Nacionalismo hasta el SXX

El nacionalismo en el SXX

Título TFG/TFM

Fecha

Índice

03. Béla Bartok

02. Escuelas nacionales

01. Introducción

06. William Grant Still

05. Charles Ives

04. Tradiciones americanas

09. Aaron Copland

10. Silvestre Revueltas

11. Audiciones

08. Nacionalismo en el continente americano

07. Sinfonía afroamericana

El nacionalismo musical del siglo XX se diferenciaba del siglo XIX en que los compositores abordaron la música tradicional con un enfoque científico, apreciando las melodías antiguas por su diferencia con el estilo convencional. Con la invención de la fotografía, los estudiosos del folclore utilizaban equipos de grabación para conservar las canciones exactamente como las cantaban los aldeanos, y los compositores trataban de mantener el sabor tradicional de los originales en sus obras.

01. Introducción

1. Le Six: Los Seis, un grupo de compositores franceses, buscó un estilo que combinara objetividad, neoclasicismo y nuevas armonías. Destacaron Darius Milhaud, Arthur Honegger, Germaine Tailleferre y Francis Poulenc, quien fue la figura más importante del grupo.2. La escuela rusa: Produjo compositores internacionales como Sergei Prokofiev y Alexander Scriabin. Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich son pilares de la escuela soviética. Aram Khatchaturian también es reconocido por sus contribuciones.3. La escuela inglesa: Edward Elgar y Frederik Delius dieron paso a figuras como Ralph Vaughan Williams y Benjamin Britten, cuyos trabajos escénicos consolidaron la escuela inglesa moderna.4. La escuela alemana: Paul Hindemith fue un destacado compositor alemán. Carl Orff se centró en melodías folclóricas, mientras que Kurt Weill es conocido por *La ópera de tres centavos*. Los compositores húngaros Béla Bartók y Zoltán Kodály utilizaron elementos folclóricos en su música.

02. Escuelas nacionales

03. Béla Bartok

Béla Bartók fue un compositor húngaro que fusionó la música tradicional de su país con las corrientes de la música europea para crear un lenguaje personal. Nacido en Hungría, estudió en la Academia Real de Budapest y se interesó por el folclore húngaro. Viajó con Zoltán Kodály para recopilar canciones populares.Bartók ganó reconocimiento con su ballet *El príncipe de madera* (1917) y se convirtió en una figura importante en la música húngara. Sin embargo, se opuso a la alianza entre Hungría y la Alemania nazi y se exilió a los Estados Unidos en 1940, donde enfrentó dificultades personales y profesionales.Sus últimos años fueron difíciles, pero siguió componiendo. Bartók innovó en ritmo, armonía y estructura, utilizando politonalidad y atonalidad. Sus obras más destacadas incluyen *Música para cuerdas, percusión y celesta*, *Concierto para orquesta*, y *Concierto para piano núm. 3*.La música de Bartók abarca desde lo primitivo hasta lo intelectual, y combina elementos de diversas tendencias como el expresionismo, el neoclasicismo, y la música folclórica y abstracta. Su obra es conocida por su diversidad y complejidad.

Los compositores estadounidenses del siglo XX se inspiraron en la música popular y tradicional de Estados Unidos, lo que les permitió crear un estilo único en contraste con los modelos europeos predominantes en la región de Nueva Inglaterra. Estas influencias estadounidenses incluyen himnos y espirituales, que ganaron popularidad entre las comunidades afroamericanas y blancas durante el siglo XIX. Los editores publicaron libros de himnos folclóricos, diseminando el repertorio por todo el sur y el medio oeste. Esto ayudó a conservar un patrimonio de himnos y cánticos a través de la tradición oral. La música instrumental también formaba parte de la tradición autóctona de Estados Unidos, con especial énfasis en las bandas de metales. Stephen Foster fue un compositor importante cuya música refleja la tradición estadounidense, con baladas, tonadas para espectáculos de minstrels y canciones de plantación. Sus composiciones muestran una evolución hacia una visión más realista de la vida de los afroamericanos, alejándose de los estereotipos tradicionales. John Philip Sousa fue otro influyente director de bandas conocido como "el rey de las marchas". Dirigió varias bandas y escribió más de 130 marchas, contribuyendo significativamente a la música nacional de Estados Unidos. Estos elementos, como himnos, espirituales, música de bandas de metales y canciones populares, formaron un rico legado musical que caracterizó y definió la identidad musical nacional de Estados Unidos durante el siglo XX.

04. Tradiciones americanas

Charles Ives es considerado el primer gran compositor estadounidense del siglo XX y uno de los más originales de su tiempo. Nació en Connecticut y mostró su talento musical desde joven, ocupando un puesto de organista a los 13 años. A los 20, estudió composición en Yale, pero optó por dedicarse a los negocios al no creer que su música sería apreciada por la sociedad.Aunque trabajó en seguros durante el día, Ives componía música en su tiempo libre. Su música, influenciada por la tradición de Nueva Inglaterra y su infancia, incluía himnos, canciones patrióticas y música de bandas. Sus composiciones incorporaban innovaciones como politonalidad, poliarmonía y polirritmos.La música de Ives no fue comprendida inicialmente, y él contrataba músicos para interpretarla solo cuando sentía la necesidad de escucharla. A pesar de su rechazo por algunos, Ives seguía creando y almacenando sus composiciones.En sus últimos años, Ives ganó reconocimiento y su Sonata para piano "Concord" fue aclamada. Recibió el Premio Pulitzer en 1947 por su Tercera sinfonía. Además de sus sinfonías, Ives compuso poemas sinfónicos, sonatas, canciones, corales y música de cámara, fusionando influencias de su herencia estadounidense con ideas innovadoras y audaces.

05. Charles Ives

William Grant Still fue un destacado compositor afroamericano asociado con el Renacimiento de Harlem, conocido como el "padre de la música clásica afroamericana". Nació en Misisipi y creció en Arkansas. Aunque estudió en la Universidad Wilberforce de Ohio, abandonó los estudios para casarse y trabajar como músico profesional. Trabajó con W.C. Handy y sirvió en la Marina durante la Primera Guerra Mundial. En la década de 1920, se trasladó a Nueva York, donde trabajó como arreglista para radio y teatro musical. Estudió con Edgard Varèse, pero buscó desarrollar su propia voz basada en su herencia cultural negra. Su Sinfonía Afroamericana, estrenada en 1931 por la Orquesta Filarmónica de Rochester, fue un hito histórico. En 1934, ganó una beca Guggenheim y se mudó a Los Ángeles, donde escribió partituras para cine y televisión, incluyendo *Pennies from Heaven*. Still compuso óperas como Troubled Island en 1949 y se casó con Verna Arvey, su colaboradora. A pesar de que sus últimas obras fueron conservadoras, recibió títulos honoríficos y escribió música para series de televisión como Gunsmoke. Falleció en Los Ángeles en 1978, dejando un legado de aproximadamente 150 composiciones en diversos géneros musicales, incluyendo obras orquestales, ballets, suites para piano, y música para televisión.

06. William Grant Still

La sinfonía de William Grant Still, conocida como Sinfonía Afroamericana, fue inicialmente una obra sin un programa específico, pero el compositor la vinculó a poemas del escritor negro Paul Laurence Dunbar, aportando asociaciones extramusicales. Cada movimiento está en una forma sonata modificada, y Still utilizó divisiones inusuales y zonas tonales no tradicionales. El primer movimiento presenta un tema de blues sobre una progresión armónica de doce compases, junto con un segundo tema similar a un espiritual. El segundo movimiento, un Adagio, evoca un espiritual negro con un tono general de dolor y fervientes oraciones. Still utiliza arpegios ascendentes, solos de vientos-madera y metales con sordina para enriquecer la orquestación. El tercer movimiento, Animato, es un scherzo jovial inspirado en un poema de Dunbar y la canción I Got Rhythm de George Gershwin, con la adición de un banjo para un toque expresivo. El movimiento final es retrospectivo, recuperando temas anteriores y subrayando los versos de Dunbar "Estate orgullosa, raza mía, en la mente y en el alma". Los logros de Still fueron notables, derribando barreras raciales y abriendo puertas para músicos afroamericanos. Su sinfonía ayudó a otros compositores negros, como Florence Price y William Dawson, a obtener reconocimiento y expandió la reputación de Still en todo el país gracias a la interpretación de su obra por la Orquesta de Filadelfia.

07. Sinfonía afroamericana

Aaron Copland fue uno de los más importantes compositores estadounidenses contemporáneos, conocido por capturar el espíritu de la experiencia americana en sus obras. Nacido en Brooklyn, estudió con la reconocida profesora Nadie Boulanger en París, siendo su primer alumno americano a tiempo completo. Copland se interesó por el jazz y posteriormente experimentó con el neoclasicismo y la música abstracta, pero se dio cuenta de que se alejaba del público. Buscó simplificar su música para conectar con un público más amplio. En los años 1930 y 1940, compuso obras populares como *El Salón México* y ballets como *Billy el Niño*, *Rodeo* y *Primavera Apalache*. También compuso partituras para películas como *La ciudad* y *La heredera*, por la que ganó un premio de la Academia. Durante la Segunda Guerra Mundial, escribió *Un retrato de Lincoln* y su Tercera sinfonía. Aunque fue investigado por simpatizante del Partido Comunista y sufrió el maccarthysmo de los años 1950, Copland continuó componiendo. En los años 1960, demostró su conocimiento de las técnicas dodecafónicas con *Connotaciones para orquesta*. A lo largo de su carrera, Copland creó obras bien construidas, de proporciones clásicas y con un atractivo inmediato para el público.

08. Aaron Copland

Silvestre Revueltas fue otro compositor nacionalista conocido por su "realismo mestizo", inspirado en la cultura tradicional contemporánea de México. Revueltas, un niño prodigio del violín, estudió composición en México y Estados Unidos, y se convirtió en director asistente de la Orquesta Sinfónica de México en 1929. Revueltas produjo bellas obras maestras en los años 1930, como *Cuauhnahuac* y la partitura para la película *Redes*. Fue politicamente comprometido, participando en actividades culturales del gobierno republicano durante la Guerra Civil española y escribiendo *Homenaje a Federico García Lorca*. Sus obras muestran elementos folclóricos, complejos ritmos, armonías modernas y colores orquestales inspirados en la música tradicional mexicana. A pesar de sus problemas de salud y alcoholismo, Revueltas continuó creando música notable, incluida su famosa pieza orquestal *Sensemayá* y la partitura para *La noche de los mayas*. Falleció a los 40 años, dejando un legado musical profundamente emocional y romántico que evoca las tradiciones mexicanas.

09. Silvestre Revueltas

Género-timbre: Es música instrumental orquestal, específicamente un concierto para orquesta. Forma: Presenta 5 movimientos:1. Introducción, Allegro non troppo/Allegro vivace; forma sonata.2. Juego de las parejas, Allegretto scherzando, forma A-B-A:3. Elegía, Andante non tropo; en 3 episodios.4. Intermezzo interrumpido, Allegretto; forma asimilable al rondó, metro cambiante (2/4, 5/8, 3/4, 5/8).5. Pesante/Presto, forma sonata.Melodía: Incluye una melodía folclórica repetitiva que es interrumpida por pasajes disonantes y tensos. Ritmo: Presenta un ritmo cambiante, desde ritmos ligeros y danzantes hasta secciones más tensas y rápidas. Textura: Predomina la textura polifónica, con interacción de diferentes voces orquestales. Dinámica: Contrastes dinámicos significativos, desde suave hasta fuerte, con cambios abruptos. Contextualización: Compuesto en 1943 por Béla Bartók durante su estancia en Estados Unidos. El movimiento muestra su estilo distintivo, combinando elementos folclóricos húngaros con técnicas modernas y contemporáneas.

10. Audiciones: "Intermezzo interrumpido" del Concierto para orquesta

Género-timbre: Música instrumental (orquestal) y es una sinfonía.Forma: Tiene 4 movimientos (todos en forma sonata modificada):1. Moderato assai (Anhelo).2. Adagio (Pesar).3. Animato (Humor).4. Lento, con risoluzione (Aspiración).Melodía: La melodía es lírica y emotiva, reflejando una atmósfera de tristeza y nostalgia. Utiliza motivos de música folclórica afroamericana, como el blues y los spirituals.Ritmo: El ritmo es lento y solemne, con un carácter lírico que evoca una sensación de melancolía.Textura: Predomina una textura homofónica, con un enfoque en las líneas melódicas principales acompañadas por armonías de apoyo. Dinámica: Hay un uso controlado de la dinámica para realzar la atmósfera melancólica, con cambios sutiles en volumen para dar énfasis emocional.Contextualización: Compuesta en 1930 por William Grant Still, esta sinfonía es una de las primeras sinfonías compuestas por un compositor afroamericano. En este movimiento, Still refleja su experiencia cultural e histórica, incorporando elementos de la música afroamericana tradicional para expresar sentimientos de tristeza y añoranza.

10. Audiciones: "Pesar (Segundo movimiento)" de la Sinfonía afroamericana

Las tradiciones musicales modernas de México son ricas y diversas, derivadas de las culturas indígenas y la influencia hispánica. Durante la colonización española, la Iglesia católica tuvo una gran influencia, introduciendo la polifonía española en la vida musical mexicana. Más tarde, la música artística mexicana estuvo dominada por la música romántica para piano y la ópera italiana. A finales del siglo XIX, el nacionalismo llevó a músicos y artistas a inspirarse en las culturas amerindia y mestiza. La Revolución mexicana de 1910 impulsó un fuerte patriotismo en la vida artística. Manuel Ponce fue un pionero del nacionalismo mexicano, incorporando música y danza folclóricas. Carlos Chávez también contribuyó con sus siete sinfonías y dos ballets aztecas, además de fundar la Orquesta Sinfónica de México.

Tradiciones musicales en Mexico

En 1943, Serge Koussevitzky encargó a Béla Bartók el Concierto para orquesta por 1,000 dólares, lo que motivó a Bartók, quien sufría de leucemia terminal, a completar la obra en octubre del mismo año. Esta composición consta de cinco movimientos y muestra una transición desde la seriedad inicial hacia la afirmación de la vida en el último movimiento.El primer movimiento es una Introducción en forma de sonata con una escala pentatónica. El segundo movimiento, juego de parejas, presenta diferentes parejas de instrumentos en breves secciones. El tercer movimiento, Elegía, es un nocturno contemplativo y rapsódico. El cuarto, Intermezzo interrumpido, incluye una melodía que evoca una canción húngara y hace una referencia a Shostakovich con un tema sobre la invasión nazi a Rusia en 1942. En este movimiento, Bartók hace una declaración autobiográfica sobre su amor por su patria. El último movimiento es una rítmica danza folclórica con estructura de sonata.

Concierto para Orquesta