ESTUDIO SOBRE EL ARTE DEL SIGLO XX

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ARTE

estudio sobre el

Acompáñeme a realizar un fantástico viaje sobre el contexto general de este siglo, analizando cada movimiento con su respectiva cronología y los artistas más representativos de cada una de ellas. De cada movimiento que analice, comentaré dos obras de cada artista. ¡Comencemos!

ARTE DEL SIGLO XX

5. AGRADECIMIENTOS

índice

4. WEBGRAFÍA

3. de cada uno de los movimientos mencionados anteriormente, comentar dos obras de cada artista

2. movimientos artísticos del siglo xx (con su respectiva CRONOLogía y sus artistas más representativos)

1. CONTExto socio-cultural, político, económico e histórico del siglo XX

Índice

A inicio del siglo xx, América enfrentaba importantes cambios. Los países se habían insertado definitivamente en el sistema mundial y estaban dedicados a la producción y exportación de materias primas como alimentos y metales y también a importar manufacturas de los países industrializados.

El siglo xx se caracterizó por los avances de la tecnología, medicina, y ciencia, la disminución de la esclavitud en los llamados países subdesarrollados, la liberación de la mujer en la mayor parte de los países occidentales; pero más que todo por el creciente desarrollo de la industria, convirtiendo a varios países, entre ellos Estados Unidos, en potencias mundiales. También el siglo se destacó por las crisis y despotismos humanos en forma de regímenes totalitarios, que causaron efectos tales como las guerras mundiales, el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del desempleo y de la pobreza.4​ Como consecuencia, se profundizaron las desigualdades en cuanto al desarrollo social, económico y tecnológico y en cuanto a la distribución de la riqueza entre los países, y las grandes diferencias en la calidad de vida de los habitantes de las distintas regiones del mundo.

El siglo XX comenzó el 1 de enero de 1901 y terminó el 31 de diciembre de 2000. Es llamado el «siglo de la vanguardización».

SIGLO XX

CONTEXTO SOCIO-CULTURAL, POLÍTICO, ECONÓMICO E HISTÓRICO DEL SIGLO XX

ContextoSiglo XX

La Segunda Guerra Mundial (1/9/1939-9/8/1945)

El Imperio británico (que dominaba una cuarta parte del planeta y de sus habitantes), varios imperios europeos, el Imperio chino de la Dinastía Qing y el Imperio otomano controlaban gran parte del mundo en los albores del siglo xx. Mucho antes de finalizar el siglo, tales imperios habían quedado relegados a los libros de historia. Al final del siglo, tras la disolución de la Unión Soviética, el primer y mayor Estado socialista, Estados Unidos de América quedó como la única superpotencia mundial.

SIGLO XX

CONTEXTO SOCIO-CULTURAL, POLÍTICO, ECONÓMICO E HISTÓRICO DEL SIGLO XX

ContextoSiglo XX

La historia de España del siglo XX comienza tras la derrota militar de 1898 a manos de los EE.UU. que supone la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas. El desenlace de la guerra, aunque inevitable, era difícilmente aceptable para la mentalidad política de la Restauración, que conservaba el sueño del pasado imperial español. La crisis de identidad que sigue a la derrota inicia un conflicto, que durará gran parte del siglo XX, entre los que pretenden recuperar la ideología imperial del pasado, y los que ven la necesidad de construir una conciencia nacional desde la perspectiva moderna y liberal de las demás naciones europeas. Esta tensión se traduce en contrastantes formas de gobierno: la monarquía de Alfonso XIII, la dictadura de Primo de Rivera, la república, la dictadura franquista y finalmente la monarquía actual de Juan Carlos I, que se sustenta sobre un sistema democrático parlamentario.Los cambios políticos de la España del siglo XX se corresponden con transformaciones dramáticas en todas las demás esferas de la vida pública. En lo social y económico, España se caracteriza por el crecimiento tanto demográfico como de nivel adquisitivo. Las ciudades, principalmente Barcelona y Madrid, se convierten en grandes urbes a las que se dirige la masiva emigración campesina en busca del recién inaugurado sector industrial. Son precisamente estas clases proletarias las que impulsan la modernización del país, frente a los estamentos dominantes y la población rural. En lo cultural, los sucesivos cambios políticos y sociales propician una gran diversidad de estéticas, aunque de desigual calidad. El gran número de escritores y artistas surgidos en los primeros 35 años del siglo ha hecho que esta época se denomine La Edad de Plata de la cultura española.

SIGLO XX

CONTEXTO SOCIO-CULTURAL, POLÍTICO, ECONÓMICO E HISTÓRICO DEL SIGLO XX EN ESPAÑA

ContextoSiglo XX

A CONTINUACIÓN ANALIZARÉ ALGUNOS DE LOS MOVIMIENTOS QUE MÁS ME HAN LLAMADO LA ATENCIÓN SOBRE ESTE SIGLO

Movimientos artísticos del siglo XX

El cubismo fue un movimiento perteneciente a las llamadas vanguardias históricas del siglo XX, aquellas que se manifestaron hasta el período entreguerras. Se caracterizó por la síntesis geométrica de las formas y la representación de varios planos en uno solo. Incorporó también elementos del arte primitivo, creó técnicas como el collage y le dio un lugar a la tipografía en el lienzo. Sus representantes principales fueron Pablo Picasso, Juan Gris y George Braque.

CUBISMO

1907-1917 APRÓXIMADAMENTE

Movimientos artísticos del siglo XX

El futurismo fue un movimiento pictórico y literario nacido con un manifiesto escrito por Filippo Tommaso Marinetti, uno de sus máximos exponentes. Se caracterizó por el culto a la máquina y la representación del movimiento sobre la superficie pictórica y escultórica. Además de Marinetti, destacó también Giacommo Balla y Umberto Boccioni.

FUTURISMO

1909-1920 APRÓXIMADAMENTE

Movimientos artísticos del siglo XX

Poco después de la abstracción lírica, surgió la tendencia de la abstracción geométrica. El primer movimiento específico de esta tendencia fue el constructivismo. Este hizo énfasis en la geometría espacial, en la naturaleza de los materiales y en los principios constructivos. Por ello, estaba muy relacionado con el diseño arquitectónico y tenía una fuerte vocación social y política. Entre sus máximos exponentes estuvieron El Lisitski, Aleksandr Ródchenko y Vladimir Tatlin.

CONSTRUCTIVISMO

1914-1935 APRÓXIMADAMENTE

Movimientos artísticos del siglo XX

El surrealismo fue un movimiento del período de entreguerras. Estaba basado en la teoría psicoanalítica de Sigmund Freud, a partir del cual propuso el automatismo como método de creación, que favorecía asociaciones oníricas e imaginativas diversas. Sus máximos exponentes fueron Salvador Dalí, Joan Miró y René Magritte, entre otros.

SURREALISMO

1924-1966 APRÓXIMADAMENTE

Movimientos artísticos del siglo XX

El arte pop fue un movimiento que incorporó los símbolos de la cultura pop y de la sociedad de consumo al arte, así como los temas y formas de representación. De ese modo, reconoció la existencia de la cultura de masas en el circuito artístico. Entre sus más famosos representantes se cuentan Andy Warhol y Roy Liechtenstein.

ARTE POP

1950-1980 APRÓXIMADAMENTE

Movimientos artísticos del siglo XX

El art déco nació en París, se hizo dominante en Europa al finalizar la primera guerra mundial y muy pronto se extendió hacia América, especialmente Hollywood, EE.UU., donde la creciente industria cinematográfica lo tomó como símbolo de glamour.No se trataba propiamente de un movimiento unificado y, por ello, el nombre de art déco solo fue acuñado en 1966 con ocasión de la muestra retrospectiva Les Annés 25, celebrada en el Museo de Artes Decorativas de París. Esta exposición era, a su vez, una conmemoración de la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas de 1925. Se trata, por lo tanto, de un término de origen francés y pasó al español como un extranjerismo.

El art decó fue un estilo de diseño gráfico, industrial y arquitectónico que también se expresó en la pintura y la escultura de la llamada Belle Epoque. Alcanzó su apogeo después de la Primera Guerra Mundial. Se caracterizó por la simetría, el uso de la línea recta, el zig-zag y la sencillez compositiva. Algunos de sus máximos exponentes fueron Tamara de Lempicka, Fellheimer y Wagner. Cassandre, Erté y William van Alen.

ART DÉCO

1910-1935 APRÓXIMADAMENTE

Movimientos artísticos del siglo XX

La expresión arte povera se traduce al español como arte pobre. Se trata de un movimiento originado en Italia que se interesó en materiales "pobres", es decir, no industrializados o no tratados, tales como cuerdas, lonas, rocas, plantas, troncos, etc. La transformación juega un papel importante, ya que en la medida en que los materiales sufren alteraciones por el tiempo, la obra también se modifica. Entre los artistas más destacados se mencionan a Mario Merz, Giuseppe Penone y Jannis Kounellis, entre otros.

ARTE POVERA

DESDE 1965 EN ADELANTE

Movimientos artísticos del siglo XX

El Land art, conocido también como Earth art, en un movimiento que integra arte y ambiente (paisaje). El emplazamiento y los materiales son la naturaleza misma, la cual es intervenida estéticamente por el artista. Por ende, las obras suelen tener un carácter escultórico y arquitectónico a la vez. Este tipo de arte se mantiene en el espacio exterior, por lo que sufre las modificaciones propias que el clima induce sobre la naturaleza. Por ello, algunas obras no se conservan. Entre sus representantes están Robert Smithson, Karl Prant, Alice Adams, Phil Matthews y Jacek Tylicki.

LAND ART

DESDE 1968 EN ADELANTE

Movimientos artísticos del siglo XX

El street art, también llamado arte callejero o arte urbano, reúne diversas expresiones artísticas que acuden al lenguaje plástico callejero o que usan elementos urbanos como soportes (muros, vagones de tren, pavimentos, techos, cabinas telefónicas, etc.). Las técnicas son diversas: cartelismo, esténcil, graffiti, collage, pegantinas, serigrafía, reutilización, etc. Uno de sus primeros exponentes destacados fue Jean-Michel Basquiat. Actualmente, entre sus representantes se encuentran Banksy y Vhils.

ARTE URBANO

DESDE 1965

Movimientos artísticos del siglo XX

A CONTINUACIÓN COMENTARÉ DOS OBRAS DE CADA ARTISTAS DE LOS MOVIMIENTOS CITADOS EN LAS DIAPOSITIVAS ANTERIORES

Comentarios de obras del siglo XX

Sin duda, uno de los cuadros cubistas de Picasso más conocidos de todos es Guernica. Se trata de un óleo sobre lienzo inspirado en el bombardeo de la población vasca del mismo nombre que tuvo lugar el 26 de abril de 1937. Se trata de una obra a partir de blancos, negros y grises, con toques de azul y de rosa, en donde Picasso condensó sus etapas pictóricas anteriores. Figuró en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. Destinado al “pueblo español”, hasta el año 1981 estuvo en depósito en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y, solo con la instauración del régimen constitucional en España, se abrió un largo período de negociaciones con los herederos con la intención de hacer efectivo su retorno a España. Finalmente, este hecho se produjo el año 1981. La obra fue destinada a Madrid, donde estuvo expuesta primero en el Casón del Buen Retiro, dependiendo del Museo del Prado. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

GUERNICA (1937)

PABLO PICASSO

CUBISMO 1907-1917 APRÓXIMADAMENTE

Reconstruye objetos a partir de diagonales, las líneas utilizadas tradicionalmente en pintura para explotar la profundidad del cuadro. Se da así una gran paradoja: como huye de la profundidad, la arroja sobre el espectador para dinamizar el conjunto.Gris era un pintor más mental y analítico que Picasso y Braque; no respondía al prototipo de autor de la Escuela española aunque en su arte hubiera múltiples huellas de nuestro país. Se integró absolutamente en Francia y su creación resulta más racionalista, no tan instintiva y física como la picassiana.

BOTELLAS Y CUCHILLO (1912)

JUAN GRIS

CUBISMO 1907-1917 APRÓXIMADAMENTE

Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista) es una pintura de Umberto Boccioni realizada en el 1913. La obra pertenece a la Colección Mattioli y es actualmente conservada a Venecia en depósito a largo plazo cerca de la Peggy Guggenheim Collection en el Palacio Venier de los Leones.Esta pintura pertenece a la secuencia de obras de Boccioni descansando en abstracciones de plástico-dinámico continuamente idea de la relación espacio-temporal abordar el movimiento de un cuerpo en el espacio.​​ Los colores agresivos y puros utilizados, así como el flujo de luz y la aparición del negro dentro de la composición, dan la sensación de una sucesión de momentos que mejoran la trama dinámica, además de dar la sensación de movimiento, como un verdadero ciclista moviéndose rápidamente.Este trabajo es parte de una serie de pinturas "dinamismo" que creó en 1913, incluyendo Dinamismo de un cuerpo humano, el Dinamismo de un jugador de fútbol​, Dinamismo de un futbolista, y plástico Dinamismo: Caballo + Casas​. En estas pinturas, Boccioni utilizan una paleta de colores más vivos que en sus obras anteriores, y su aplicación de la pintura era más gruesa y más densa.​

DINAMISMO DE UN CICLISTA (1913)

UMBERTO BOCCIONI

FUTURISMO 1909-1920

Ya lo decían los futuristas en su Manifiesto técnico de la pintura futurista: «un caballo no tiene cuatro patas, sino veinte».Y aquí el protagonista es sin duda el perro salchicha. Hasta el pintor adopta el punto de vista del animal cortando abruptamente las piernas de la mujer. Era una época en la que en Italia había un anquilosado sistema social y estaba de moda entre la burguesía poseer un perrito como símbolo de status.Hoy este cuadro parece una tontería nada original, un lenguaje visual que hasta fue absorbido por los dibujos animados. Pero en 1912 fue un auténtico hallazgo creativo. Algo de otro planeta. Algo futurista.

Una mujer de negro, vestida a la moda de 1912, pasea a su perro a toda velocidad. O al menos eso sugiere este vibrante óleo de Giacomo Balla, uno de esos radicales futuristas italianos. Tan rápido van que en el lienzo vemos varias patas, zapatos, orejas y rabos. El artista descompone así el paseo en múltiples secuencias autónomas del desarrollo del movimiento.

DINAMISMO DE UN PERRO CON CORREA (1912)

GIACOMO BALLA

FUTURISMO 1909-1920

Esta escultura monumental, aunque nunca llegó a ser construida a gran escala, representa una visión audaz de la fusión entre arte y tecnología, con sus formas geométricas dinámicas y su estructura metálica que desafía la gravedad.Tatlin, con esta obra, buscaba trascender las limitaciones tradicionales del arte, proponiendo un monumento que no solo fuera estéticamente impresionante, sino que también tuviera una función práctica y social. Sus elementos angulares y su diseño ingenioso sugieren un sentido de movimiento y cambio, reflejando la energía de una sociedad en transformación durante un período de revolución y cambio político en Rusia.Además, la "Model of the Monument III International" es un testimonio del optimismo y la utopía que caracterizaban a muchos artistas de la época, que veían en el arte la posibilidad de construir un futuro mejor y más igualitario. En resumen, esta obra de Tatlin sigue siendo un símbolo perdurable de la creatividad humana y la aspiración por trascender las convenciones establecidas, desafiando al espectador a reflexionar sobre el papel del arte en la sociedad y en la construcción de identidades culturales.

MODEL OF THE MONUMENT III INTERNATIONAL (1919-1920)

Vladimir Tatlin

CONSTRUCTIVISM0 1914-1935 APROXIMADAMENTE

Esta obra, creada en el apogeo del movimiento constructivista en la Rusia revolucionaria, refleja la visión de Lissitzky de un arte comprometido con la revolución social y la transformación de la sociedad a través de la estética moderna. Lo que destaca de esta composición es su uso audaz de líneas y formas abstractas para crear una sensación de dinamismo y movimiento. Lissitzky desafía las convenciones tradicionales de la representación visual al descomponer y reconstruir elementos básicos como líneas, círculos y cuadrados en una composición que parece flotar en un espacio indefinido.Los colores primarios y secundarios intensos utilizados por Lissitzky no solo agregan vitalidad y energía a la obra, sino que también subrayan su compromiso con la idea de un arte que se comunica directamente con el espectador, evocando emociones y provocando reflexiones sobre la relación entre forma y significado. Además, la "Composición" de Lissitzky es significativa por su enfoque en la abstracción geométrica como un lenguaje universal que trasciende barreras culturales y lingüísticas. A través de esta obra, el artista busca crear un arte que no solo sea estéticamente atractivo, sino también políticamente relevante, inspirando al espectador a imaginar nuevas posibilidades para el futuro.

COMPOSICIÓN (1922)

EL LISSITZKY

CONSTRUCTIVISM0 1914-1935 APROXIMADAMENTE

Un simple paisaje marino (típico del Cadaqués daliniano, con el cabo Creus y su costa escarpada) en el que hay una escena insólita: una extraña criatura durmiendo o quizás inerte sobre la arena (hay quien ve un autorretrato del pintor) y unos relojes que se derriten sobre ella y sobre otros elementos del cuadro.Según el propio Dalí, que contaba con 28 añitos al pintarlo, dos cosas fueron su inspiración para este cuadro. En primer lugar se inspiró en los quesos camembert (“tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos”) y otra inspiración fue la teoría de la relatividad de Einstein.Dalí era un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con curiosidad. Al parecer los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo.Son relojes muy realistas que siguen marcando la hora (más o menos las 6 PM). La técnica de Dalí era muy académica y sus cuadros parecen sueños de verdad. Sabía hacer lo que él llamó “fotografías de sueños pintadas a mano”.

El mítico cuadro de relojes blandos de Dalí es, al contrario de lo que muchos piensan, un lienzo bastante pequeño, pero no deja de ser fascinante y es una de las estrellas del MoMA de Nueva York.

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA (1931)

SALVADOR DALÍ

SURREALISMO1924-1966

Esta pintura enigmática y provocativa es un ejemplo magistral del estilo distintivo de Magritte, que desafía las convenciones de la realidad y la representación visual. En La Lámpara Filosófica, Magritte presenta una escena aparentemente simple pero cargada de significado simbólico. La pintura muestra una lámpara de mesa común y corriente, iluminando un paisaje nocturno oscuro y enigmático. Sin embargo, en lugar de emitir luz, la lámpara proyecta una imagen de un cielo diurno y soleado. Este contraste entre la luz artificial y la imagen proyectada desafía las expectativas del espectador y crea una sensación de desconcierto y extrañeza.

LA LÁMPARA FILOSÓFICA (1936)

RENÉ MAGRITTE

SURREALISMO1924-1966

La actriz, fallecida en agosto de 1962, se convirtió rápidamente en un ícono de la cultura pop estadounidense y fue incluida dentro de la serie de retratos que Andy Warhol, quien ya era toda una celebridad también para entonces, realizó como parte de su mirada hacia la cultura de masas preponderante, un fenómeno que comenzaba a explotarse como parte de una sociedad de consumo que ya empezaba su auge. Fotos de militantes del movimiento por los derechos civiles, accidentes de avión y automovilísticos, serigrafías con la cara del décimo hombre más buscado del FBI entre otros fueron algunas de las piezas del artista, sin contar a su famosa lata de sopa Cambpell.El logro de Warhol fue convertir al arte en algo banal y trivial lejos del halo culto y elitista para ser considerado como parte de la vida misma de las personas. Por eso una lata de sopa, parte de la alimentación de millones, es convertida en un objeto de arte. Y no para convertirlo como algo mundano sino justamente para ser pensado al revés. Al utilizar imágenes del universo publicitario y de los medios masivos de comunicación para ser elaboradas como una producción en serie de estas serigrafías, Andy Warhol se convirtió en el artista de mayor renombre de la época y también el más cotizado de todos. La polémica y la controversia además hicieron lo suyo, ya que no se lograba entender cuál era el objetivo de reproducir un objeto ya existente en un lienzo ni que, parafraseando a Marshall McLuhan, en este caso el medio se trataba del mensaje: “si agarrás una lata de sopa Campbell y la repetís cincuenta veces, no estás interesado en la imagen retinal sino el concepto que quiere poner cincuenta latas de sopa Campbell en un lienzo”.

MARILYN MONROE (1964)

ANDY WARHOL

ARTE POP1950-1980

Roy Lichenstein era una figura importante en Pop Art, su trabajo fue influenciado por la publicidad popular y las tiras cómicas, creó composiciones precisas que fueron tomadas de los cómics populares de esa época; él estaba particularmente fascinado por las mujeres que estaban en asuntos de amor con los hombres que no los trataron bien. Las mujeres que pintó parecen similares, sus características se ven duras y nítidas. Las pinturas En el coche fue tomado de un panel ilustrado por Tony Abruzzo, de la serie de cómics Girl’s Romances que fue lanzado en 1961. Liechtenstein no hizo cambios drásticos en la composición, tiene un hombre y una mujer en un coche, sólo destacó las líneas que implican la velocidad del movimiento del coche y saturaron el color para hacerlo irrealista; el pelo del hombre es azul y el pelo de la mujer es rubio brillante, su capa de impresión leopardo es amarillo brillante, mientras que el original es naranja. El hombre mira severamente a la mujer mientras ella hace una cara molesta, sus ojos no se encuentran con su mirada. La burbuja del discurso en la imagen original nos da un sentido de la relación entre las dos personas, la mujer se enoja por cancelar una cita sólo para montar en un coche con un hombre aparentemente irresistible.

EN EL COCHE (1963)

ROY LICHENSTEIN

ARTE POP1950-1980

La obra se distingue por su composición dinámica y su paleta de colores vibrantes, características emblemáticas del estilo de Lempicka. Su figura se destaca contra un fondo geométrico y estilizado, lo que enfatiza su presencia dominante en la imagen.El autorretrato no solo ofrece una visión de la artista en un momento específico de su vida, sino que también sirve como una declaración de su identidad artística y su posición en el mundo del arte de la época. La mirada directa de Lempicka desafía al espectador a contemplar su propia percepción del arte y la feminidad en la sociedad moderna.El autorretrato de Tamara de Lempicka es una obra cautivadora que trasciende su tiempo, invitando a la reflexión sobre la identidad, la autoexpresión y el papel del artista en la cultura contemporánea.

Maria Gurwik-Górska, mejor conocida como Tamara de Lempicka, fue una pintora polaca educada en un ambiente refinado, cuya formación le permitió desarrollar al máximo sus habilidades en el marco de un gusto sofisticado, acorde con los nuevos tiempos. Influida por el cubismo, se convirtió en una de las principales representantes del art déco, y fue llamada por sus admiradores "la baronesa con pincel".

AUTORETRATO (1929)

TAMARA DE LEMPICKA

ART DÉCO 1910-1935APRÓXIMADAMENTE

Es una obra maestra del estilo art déco que ha dejado una marca indeleble en el horizonte de la ciudad y en la historia del arte y la arquitectura.Con su imponente aguja de acero inoxidable y sus detalles ornamentales, el remate del Edificio Chrysler es una celebración de la modernidad y la innovación tecnológica de su época. La forma aerodinámica y las líneas elegantes del remate evocan una sensación de movimiento y dinamismo, reflejando la energía vibrante de la ciudad de Nueva York durante la era de la industrialización y el crecimiento urbano.Además de su impacto visual, el remate del Edificio Chrysler también es un testimonio del ingenio creativo y la habilidad técnica de Van Alen. Su diseño innovador desafió los límites de la ingeniería de la época y estableció nuevos estándares para la construcción de rascacielos.El remate del Edificio Chrysler es mucho más que una estructura arquitectónica; es un símbolo perdurable de la ambición humana, la creatividad y el progreso. Su presencia majestuosa en el horizonte de Nueva York continúa inspirando admiración y asombro, representando la audacia y la grandeza del espíritu humano.

William van Alen fue un importante arquitecto norteamericano, especialmente reconocido por el diseño del edificio Chrysler, ubicado en la ciudad de Nueva York. Durante sus primeros años de formación y actividad profesional, recibió el premio Lloyd Warren Fellowship, lo que le permitió continuar su formación en París.

REMATE DEL EDIFICIO CHRYSLER DE NUEVA YORK (1930)

WILLIAM VAN ALEN

ART DÉCO 1910-1935APRÓXIMADAMENTE

REMATE DEL EDIFICIO CHRYSLER DE NUEVA YORK (1930)

WILLIAM VAN ALEN

ART DÉCO 1910-1935APRÓXIMADAMENTE

Este artista basa sus obras en el concepto de tiempo, un tiempo perdido que quiere recuperar. Realiza sus primeras obras poveras en los bosques de su ciudad natal, Garessio, una pequeña ciudad agrícola al sur de Turín, contrastando la naturaleza, el ambiente y el cuerpo. Para ello elige un árbol de veintidós años excavando su tronco hasta poder contar los anillos. Lo rodea con diez clavos y con veintidós plomos unidos con una cuerda. Cada año se agregará un plomo y, como el artista dejó por escrito en su testamento, al morir él, se levantará un pararrayos en lo alto del árbol. Cuando el rayo lo alcance, va a fundir las piezas de plomo, que será como fundir la vida.

PRESIÓN (1974)

GIUSEPPE PENONE

ARTE POVERA HACIA 1965 EN ADELANTE

En esta obra, Merz utilizó el cristal con un doble objetivo: dotar a la obra de la luminosidad del referente en hielo, y permitir la visión a través de la forma exterior, de modo que la mirada penetrase en el interior del cuerpo hemisférico, hasta el núcleo central de la escultura, siguiendo la constante de la transparencia en su obra. Ese carácter transparente propio del cristal como elemento artificial y civilizado, se asocia asimismo al aspecto translúcido del hielo como elemento natural, lo que conforma una reflexión más genérica, propia de la producción de Merz, acerca de las relaciones entre naturaleza y cultura.

IGLOO DEL PALACIO DE LAS ALHAJAS (1982 )

MARIO MERZ

ARTE POVERA HACIA 1965 EN ADELANTE

Frecuentemente, las obras de Robert Smithson son metáforas de fenómenos geológicos y naturales, pero en esta intervención en el paisaje hizo referencia a otros factores de lectura más ambiciosa, como los procesos galácticos relacionados con las teorías físicas sobre la diversidad del tiempo y el espacio.Siguiendo los postulados de Kubler, el artista pretendía desvincular la obra de arte de su tiempo cronológico, para que se expandiera en un tiempo relativo, de modo que el arte pudiera comportarse como una materia que viajara por el espacio. Ello presupone un cambio importante en el concepto de obra artística, que Smithson entendía, más que como objeto, como fenómeno que no puede definirse en términos causales ni objetuales, sino más bien abstractos (espacio-temporales) y lingüísticos.

SPIRAL JETTY (1970)

ROBERT SMITHSON

LAND ARTDESDE 1968 EN ADELANTE

Este mobiliario, creado por Prantl en 1974, es mucho más que una simple mesa; es una declaración artística que desafía las convenciones tradicionales de diseño y cuestiona la relación entre el arte y el objeto utilitario.La mesa se caracteriza por su forma escultórica y su estructura geométrica, que evoca una sensación de equilibrio y armonía. La elección del material y la meticulosidad en la elaboración reflejan la atención al detalle y la habilidad artesanal de Prantl. Además, el título de la obra, "Österreich - Tisch", sugiere una conexión con la identidad nacional austriaca, quizás haciendo alusión a la influencia cultural y estilística de la región en el trabajo del artista.Al mismo tiempo, la mesa desafía las expectativas convencionales de lo que constituye una obra de arte al integrar elementos de diseño funcional en su forma. Esta integración de arte y utilidad plantea preguntas sobre los límites del arte y la naturaleza cambiante de la práctica artística en el siglo XX.

ÖSTERREICH (1969)

KARL PRANTL

LAND ARTDESDE 1968 EN ADELANTE

En su rostro cadavérico, que a la vez es aprisionado por un sombrero que imita a una jaula, refulgen una paleta de colores más relacionado a lo payasesco, como el rojo y el amarillo. La jaula, por otro lado, parece remitir al propio encarcelamiento que significa pertenecer a la fuerza policial. Otro punto importante de la obra es el fondo blanco, que no solo sirve para resaltar la figura, sino también funciona como metáfora: el policía, además, se mueve en un ambiente que no es el suyo, donde nunca deja de llamar la atención, donde desentona. El policía negro, no pertenece allí.

La representación del único personaje de la obra es caricaturesca, deforme, y está partida en su interior, en lo que se interpreta también como una crítica a los afroamericanos que deciden pertenecer a este sistema de control estatal. Basquiat sostenía que los afroamericanos que se unían a una fuerza policial eran partícipes de un tipo de esclavitud moderno.Su representación es similar a la que podría realizar un niño, con los miembros inferiores desproporcionados y una falta de simetría llamativa. Basquiat buscó, entonces, realizar una representación que deje en evidencia una burla, una figura que no puede representar respeto, siquiera autoridad.

La pintura es una declaración política sin espacio para la duda. Como miembro de la sociedad afroamericana, Basquiat cuestiona la participación de personas de su comunidad en una fuerza de control dominada por hombres de tez blanca y que a su vez protege sus propios intereses.

IRONÍA DEL POLICÍA NEGRO (1981)

JEAN-MICHEL BASQUIAT

ARTE URBANODESDE 1975 EN ADELANTE

IRONÍA DEL POLICÍA NEGRO (1981)

JEAN-MICHEL BASQUIAT

ARTE URBANODESDE 1975 EN ADELANTE

Uno de los grafitis más emblemáticos del mundo es " La niña del globo ". Todo comenzó un día de 2012 con la imaginación caprichosa de Banksy. Se imagina a una niña sosteniendo un globo rojo con forma de corazón. La visión fue un sueño que pintó en una pared en Londres, debajo del puente de Waterloo. Si bien se ha eliminado la plantilla, la imagen sigue siendo un clásico en el arte callejero mundial. Este trabajo rápidamente hizo famoso a Banksy, ya que ilustró perfectamente una técnica de estarcido de graffiti.

NIÑA CON BALÓN (2002)

BANSKY

ARTE URBANODESDE 1975 EN ADELANTE

https://www.cuadrosdekorarte.com/magritte/la-lampara-filosofica/

https://historia-arte.com/obras/la-persistencia-de-la-memoria

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Webgrafía

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Webgrafía

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¡MUCHAS GRACIAS POR ACOMPAÑARME EN ESTE FASCINANTE VIAJE SOBRE EL ARTE DEL SIGLO XX!

AGRADECIMIENTOS

Trabajo realizado por: Mª Carmen Ayala Tenllado

TRABAJO