ARTE SXIX EVALUACION PE

Arte s. xix

EVALUACIÓN

ROMANTICISMO

J.M.W TURNER (1775-1851)

RESEÑA

"Crepúsculo sobre un lago" J.M.W. Turner captura la esencia del Romanticismo a través de su representación atmosférica y emotiva de la naturaleza, fue realizada en 1840. En ella Turner utiliza pinceladas vigorosas y colores vibrantes para retratar un paisaje que evoca una sensación sublime y de misterio. El artista abandona la representación figurativa y se inclina hacia la abstracción, incluso parece anticiparse a lo que tratarían de representar la escuela de Barbizon y el impresionismo, pues la luz y la atmósfera desempeñan un papel central. Esta obra da una sensación de lo trascendental y lo efímero, El Romanticismo buscaba transmitir emociones y sentimientos profundos a través del arte, aquí Turner evoca una amplia gama de emociones, desde la serenidad hasta el asombro, invitando al espectador a experimentar una conexión emocional con la naturaleza, rasgo típico del romanticismo.

CONTEXTO HISTÓRICO

Esta obra fue pintada durante el apogeo del Romanticismo en Europa. En ese momento, la Revolución Industrial estaba transformando la sociedad, llevando a la urbanización y a cambios drásticos en la forma de vida de las personas.El Romanticismo surgió como una reacción contra la racionalidad de la Ilustración y los cambios sociales desencadenados por la Revolución Industrial. Los artistas románticos buscaban escapar de la rigidez del neoclasicismo y encontrar la belleza y la espiritualidad en la naturaleza. Para ellos, la imaginación y la fantasía son fuerzas poderosas que permiten a los artistas e individuos liberarse de las limitaciones de la realidad material y explorar nuevos reinos emocionales y creativos. (D'angelo, 1999) "Crepúsculo sobre un lago" refleja esta búsqueda romántica de lo sublime en la naturaleza, así como la fascinación por la naturaleza. En términos de Gobrich (1997) los artistas de ese periodo abordaron de manera única y disruptiva los temas emergentes, y una de las cualidades más destacadas de su arte fue la inusual libertad creativa que exhibieron, como lo hizo Turner con sus impresionantes paisajes.

VALORACIÓN ESTÉTICA

Esta obra del Romanticismo es visualmente impactante. Turner logra crear una atmósfera sublime y misteriosa mediante el uso magistral del color y la luz. Los tonos cálidos y vibrantes del cielo crean un efecto sobrecogedor que evoca una sensación de grandeza y trascendencia. Turner captura esta sensación de lo sublime a través de la escala impresionante del paisaje y la atmósfera evocadora que crea. La luz del crepúsculo se filtra a través de las nubes y se refleja en el agua del lago, creando un efecto luminoso y etéreo que dota al paisaje de una sensación de serenidad y majestuosidad. La pincelada enérgica y expresiva de Turner, caracerística del estilo romántico, añade una sensación de movimiento y vitalidad al paisaje, haciendo que la obra cobre vida ante nuestros ojos. Las pinceladas fluidas y gestuales capturan la energía del paisaje en constante cambio, desde el movimiento de las nubes en el cielo hasta las ondulaciones en la superficie del agua. En conjunto, "Crepúsculo sobre un lago" es una obra de una belleza impactante que nos invita a sumergirnos en la maravilla y el misterio de la naturaleza.

REALISMO

JEAN FRANCOIS MILLET(1814-1875)

RESEÑA

"Las espigadoras" es una obra emblemática del Realismo que retrata la vida cotidiana de las clases trabajadoras en el campo francés. Jean-François Millet representa la dignidad y la laboriosidad de las mujeres que recogen espigas después de la cosecha. Millet estaba familiarizado con la vida campesina y le interesaba abordar el tema el arduo trabajo campesino. Las espigadoras eran mujeres de escasos recursos que, tras la cosecha, recibían el permiso del capataz para recolectar los restos diarios del campo. Tenían un breve lapso de tiempo antes del anochecer para recoger a mano las espigas de trigo que habían quedado atrás, realizando una labor ardua y sencilla con sus propias manos. A través de una paleta de colores terrosos y una composición cuidadosamente equilibrada, Millet presenta una imagen honesta y sin adornos de la vida rural. La obra refleja las preocupaciones sociales y políticas del movimiento realista y del mismo Millet, que buscaba representar la realidad tal como era, sin idealizaciones ni romanticismos, adempas de dignificar la imagen y labor campesina.

CONTEXTO HISTÓRICO

Millet realizó Las espigadoras en 1857, en un período marcado por la agitación política y social. La Revolución Francesa y la Revolución Industrial habían traído consigo cambios significativos en la estructura social y económica de la sociedad francesa. El movimiento realista surgió como una respuesta a las injusticias y desigualdades de la época, realizaba una crítica social buscando representar la vida cotidiana de las clases trabajadoras con honestidad y empatía. El realismo enfatiza la importancia de la ciencia y la observación precisa de la realidad. Inspirado por pensadores como Augusto Comte, el realismo aboga por representar la realidad de manera fiel, dejando de lado los elementos imaginativos. Aspectos de la época como el ascenso de la burguesía, la industrialización, la transformación urbana y el surgimiento del proletariado, influyeron en estas nuevas ideas y se reflejaron en el arte. (Nieto, 2010) La obra en cuestión no fue precisamente bien recibida, Como explica Shapiro (1988) el realismo, al buscar retratar la realidad sin añadir ornamentos ni idealizaciones, planteaba un desafío a la autoridad y al poder establecido. La simple representación de las clases sociales más bajas en el arte se percibía como un acto desafiante, que cuestionaba la narrativa predominante de la historia.

VALORACIÓN ESTÉTICA

Esta obra del Realismo es notable por su honestidad y su capacidad para capturar la dignidad y la laboriosidad de las clases trabajadoras. Como expresa Gombrich (1997) el tema resultaba revolucionario para la época. Millet utiliza una paleta de colores terrosos y una composición equilibrada. La intención del artista era dignificar estas figuras y lo logra através de las tres mujeres en el primer plano absortas en su labor. Para retratar a las espigadoras en su tarea cotidiana. La atención al detalle en la representación de las figuras humanas y el entorno rural añade una sensación de autenticidad a la obra. Millet pintaba a sus personajes con anonimidad, no para restar importancia al individuo si no para dotarle de un carácter universal. "Las espigadoras" transmite una sensación de conexión con la tierra y con el trabajo duro, evocando un profundo sentido de empatía y respeto por aquellos que luchan por sobrevivir en condiciones difíciles.

IMPRESIONISMO

BERTHE MORISOT (1841-1895)

RESEÑA

La obra "Ante el espejo" es una fascinante pieza pictórica creada por la artista francesa Berthe Morisot. Realizada en 1876, esta obra captura la esencia del impresionismo francés y refleja la habilidad de Morisot para retratar la intimidad y la feminidad en su arte. Berthe Morisot, nacida en 1841 en Bourges, Francia, fue una figura destacada en el movimiento impresionista. Como una de las pocas mujeres artistas reconocidas de su época, desafió las convenciones sociales y dejó una marca indeleble en la historia del arte. Morisot tenía una capacidad innata para capturar la luz y la atmósfera en sus pinturas. En esta obra, Morisot presenta a una mujer joven contemplando su reflejo en un espejo. La escena íntima y personal invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la identidad y la autoimagen. Morisot utiliza pinceladas suaves y delicadas para crear una atmósfera etérea y evocadora. La paleta de colores suaves y sutiles aporta una sensación de serenidad y calma a la composición.

CONTEXTO HISTÓRICO

Esta obra pertenece al período de finales del siglo XIX, conocido como la era de la Belle Époque en Francia. Durante este tiempo, París experimentó un período de crecimiento económico y cultural, con avances tecnológicos y cambios en la vida urbana. El impresionismo surgió como una respuesta a la rigidez de las convenciones artísticas establecidas, buscando capturar la fugacidad de la vida moderna y la atmósfera cambiante de la ciudad. Morisot fue una figura clave en el movimiento impresionista, un período revolucionario en la historia del arte que desafió las convenciones académicas y buscó capturar la luz y la atmósfera en lugar de representar la realidad de manera precisa. 1876 coincide con un período de cambios significativos en las normas sociales, especialmente en lo que respecta a los roles de género. La representación de una mujer joven mirándose en el espejo puede interpretarse como un comentario sobre la creciente conciencia de la identidad femenina y el surgimiento de nuevas formas de autoexpresión para las mujeres en la sociedad, así como las nuevas formas de ver que brindaron las miradas de pintoras femeninas. (Smith, 2006)

VALORACIÓN ESTÉTICA

Mediante pinceladas sueltas y el uso magistral del color, Morisot crea una atmósfera íntima y sugerente que invita al espectador a adentrarse en el mundo interior y doméstico de la protagonista. La técnica pictórica empleada contribuye a la expresión de la obra al transmitir una sensación de movimiento y fluidez, capturando la fugacidad del momento retratado. La protagonista, una mujer que podría ser la misma Morisot, su hermana Edma, o cualquier mujer de la época, se presenta frente al espejo en un acto de introspección y autoexamen. La luz que se filtra en la escena y el reflejo difuso en el espejo sugieren una intención precisa por parte de la artista: mostrar la realidad oculta y la verdadera identidad de las mujeres que no se reflejaba en los retratos convencionales. (Urbano, 2022) El énfasis en la intimidad y la autenticidad de la protagonista revela una profunda preocupación por la representación genuina de las mujeres en el arte y una valiente afirmación de su individualidad y dignidad. En un momento en que las mujeres estaban relegadas a roles domésticos y subordinadas a los estándares de belleza masculinos, Morisot desafió estas limitaciones al capturar la esencia misma de la feminidad en su obra. (Urbano, 2022)

modernismo

Gustave Moreau (1826-1898)

RESEÑA

"La aparición" del destacado artista francés Gustave Moreau, se realizó en 1876. Moreau, nacido en 1826 en París, fue una figura clave en el movimiento simbolista del siglo XIX, conocido por sus obras místicas y alegóricas que exploraban temas como la mitología, la religión y la fantasía. En la obra, se presenta una escena enigmática y surrealista donde una figura femenina etérea emerge de las sombras. Moreau creó varias interpretaciones del pasaje de Salomé, como el óleo "Decapitación de Juan Bautista" y el bosquejo "Salomé en el jardín". Estas obras comparten elementos comunes, como la presencia del verdugo, Salomé sosteniendo la cabeza de Juan y el cuerpo decapitado del mártir. La secuencia culmina con "La Aparición", que tiene dos versiones: una en acuarela y otra en óleo. Ambas versiones muestran una reconfiguración de los personajes y una rica simbología. Salomé adquiere nuevas dimensiones simbólicas más allá de su representación convencional como femme fatale, convirtiéndose en una metáfora de la belleza y la poesía. (Ortiz, 2020) La figura de Salomé, en la obra de Moreau, se presenta como un icono simbólico que trasciende los límites del tiempo y la narrativa religiosa. La composición de la obra es característica del estilo de Moreau, con una profusión de detalles meticulosamente elaborados y un uso magistral del color y la luz. La dualidad de los personajes clave, representados en perfil, crea una tensión visual que refleja la complejidad psicológica de la escena. (Mejías, 2021)

CONTEXTO HISTÓRICO

El simbolismo fue un movimiento artístico del siglo XIX que se caracterizaba por su contenido poético, imaginativo y simbólico. Tuvo lugar especialmente enFrancia, aunque también se extendió a otros países europeos. Este movimiento se caracterizaba por su rechazo al realismo y al naturalismo predominantes en la época, así como por su búsqueda de expresar lo espiritual, lo metafísico y lo subconsciente a través de símbolos y metáforas. (González, 2020)Esta obra de Moreau fue realizada durante el apogeo del Simbolismo que surgió como una reacción al predominio del realismo y el naturalismo en el arte, buscando explorar temas más abstractos y espirituales a través de la metáfora y el simbolismo. Este movimiento artístico se desarrolló principalmente en Europa durante la segunda mitad del siglo XIX, coincidiendo con un período de cambios significativos en la sociedad y la cultura occidental. (Lodoño, 2021) En el ámbito cultural, la década de 1870 fue testigo del surgimiento de movimientos literarios y artísticos innovadores, como el impresionismo en la pintura y el realismo en la literatura. Sin embargo, también fue un momento de creciente interés en temas esotéricos y místicos, que encontraron su expresión en el Simbolismo. Los simbolistas se destacaron por su contenido poético y su búsqueda interior de verdades universales relacionadas con la espiritualidad, la imaginación y los sueños. (González, 2020)

VALORACIÓN ESTÉTICA

Moreau utiliza un estilo detallado y ornamental, característico del modernismo, para crear una sensación de opulencia y exotismo. La atmósfera de la obra es cargada y evocadora, con un uso hábil de la luz y la sombra para crear un sentido de misterio y asombro.En la visión de Moreau, Salomé se convierte en un símbolo poderoso de la feminidad en toda su complejidad. Lejos de ser simplemente una femme fatale o una figura bíblica, Salomé adquiere dimensiones místicas y psicológicas profundas. La escena representada, donde Salomé presencia la decapitación de Juan el Bautista, se carga de simbolismo y sensualidad. En medio de un baile lascivo y al borde del éxtasis, Salomé experimenta una visión perturbadora que revela su conexión con el poder y la violencia. Moraeu crea una composición meticulosa e intricada, emplea una técnica de pintura al óleo que combina pinceladas precisas y minuciosas con un uso cuidadoso del color y la luz. Lasformas y figuras en la obra están definidas con un delineado claro y preciso, lo que contribuye a la sensación de detalle y realismo en la composición. Además, Moreau experimenta con técnicas como el rayado para crear texturas y profundidad en la obra. (Ortiz, 2020) Moreau también incorpora elementos decorativos y ornamentales en la obra, como la elaborada arquitectura del templo que enmarca la escena y los detalles intrincados en la vestimenta y los accesorios de los personajes, creando una atmósfera cargada de simbolismo y misterio.

Conclusión

En conjunto, estas obras muestran el desarrollo cultural y artístico de la época, así como los cambios sociales que rodearon a sus autores. Por ejemplo Crepúsculo sobre un lago de Turner y Las espigadoras de Millet son obras que reflejan la preocupación por la relación entre el hombre y la naturaleza, aunque desde perspectivas diferentes. Mientras Turner, dentro del Romanticismo, idealiza y se inclina por lo sublime de la naturaleza, mostrando la grandeza del paisaje y su potencial trascendental, Millet, en un enfoque realista, retrata la realidad cruda y cotidiana de la vida rural. Estas dos perspectivas ilustran las tensiones entre el idealismo y la realidad en el siglo XIX, así como las preocupaciones sobre el impacto de la industrialización en las condiciones de vida de las clases trabajadoras. Las espigadoras de Millet (Realismo) y Ante el espejo de Berthe Morisot (Impresionismo) comparten un enfoque en la representación de la vida cotidiana. Millet, dentro del Realismo, se enfoca en mostrar la laboriosidad y la dignidad de las clases trabajadoras en el campo, mientras que Morisot, como impresionista, captura la intimidad y la fugacidad de la vida urbana moderna. Esta transición refleja el cambio de enfoque del arte hacia la representación de la vida moderna y la búsqueda de nuevas formas de expresión artística en el siglo XIX. Ante el espejo de Berthe Morisot (Impresionismo) y La aparición de Gustave Moreau (Modernismo) muestran una ruptura con las convenciones artísticas establecidas y una exploración de temas más abstractos y emocionales. Morisot, como impresionista, se centra en la captura de la luz y la atmósfera de la vida urbana, mientras que Moreau, dentro del Modernismo, utiliza el simbolismo para explorar el subconsciente y lo irracional. Estos enfoques reflejan el cambio de actitud hacia el arte y la búsqueda de una expresión más personal y subjetiva en el siglo XIX, así como la creciente influencia de la psicología y la filosofía en el pensamiento artístico. Además estas dos obras son un claro ejemplo de los cambios en las concepciones sobre género, en la obra de Moristo nos encontramos con una forma íntima y desde la perspectiva femenina de la representación de la mujer y con Moreau, observamos la figura evolucionada de la femme fatale como una imagen poderosa e incluso temida.

REFERENCIAS

• Ante el espejo. La mujer no aparece reflejada en el espejo, ni en el arte. (2019), en Historia del Arte, https://historia-arte.com/obras/ante-el-espejo
• Antigüedad del Castillo-Olivares, M.D. et al. (2010). El Arte del siglo XIX. Madrid: Editorial Universitaria Ramón Arces
• Club campestre Cali (2021). Ciclo de conferencias de Arte “Simbolismo”. Recuperado de https://youtu.be/yUS89YQWu5U?si=gkyEuqK1_Rdp-m1h
• Cómo entender el arte del romanticismo (2023). Canvas Lab. Recuperado de https://canvaslab.com/blogs/arte/como-entender-el-arte-del-romanticismo
• Crepúsculo sobre un lago, a un paso de lo abstracto (2021). HA! Historia del arte. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/crepusculo-sobre-un-lago
• El simbolismo en el Arte: Misticismo, imaginación y emociones (2020). TTAMAYO. Recuperado de https://www.ttamayo.com/2020/03/arte-simbolismo-misticismo/
• Gardachal, Á. (2014). El Simbolismo: Culminación del Ambiente Cultural de Finales del Siglo XIX. (Tesis de grado). Facultad de Filosofía y Letras, Departamento de Historia del Arte, Grado en Historia del Arte, Universidad de Zaragoza.
• Gombrich, E. (1997). Historia del Arte. Londres: Phaidon
• La aparición, visiones que hacen perder la cabeza. HA! Historia del Arte. Recuperado de https://historia-arte.com/obras/la-aparicion
• Manzano, J. (2017). Gustave Moreau, Félicien Rops y Odilon Redon en el marco de la pintura simbolista finisecular (Trabajo de Fin de Grado). Curso: 2016 – 2017. Teoría del Arte. Departamento de Historia del Arte, Universidad de Barcelona.
• Ortiz Olivares, A. N. (2020). Salomé, el nacimiento de un ídolo de perversidad: Stéphane Mallarmé y Gustave Moreau. Nuevas Poligrafías. Revista De Teoría Literaria Y Literatura Comparada, (1), 79–100. https://doi.org/10.22201/ffyl.nuevaspoligrafias.2020.1.1109
• Shapiro, M. (1988). El Arte Moderno. Madrid: Alianza
• Urbano, J. (2022). “Berthe Morisot, la más impresionista de todos”, Universitat Internacional de Catalunya, https://theconversation.com/amp/berthe-morisot-la-mas-impresionista-de-todos-174407