizaciones en extremo disonantes;
- Prefiere las líneas melódicas basadas en movimientos por grados disjuntos, es decir, con intervalos superiores a una segunda mayor;
- Aprovecha los contrastes en las dinámicas.
En Wozzeck, Berg utiliza un rango de enunciaciones vocales: diálogo puro, discurso rítmico, sprechstimme, media canción y canción plena. musical tripartita compuesta por una sección inicial, una sección de contraste y una nueva iteración de la sección inicial. La representación de la forma ternaria suele ser A–B–A.
La pieza, a pesar de su novedad e inspiración, se originó como un encargo a la antigua usanza (uno más en el tesoro de paradojas de Pierrot). Schoenberg estaba trabajando en su primer periodo febril de atonalidad libre -la restricción disciplinada de su método de doce tonos todavía estaba en el futuro- y se encontró con una gran necesidad de dinero. La actriz vienesa Albertine Zehme le encargó a Schoenberg que compusiera nuevas composiciones de poesía que ella interpretaba como parte de su repertorio. Las representaciones de Zehme se caracterizaban por un estilo de recitación exagerado con acompañamiento -una variante del melodrama-, pero ella consideraba que los poemas necesitaban una personalidad musical más audaz.
Hoy quiero traerte su pieza titulada Das Augenlicht, op. 26. Se basa en un poema de Hildegard Joe y fue compuesta para coro y pequeña orquesta; fue compuesta en 1935. Comienza de forma agitada y poco a poco va serenándose. Como es habitual en la obra de Webern, la orquesta está elegida de forma cuidadosa, con instrumentos raros como el saxofón y la mandolina. La armonía es principalmente atonal. Nos trae muchos efectos expresivos, tanto mediante la voz como gracias a los cambios de instrumentación. En ciertos momentos el compositor se dedica a la voz, con gran sensibilidad y dramatismo; en otros, parece que deja la voz a un lado y presta atención a la orquesta, con momentos sublimes. Una verdadera filigrana musical.
La instrumentación es coro, flauta, oboe, clarinete en si bemol, saxofón alto, trompa, trompeta, trombón, dos percusionistas, arpa, celesta, mandolina y cuerdas sin contrabajos.
El Golem pronuncia aspectos del judaísmo. Sus creencias en el esoterismo y la astrología provocan incomodidad en el Emperador Luhois (Otto Gebühr). El hombre decide perseguir al ghetto judío al dictar una orden de expulsión.
A su vez, el relato resalta también a un pueblo azotado por el sufrimiento y la miseria. El terror siembra peligro ante la amenaza concerniente del emperador. Con el fin de salvar a su pueblo, Rabbi Loew (Albert Steinrück) convoca al espíritu de Astaroth y ejecuta magia oscura para crear al Golem (Paul Wegener).
Así, el filme resalta un contexto antisemita acompañado por elementos fantásticos, representados con la atmósfera sobrenatural.
Con una atrevida y extravagante escenografía y unos maquillajes muy pronunciados, El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1919, Alemania) de Robert Wiene inició el género expresionista en el cine alemán, inspirado plásticamente en la revolución de la pintura y escenografías de vanguardia de anteguerra. El catedrático y guionista, Román Gubern, presenta esta película que forma parte del ciclo Género policiaco, dedicado a la mirada cinematográfica de la narrativa policial moderna.
El cine que despertó los miedos y terrores más agazapados del ser humano empezó sin sonido, solo imágenes, hace cien años, en 1922, con Nosferatu, el vampiro dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau, inspirada en la novela de Drácula,de Bram Stoker. Fue la décima película del director alemán cuando tenía 34 años, y guion de Henrik Galeen. Al principio no tuvo mucho éxito y quedó envuelta en la polémica ante la denuncia de plagio por parte de los herederos de Stoker. La película fue prohibida, algunas cintas se salvaron y se convirtió en obra de culto.
En 1992, setenta años después, Francis Ford Coppola hizo una adaptación de la misma novela bajo el título de Drácula, de Bram Stoker. El personaje de Drácula ha aparecido en más de 200 filmes y representa la figura del vampiro en el mundo occidental.
Drácula, junto con Frakenstein, es uno de los dos mitos literarios más potentes y visionarios del siglo XIX. En ellos se funden magistralmente lo ancestral, el pasado, lo oculto, el ansia de eternidad y el progreso y los miedos al futuro y la ciencia. Hechizo y razón.
Sin duda una de las grandes películas del inicio de la década de los años 30, en plena irrupción del cine sonoro, es ‘M, el vampiro de Düsseldorf‘ (1931), dirigida por el austriaco Fritz Lang. .
Basada en hechos reales, esta historia cuenta como una ciudad es aterrorizada por un asesino de niños a quienes se les acerca en la calle para intentar establecer un vínculo con ellos, conquistándolos con la compra de dulces o juguetes hasta que finalmente los desaparece y acaba con sus vidas. Este hecho no solo tiene consecuencias para las familias de la víctimas sino también para los distintos estamentos de la sociedad, representados en el gobierno local, la policía e incluso en los vendedores ambulantes, los habitantes de la calle, mendigos y hasta los mismos ladrones y traficantes, quienes son uno de los grupos más afectados debido a que son señalados como los principales sospechosos de las desapariciones de los infantes, lo que conlleva a que la policía ejerza una gran vigilancia sobre ellos, afectando su negocio y su modus vivendi
PRESENTACIÓN EXPRESIONISMO
Julia Fraile
Created on June 7, 2024
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VANGUARDIAS EUROPEAS EXPRESIONISMO
ÍNDICE
Técnicasutilizadas
Ideas básicas
Cómo surge
Principalesartistas
Influenciaactualidad
Obrasprincipales
CÓmo surge
El desengaño y la crítica hicieron que este movimiento tuviera como centro de su programa la percepción pesimista de la vida, el rechazo a la composición premeditada y el cuestionamiento de la belleza apolínea como fin último de la obra artística.
El expresionismo fue un movimiento artístico, cinematográfico, musical y literario que comenzó como estilo pictórico en Alemania durante la transición del siglo XIX al siglo XX. Más tarde se expandió a otras disciplinas y regiones hasta alcanzar su madurez entre 1905 y 1933, dejando por fuera la interrupción que significó la Primera Guerra Mundial. El expresionismo no fue un movimiento con un estilo unificado.
Expresión Emocional: Se centra en la expresión de emociones profundas y personales a través del arte. Los artistas buscan transmitir sus estados de ánimo, angustias y ansiedades. Distorsión de la Realidad: Las obras expresionistas a menudo distorsionan la realidad de manera deliberada. Figuras y objetos pueden aparecer deformados, exagerados o estilizados para reflejar el mundo interior del artista. Colores Intensos: El uso de colores vivos y llamativos es una característica distintiva. Los colores se utilizan para transmitir emociones y crear un impacto visual poderoso. Énfasis en lo Subjetivo: El Expresionismo pone un fuerte énfasis en la subjetividad. Cada artista interpreta el mundo a su manera y busca expresar su visión personal. Abstracción: A menudo, las obras expresionistas tienden hacia la abstracción, alejándose de la representación realista hacia la simplificación de formas y líneas. Temas Oscuros y Angustiosos: Los temas de alienación, ansiedad, soledad y desesperación son comunes en el Expresionismo. Los artistas exploran la condición humana en un mundo en constante cambio. Pinceladas Audaces y Espontáneas: La técnica de pincelada en el Expresionismo tiende a ser audaz y espontánea, a menudo con pinceladas visibles que reflejan la energía y la pasión del artista.
IDEASBÁSICAS
Técnicas utilizadas
El expresionismo se caracteriza por el uso de técnicas y estilos que refuerzan la expresividad de la obra. Algunas de las técnicas más utilizadas son el pincelado enérgico, las pinceladas visibles y la aplicación gruesa de la pintura. Estas técnicas permiten transmitir la intensidad emocional y la subjetividad del artista. En cuanto a los estilos, el expresionismo se puede dividir en dos corrientes principales: el expresionismo figurativo, que representa figuras reconocibles pero distorsionadas, y el expresionismo abstracto, que se aleja de la representación figurativa y se enfoca en la expresión pura de la emoción a través del color y la forma.
PINTORES
Emil Nolde (Alemania, 1867-1956)
James Ensor (Bélgica, 1860-1949)
Edvard Munch (Noruega, 1863-1944)
PINTORES
Oskar Kokoschka (Austria, 1886-1980)
Franz Marc (Alemania, 1880-1916)
Käthe Kollwitz (Alemania, 1867-1945)
Ernst Ludwig Kirchner (Alemania, 1880-1938)
ESCULTORES
Wilhelm Lehmbruck (Alemania, 1881-1919)
Ernst Barlach (Alemania, 1870-1938)
CINEASTAS
F.W. Murnau (Alemania, 1888-1931)
Henrik Galeen (Austria, 1881-1949)
Fritz Lang (Austria, 1890-1976)
Robert Wiene (Alemania, 1873-1938)
Karl Boese (Alemania, 1887-1958)
ESCRITORES
Georg Trakl (Alemania, 1887-1914)
August Stramm (Alemania, 1874-1915)
Theodor Däubler (Alemania, 1876-1934)
Georg Heym (Alemania, 1887-1912)
ESCRITORES
Georg Kaiser (Alemania, 1878-1945)
Alfred Döblin (Alemania, 1878-1957)
Gottfried Benn (Alemania, 1886-1956)
Johannes R. Becher (Alemania, 1891-1958)
MÚSICOS
Anton Webern (Austria, 1883–1945)
Arnold Schoenberg (Austria, 1874–1951)
Alban Berg (Austria, 1885–1935)
MÚSICOS
Ernst Krenek (Austria, 1900–1991)
Ígor Stravinski (Rusia, 1882–1971)
Paul Hindemith (Alemania, 1895–1963)
PINTURAS
Caballo Azul (1912) de Franz Marc
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
El grito (1893) de Edvard Munch
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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PINTURAS
El jinete azul (1903) de Vasili Kandinski
Senecio (1922) de Paul Klee
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literatura
El despertar de la primavera (1891) de Frank Wedekind
La muerte de Danton (1835) de Georg Büchner
Camino de Damasco (1898) de August Strindberg
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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LITERATURA
La metamorfosis (1915) de Frank Kafka
La montaña mágica (1924) de Thomas Mann
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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MÚSICA
La luz de los ojos (1935) de Anton von Webern
Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg
Wozzek (1925) de Alban Berg
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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CINE
El golem (1914) de Paul Wegener y Henrik Gaalen
El gabinete del Doctor Caligari (1919) de Robert Wiene
M, el vampiro de Düsseldorf (1931) de Fritz Lang
Nosferatu, el vampiro (1922) de Friedrich Murnau
Fränzi ante una silla tallada (1910) de Ernst Ludwig Kirchner
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INFLUENCIA ACTUALIDAD
El expresionismo, surgido a principios del siglo XX, sigue influyendo de manera significativa en la cultura contemporánea a través de diversas formas de arte. En el ámbito de las artes visuales, el uso de colores intensos y formas distorsionadas, características del expresionismo, prevalece en las obras de muchos artistas modernos que buscan transmitir emociones profundas y subjetivas. La exploración de temas como la angustia y la alienación sigue siendo relevante en el arte actual. En el cine, la estética visual del expresionismo alemán ha dejado una huella profunda, especialmente en géneros como el cine de terror y el cine noir. Las sombras dramáticas, los ángulos inusuales y las escenografías estilizadas que evocan el estilo expresionista se utilizan para crear atmósferas cargadas y emocionales. Además, la narrativa cinematográfica contemporánea a menudo se centra en personajes complejos y estados emocionales extremos, reflejando la inclinación del expresionismo por explorar la psique humana. La literatura contemporánea también adopta el enfoque subjetivo del expresionismo, con narrativas fragmentadas y perspectivas distorsionadas que exploran temas de desesperación, aislamiento y búsqueda de identidad. Poetas y novelistas modernos utilizan imágenes vívidas y simbolismo potente para establecer una conexión emocional directa con el lector. La música contemporánea también se ve influenciada por el expresionismo, con compositores que utilizan disonancias, ritmos irregulares y estructuras no convencionales para evocar emociones intensas y crear atmósferas cargadas. Géneros como la música experimental y la música electrónica incorporan elementos expresionistas, explorando nuevas formas de expresión emocional y conceptual.
GRACIAS
CARACTERÍSTICAS DE LA LITERATURA
En Camino de Damasco, el método narrativo para explorar la intimidad de los protagonistas cambia: se instala en las cuestiones morales y los tormentos inconscientes del personaje principal, no ya en sus avatares familiares, amorosos o sociales. Además, mientras que en los dramas naturalistas los personajes eran independientes entre sí (seres autónomos que se interpelaban), en Camino de Damasco todos los sujetos en escena dependen del Yo del protagonista, pues son multiplicaciones de él mismo. Por ese motivo, el personaje no sufre un vaciamiento de su interioridad mientras va respondiendo a las demandas de los demás (como Adolfo en Acreedores), sino que su mundo interno ha estallado desde el inicio la pieza y los relatos de los personajes dan cuenta de la fragmentación del Yo del Desconocido: “Es, pues, un teatro del desdoblamiento. Y se sabe que el desdoblamiento no es de por sí un fenómeno tranquilizador. Es, pues, un teatro de la angustia: el Yo recibe en toda su plenitud y todo su horror la carga aplastante de la vida individual, de la vida aislada” .
"Senecio" es una pintura creada por Paul Klee en retrato de un rostro, creado usando formas geométricas y colores llamativos. El rostro se representa como una serie de círculos y cuadrados superpuestos, con ojos grandes y estilizados y una nariz. Los colores utilizados en la pintura son principalmente amarillo, azul y verde, con líneas negras que definen las formas. Una de las características más llamativas de la pintura es la forma en que la cara se aplana y se abstrae. En lugar de crear una representación realista de una cara, Klee la dividió en una serie de formas que enfatizan sus cualidades geométricas. El resultado es un retrato divertido y sofisticado que combina elementos del arte popular y la abstracción modernista. El título "Senecio" se refiere a un tipo de planta conocida como "hierba cana" o "tierra", que a veces se denomina "senecio vulgaris". Klee era conocido por su uso de títulos enigmáticos que a menudo agregaban una capa adicional de significado a su trabajo.
La acción de esta novela transcurre en un sanatorio de tuberculosos de Zauberberg, que fue noticia por su cierre, donde coinciden dos primos de caracteres muy distintos. Más que en los sucesos, el conocimiento con Claudia Chauchat o con una pareja de peculiares y enfrentados pensadores, los pequeños conflictos generados por la convivencia, el goteo constante de fallecimientos..., el interés de esta novela reside en la perfecta reproducción de la vida interior, afectiva e intelectual, de la amplia galería de personajes que despliega Mann ante los ojos del lector, todos ellos perfectamente individualizados e interesantes por sí mismos. La montaña mágica se cuenta entre las diez mejores obras literarias del siglo XX. Esta nueva traducción, coincidiendo con el cincuentenario de la muerte del autor ha sido elogiada por crítica y lectores y, al fin, nos permite leer la obra maestra en su totalidad, pues incorpora numerosos pasajes desaparecidos en traducciones anteriores.
CARACTERÍSTICAS CINE EXPRESIONISTA ALEMÁN
CARACTERÍSTICAS EN LAS ARTES PLÁSTICAS
Johan Simons ha logrado una extraordinaria, reflexiva y singular puesta del drama Dantons Tod (La muerte de Dantón), que el insigne médico, agitador y dramaturgo Georg Büchner, escribiera entre enero y febrero de 1835, dos años antes de su muy temprana muerte. A nadie le puede extrañar que Simons haya elegido la metáfora del circo para hacer entrar en escena disfrazados de payasos a todos sus personajes políticos y revolucionarios.
La obra “Despertar de la primavera: Una tragedia infantil” fue escrita por Wedekind, entre el otoño de 1890 y la primavera de 1891, en Múnich, donde ningún editor quiso publicarla por su contenido trasgresor obligando al autor a editarla con sus propios recursos económicos en la editorial Jean Gross, de Zúrich, en octubre de 1891. Este fue su primer libro impreso con la portada hecha por el pintor Franz von Stuck y muestra un paisaje de primavera con flores evitando los motivos trágicos. La obra está inspirada en los recuerdos de adolescencia del autor, en el Gymnasium, donde conoció a Frank Oberlin y Moritz Dürr dos compañeros que se suicidaron, el primero en 1883 y el segundo en 1885. Moritz Dürr le comunico su idea de suicidio a Wedekind, así en su obra toma el nombre de este para darle, paradójicamente, vida al personaje de Moritz Stiefel. El autor dedica su texto al hombre enmascarado a quien representa, llevando una máscara de mujer, en la primera puesta en escena de la obra en un teatro de Berlín en 1906.
Su título original en alemán es Die Verwandlung, que podría traducirse como ‘la transformación’. No obstante, en español se ha optado por designarlo como 'metamorfosis', palabra que tiene un componente mítico asociado. En este relato se ha visto una alegoría del enfrentamiento del hombre ante un mundo moderno que lo oprime y lo borra. Por su parte, la transformación de Gregorio es un suceso fantástico que inaugura la literatura del absurdo, y en las décadas posteriores influirá a numerosos escritores consagrados. En esta historia se ha querido ver paralelismos biográficos con Kafka, especialmente en lo relacionado con su relación conflictiva con el padre. Dichas similitudes se pueden encontrar en Carta al padre (1919), un escrito en el que Kafka se dirige a su progenitor y pone de manifiesto la conducta abusiva y tiránica de su padre hacia él. Este hecho se puede ver también reflejado en la amenaza que supone el señor Samsa para su hijo en esta narración.
Esta pintura no es solo una imagen, sino una explosión de emociones en colores y formas. En ella, un personaje solitario se encuentra en un puente con un paisaje oscuro y retorcido detrás. Su rostro es una máscara de desesperación y parece gritar en silencio mientras dos figuras difuminadas caminan al fondo. Para entender “El Grito”, debemos mirar más allá del lienzo y considerar el contexto en el que Munch vivió. La pintura se creó en una época marcada por crisis personales y sociales. Munch vivió experiencias traumáticas, como la muerte de su madre y la lucha contra la enfermedad mental. Además, Europa estaba inmersa en un período de cambio social y tecnológico que generaba ansiedades y temores. Los colores en “El Grito” son poderosos y expresivos. El rojo y el naranja del cielo contrastan fuertemente con el azul del agua, creando una sensación de caos y angustia. La figura central, con su cabeza alargada y distorsionada, aporta una sensación de despersonalización y alienación.
El estilo expresionista del grupo alemán Die Brücke, caracterizado por la simplificación formal y el uso arbitrario del color, encuentra uno de sus mejores ejemplos en el retrato de esta muchacha del barrio obrero de Friedrichstadt de Dresde. Protagonista de varios retratos de Kirchner y otros artistas del grupo, Fränzi aparece sentada en una silla, cuyo respaldo tiene tallada una figura desnuda de mujer. La joven nos mira desafiante con su rostro definido a base de gruesas pinceladas antinaturalistas de un intenso color verde, que contrastan con el carnoso tono de la silueta femenina que la enmarca. La frontalidad con la que se presenta ante nosotros pone en evidencia la herencia de modelos pictóricos de Munch, Van Gogh y Gauguin, así como del arte primitivo.
Fundado en 1911, es uno de los grupos más reconocidos del expresionismo, el movimiento que se aleja de la imitación de la naturaleza y deforma la realidad en función de expresar sentimientos, emociones y la visión subjetiva del artista. Un detalle a tener en cuenta es que sus principales integrantes, Kandinky y Marc, resultarán siendo padres de la abstracción (a la que le encuentran un importante contenido simbólico y psicológico). En esta etapa, todavía, la abstracción es parcial: reconocemos figuras y objetos, aunque son representados de forma sencilla (como podemos ver en el cuadro que elegimos). Siendo expresionistas, los artistas del grupo se caracterizan por no utilizar ni formas tan duras ni asociaciones cromáticas tan contrastantes (como los del grupo El Puente, por ejemplo). Es un expresionismo más lírico, menos “violento” a la hora de transmitir estados de ánimo. Sus principales intereses son el misticismo, el simbolismo y las formas de arte que consideran más genuinas: el arte primitivo, el popular, el infantil e incluso el de los enfermos mentales. En sus teorías le otorgan mucha importancia a la música. Asocian la composición musical con la composición pictórica. La música es abstracción y color.
Caballo azul (1911) es uno de los cuadros más famosos de Franz Marc y del “Jinete Azul “. Tanto el caballo como el paisaje están resueltos a base de formas geométricas: cubos, cuadrados, triángulos y rombos, que contribuyen a la fusión formal de unos y otro. En el cuadro se puede visualizar un monte con plantas de color verde fijadas en el suelo; fiables a la realidad y hojas de palmeras rojas y azules un tanto surrealista. En el centro de la composición se encuentra un esbelto caballo con la cabeza boca abajo en una actitud como si estuviera pensando. El cuerpo está claramente estilizado, y éste aparece sin herraduras en las patas. La cabeza, sustentada por un poderoso cuello, era alargada y de rasgos afilados, en ella destacaban los ojos negros que contrastaban con el resto de colores vivos. El autor quería reflejar la libertad; por eso plasma al caballo sin ataduras. El color predominante en la obra es el azul que representa la austeridad masculina y lo espiritual.
CARACTERÍSTICAS EN LA MÚSICA
En Wozzeck, Berg utiliza un rango de enunciaciones vocales: diálogo puro, discurso rítmico, sprechstimme, media canción y canción plena. musical tripartita compuesta por una sección inicial, una sección de contraste y una nueva iteración de la sección inicial. La representación de la forma ternaria suele ser A–B–A.
La pieza, a pesar de su novedad e inspiración, se originó como un encargo a la antigua usanza (uno más en el tesoro de paradojas de Pierrot). Schoenberg estaba trabajando en su primer periodo febril de atonalidad libre -la restricción disciplinada de su método de doce tonos todavía estaba en el futuro- y se encontró con una gran necesidad de dinero. La actriz vienesa Albertine Zehme le encargó a Schoenberg que compusiera nuevas composiciones de poesía que ella interpretaba como parte de su repertorio. Las representaciones de Zehme se caracterizaban por un estilo de recitación exagerado con acompañamiento -una variante del melodrama-, pero ella consideraba que los poemas necesitaban una personalidad musical más audaz.
Hoy quiero traerte su pieza titulada Das Augenlicht, op. 26. Se basa en un poema de Hildegard Joe y fue compuesta para coro y pequeña orquesta; fue compuesta en 1935. Comienza de forma agitada y poco a poco va serenándose. Como es habitual en la obra de Webern, la orquesta está elegida de forma cuidadosa, con instrumentos raros como el saxofón y la mandolina. La armonía es principalmente atonal. Nos trae muchos efectos expresivos, tanto mediante la voz como gracias a los cambios de instrumentación. En ciertos momentos el compositor se dedica a la voz, con gran sensibilidad y dramatismo; en otros, parece que deja la voz a un lado y presta atención a la orquesta, con momentos sublimes. Una verdadera filigrana musical. La instrumentación es coro, flauta, oboe, clarinete en si bemol, saxofón alto, trompa, trompeta, trombón, dos percusionistas, arpa, celesta, mandolina y cuerdas sin contrabajos.
El Golem pronuncia aspectos del judaísmo. Sus creencias en el esoterismo y la astrología provocan incomodidad en el Emperador Luhois (Otto Gebühr). El hombre decide perseguir al ghetto judío al dictar una orden de expulsión. A su vez, el relato resalta también a un pueblo azotado por el sufrimiento y la miseria. El terror siembra peligro ante la amenaza concerniente del emperador. Con el fin de salvar a su pueblo, Rabbi Loew (Albert Steinrück) convoca al espíritu de Astaroth y ejecuta magia oscura para crear al Golem (Paul Wegener). Así, el filme resalta un contexto antisemita acompañado por elementos fantásticos, representados con la atmósfera sobrenatural.
Con una atrevida y extravagante escenografía y unos maquillajes muy pronunciados, El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1919, Alemania) de Robert Wiene inició el género expresionista en el cine alemán, inspirado plásticamente en la revolución de la pintura y escenografías de vanguardia de anteguerra. El catedrático y guionista, Román Gubern, presenta esta película que forma parte del ciclo Género policiaco, dedicado a la mirada cinematográfica de la narrativa policial moderna.
El cine que despertó los miedos y terrores más agazapados del ser humano empezó sin sonido, solo imágenes, hace cien años, en 1922, con Nosferatu, el vampiro dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau, inspirada en la novela de Drácula,de Bram Stoker. Fue la décima película del director alemán cuando tenía 34 años, y guion de Henrik Galeen. Al principio no tuvo mucho éxito y quedó envuelta en la polémica ante la denuncia de plagio por parte de los herederos de Stoker. La película fue prohibida, algunas cintas se salvaron y se convirtió en obra de culto. En 1992, setenta años después, Francis Ford Coppola hizo una adaptación de la misma novela bajo el título de Drácula, de Bram Stoker. El personaje de Drácula ha aparecido en más de 200 filmes y representa la figura del vampiro en el mundo occidental. Drácula, junto con Frakenstein, es uno de los dos mitos literarios más potentes y visionarios del siglo XIX. En ellos se funden magistralmente lo ancestral, el pasado, lo oculto, el ansia de eternidad y el progreso y los miedos al futuro y la ciencia. Hechizo y razón.
Sin duda una de las grandes películas del inicio de la década de los años 30, en plena irrupción del cine sonoro, es ‘M, el vampiro de Düsseldorf‘ (1931), dirigida por el austriaco Fritz Lang. . Basada en hechos reales, esta historia cuenta como una ciudad es aterrorizada por un asesino de niños a quienes se les acerca en la calle para intentar establecer un vínculo con ellos, conquistándolos con la compra de dulces o juguetes hasta que finalmente los desaparece y acaba con sus vidas. Este hecho no solo tiene consecuencias para las familias de la víctimas sino también para los distintos estamentos de la sociedad, representados en el gobierno local, la policía e incluso en los vendedores ambulantes, los habitantes de la calle, mendigos y hasta los mismos ladrones y traficantes, quienes son uno de los grupos más afectados debido a que son señalados como los principales sospechosos de las desapariciones de los infantes, lo que conlleva a que la policía ejerza una gran vigilancia sobre ellos, afectando su negocio y su modus vivendi