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PRESENTACIÓN VELÁZQUEZ
Ruben Rescalvo
Created on March 27, 2024
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Historical Presentation
Transcript
Diego Velázquez
el barroco español
EL NACIMIENTO DE DIEGO VELÁZQUEZ
Sevilla, 1599
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Diego Velázquez nace en una familia humilde. Su padre era notario eclesiástico, un oficio de la baja nobleza, así que su infancia fue modesta, incluso rozando la pobreza.
La idea de conseguir su estatus de noble, persiguiría a Velázquez toda su vida.
SU FORMACIÓN ARTÍSTICA
El taller de Francisco Pacheco
Un joven talento con 11 años
El joven Velázquez pronto destacó por su habilidad para el dibujo. Con tan solo 11 años (1610) es aceptado como aprendiz en el taller del retratista Francisco Pacheco.
SEVILLA: FLORECIMIENTO DE LAS ARTES
Sevilla: la apertura al mundo
Sevilla era la ciudad más rica, cosmopolita y poblada de España. Después de la llegada a América (1492), Sevilla se convirtió en el centro económico y cultural del Imperio español.
Sevilla tenía el monopolio del comercio europeo con América a través de la Casa de Contratación de las Indias (1503). Ésta dirigía y contrataba los viajes, controlaba las riquezas que entraban de América y regulaba las relaciones con el continente.
JAPÓN: MIRADA HACIA OCCIDENTE
La Embajada Keichou
En 1614, llega a Sevilla la primera embajada japonesa, la Embajada de Keichou (Keichō Shisetsu), encabezada por el samurai Hasekura Tsunenaga (支倉六右衛門常長) con el objetivo de establecer relaciones diplomáticas entre Occidente y Japón. De vuelta a Japón, algunos deciden quedarse en Coria del Río, una población vecina de Sevilla. Hoy, 400 años después, sus descendientes llevan el apellido Japón.
LA LLEGADA DEL BARROCO A ESPAÑA
La primera obra
1) Una oscura habitación, tres músicos y un mono alrededor de una mesa (bodegón barroco). Uno de ellos, el más joven, nos mira y sonríe, también el mono (recurso del barroco para captar nuestra atención). 2) Otro elemento del barroco es jugar con los sentidos: oído, tacto, gusto y olfato se unen a la vista para hacer una representación alegórica de los sentidos. 3) Primera muestra de Velázquez de la nueva iluminación tenebrista de Caravaggio (foco de luz artificial y forzado para jugar con los contrastes de luz y oscuridad).
Los tres músicos (1616)
LA FAMILIA DE VELÁZQUEZ
Juana Pacheco, 1618
Un matrimonio para toda la vida
Un año después de aprobar el examen de entrada al gremio de pintores de Sevilla (1617), su maestro le ofrece la mano de su hija, Juana Pacheco, y se casan en 1618. Ella tan solo tiene 15 años, él aún no ha cumplido los 19.
Del matrimonio nacerían dos hijas: Francisca e Ignacia
EVOLUCIÓN DEL BARROCO (PRIMERA ETAPA)
Su obra maestra en Sevilla
1) Una cocina iluminada con un fondo en penumbra mejorado (tenebrismo barroco de Caravaggio) y dos personajes de clase popular (mostrar a los más desfavorecidos). 2) Singularidad y calidad pictórica de los objetos, cada uno con sus distintas texturas y matices, que les da vida propia. 3) Perspectiva distorsionada para poder observar todos los elementos del bodegón. 4) Las personas parecen inmóviles, como los objetos que hay sobre la mesa. Velázquez busca darles el mismo protagonismo a los objetos del bodegón que a los personajes para dignificar el género.
Vieja friendo huevos (1619)
EVOLUCIÓN DEL BARROCO (PRIMERA ETAPA)
El paso hacia la Corte
1) El protagonista de esta escena costumbrista (bodegón) vuelve a ser un personaje de los estratos sociales más humildes (un viejo aguador). 2) La perfección y el detallismo en los objetos: los brillos de la copa de cristal, las marcas del torno en la cerámica de la ánfora gigante que preside la escena y las gotitas de agua que resbalan por sus paredes, etc. Todos asombran por su realismo. 3) El conocido juego de claroscuros de la iluminación tenebrista barroca perfeccionada. La escena en penumbra se ve alumbrada artificialmente: el blanco de las camisas, los rostros y la ánfora que vemos en primer plano. 4) La técnica pictórica de la perspectiva aérea o atmosférica.
El aguador de Sevilla (1621)
el conde duque de olivares
Viaje a Madrid, 1622
En 1622, Velázquez va a Madrid, alentado por su maestro, a ganarse un puesto como pintor en la corte real de Felipe IV. Velázquez confía en su arte y tiene la ambición de ser el mejor pintor de su tiempo. Además, sabe de la afición del rey por el arte. No logra su objetivo de retratar al rey, pero se da a conocer entre la aristocracia de Madrid, especialmente, con el valido del rey, el Conde Duque de Olivares (foto derecha).
MAESTRO DE CÁMARA DE LA CORTE
Retrato de Felipe IV
Felipe IV de joven (1623)
Este fue el primer retrato que Velázquez pintó del rey Felipe IV, con tan solo 18 años, y siempre con esa cara típica de los Habsburgo: tez pálida, labio belfo y prominente, prognatismo mandibular, mirada ausente y "pelo de oro cansado". Felipe IV era un amante del arte y quedó fascinado con el retrato. De inmediato desingó a Velázquez "maestro de cámara de la corte", es decir, pintor oficial de la Casa Real.
En 1623, Velázquez se tiene que trasladar al Palacio Real de Madrid.
LA COLECCIÓN DE PALACIO: TIZIANO Y RUBENS
La vida de Palacio
Como pintor de la corte de Felipe IV, Velázquez puede estudiar la enorme colección de obras del Palacio Real, entre las que encuentra las del pintor italiano Tiziano (foto derecha), su pintor favorito y del que adquiere y perfecciona su técnica. En 1628, conoce en Madrid al famoso pintor flamenco barroco Rubens (foto izquierda), construyendo una fuerte amistad. Él le anima a viajar a Italia a perfeccionar su arte. En 1629, consigue el permiso real y embarca rumbo a Italia donde vivirá casi 2 años.
EL APRENDIZAJE EN ITALIA (1629-1631)
Experimentación impresionista
Vista del jardín de la Villa Medici de Roma con la estatua de Ariadna (1630)
Velázquez experimentó en esta pintura sobre los jardines de la Villa Medici de Roma, algunas de las técnicas que aprendió de Tiziano y del mismo Rubens: pinceladas de óleo densas, rápidas y sueltas, que nos recuerdan a las que utilizarían dos siglos despuñes los impresionistas. Este óleo fue, además, uno de los primeros paisajes de la pintura occidental. Velázquez dignifica y casi inventa el género paisajístico, hasta el momento reducido a un marco secundario.
EL RETORNO A madrid: PALACIO DEL BUEN RETIRO
La decoración del Salón de Reinos
En 1631, Velázquez regresa a Madrid a sus funciones de maestro de cámara de la corte. El primer gran proyecto es la decoración del Salón de Reinos del nuevo Palacio del Buen Retiro de Felipe IV.
Velázquez se encarga de pintar una serie de grandes lienzos sobre grandes batallas para decorar el Salón de Reinos. La pintura que va a destacar será La rendición de Breda, también llamada Las Lanzas, una de sus obras maestras.
La pintura representa la rendición y entrega de las llaves por parte de Justino de Nassau de la ciudad flamenca de Breda al general español Spinola (1622).
una de sus obras maestras
Una composición compleja
La rendición de Breda (1635)
Observamos una composición compleja. En primer lugar, la obra se divide en dos mitades a través de un eje vertical marcado por la llave, que separa a los dos bandos (flamencos: derecha / españoles: izquierda). En segundo lugar, dos diagonales imaginarias en forma de aspa se cruzan en la llave. Finalmente, horizontalmente, las figuras se concentran en la parte inferior de la pintura, quedando la parte superior para el paisaje de Breda. Los caballos dan equilibrio compositivo, enmarcando los dos personajes centrales y dando profundidad. Pictóricamente, vemos los "colores quebrados" influencia de Tiziano y el juego de claroscuros del tenebrismo de Caravaggio. En segundo plano, el paisaje difuminado, con colores azulados y degradados, que aporta profundidad y da lugar a la perspectiva aérea típica de Velázquez, influencia de Da Vinci.
En 1649, Velázquez regresó a Italia para adquirir nuevas obras para Palacio y profundizar en su estudio. Esta vez, su prestigio le valió para retratar al Papa Inocencio X.
El mejor retrato de la historia
Papa Inocencio X
Papa Inocencio X (1650)
El retrato de Inocencio X le valió a Velázquez su consagración. El artista alcanza una técnica impecable. La mayor característica de la pintura es el impacto psicológico que produce al verlo. El Papa luce real, inquietante. No expresa movimiento, pero a la vez no es estático, transmite vida, ofrece una conexión con el espectador que se ve atraído por sus ojos. Su mirada te persigue:
- Velázquez es capaz de penetrar psicológicamente en el personaje para mostrarnos su alma. Para muchos artistas, éste es el mejor retrato de la historia.
PRESTIGIO E INFLUENCIA EN LA CORTE
Aposentador real
En 1651, a la vuelta de Italia, Felipe IV encumbra a Diego Velázquez y lo nombra aposentador real, un cargo de gran importancia. Velázquez será el responsable de preceder a los monarcas en sus viajes y prepararles un adecuado y cómodo alojamiento. A pesar de disponer de poco tiempo para pintar, de esta última época encontramos algunas de sus obras maestras.
una de sus últimas obras maestras
La evolución de la técnica
Las hilanderas (1657)
Velázquez pinta una obra maestra compositiva. Frente a nosotros, varias escenas en una sola. Es un juego típico del barroco más evolucionado. Velázquez representa la fábula de Aracne. Aracne era una joven que tejía tan bien que presumía de hacerlo mejor que la diosa Atenea. Harta de ello, Atenea se disfrazó de vieja y la retó a tejer el mejor tapiz. Aracne decidió representar las infidelidades de los dioses en su tapiz. Atenea, ofendida, se quitó el disfraz y convirtió a Aracne en en una araña. Es por ella que las arañas ("arácnidos") tejen tan bien. Así pues, vemos como pinta el taller de Aracne, con la joven tejiendo con maestría (de espaldas, a la derecha) y a la diosa Atenea disfrazada de vieja (a la izquierda).
LAS HILANDERAS (1657)
Detalles técnicos
La perspectiva aérea
En el rostro de la hilandera vemos los típicos colores quebrados y pinceladas libres, grandes y densas de óleo, pintadas con libertad. Parecen manchas que de cerca no transmiten nada, pero de lejos tienen una apariencia muy realista.
Pinceladas libres y densas
La escena frontal la vemos poco iluminada y dota de más luz la escena posterior. El objetivo de Velázquez era asegurarse que veíamos toda la escena y el significado que contiene. La escena posterior destaca por sus colores más claros, azulados y menos nítidos, para dar sentido de profundidad y lejanía.
Incluso, en la escena posterior los personajes (dioses) parecen formar parte del tapiz que tienen detrás.
LA MAYOR OBRA DE VELÁZQUEZ
¿Qué representa?
Las Meninas (165?)
En el cuadro aparecen la infanta Margarita, el centro de atención de la pintura, flanqueada por dos meninas que la atienden: María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. Una enana y el bufón que patea al perro. Detrás de los personajes principales están Marcela de Ulloa, la “guarda menor de damas” (monja) y otro guardadamas sin identificar. Al fondo, en la escalinata, José Nieto Velázquez, jefe de la fábrica de tapices y aposentador de la reina Mariana de Austria. Velázquez tiene la valentía de autoretratarse ejerciendo su oficio, paleta en mano. Finalmente, ahí están los reyes Felipe IV y su mujer Mariana de Austria, pero reflejados en el espejo. Los verdaderos protagonistas se encuentran fuera del cuadro.
las meninas (165?)
Interpretaciones artísticas de Las Meninas
¿Cuál es el objetivo del cuadro?
Las interpretaciones son múltiples. Lo que está claro es que algunos de los personajes parecen mirar hacia afuera del cuadro, hacia nosotros. Algo llama su atención. Vamos a ver las opciones: 1) Si los reyes no están en la sala, pero se reflejan en el espejo, lo lógico es que Velázquez está pintando su retrato. Los reyes posan para el artista, por lo tanto, ellos están donde estamos nosotros. 2) Velázquez está pintando en Palacio cuando de pronto entran los reyes. Algunos se percatan y levantan la mirada. Como los reyes están donde estamos nosotros, se reflejan en el espejo del fondo. 3) Velázquez pinta el cuadro de Las Meninas y en ese momento aparecen los reyes. Lo que pinta es el cuadro mismo que nosotros estamos viendo. Serían Las Meninas dentro de Las Meninas. 4) Velázquez está pintando a los espectadores del cuadro, a nosotros. Cuando pasas por delante de Las Meninas, el artista nos mira claramente y el espectador se convierte en la cuarta dimensión de la pintura.
la quinta teoría
La astrología
La quinta interpretación
Velázquez era conocedor de la astronomía y la astrología. Según una teoría más arriesgada, si enlazamos los corazones de los personajes en una línea imaginaria, se dibuja la constelación de Corona Borealis, cuya estrella central se llama curiosamente Margarita Coronae, como la infanta que ocupa el centro del cuadro. Diego Velázquez está pintando una lectura de la continuidad dinástica en la persona de la infanta Margarita. En el momento de pintar el cuadro, ella era la reina del futuro de la monarquía hispánica.
LA CRONOLOGÍA DE LAS MENINAS
La fecha de Las Meninas
¿Cuándo fue pintado realmente?
Las Meninas fue pintado, oficialmente, en 1656. En el cuadro, pero, Velázquez aparece con una cruz de la Orden militar de Santiago en el pecho, título de caballero concedido en 1658. ¿Qué pasó?:1) El rey Felipe IV pintó la cruz, a posteriori, como regalo póstumo a Velázquez, puesto que le costó mucho otorgarle la insignia. 2) Velázquez retoca la pintura después de conseguir la cruz de la Orden de Santiago. 3) Velázquez pinta la cruz antes de conseguirla, como reflejo de su ambición y deseo por alcanzar la categoría nobiliaria de caballero. 4) Velázquez pintó la cruz de Santiago al mismo tiempo que el cuadro, después de serle concedida, por lo tanto, el cuadro dataría de 1659 y no de 1656.
la muerte de un pintor universal
La muerte de Velázquez
Muerte con honores (1660)
En marzo de 1660, Velázquez, como aposentador real, prepara el alojamiento de Felipe IV y Mariana de Austria para su encuentro con el duque de Agramont, embajador del rey de Francia Luís XIV. Felipe IV entregó a su hija mayor, la infanta María Teresa de Austria, para que se casara con el rey de Francia. Velázquez regresó a Madrid el 8 de junio enfermo. Felipe IV le envió su médico personal, pero el 6 de agosto de 1660, Velázquez moriría. Fue enterrado con todos los honores en la parroquia de San Juan Bautista. Su mujer moriría una semana después y sería enterrada con él. La iglesia fue destruida por las tropas de Napoleón en 1811 y sus cuerpos con ella. Su arte permanece.
Conde Duque de Olivares
Gaspar de Guzmán y Pimentel, el Conde Duque de Olivares, fue, seguramente, uno de los hombres más poderosos e influyentes de la historia de España. Su cargo de valido le permitía gobernar en nombre del rey si éste no quería o no podía gobernar por sí mismo. En 1623, Olivares, también sevillano y aficionado al arte, consigue un permiso para que Velázquez pueda retratar al rey Felipe IV.
La perspectiva aérea
La perspectiva aérea o atmosférica la adquiere Velázquez de uno de los artistas italianos más importantes: Leonardo da Vinci. La técnica consiste en dar sentido de profundidad a la pintura pintando los objetos más lejanos menos nitidos y los cercanos con mayor detalle, como vemos en la tercera figura difuminada del cuadro. Además, se trata de pintar el aire suavemente, permitiéndonos imaginar el ambiente de la escena.
Sevilla: crisol de culturas
La puerta a América llena la ciudad de Sevilla de comerciantes italianos, franceses, flamencos e ingleses. Con ellos, artistas se reúnen y favorecen el florecimiento de las artes en la ciudad.
Los Japón de Coria del Río
Hoy en día, existen más de 700 vecinos de Coria del Río que se apellidan Japón.
Impresionistas franceses
Los impresionistas franceses descubren la obra de Velázquez, especialmente, después de visitar el Museo del Prado en 1819 y quedan maravillados. Édouard Manet lo llamaría "pintor de pintores", y Pierre-Auguste Renoir va más allá afirmando que "visto a Velázquez, pierdes el deseo de pintar, porque comprendes que está todo dicho”.
Ocaso genético de los Hbasburgo españoles
Felipe IV heredó una genética deteriorada. La razón: más de 150 años de relaciones endogámicas. Su rostro refleja la decadencia del Imperio español; de hecho, con su hijo Carlos II, llamado “el Hechizado" se acabaría la dinastía de los Habsburgo al morir sin descendencia.
Caravaggio
El pintor italiano fue el primero en pintar el género bodegón en 1596. El artista fue la primera gran influencia de Velázquez y al que él consideró su referente. De él, introduce el barroco en España.
Tiziano
Tiziano és considerado por muchos como el "padre" de la pintura moderna, siendo el primero en: 1) Aplicar colores amarronados o "quebrados", ("ensuciar los colores"), para acercarse a las tonalidades de luz y color de la realidad. 2) Aplicar pinceladas de óleo densas, pintando más rápido, con menos capas de pintura y generando un efecto realista más realista. 3) Pintar directamente sin tener un dibujo previo muy minucioso.