LA MÚSICA EN EL CLASICISMO
Características sociales y políticas del Clasicismo
El Clasicismo es un período artístico que tiene lugar en el S.XVIII, el siglo de la Ilustración, de la libertad. A nivel social se producen profundos cambios como la Declaración de los Derechos Humanos en 1776, la Revolución Francesa de 1789, la aprobación de la primera Constitución Europea y la progresiva abolición de la esclavitud. El S.XVIII es un periodo cosmopolita durante el cual desde el poder se patrocina a las Artes y las Letras como programas de reforma social a la vez que la cultura cortesana eclesiástica se traslada los salones privados de la Burguesía. Proliferan ediciones de partituras musicales y se comienzan a escribir las primeros tratados de Historia de la Música. El Clasicismo se llama así por el interés que tienen de regresar a la sencillez y claridad de la Antigüedad Clásica rechazando los excesos estilísticos del periodo anterior, el Barroco.
Principios estéticos del Clasicismo Musical
La imitación de la naturaleza es el principio general del arte en este periodo. El anhelo de naturalidad enlaza con la búsqueda de la sencillez y el equilibrio idealizado. En la música aparece desde dos aspectos: - la imitación directa de los sonidos de la misma - la imitación de los principios creadores de la naturaleza entendidos como principios de sencillez, inmediatez y falta de artificios. El abandono del bajo continuo a lo largo del periodo clásico se produce progresivamente a causa del desarrollo de una armonía cada vez más compleja y rica. La textura barroca se modifica. La melodía no es solamente competencia exclusiva de la voz superior sino que ésta puede pasar al acompañamiento convirtiéndose así en un elemento motívico. La melodía adquiere mayor importancia, se le dota de una direccionalidad en función de la tonalidad. La melodía clásica está perfectamente delimitada en unas estructuras simétricas y proporcionales. Sigue siendo heredera de la música vocal por lo que, aunque sea instrumental, debe ser cantabile y articulada. El ritmo se organiza en torno a unos esquemas básicos con el asentamiento del uso de la barra de compás, empleando el desplazamiento de los acentos dentro del compás con el empleo de síncopas y ritmos cruzados para crear dinamismo rítmico.
La ópera en el siglo XVIII: Italia
La ópera italiana daba gran protagonismo a la voz y al virtuosismo de los intérpretes favorecidos por la estructura de alternancia de recitativos y arias.Las arias venían reservadas para la expresión de los sentimientos y la introspección de los personajes mientras que en los recitativos se iba desarrollando la acción. Estructuralmente el drama quedaba absolutamente subordinado a la música. La orquesta apenas tiene un papel protagonista más allá de la obertura. Los temas eran alegóricos y elevados, procedentes de la mitología y alejados del día a día. Eran frecuentes los concertantes de solista con coro en el número final. Los cantantes más apreciados eran las sopranos y los castrados por sus peculiares características vocales.
Primeros intentos de reforma de la ópera
EL CLASICISMO
Principios de la reforma de Zeno y Metastasio
Los italianos trataron de adecuar la ópera a los nuevos ideales musicales y dramáticos que la volvieran más natural. Con este objetivo flexibilizaron la estructura a base de alternancia de recitativos y arias, dando más expresividad al contenido y eliminando coloraturas. No se abandona del todo el aria da capo pero se flexibiliza más la alternancia de recitativos y arias con el uso del recitativo accompagnato con lo que la acción avanza con mayor rapidez. La orquesta, como consecuencia, adquiere mayor importancia y reaparecerán los coros. Las figuras más representativas de esta renovación fueron Niccolo Jommelli y Tommaso Traetta.
La primera reforma de la ópera ya fue llevada a cabo por Zeno y Metastasio durante la época barroca, en busca de cohesión dramática.
La reforma de la ópera: Gluck
Fue Gluck quien finalmente consumó la reforma de la ópera seria en un estilo internacional ya que afectó tanto a los esquemas de la Gran Ópera francesa como la Ópera Seria italiana. La reforma de Gluck fue posible gracias a la colaboración con el libretista Calzabigi. En la nueva ópera la música debe restringirse a servir a la poesía sin interrumpir la acción. Buscan tanto en el argumento como en la música naturalidad, sencillez y verosimilitud.
Modificaciones musicales del "nuevo drama"
- Sustituye las arias por canciones estróficas o de composición desarrollada que favorecen el avance de la acción El recitativo acompañado sustituye al recitativo secco, consiguiendo una textura musical más homogénea.
- El coro y el ballet pasan a ser integrantes de la acción misma como un elemento dramático más.
- La obertura guarda relación con el resto de la ópera y la orquesta contribuye también al drama.
- La estructura formal de la nueva ópera integra elementos diversos como recitativos acompañados, ariosos venecianos, ballet, pantomimas francesas, canción inglesa o alemana,etc. convirtiéndose en una mezcla unificada de elementos internacionales lo que concuerda con la voluntad de universalidad.
La ópera buffa: características
Durante el S. XVIII la ópera buffa sirvió como elemento de ruptura con la ópera seria. Hacia mediados de siglo los lenguajes de la ópera seria y cómica ya están perfectamente diferenciados. Las características de este nuevo género más ligero son: -No existe una habilidad excepcional en la ejecución vocal de los intérpretes, a cambio existe mayor viveza de la recitación, lo que traerá consigo una simplificación del ritmo, una planificación más racional de la armonía, una tendencia al naturalismo en las melodías.- El número de personajes será limitado y a menudo representan arquetipos de la Commedia dell’arte. - El libretista que perfecciona el género de la ópera buffa será Carlo Goldoni. Él le da estructura y dignidad otorgando especial relevancia a la descripción de los personajes y las circunstancias que rodean la acción y adaptándose perfectamente al gusto de la nueva sociedad burguesa europea.
Personajes arquetípicos de la ópera buffa
Los temas muestran el cambio de mentalidad de la época. Los personajes protagonistas son de extracción popular o burguesa pero sin perder un objetivo aleccionador y edificante. Los finales tenderán a ser feliz a través de la razón y el buen juicio. El concertato final es el momento donde se reúnen todos los personajes para culminar el desenlace. La voz del bajo, se incorpora aquí por su valor para equilibrar el sonido. La ópera cómica fuera de la esfera italiana tuvo como rasgo distintivo la sustitución de los recitativos por partes dialogadas en los idiomas vernáculos de cada país.
LA ÓPERA EN EUROPA
La ópera en Francia
.Los partidarios de la ópera italiana encontraron en Piccini su paladín, mientras que Gluck lo fue para los partidarios de la ópera francesa. La reforma de Gluck se refina con arias cortas, escenas corales, recitativos y ceremonias griegas además de la inclusión del ballet.
La ópera había salido de Italia y se había distribuido por toda Europa pero solamente en Francia logró evolucionar con un modelo alternativo al italiano.
En 1752 se repuso en París La Serva Padrona de Pergolesi lo cual desencadenó una fuerte polémica que enfrentó a los partidarios de la ópera francesa aristocrática y tradicionalista afines a Rameau con los partidarios de la ópera buffa italiana progresista capitaneada por Rousseau.
La Ópera-Comique
La Tragedie Lyrique
Joseph Haydn (1732-1809)
La mayor parte de las óperas de Haydn eran del género dramma giocoso y en la música abundaba el humor y alegría características de este compositor. Escribió tres óperas con libretos de Goldoni: Lo speziale (1768,) Le pescatrici (1769) , Il mondo della luna (1777)¸ La vera costanza, la ópera turca L´incontro improviso y el drama heroico-cómico Orlando paladino, fueron importantes avances que condujeron a la creación de una ópera bufa original, antes de que las grandes óperas de Mozart. También escribió tres óperas serias, destacando L´anima del filosofo y la más famosa Armida, La calidad de Haydn como operista es difícil de calibrar. Haydn compone creaciones originales que poseen una gran riqueza musical. Su amistad con Mozart influyó mucho sobre su música teatral pero no poseía las cualidades dramáticas de Mozart y él mismo reconoció que sus óperas estaban creadas en función de las limitadas posibilidades del teatro de los Príncipes de Esterházy.
Características de la música de Haydn
Las óperas de Mozart
Características de la música de Mozart
- Mozart compuso casi sobre cualquier tema, solo precisaba de la existencia de un asunto dramático como excusa. - Los personajes de sus óperas están bien caracterizados psicológicamente por la música, muestran sus rasgos especialmente en las luchas dialécticas con otros personajes en los números de conjunto.
- Las estructuras: Mozart conserva la rígida separación entre recitativos y arias. Los recitativos mozartianos son más sencillos y sirven como enlace entre los espacios muertos de la acción dramática. Por su parte, los conjuntos al final de los actos son la aportación más significativa de las óperas de Mozart.
- En cuanto a la relación de equilibrio entre la voz y la orquesta, ésta adquiere importancia en el discurso dramático, ya que para Mozart el texto y la música cooperan en el asunto teatral sin existir una supremacía real de una sobre la otra.
- Podemos considerarlo el consagrador definitivo de la ópera nacional alemana, conjugando las aportaciones reformadoras de Gluck con la gracia italiana y la esencia popular germánica.
- Crea una nueva forma, incorporando los elementos de la ópera bufa a la ópera seria, lo que hace que algunas de sus óperas, como Don Giovanni se puedan clasificar con ambos géneros.
- Abandona los motivos mitológicos y trágicos de la ópera tradicional, a favor de los temas populares: Don Giovanni, La flauta mágica, Las bodas de Fígaro, Cosí fan tutte.
-La ópera cómica se convierte en sus manos en una obra dramática del más alto valor. - Utilizará algunos motivos melódicos recordatorios (salida de Papageno) que podrían considerarse los primeros leitmotiv. - La música, por muy virtuosística que sea, nunca tendrá la función de mutilar el drama.
El oratorio en el Clasicismo
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DE MOZART-Toca casi todos lo géneros musicales. -Espontaneidad y naturalidad con la que crea su música. Él escribía su música del mismo modo, ingenua y sencillamente. La alegría y serenidad dominan su producción. Irradia ternura, cosa que hace a su música más exquisita, amable, galante, graciosa, pura, fluida y adornada que la de Haydn. -- Por sus continuos viajes su música es muy cosmopolita y su asimilación de estilos se refleja de una manera muy peculiar y personal. Amalgama la gracia melódica italiana, la claridad, sencillez y elegancia franceses con el rigor sinfónico –orquestal germánicos. -Recibe influencias de Christian Bach en Londres, de Haydn, de Sammartini en Bolonia, de la reforma de Gluck y las innovaciones orquestales de la Escuela de Mannheim. - Su obra se clasifica con las letras KV, por el musicólogo alemán Köchel que, poco después de la muerte de Mozart, intentó clasificar toda su obra.
Pantalone: El viejo, avaro, ingenioso, negociante. Il dottore: Pedante, intelectual, compañero de Pantalone con quien comparte su avaricia. Suelen caraterizarle como obeso. Los servidores-bufones. Dentro de este grupo encontramos a Arlecchino, Brighella, y Pedrolino. Se permiten todo tipo de extravagancias, groserías, magias, ridiculizaciones y locuras. Suelen desdoblarse o disfrazarse ofreciendo así el punto de vista astuto y tonto que conduce a las soluciones más absurdas e imprevistas. Pulcinella: Es un viejo solterón, fantástico, egoísta. Un verdadero camaleón imitando, siempre atormentado por su aspecto físico (joroba), a menudo, es cruel, lascivo y ladrón. Il Capitano: A través de él, la comedia se burla de los mercenarios, soldados poco recomendables que son prácticamente incapaces de pelearse. Su característica es la del fanfarrón que siembra doquiera el terror, inspirando grandes amores, y que se muere de miedo. Colombina: Sirvienta-celestina, criada o camarera de una gran dama de la aristocracia, de Pantalone, de sus hijos o del dottore. Se mueve con velocidad y eficiencia y es a menudo el único personaje sensato del escenario. Los enamorados: Jóvenes, bellos, refinados, elegantes y gentiles. Fundamentalmente enamorados y románticos. Su felicidad está a merced del ingenio de sus criados. Sus aventuras son el núcleo de la comedia y reflejan episodios reales de la vida de la época. Los sirvientes son sus eternos confidentes.
-Limitar el número actos a tres en el lugar de los cinco que hay, por ejemplo, en la ópera francesa, esta estructura facilitaría la exposición de la trama el desarrollo y la conclusión o lieto fine el final de Metastasio vendría a sustituir el terror catártico de la tragedia escrita puesto que para él conmueve más al espectador la virtud que el terror.
-Limitar el número de personajes a un máximo de 6.
- Empleo de lenguaje simple desprovisto de grandilocuencia presentación de personajes reales no idealizados para favorecer la verosimilitud.
- Uso del recitativo accompagnato frente al recitativo secco.
La Tragedie Lirique
La Tragedie Lyrique es la ópera seria de Francia, cuyos temas son argumentos trágicos, mitológicos... Se acomoda en los ambientes aristocráticos de la Corte y el ballet sigue siendo un elemento relevante. Destaca como compositor André Grétry. Su música no es profunda, pero sí muy cantable y efectiva, con momentos de gran expresión dramática.
La Opéra-Comique se desarrolla en Francia como alternativa buffa a la Tragédie Lyrique (tragedia lírica). No se representaba en los mismos teatros que la ópera seria y tenía su propio espacio para ser representadas.Floreció con la revolución y la época napoleónica y fue adquiriendo un significado musical cada vez más grande en el romanticismo. Su temática es la vida cotidiana y del campo, mezclando rasgos cómicos y satíricos. Alterna los diálogos hablados con los números musicales.
La Opéra-Comique se desarrolla en Francia como alternativa buffa a la Tragédie Lyrique (tragedia lírica).No se representaba en los mismos teatros que la ópera seria y tenía su propio espacio para ser representadas.Floreció con la revolución y la época napoleónica y fue adquiriendo un significado musical cada vez más grande en el romanticismo. Su temática es la vida cotidiana y del campo, mezclando rasgos cómicos y satíricos. Alterna los diálogos hablados con los números musicales.
En la segunda mitad del S. XVIII Ramón de la Cruz aparece como el artífice de la reforma literaria en torno a la Zarzuela. Se abandonan los temas mitológicos y pasan a ser sustituidos por otros de raíz popular. Sin embargo la aportación más novedosa de este terreno se produce por la creación de la tonadilla escénica, equivalente de la ópera buffa italiana. Nació como intermedio al igual que la ópera buffa y como ésta se encuentra plagada de pintoresquismo y sátira política añadiendo elementos de rebelión contra los franceses. La música de la tonadilla escénica se conforma a partir de danzas populares (tiranas, seguidillas, incluso danzas coloniales como la habanera). Sus principales compositores fueron Pablo Esteve y Blas Laserna. La vida de este género fue especialmente breve ya que dejó de estar en boga antes del fin del S. XVIII, sin embargo influyó en la Zarzuela posterior de forma significativa.
LA ÓPERA EN ITALIALos principales compositores italianos de ópera buffa son: Giovanni Paisiello (1740-1816):
Este compositor napolitano fue el autor de El barbero de Sevilla (1782), basada en la comedia de Beaumarchais de 1775 y que ha quedado oscurecida por El barbero compuesto por Rossini. Niccolò Piccinni (1728-1800): fue uno de los compositores de ópera más populares de su época, figura central de la escena italiana y francesa de la segunda mitad del siglo XVIII, que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la napolitana ópera bufa.
LA ÓPERA EN ALEMANIAEn Alemania ha dominado el estilo de la ópera italiana, no hay un equivalente germano de la ópera seria y se terminó por crear el llamado Singspiel, en el que los recitativos son sustituidos por diálogos en lengua alemana. Los argumentos del Singspiel son de carácter ligero y popular a menudo con tintes sentimentales. Las melodías son sencillas y está compuesto por canciones de estilo ligero. J.A. Hiller es considerado como el creador del Singspiel alemán. Se desarrolla así una tradición propia del Singspiel vienés en el que los cantantes tienen una sólida formación operística
EL ORATORIO ITALIANO Según la idea de Metastasio de ser concebido como una ópera sacra, está proyectado para cantantes solistas y apenas incluye coros. Se interpreta fuera de las temporadas de ópera, en Adviento y Cuaresma, teniendo especial importancia el oratorio de pasión de la Semana Santa. En el periodo clásico los compositores de ópera napolitana escriben oratorios con influencias del estilo bufo. Son ejemplos de oratorio italiano los de Piccini,Paisiello, Mozart y Salieri.
En los países en los que se produce el oratorio italiano la producción nacional se convierte en una composición de oratorios en estilo italiano pero con textos en lengua vernácula. Así sucede en España, por ejemplo, con oratorios compuestos por Francisco Valls, Francisco Queralt o José Durán.
El oratorio en AlemaniaEl oratorio en Alemania experimenta hacia 1750 una nueva orientación estilística en pos de una nueva sencillez donde cobra mayor importancia la naturalidad y el sentimentalismo. Poco a poco se advierte un proceso de secularización ilustrada, incluyendo temas como la destrucción del mundo y la creación, así como imágenes de la naturaleza y escenas idílicas. La interpretación se desliga en parte de la función litúrgica y se concibe como obra de concierto.
Su contenido va más allá de los límites confesionales constituyendo una expresión religiosa mundana y cristiana pero humanista y tolerante.
Este oratorio culmina en las obras de Haydn. LOS ORATORIOS DE HAYND Su estancia en Londres le permitió conocer los oratorios de Haendel, especialmente El Mesías. Las partes corales de esta obra influyeron notablemente en las partes corales de sus oratorios principales como Die Schöpfung (La Creación) o Die Jahreszeiten (Las Estaciones). En ellas se conjuga el estilo haendeliano y la concepción sinfónica de Haydn. La Creación es un oratorio cuyo éxito se debe fundamentalmente al mensaje de fraternidad universal.
Musicalmente su construcción es tradicional, usa alternativamente recitativo accompagnato y secco, arias y coros. Existe yuxtaposición entre los solistas y el coro que dan origen a escenas llenas de contraste. Las Estaciones es un ciclo de cuatro cantatas: primavera, verano, otoño e invierno, cada una de las cuales tiene una cierta autonomía con una introducción orquestal inicial y un gran coro final. Los textos se basan en el poema The Seasons de James Thomson.
EL ORATORIO EN FRANCIA La historia del Oratorio en Francia en el siglo XVIII se divide en dos fases principales: Una primera fase en la que los oratorios se nombran como poema o motete francés en forma de oratorio etc. Estas obras se interpretaban en el seno de una institución denominada Concert Spirituel que ofrecía conciertos abiertos al público en los días en que la Ópera estaba cerrada.Allí se celebraban conciertos de carácter sacro en periodos festivos o en Pascua. En un principio solamente se interpretaban grandes motetes en latín, pero con el tiempo los oratorios fueron incluidos en estos conciertos. La segunda fase abarca entre 1774 y 1790. En esta segunda fase se consiguió ampliar la licencia para ofrecer conciertos más allá de la Semana Santa y se empezaron a incluir piezas de música profana francesa italiana.
El oratorio francés seguía más las tradiciones inglesas y alemanas. Las características esenciales del Oratorio francés eran su brevedad, ya que apenas alcanzaban los treinta minutos de música.
En la segunda mitad del S. XVIII Ramón de la Cruz aparece como el artífice de la reforma literaria en torno a la Zarzuela. Se abandonan los temas mitológicos y pasan a ser sustituidos por otros de raíz popular. Sin embargo la aportación más novedosa de este terreno se produce por la creación de la tonadilla escénica, equivalente de la ópera buffa italiana. Nació como intermedio al igual que la ópera buffa y como ésta se encuentra plagada de pintoresquismo y sátira política añadiendo elementos de rebelión contra los franceses. La música de la tonadilla escénica se conforma a partir de danzas populares (tiranas, seguidillas, incluso danzas coloniales como la habanera). Sus principales compositores fueron Pablo Esteve y Blas Laserna. La vida de este género fue especialmente breve ya que dejó de estar en boga antes del fin del S. XVIII, sin embargo influyó en la Zarzuela posterior de forma significativa.
LA ÓPERA EN ALEMANIAEn Alemania ha dominado el estilo de la ópera italiana, no hay un equivalente germano de la ópera seria y se terminó por crear el llamado Singspiel, en el que los recitativos son sustituidos por diálogos en lengua alemana. Los argumentos del Singspiel son de carácter ligero y popular a menudo con tintes sentimentales. Las melodías son sencillas y está compuesto por canciones de estilo ligero. J.A. Hiller es considerado como el creador del Singspiel alemán. Se desarrolla así una tradición propia del Singspiel vienés en el que los cantantes tienen una sólida formación operística
LA ÓPERA EN ITALIALos principales compositores italianos de ópera buffa son: Giovanni Paisiello (1740-1816):
Este compositor napolitano fue el autor de El barbero de Sevilla (1782), basada en la comedia de Beaumarchais de 1775 y que ha quedado oscurecida por El barbero compuesto por Rossini. Niccolò Piccinni (1728-1800): fue uno de los compositores de ópera más populares de su época, figura central de la escena italiana y francesa de la segunda mitad del siglo XVIII, que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la napolitana ópera bufa.
EL ORATORIO EN FRANCIA La historia del Oratorio en Francia en el siglo XVIII se divide en dos fases principales: Una primera fase en la que los oratorios se nombran como poema o motete francés en forma de oratorio etc. Estas obras se interpretaban en el seno de una institución denominada Concert Spirituel que ofrecía conciertos abiertos al público en los días en que la Ópera estaba cerrada.Allí se celebraban conciertos de carácter sacro en periodos festivos o en Pascua. En un principio solamente se interpretaban grandes motetes en latín, pero con el tiempo los oratorios fueron incluidos en estos conciertos. La segunda fase abarca entre 1774 y 1790. En esta segunda fase se consiguió ampliar la licencia para ofrecer conciertos más allá de la Semana Santa y se empezaron a incluir piezas de música profana francesa italiana.
El oratorio francés seguía más las tradiciones inglesas y alemanas. Las características esenciales del Oratorio francés eran su brevedad, ya que apenas alcanzaban los treinta minutos de música.
El oratorio en AlemaniaEl oratorio en Alemania experimenta hacia 1750 una nueva orientación estilística en pos de una nueva sencillez donde cobra mayor importancia la naturalidad y el sentimentalismo. Poco a poco se advierte un proceso de secularización ilustrada, incluyendo temas como la destrucción del mundo y la creación, así como imágenes de la naturaleza y escenas idílicas. La interpretación se desliga en parte de la función litúrgica y se concibe como obra de concierto.
Su contenido va más allá de los límites confesionales constituyendo una expresión religiosa mundana y cristiana pero humanista y tolerante.
Este oratorio culmina en las obras de Haydn. LOS ORATORIOS DE HAYND Su estancia en Londres le permitió conocer los oratorios de Haendel, especialmente El Mesías. Las partes corales de esta obra influyeron notablemente en las partes corales de sus oratorios principales como Die Schöpfung (La Creación) o Die Jahreszeiten (Las Estaciones). En ellas se conjuga el estilo haendeliano y la concepción sinfónica de Haydn. La Creación es un oratorio cuyo éxito se debe fundamentalmente al mensaje de fraternidad universal.
Musicalmente su construcción es tradicional, usa alternativamente recitativo accompagnato y secco, arias y coros. Existe yuxtaposición entre los solistas y el coro que dan origen a escenas llenas de contraste. Las Estaciones es un ciclo de cuatro cantatas: primavera, verano, otoño e invierno, cada una de las cuales tiene una cierta autonomía con una introducción orquestal inicial y un gran coro final. Los textos se basan en el poema The Seasons de James Thomson.
EL ORATORIO ITALIANO Según la idea de Metastasio de ser concebido como una ópera sacra, está proyectado para cantantes solistas y apenas incluye coros. Se interpreta fuera de las temporadas de ópera, en Adviento y Cuaresma, teniendo especial importancia el oratorio de pasión de la Semana Santa. En el periodo clásico los compositores de ópera napolitana escriben oratorios con influencias del estilo bufo. Son ejemplos de oratorio italiano los de Piccini,Paisiello, Mozart y Salieri.
En los países en los que se produce el oratorio italiano la producción nacional se convierte en una composición de oratorios en estilo italiano pero con textos en lengua vernácula. Así sucede en España, por ejemplo, con oratorios compuestos por Francisco Valls, Francisco Queralt o José Durán.
-Limitar el número actos a tres en el lugar de los cinco que hay, por ejemplo, en la ópera francesa, esta estructura facilitaría la exposición de la trama el desarrollo y la conclusión o lieto fine el final de Metastasio vendría a sustituir el terror catártico de la tragedia escrita puesto que para él conmueve más al espectador la virtud que el terror.
-Limitar el número de personajes a un máximo de 6.
- Empleo de lenguaje simple desprovisto de grandilocuencia presentación de personajes reales no idealizados para favorecer la verosimilitud.
- Uso del recitativo accompagnato frente al recitativo secco.
Pantalone: El viejo, avaro, ingenioso, negociante. Il dottore: Pedante, intelectual, compañero de Pantalone con quien comparte su avaricia. Suelen caraterizarle como obeso. Los servidores-bufones. Dentro de este grupo encontramos a Arlecchino, Brighella, y Pedrolino. Se permiten todo tipo de extravagancias, groserías, magias, ridiculizaciones y locuras. Suelen desdoblarse o disfrazarse ofreciendo así el punto de vista astuto y tonto que conduce a las soluciones más absurdas e imprevistas. Pulcinella: Es un viejo solterón, fantástico, egoísta. Un verdadero camaleón imitando, siempre atormentado por su aspecto físico (joroba), a menudo, es cruel, lascivo y ladrón. Il Capitano: A través de él, la comedia se burla de los mercenarios, soldados poco recomendables que son prácticamente incapaces de pelearse. Su característica es la del fanfarrón que siembra doquiera el terror, inspirando grandes amores, y que se muere de miedo. Colombina: Sirvienta-celestina, criada o camarera de una gran dama de la aristocracia, de Pantalone, de sus hijos o del dottore. Se mueve con velocidad y eficiencia y es a menudo el único personaje sensato del escenario. Los enamorados: Jóvenes, bellos, refinados, elegantes y gentiles. Fundamentalmente enamorados y románticos. Su felicidad está a merced del ingenio de sus criados. Sus aventuras son el núcleo de la comedia y reflejan episodios reales de la vida de la época. Los sirvientes son sus eternos confidentes.
La Tragedie Lyrique es la ópera seria de Francia, cuyos temas son argumentos trágicos, mitológicos... Se acomoda en los ambientes aristocráticos de la Corte y el ballet sigue siendo un elemento relevante. Destaca como compositor André Grétry. Su música no es profunda, pero sí muy cantable y efectiva, con momentos de gran expresión dramática.
La Opéra-Comique se desarrolla en Francia como alternativa buffa a la Tragédie Lyrique (tragedia lírica). No se representaba en los mismos teatros que la ópera seria y tenía su propio espacio para ser representadas.Floreció con la revolución y la época napoleónica y fue adquiriendo un significado musical cada vez más grande en el romanticismo. Su temática es la vida cotidiana y del campo, mezclando rasgos cómicos y satíricos. Alterna los diálogos hablados con los números musicales.
Características de la música de Haydn:- Era música para entretener a la corte. - No es un innovador de formas. - Maestro consumado en el desarrollo de temas, que desentraña y transforma de mil modos. - Su música respira alegría, ingenuidad, transparencia, sencillez, gracia y humor. - Refleja admirablemente la tranquilidad, serenidad y proporciones clásicas. - Melodismo sencillo, fácil y accesible a todos. - Uso de la temática incrustada en raíces populares. - Estilo muy igual. - Predilección por frases cortas y claras. - Armonía transparente sin cambios tonales bruscos. - Rasgos descriptivos en algunas obras. - Individualización de los instrumentos, que se mueven con personalidad y colorido propios.
EL CLASICISMO EN LA MÚSICA VOCAL
Azahara Ruiz Franco
Created on May 26, 2024
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LA MÚSICA EN EL CLASICISMO
Características sociales y políticas del Clasicismo
El Clasicismo es un período artístico que tiene lugar en el S.XVIII, el siglo de la Ilustración, de la libertad. A nivel social se producen profundos cambios como la Declaración de los Derechos Humanos en 1776, la Revolución Francesa de 1789, la aprobación de la primera Constitución Europea y la progresiva abolición de la esclavitud. El S.XVIII es un periodo cosmopolita durante el cual desde el poder se patrocina a las Artes y las Letras como programas de reforma social a la vez que la cultura cortesana eclesiástica se traslada los salones privados de la Burguesía. Proliferan ediciones de partituras musicales y se comienzan a escribir las primeros tratados de Historia de la Música. El Clasicismo se llama así por el interés que tienen de regresar a la sencillez y claridad de la Antigüedad Clásica rechazando los excesos estilísticos del periodo anterior, el Barroco.
Principios estéticos del Clasicismo Musical
La imitación de la naturaleza es el principio general del arte en este periodo. El anhelo de naturalidad enlaza con la búsqueda de la sencillez y el equilibrio idealizado. En la música aparece desde dos aspectos: - la imitación directa de los sonidos de la misma - la imitación de los principios creadores de la naturaleza entendidos como principios de sencillez, inmediatez y falta de artificios. El abandono del bajo continuo a lo largo del periodo clásico se produce progresivamente a causa del desarrollo de una armonía cada vez más compleja y rica. La textura barroca se modifica. La melodía no es solamente competencia exclusiva de la voz superior sino que ésta puede pasar al acompañamiento convirtiéndose así en un elemento motívico. La melodía adquiere mayor importancia, se le dota de una direccionalidad en función de la tonalidad. La melodía clásica está perfectamente delimitada en unas estructuras simétricas y proporcionales. Sigue siendo heredera de la música vocal por lo que, aunque sea instrumental, debe ser cantabile y articulada. El ritmo se organiza en torno a unos esquemas básicos con el asentamiento del uso de la barra de compás, empleando el desplazamiento de los acentos dentro del compás con el empleo de síncopas y ritmos cruzados para crear dinamismo rítmico.
La ópera en el siglo XVIII: Italia
La ópera italiana daba gran protagonismo a la voz y al virtuosismo de los intérpretes favorecidos por la estructura de alternancia de recitativos y arias.Las arias venían reservadas para la expresión de los sentimientos y la introspección de los personajes mientras que en los recitativos se iba desarrollando la acción. Estructuralmente el drama quedaba absolutamente subordinado a la música. La orquesta apenas tiene un papel protagonista más allá de la obertura. Los temas eran alegóricos y elevados, procedentes de la mitología y alejados del día a día. Eran frecuentes los concertantes de solista con coro en el número final. Los cantantes más apreciados eran las sopranos y los castrados por sus peculiares características vocales.
Primeros intentos de reforma de la ópera
EL CLASICISMO
Principios de la reforma de Zeno y Metastasio
Los italianos trataron de adecuar la ópera a los nuevos ideales musicales y dramáticos que la volvieran más natural. Con este objetivo flexibilizaron la estructura a base de alternancia de recitativos y arias, dando más expresividad al contenido y eliminando coloraturas. No se abandona del todo el aria da capo pero se flexibiliza más la alternancia de recitativos y arias con el uso del recitativo accompagnato con lo que la acción avanza con mayor rapidez. La orquesta, como consecuencia, adquiere mayor importancia y reaparecerán los coros. Las figuras más representativas de esta renovación fueron Niccolo Jommelli y Tommaso Traetta.
La primera reforma de la ópera ya fue llevada a cabo por Zeno y Metastasio durante la época barroca, en busca de cohesión dramática.
La reforma de la ópera: Gluck
Fue Gluck quien finalmente consumó la reforma de la ópera seria en un estilo internacional ya que afectó tanto a los esquemas de la Gran Ópera francesa como la Ópera Seria italiana. La reforma de Gluck fue posible gracias a la colaboración con el libretista Calzabigi. En la nueva ópera la música debe restringirse a servir a la poesía sin interrumpir la acción. Buscan tanto en el argumento como en la música naturalidad, sencillez y verosimilitud.
Modificaciones musicales del "nuevo drama"
La ópera buffa: características
Durante el S. XVIII la ópera buffa sirvió como elemento de ruptura con la ópera seria. Hacia mediados de siglo los lenguajes de la ópera seria y cómica ya están perfectamente diferenciados. Las características de este nuevo género más ligero son: -No existe una habilidad excepcional en la ejecución vocal de los intérpretes, a cambio existe mayor viveza de la recitación, lo que traerá consigo una simplificación del ritmo, una planificación más racional de la armonía, una tendencia al naturalismo en las melodías.- El número de personajes será limitado y a menudo representan arquetipos de la Commedia dell’arte. - El libretista que perfecciona el género de la ópera buffa será Carlo Goldoni. Él le da estructura y dignidad otorgando especial relevancia a la descripción de los personajes y las circunstancias que rodean la acción y adaptándose perfectamente al gusto de la nueva sociedad burguesa europea.
Personajes arquetípicos de la ópera buffa
Los temas muestran el cambio de mentalidad de la época. Los personajes protagonistas son de extracción popular o burguesa pero sin perder un objetivo aleccionador y edificante. Los finales tenderán a ser feliz a través de la razón y el buen juicio. El concertato final es el momento donde se reúnen todos los personajes para culminar el desenlace. La voz del bajo, se incorpora aquí por su valor para equilibrar el sonido. La ópera cómica fuera de la esfera italiana tuvo como rasgo distintivo la sustitución de los recitativos por partes dialogadas en los idiomas vernáculos de cada país.
LA ÓPERA EN EUROPA
La ópera en Francia
.Los partidarios de la ópera italiana encontraron en Piccini su paladín, mientras que Gluck lo fue para los partidarios de la ópera francesa. La reforma de Gluck se refina con arias cortas, escenas corales, recitativos y ceremonias griegas además de la inclusión del ballet. La ópera había salido de Italia y se había distribuido por toda Europa pero solamente en Francia logró evolucionar con un modelo alternativo al italiano.
En 1752 se repuso en París La Serva Padrona de Pergolesi lo cual desencadenó una fuerte polémica que enfrentó a los partidarios de la ópera francesa aristocrática y tradicionalista afines a Rameau con los partidarios de la ópera buffa italiana progresista capitaneada por Rousseau.
La Ópera-Comique
La Tragedie Lyrique
Joseph Haydn (1732-1809)
La mayor parte de las óperas de Haydn eran del género dramma giocoso y en la música abundaba el humor y alegría características de este compositor. Escribió tres óperas con libretos de Goldoni: Lo speziale (1768,) Le pescatrici (1769) , Il mondo della luna (1777)¸ La vera costanza, la ópera turca L´incontro improviso y el drama heroico-cómico Orlando paladino, fueron importantes avances que condujeron a la creación de una ópera bufa original, antes de que las grandes óperas de Mozart. También escribió tres óperas serias, destacando L´anima del filosofo y la más famosa Armida, La calidad de Haydn como operista es difícil de calibrar. Haydn compone creaciones originales que poseen una gran riqueza musical. Su amistad con Mozart influyó mucho sobre su música teatral pero no poseía las cualidades dramáticas de Mozart y él mismo reconoció que sus óperas estaban creadas en función de las limitadas posibilidades del teatro de los Príncipes de Esterházy.
Características de la música de Haydn
Las óperas de Mozart
Características de la música de Mozart
- Mozart compuso casi sobre cualquier tema, solo precisaba de la existencia de un asunto dramático como excusa. - Los personajes de sus óperas están bien caracterizados psicológicamente por la música, muestran sus rasgos especialmente en las luchas dialécticas con otros personajes en los números de conjunto. - Las estructuras: Mozart conserva la rígida separación entre recitativos y arias. Los recitativos mozartianos son más sencillos y sirven como enlace entre los espacios muertos de la acción dramática. Por su parte, los conjuntos al final de los actos son la aportación más significativa de las óperas de Mozart. - En cuanto a la relación de equilibrio entre la voz y la orquesta, ésta adquiere importancia en el discurso dramático, ya que para Mozart el texto y la música cooperan en el asunto teatral sin existir una supremacía real de una sobre la otra. - Podemos considerarlo el consagrador definitivo de la ópera nacional alemana, conjugando las aportaciones reformadoras de Gluck con la gracia italiana y la esencia popular germánica. - Crea una nueva forma, incorporando los elementos de la ópera bufa a la ópera seria, lo que hace que algunas de sus óperas, como Don Giovanni se puedan clasificar con ambos géneros. - Abandona los motivos mitológicos y trágicos de la ópera tradicional, a favor de los temas populares: Don Giovanni, La flauta mágica, Las bodas de Fígaro, Cosí fan tutte. -La ópera cómica se convierte en sus manos en una obra dramática del más alto valor. - Utilizará algunos motivos melódicos recordatorios (salida de Papageno) que podrían considerarse los primeros leitmotiv. - La música, por muy virtuosística que sea, nunca tendrá la función de mutilar el drama.
El oratorio en el Clasicismo
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DE MOZART-Toca casi todos lo géneros musicales. -Espontaneidad y naturalidad con la que crea su música. Él escribía su música del mismo modo, ingenua y sencillamente. La alegría y serenidad dominan su producción. Irradia ternura, cosa que hace a su música más exquisita, amable, galante, graciosa, pura, fluida y adornada que la de Haydn. -- Por sus continuos viajes su música es muy cosmopolita y su asimilación de estilos se refleja de una manera muy peculiar y personal. Amalgama la gracia melódica italiana, la claridad, sencillez y elegancia franceses con el rigor sinfónico –orquestal germánicos. -Recibe influencias de Christian Bach en Londres, de Haydn, de Sammartini en Bolonia, de la reforma de Gluck y las innovaciones orquestales de la Escuela de Mannheim. - Su obra se clasifica con las letras KV, por el musicólogo alemán Köchel que, poco después de la muerte de Mozart, intentó clasificar toda su obra.
Pantalone: El viejo, avaro, ingenioso, negociante. Il dottore: Pedante, intelectual, compañero de Pantalone con quien comparte su avaricia. Suelen caraterizarle como obeso. Los servidores-bufones. Dentro de este grupo encontramos a Arlecchino, Brighella, y Pedrolino. Se permiten todo tipo de extravagancias, groserías, magias, ridiculizaciones y locuras. Suelen desdoblarse o disfrazarse ofreciendo así el punto de vista astuto y tonto que conduce a las soluciones más absurdas e imprevistas. Pulcinella: Es un viejo solterón, fantástico, egoísta. Un verdadero camaleón imitando, siempre atormentado por su aspecto físico (joroba), a menudo, es cruel, lascivo y ladrón. Il Capitano: A través de él, la comedia se burla de los mercenarios, soldados poco recomendables que son prácticamente incapaces de pelearse. Su característica es la del fanfarrón que siembra doquiera el terror, inspirando grandes amores, y que se muere de miedo. Colombina: Sirvienta-celestina, criada o camarera de una gran dama de la aristocracia, de Pantalone, de sus hijos o del dottore. Se mueve con velocidad y eficiencia y es a menudo el único personaje sensato del escenario. Los enamorados: Jóvenes, bellos, refinados, elegantes y gentiles. Fundamentalmente enamorados y románticos. Su felicidad está a merced del ingenio de sus criados. Sus aventuras son el núcleo de la comedia y reflejan episodios reales de la vida de la época. Los sirvientes son sus eternos confidentes.
-Limitar el número actos a tres en el lugar de los cinco que hay, por ejemplo, en la ópera francesa, esta estructura facilitaría la exposición de la trama el desarrollo y la conclusión o lieto fine el final de Metastasio vendría a sustituir el terror catártico de la tragedia escrita puesto que para él conmueve más al espectador la virtud que el terror. -Limitar el número de personajes a un máximo de 6. - Empleo de lenguaje simple desprovisto de grandilocuencia presentación de personajes reales no idealizados para favorecer la verosimilitud. - Uso del recitativo accompagnato frente al recitativo secco.
La Tragedie Lirique
La Tragedie Lyrique es la ópera seria de Francia, cuyos temas son argumentos trágicos, mitológicos... Se acomoda en los ambientes aristocráticos de la Corte y el ballet sigue siendo un elemento relevante. Destaca como compositor André Grétry. Su música no es profunda, pero sí muy cantable y efectiva, con momentos de gran expresión dramática.
La Opéra-Comique se desarrolla en Francia como alternativa buffa a la Tragédie Lyrique (tragedia lírica). No se representaba en los mismos teatros que la ópera seria y tenía su propio espacio para ser representadas.Floreció con la revolución y la época napoleónica y fue adquiriendo un significado musical cada vez más grande en el romanticismo. Su temática es la vida cotidiana y del campo, mezclando rasgos cómicos y satíricos. Alterna los diálogos hablados con los números musicales.
La Opéra-Comique se desarrolla en Francia como alternativa buffa a la Tragédie Lyrique (tragedia lírica).No se representaba en los mismos teatros que la ópera seria y tenía su propio espacio para ser representadas.Floreció con la revolución y la época napoleónica y fue adquiriendo un significado musical cada vez más grande en el romanticismo. Su temática es la vida cotidiana y del campo, mezclando rasgos cómicos y satíricos. Alterna los diálogos hablados con los números musicales.
En la segunda mitad del S. XVIII Ramón de la Cruz aparece como el artífice de la reforma literaria en torno a la Zarzuela. Se abandonan los temas mitológicos y pasan a ser sustituidos por otros de raíz popular. Sin embargo la aportación más novedosa de este terreno se produce por la creación de la tonadilla escénica, equivalente de la ópera buffa italiana. Nació como intermedio al igual que la ópera buffa y como ésta se encuentra plagada de pintoresquismo y sátira política añadiendo elementos de rebelión contra los franceses. La música de la tonadilla escénica se conforma a partir de danzas populares (tiranas, seguidillas, incluso danzas coloniales como la habanera). Sus principales compositores fueron Pablo Esteve y Blas Laserna. La vida de este género fue especialmente breve ya que dejó de estar en boga antes del fin del S. XVIII, sin embargo influyó en la Zarzuela posterior de forma significativa.
LA ÓPERA EN ITALIALos principales compositores italianos de ópera buffa son: Giovanni Paisiello (1740-1816): Este compositor napolitano fue el autor de El barbero de Sevilla (1782), basada en la comedia de Beaumarchais de 1775 y que ha quedado oscurecida por El barbero compuesto por Rossini. Niccolò Piccinni (1728-1800): fue uno de los compositores de ópera más populares de su época, figura central de la escena italiana y francesa de la segunda mitad del siglo XVIII, que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la napolitana ópera bufa.
LA ÓPERA EN ALEMANIAEn Alemania ha dominado el estilo de la ópera italiana, no hay un equivalente germano de la ópera seria y se terminó por crear el llamado Singspiel, en el que los recitativos son sustituidos por diálogos en lengua alemana. Los argumentos del Singspiel son de carácter ligero y popular a menudo con tintes sentimentales. Las melodías son sencillas y está compuesto por canciones de estilo ligero. J.A. Hiller es considerado como el creador del Singspiel alemán. Se desarrolla así una tradición propia del Singspiel vienés en el que los cantantes tienen una sólida formación operística
EL ORATORIO ITALIANO Según la idea de Metastasio de ser concebido como una ópera sacra, está proyectado para cantantes solistas y apenas incluye coros. Se interpreta fuera de las temporadas de ópera, en Adviento y Cuaresma, teniendo especial importancia el oratorio de pasión de la Semana Santa. En el periodo clásico los compositores de ópera napolitana escriben oratorios con influencias del estilo bufo. Son ejemplos de oratorio italiano los de Piccini,Paisiello, Mozart y Salieri. En los países en los que se produce el oratorio italiano la producción nacional se convierte en una composición de oratorios en estilo italiano pero con textos en lengua vernácula. Así sucede en España, por ejemplo, con oratorios compuestos por Francisco Valls, Francisco Queralt o José Durán.
El oratorio en AlemaniaEl oratorio en Alemania experimenta hacia 1750 una nueva orientación estilística en pos de una nueva sencillez donde cobra mayor importancia la naturalidad y el sentimentalismo. Poco a poco se advierte un proceso de secularización ilustrada, incluyendo temas como la destrucción del mundo y la creación, así como imágenes de la naturaleza y escenas idílicas. La interpretación se desliga en parte de la función litúrgica y se concibe como obra de concierto. Su contenido va más allá de los límites confesionales constituyendo una expresión religiosa mundana y cristiana pero humanista y tolerante. Este oratorio culmina en las obras de Haydn. LOS ORATORIOS DE HAYND Su estancia en Londres le permitió conocer los oratorios de Haendel, especialmente El Mesías. Las partes corales de esta obra influyeron notablemente en las partes corales de sus oratorios principales como Die Schöpfung (La Creación) o Die Jahreszeiten (Las Estaciones). En ellas se conjuga el estilo haendeliano y la concepción sinfónica de Haydn. La Creación es un oratorio cuyo éxito se debe fundamentalmente al mensaje de fraternidad universal. Musicalmente su construcción es tradicional, usa alternativamente recitativo accompagnato y secco, arias y coros. Existe yuxtaposición entre los solistas y el coro que dan origen a escenas llenas de contraste. Las Estaciones es un ciclo de cuatro cantatas: primavera, verano, otoño e invierno, cada una de las cuales tiene una cierta autonomía con una introducción orquestal inicial y un gran coro final. Los textos se basan en el poema The Seasons de James Thomson.
EL ORATORIO EN FRANCIA La historia del Oratorio en Francia en el siglo XVIII se divide en dos fases principales: Una primera fase en la que los oratorios se nombran como poema o motete francés en forma de oratorio etc. Estas obras se interpretaban en el seno de una institución denominada Concert Spirituel que ofrecía conciertos abiertos al público en los días en que la Ópera estaba cerrada.Allí se celebraban conciertos de carácter sacro en periodos festivos o en Pascua. En un principio solamente se interpretaban grandes motetes en latín, pero con el tiempo los oratorios fueron incluidos en estos conciertos. La segunda fase abarca entre 1774 y 1790. En esta segunda fase se consiguió ampliar la licencia para ofrecer conciertos más allá de la Semana Santa y se empezaron a incluir piezas de música profana francesa italiana. El oratorio francés seguía más las tradiciones inglesas y alemanas. Las características esenciales del Oratorio francés eran su brevedad, ya que apenas alcanzaban los treinta minutos de música.
En la segunda mitad del S. XVIII Ramón de la Cruz aparece como el artífice de la reforma literaria en torno a la Zarzuela. Se abandonan los temas mitológicos y pasan a ser sustituidos por otros de raíz popular. Sin embargo la aportación más novedosa de este terreno se produce por la creación de la tonadilla escénica, equivalente de la ópera buffa italiana. Nació como intermedio al igual que la ópera buffa y como ésta se encuentra plagada de pintoresquismo y sátira política añadiendo elementos de rebelión contra los franceses. La música de la tonadilla escénica se conforma a partir de danzas populares (tiranas, seguidillas, incluso danzas coloniales como la habanera). Sus principales compositores fueron Pablo Esteve y Blas Laserna. La vida de este género fue especialmente breve ya que dejó de estar en boga antes del fin del S. XVIII, sin embargo influyó en la Zarzuela posterior de forma significativa.
LA ÓPERA EN ALEMANIAEn Alemania ha dominado el estilo de la ópera italiana, no hay un equivalente germano de la ópera seria y se terminó por crear el llamado Singspiel, en el que los recitativos son sustituidos por diálogos en lengua alemana. Los argumentos del Singspiel son de carácter ligero y popular a menudo con tintes sentimentales. Las melodías son sencillas y está compuesto por canciones de estilo ligero. J.A. Hiller es considerado como el creador del Singspiel alemán. Se desarrolla así una tradición propia del Singspiel vienés en el que los cantantes tienen una sólida formación operística
LA ÓPERA EN ITALIALos principales compositores italianos de ópera buffa son: Giovanni Paisiello (1740-1816): Este compositor napolitano fue el autor de El barbero de Sevilla (1782), basada en la comedia de Beaumarchais de 1775 y que ha quedado oscurecida por El barbero compuesto por Rossini. Niccolò Piccinni (1728-1800): fue uno de los compositores de ópera más populares de su época, figura central de la escena italiana y francesa de la segunda mitad del siglo XVIII, que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la napolitana ópera bufa.
EL ORATORIO EN FRANCIA La historia del Oratorio en Francia en el siglo XVIII se divide en dos fases principales: Una primera fase en la que los oratorios se nombran como poema o motete francés en forma de oratorio etc. Estas obras se interpretaban en el seno de una institución denominada Concert Spirituel que ofrecía conciertos abiertos al público en los días en que la Ópera estaba cerrada.Allí se celebraban conciertos de carácter sacro en periodos festivos o en Pascua. En un principio solamente se interpretaban grandes motetes en latín, pero con el tiempo los oratorios fueron incluidos en estos conciertos. La segunda fase abarca entre 1774 y 1790. En esta segunda fase se consiguió ampliar la licencia para ofrecer conciertos más allá de la Semana Santa y se empezaron a incluir piezas de música profana francesa italiana. El oratorio francés seguía más las tradiciones inglesas y alemanas. Las características esenciales del Oratorio francés eran su brevedad, ya que apenas alcanzaban los treinta minutos de música.
El oratorio en AlemaniaEl oratorio en Alemania experimenta hacia 1750 una nueva orientación estilística en pos de una nueva sencillez donde cobra mayor importancia la naturalidad y el sentimentalismo. Poco a poco se advierte un proceso de secularización ilustrada, incluyendo temas como la destrucción del mundo y la creación, así como imágenes de la naturaleza y escenas idílicas. La interpretación se desliga en parte de la función litúrgica y se concibe como obra de concierto. Su contenido va más allá de los límites confesionales constituyendo una expresión religiosa mundana y cristiana pero humanista y tolerante. Este oratorio culmina en las obras de Haydn. LOS ORATORIOS DE HAYND Su estancia en Londres le permitió conocer los oratorios de Haendel, especialmente El Mesías. Las partes corales de esta obra influyeron notablemente en las partes corales de sus oratorios principales como Die Schöpfung (La Creación) o Die Jahreszeiten (Las Estaciones). En ellas se conjuga el estilo haendeliano y la concepción sinfónica de Haydn. La Creación es un oratorio cuyo éxito se debe fundamentalmente al mensaje de fraternidad universal. Musicalmente su construcción es tradicional, usa alternativamente recitativo accompagnato y secco, arias y coros. Existe yuxtaposición entre los solistas y el coro que dan origen a escenas llenas de contraste. Las Estaciones es un ciclo de cuatro cantatas: primavera, verano, otoño e invierno, cada una de las cuales tiene una cierta autonomía con una introducción orquestal inicial y un gran coro final. Los textos se basan en el poema The Seasons de James Thomson.
EL ORATORIO ITALIANO Según la idea de Metastasio de ser concebido como una ópera sacra, está proyectado para cantantes solistas y apenas incluye coros. Se interpreta fuera de las temporadas de ópera, en Adviento y Cuaresma, teniendo especial importancia el oratorio de pasión de la Semana Santa. En el periodo clásico los compositores de ópera napolitana escriben oratorios con influencias del estilo bufo. Son ejemplos de oratorio italiano los de Piccini,Paisiello, Mozart y Salieri. En los países en los que se produce el oratorio italiano la producción nacional se convierte en una composición de oratorios en estilo italiano pero con textos en lengua vernácula. Así sucede en España, por ejemplo, con oratorios compuestos por Francisco Valls, Francisco Queralt o José Durán.
-Limitar el número actos a tres en el lugar de los cinco que hay, por ejemplo, en la ópera francesa, esta estructura facilitaría la exposición de la trama el desarrollo y la conclusión o lieto fine el final de Metastasio vendría a sustituir el terror catártico de la tragedia escrita puesto que para él conmueve más al espectador la virtud que el terror. -Limitar el número de personajes a un máximo de 6. - Empleo de lenguaje simple desprovisto de grandilocuencia presentación de personajes reales no idealizados para favorecer la verosimilitud. - Uso del recitativo accompagnato frente al recitativo secco.
Pantalone: El viejo, avaro, ingenioso, negociante. Il dottore: Pedante, intelectual, compañero de Pantalone con quien comparte su avaricia. Suelen caraterizarle como obeso. Los servidores-bufones. Dentro de este grupo encontramos a Arlecchino, Brighella, y Pedrolino. Se permiten todo tipo de extravagancias, groserías, magias, ridiculizaciones y locuras. Suelen desdoblarse o disfrazarse ofreciendo así el punto de vista astuto y tonto que conduce a las soluciones más absurdas e imprevistas. Pulcinella: Es un viejo solterón, fantástico, egoísta. Un verdadero camaleón imitando, siempre atormentado por su aspecto físico (joroba), a menudo, es cruel, lascivo y ladrón. Il Capitano: A través de él, la comedia se burla de los mercenarios, soldados poco recomendables que son prácticamente incapaces de pelearse. Su característica es la del fanfarrón que siembra doquiera el terror, inspirando grandes amores, y que se muere de miedo. Colombina: Sirvienta-celestina, criada o camarera de una gran dama de la aristocracia, de Pantalone, de sus hijos o del dottore. Se mueve con velocidad y eficiencia y es a menudo el único personaje sensato del escenario. Los enamorados: Jóvenes, bellos, refinados, elegantes y gentiles. Fundamentalmente enamorados y románticos. Su felicidad está a merced del ingenio de sus criados. Sus aventuras son el núcleo de la comedia y reflejan episodios reales de la vida de la época. Los sirvientes son sus eternos confidentes.
La Tragedie Lyrique es la ópera seria de Francia, cuyos temas son argumentos trágicos, mitológicos... Se acomoda en los ambientes aristocráticos de la Corte y el ballet sigue siendo un elemento relevante. Destaca como compositor André Grétry. Su música no es profunda, pero sí muy cantable y efectiva, con momentos de gran expresión dramática.
La Opéra-Comique se desarrolla en Francia como alternativa buffa a la Tragédie Lyrique (tragedia lírica). No se representaba en los mismos teatros que la ópera seria y tenía su propio espacio para ser representadas.Floreció con la revolución y la época napoleónica y fue adquiriendo un significado musical cada vez más grande en el romanticismo. Su temática es la vida cotidiana y del campo, mezclando rasgos cómicos y satíricos. Alterna los diálogos hablados con los números musicales.
Características de la música de Haydn:- Era música para entretener a la corte. - No es un innovador de formas. - Maestro consumado en el desarrollo de temas, que desentraña y transforma de mil modos. - Su música respira alegría, ingenuidad, transparencia, sencillez, gracia y humor. - Refleja admirablemente la tranquilidad, serenidad y proporciones clásicas. - Melodismo sencillo, fácil y accesible a todos. - Uso de la temática incrustada en raíces populares. - Estilo muy igual. - Predilección por frases cortas y claras. - Armonía transparente sin cambios tonales bruscos. - Rasgos descriptivos en algunas obras. - Individualización de los instrumentos, que se mueven con personalidad y colorido propios.