Galerie d'artiste

Edouard Manet

Les Grands Peintres Partie 2:

post-impressionniste

l’instigateur du mouvement impressionniste

l'un des créateurs de l'impressionnisme

Vincent Van Gogh

Claude Monet

"L’impressionnisme est à la fois une esthétique et un mouvement. Sur le plan esthétique, il célèbre la modernité et le plein-air, la notation rapide, les couleurs vives. Sur le plan sociologique, il renvoie à un groupe d’artistes ayant choisi d’exposer en marge du Salon officiel entre 1874 et 1886.""L’impressionnisme serait né en 1873 grâce à Claude Monet, auteur d’Impression, soleil levant, l’œuvre manifeste de cette esthétique de la rapidité et du flou. "

Qu'est-ce que l'impressionisme :

https://www.beauxarts.com/grand-format/limpressionnisme-en-3-minutes/

CLAUDE MONET1840-1923PEINTRE FRANÇAISPhoto © Lilla Cabot Perry

Né à Paris en 1840, Claude Monet et sa famille déménagèrent au Havre cinq ans après. Montrant des prédispositions pour le dessin, le jeune garçon suivit des cours auprès d’un ancien élève de Jacques-Louis David (1748-1825). Claude Monet est l’un des artistes les plus connus de l’histoire de l’art. Il est considéré comme le chef de file du mouvement impressionniste. Sa longévité lui permit de réaliser une œuvre abondante, évoluant au gré de ses expériences picturales. À travers ses compositions réalisées en plein air illustrant la nature, les villes et autres scènes de la vie quotidienne, Claude Monet s’intéressa au traitement de la lumière naturelle et des couleurs.

CLAUDE MONET1840-1923PEINTRE FRANÇAISPhoto © Lilla Cabot Perry

https://barnies.fr/claude-monet/

L’HÉRITIER D’EUGÈNE BOUDIN

Vers 1858, Claude Monet fit la connaissance du peintre honfleurais Eugène Boudin (1824-1898). Cette rencontre fut décisive pour la carrière de Monet qui n’eut de cesse d’affirmer que sa vocation de peintre était due à Boudin. Dès lors, les paysages de jeunesse de Monet illustrent l’influence du peintre de marines.

Paris

1859

Algérie.

1861

Paris

1862

1866-1870

rencontra Camille Doncieux qui devint son modèle privilégié. Elle posa notamment pour La Femme en robe verte (1866). Malgré ses diffultés de financières, Monet épousa Camille Doncieux en 1870

Les rencontres :

rejoignit l’Académie Suisse après s’être vu refuser l’entrée de l’atelier de Thomas Couture.Monet se lia avec le futur peintre impressionniste Camille Pissarro

rencontre du peintre hollandais Johan Barthold Jongkind (1819-1891) lequel eut une grande influence sur son œuvre.

l’École des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier de Charles Gleyre.En désaccord avec l’art académique dispensé par son maître, Claude Monet quitta rapidement l’atelier.

DESCRIPTION VISUELLE DE L'ŒUVREDans ce tableau, nous retrouvons une figuration grandeur nature de Camille Doncieux, représentée en pied, tournant le dos au spectateur dans un ample mouvement de robe, vêtue d'une robe verte émeraude à rayures verticales . La pose adoptée par le modèle traduit une certaine nonchalance, une élégance naturelle.Le choix des couleurs est particulièrement intéressant dans cette œuvre puisque Monet a opté pour une palette dominée par des teintes vertes, noires et bleutées faisant écho à la robe portée par Camille. Les touches rapides de pinceau et les effets de lumière ajoutent une touche de spontanéité et de vie, les effets moirés de la robe constituant toute la virtuosité du tableau.

https://fr.muzeo.com/reproduction-oeuvre/camille-ou-la-femme-a-la-robe-verte/claude-monet

1874 : NAISSANCE OFFICIELLE DE L’IMPRESSIONNISME

L’année 1874 est cruciale pour l’impressionnisme. En effet, cette année-là eut lieu la première exposition des peintres impressionnistes dans les ateliers du photographe Nadar. Nombreux sont les peintres à avoir participé à cette manifestation : Eugène Boudin, Paul Cézanne, Edgar Degas, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir

https://fondation-monet.com/actualites/impression-soleil-levant-la-saga-dune-toile-mythique/

* Mai 1874 : est achetée pour 800 francs par le collectionneur Ernest Hoschedé. * A l’occasion d’un prêt au musée de Mulhouse, la toile est assurée à hauteur de… 50 millions de francs !1985: trois voleurs braquent le Musée Marmottan et dérobent le chef-d’œuvre. «Impression, soleil levant» disparaît pendant cinq ans, avant d’être miraculeusement retrouvé, en 1990, dans un appartement de Porto-Vecchio, en Corse-du-Sud

Claude MonetChamps de tulipes en Hollande1886Huile sur toileH. 65,5 ; L. 81,5 cm.Legs Princesse Edmond de Polignac© Musée d’Orsay, dist. RMN-Grand Palais / DRSource : https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/champs-de-tulipes-en-hollande-21125

Ce tableau impressionniste représente une scène printanière des célèbres champs de tulipes aux Pays-Bas, où des rangées de fleurs aux teintes éclatantes s'étendent à perte de vue. Monet a saisi la beauté et la vitalité du paysage floral, instaurant une atmosphère de bonheur et de renouveau.L'utilisation par Monet d'une palette de couleurs variée et riche, mêlant des tons de rouge, de rose, de jaune et de vert, crée un effet visuel frappant. Les coups de pinceau rapides et légers, typiques de l'impressionnisme, rendent la texture et la luminosité des tulipes.La composition du tableau met en évidence la perspective et la profondeur du paysage, tandis que le contraste entre les couleurs vibrantes des fleurs et le ciel nuageux ajoute une dimension poétique à la scène.

Champs de tulipes en Hollande

1890-1926 : LA SÉRIE DES NYMPHÉAS

Le cycle des Nymphéas, chef-d’œuvre de l’impressionnisme, occupa Claude Monet durant trois décennies, de la fin des années 1890 jusqu’à sa mort en 1926. Inspiré du jardin d’eau, ce cycle titanesque est composé de près de 300 tableaux, dont plus de quarante panneaux de grands formats. Les compositions évoluèrent au gré des transformations du jardin.

Claude MonetLe Bassin aux nymphéas, harmonie verte1899Huile sur toileH. 89,5 ; L. 92,5 cm.Legs comte Isaac de Camondo, 1911© RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Stéphane Maréchalle

Bassins aux Nymphéas, 1899-1900, huile sur toile

Le tableau intitulé "Le Bassin aux Nymphéas, harmonie verte" a été peint par Claude Monet en 1899 dans le style impressionniste. Il fait partie de la série des Nymphéas et est actuellement conservé au Musée d'Orsay à Paris. Il représente un pont au-dessus d'un bassin de nénuphars.Le sujet principal de la peinture est le pont de bois qui traverse une extrémité du bassin. Sa forme arquée, ainsi que son garde-corps en verre, lui ont valu le surnom de "pont japonais". Monet a abordé ce thème en 1895, probablement inspiré par l'une des estampes japonaises de sa collection, seulement deux ans après sa construction. L'abondance de la végétation évoque davantage les jardins méditerranéens. Le peintre met en avant une harmonie générale grâce à la symétrie de la composition, avec le bassin vu selon un axe est-ouest, et au camaïeu de verts et de verts bleutés des plantes aquatiques dans le petit étang, des roseaux, des bambous et des iris sur les rives, ainsi que des arbres en arrière-plan, dont un saule pleureur.

https://givernews.com/2007/04/07/le-pont-japonais/

Les huit compositions des Nymphéas et visite virtuel la salle de l'exposition

Il est né le 23 janvier 1832 à ancien 10e arrondissement de Paris Il est décédé le 30 Avril 1883 (à 51 ans)Dans toute sa vie, il a crée 235 oeuvres d'art.

Edouard Manet

En 1866, il rejoint un groupe d’artistes indépendants : Edgar Degas, Claude Monet, Frédéric Bazille, Camille Pissarro, Paul Cézanne se retrouvent au café Guerbois, près de l’atelier de Manet aux Batignolles. Ce dernier apparaît rapidement comme leur chef de file. En 1867, exclu de l’Exposition universelle, il expose 50 toiles dans un pavillon personnel, comme Gustave Courbet l’avait fait en 1855.Manet doit attendre le Salon de 1881 pour recevoir enfin la médaille tant convoitée. Il est à cette époque immobilisé, malade, dans sa maison de Rueil. Il meurt le 30 avril 1883 des suites d’une opération d’amputation de la jambe. Son art est alors reconnu, mais encore partiellement incompris. Lors de la cérémonie d’enterrement, Degas aurait dit de son ami : « Il était plus grand que nous ne pensions. »

UNE RECONNAISSANCE TARDIVE

LES TABLEAUX DE EDOUARD MANET

Portrait

Paysage

Nature mortel

La Liseuse

Grand Canal à Venise

Huîtres

La Liseuse

La lecture

Emile Zola, lié par une amitié de jeunesse avec Cézanne, montre très tôt un vif intérêt pour l'art pictural, particulièrement envers les artistes rejetés par l'establishment critique. Son engagement se cristallise notamment dans son écriture en 1866 dans La Revue du XXe siècle où il défend avec ardeur Manet, artiste alors controversé. En guise de reconnaissance, Manet propose à Zola de poser pour son portrait. Les séances ont lieu dans l'atelier de Manet, rue Guyot, où chaque détail est soigneusement agencé pour refléter la personnalité, les préférences et la vocation de Zola. Sur le mur, trône une reproduction d'Olympia de Manet, œuvre émérite qui fit scandale au Salon de 1865, mais que Zola considère comme un chef-d'œuvre. À côté se trouve une gravure du Bacchus de Velázquez, témoignant de l'affinité partagée entre l'écrivain et le peintre pour l'art espagnol. Une estampe japonaise d'Utagawa Kuniaki II, illustrant un lutteur, vient compléter l'ensemble, rappelant l'importance de l'Extrême-Orient dans l'évolution artistique occidentale.Zola, assis à sa table de travail, tient un livre, probablement L'Histoire des peintres de Charles Blanc, souvent consulté par Manet. Un encrier et une plume, posés sur le bureau, symbolisent le métier d'écrivain.

Edouard ManetEmile Zola1868Huile sur toileH. 146,0 ; L. 114,0 cm.Donation sous réserve d'usufruit de Mme Emile Zola, 1918© RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Patrice Schmidt

Œuvre majeure de la peinture française du XIXe siècle, Le Déjeuner sur l’herbe fut rejeté au Salon de 1863 et exposé au Salon des refusés.Le scandale est lié au sujet : deux femmes nues, visiblement des prostituées, pique-niquent avec deux jeunes hommes en costumes contemporains. Édouard Manet avait voulu moderniser un sujet ancien traité par Titien, celui du concert champêtre (alors attribué à Giorgione). Les allégories sont remplacées par des femmes bien réelles, dont l’une regarde effrontément le spectateur. Il s’agissait peut-être aussi, pour Manet, de répondre à l’œuvre que Courbet avait exposée en 1857 sous le titre des Demoiselles des bords de la Seine. Son réalisme apparaît comme plus référencé et érudit que celui de Courbet.

https://www.beauxarts.com/grand-format/edouard-manet-en-2-minutes/

Edouard ManetLe Déjeuner sur l'herbe1863Huile sur toileH. 207,0 ; L. 265,0 cm.Donation Etienne Moreau-Nélaton, 1906

Le Déjeuner sur l'herbe, 1863

Exposé au Salon de 1865, l’Olympia a fait scandale. En évoquant l’un des personnages du roman à succès La Dame aux camélias d’Alexandre Dumas fils, la toile représente une jeune prostituée, sur un lit défait, attendant son prochain client. Édouard Manet réinvente ici le thème de la Vénus allongée en lui donnant un caractère contemporain et provocateur.La Vénus est devenue une prostituée qui défie de son regard le spectateur. Face à cette remise en cause du nu idéalisé, fondement de la tradition académique, la violence des réactions fut considérable. Les critiques vilipendèrent "cette odalisque au ventre jaune" dont la modernité fut pourtant défendue par quelques contemporains avec à leur tête Zola.

Copier la légendeArtwork caption copiedEdouard ManetOlympia1863Huile sur toileH. 130,5 ; L. 191 cm; pds. 120 kg. avec cadre H. 177,5 ; L. 239 cmOffert à l'Etat par souscription publique sur l'initiative de Claude Monet, 1890© Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmidt

Olympia, 1863

https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/olympia-712

Un bar aux Folies Bergère, 1882

https://www.artistespeintres.net/que-represente-le-tableau-de-manet-intitule-le-bar-des-folies-bergere/

Dernière grande composition de Manet, cette œuvre représente une serveuse dans un célèbre café-concert parisien. La magie de l’œuvre réside dans le reflet du miroir, qui devrait impliquer directement le spectateur. Elle nous renvoie l’image d’un homme en chapeau haut-de-forme, canne à main. Le statut de la femme est ambigu. Est-elle une simple serveuse ou une prostituée ? Le photographe Jeff Wall réinterprétera cette œuvre en 1979 (Picture for Women) pour interroger l’asservissement de la femme dans la société contemporaine.

LES 13 ARTISTES INCONTOURNABLES DE L’IMPRESSIONNISME

Parmi les peintres hommes, il y avait également des peintres femmes qui ont grandement contribué à l'art de l'impressionnisme, telles que : Mary Cassatt, l’expatriée américaine Marie Bracquemond, la discrète Eva Gonzales, et d'autres disciples.

https://www.artmajeur.com/fr/magazine/5-histoire-de-l-art/les-13-artistes-incontournables-de-l-impressionnisme/330377

Mary Cassatt (1844 – 1926) est l’élément international du groupe. Née dans une famille américaine d’origine française, elle a toujours maintenu des liens étroits avec le microcosme artistique parisien. Très proche d’Edgar Degas, celui-ci l’introduisit au sein du groupe impressionniste, grâce auquel elle pouvait librement exprimer son style singulier, et participer aux expositions communes afin de faire découvrir son travail.Son style s’inscrivit parfaitement dans la démarche impressionniste (palette vibrante, jeux de lumière, motifs japonisants), et elle jouera un rôle clef dans l’exportation du mouvement, surtout aux Etats-Unis. Elle aidera le marchand Paul Durand-Ruel à installer sa galerie outre-Atlantique, et utilisera son réseau d’amis et de collectionneurs américains pour faire avancer la cause moderne.

Mary Cassatt, Petite Fille dans un fauteuil bleu, 1878. National Gallery of Art (Washington).

Bien qu’assez méconnue du grand public, Marie Bracquemond (1840 – 1916) fut une grande dame du mouvement impressionniste. Elève d’Ingres (quand même !), elle s’oriente finalement vers l’impressionnisme grâce à ses amitiés avec Manet et le couple Sisley. Elle participa à deux reprises aux expositions du groupe. Fougueuse innovatrice, elle ne se limita pas à la peinture sur toile : au fil des années, elle réalisa de nombreuses aquarelles, eaux-fortes et céramiques peintes.Thèmes de prédilection : Scène d’intérieur (évidemment), portrait, paysage et nature morte.Relations proches : Edouard Manet, Alfred Sisley, Edgar Degas.

Marie Bracquemond, Sous la Lampe, 1887. Galleries Maurice Sternberg, Chicago.

Eva Gonzales (1847 – 1883) est assurément l’impressionniste la moins connue de cette liste. Sa mort prématurée et son refus de participer aux différentes expositions impressionnistes en sont certainement la principale cause.D’origine espagnole, elle devient l’élève d’Edouard Manet et développe une relation amicale avec son maitre, provoquant la jalousie de sa contemporaine Berthe Morisot. Sa proximité avec Manet se ressentira tout au long de sa courte carrière, qu’il s’agisse de son attitude vis-à-vis du groupe impressionniste ou du traitement singulier de ses sujets. Elle meurt en 1883, à l’âge de 36 ans. Ce décès inopportun ne lui aura malheureusement pas permit d’exprimer toute la profondeur de son talent.Thème de prédilection : Portrait, scène d’intérieur, paysage.Relations proches : Edouard Manet, Emile Zola, Paul Cézanne.

Eva Gonzales, Une Modiste, 1882-1883. Art Institute of Chicago.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent Van Gogh est né le 30 mars 1853 aux Pays-Bas. Il vient d’une famille bourgeoise et nombreuse, marquée par la religion protestante (son père est pasteur). Vincent porte le prénom d’un jeune frère décédé. C’est un enfant sensible et de santé fragile. Artiste maudit et incompris, esprit sensible et torturé, Van Gogh est devenu une légende. Réputé inclassable, il appartient pourtant à la mouvance postimpressionniste, tout comme son ami Paul Gauguin. Peintre infatigable mort à 37 ans, il a produit plus de 800 toiles. Associant réflexions sur la forme et sur la couleur, la démarche de Vincent Van Gogh incarne parfaitement le génie de l’art moderne.

1886 : l’artiste rejoint son frère Théo à Paris. Ce dernier l’introduit dans le monde de la bohème artistique montmartroise. Vincent Van Gogh y noue des amitiés, notamment avec Henri de Toulouse-Lautrec. Comme les impressionnistes et postimpressionnistes de son temps, il s’intéresse aux sujets de la vie quotidienne et puise son inspiration dans les estampes japonaises.

La Courtisane (d'après Eisen)

“Le pont sous la pluie (d'après Hiroshige)

“Amandier en fleurs”

https://pen-online.com/fr/arts/van-gogh-et-le-japon-une-histoire-damour/

Dès 1887, Vincent Van Gogh a déjà sa touche personnelle, synthèse de l’impressionnisme et du pointillisme. Van Gogh peint ce tableau en hommage au fils de son frère Théo, Vincent Willem (né le 31 janvier 1890), dont il est le parrain. Pour symboliser cette nouvelle vie, Vincent choisit de représenter les branches d'un amandier, l'un des arbres les plus précoces au printemps. Pour réaliser ce sujet, Van Gogh s'inspire de l'art japonais de la gravure. Cela se voit à la précision des lignes utilisées et au positionnement de l'arbre dans l'ensemble. Les fleurs représentées ont aujourd'hui des tons principalement blancs alors qu'elles étaient à l'origine plus roses. Ce tableau est exposé au Musée Van Gogh à Amsterdam.

Amandier en fleurs, 1890

• 1888, Vincent quitte Paris pour s’installer à Arles. La lumière du Midi exerce une profonde influence sur sa palette. C’est à cette époque qu’il peint les Tournesols. Mais l’artiste se sent seul et souffre de dépression. La cohabitation s’avère difficile avec Paul Gauguin . À l’issue d’une violente dispute, Vincent Van Gogh – selon la thèse officielle – se saisit d’un couteau et se tranche l’oreille. À sa propre demande, il est interné dans un asile à Saint-Rémy-de-Provence. Les œuvres qu’il peint, telles que La Nuit étoilée, traduisent son agitation intérieure.

• Van Gogh quitte Arles et se réfugie à Auvers-sur-Oise. Cependant, la dépression le mine et, le 27 juillet 1890, Van Gogh se suicide – là encore selon la thèse la plus répandue – dans les champs. Son frère Théo ne lui survit que six mois, atteint d’une syphilis. Ils reposent côte à côte dans le cimetière d’Auvers-sur-Oise.

https://www.beauxarts.com/grand-format/vincent-van-gogh-en-2-minutes/

Van Gogh, La nuit étoilée, 1889

Van Gogh, La Nuit étoilée, 1889

Pourquoi Van Gogh aimait-il autant la couleur jaune ?

Pour répondre à cette question, Découvrez ci-dessous les théories qui tentent d'expliquer son obsession pour le jaune en parcourant certaines de ses œuvres.

L'Allée des Alyscamps peinte à Arles (1888).

La maison jaune (1888).

Semeur au coucher du soleil (1888).

Il a commencé à peindre à l'âge de 32 ans, mais il ne perdait pas de temps, créant jusqu'à deux ou trois tableaux par jour. Considéré comme l'un des principaux représentants du post-impressionnisme, son œuvre n'a pas été aussi largement reconnue de son vivant.Ses dépressions et l'image d'un génie solitaire sont toujours présentes dans sa biographie, parfois même en reliant son état psychologique à son style particulier, plein de coups de pinceau dramatiques et de couleurs intenses. Cependant, s'il y a une couleur qui se démarque de toutes les autres, c'est le jaune.

Tournesols (1888)

Lorsque Van Gogh s'est installé à Arles (France), il est tombé amoureux de sa lumière, ce qui a influencé sa production artistique. En un peu plus d'un an, il a peint quelque 300 œuvres, toujours avec cette couleur comme protagoniste, même dans ses compositions nocturnes. Dans une lettre à son frère Théo, Vincent lui avoue qu'il se sent impuissant de ne pas pouvoir atteindre la pleine puissance de la lumière d'Arles. Quoi qu'il en soit, même à la fin de la journée, Van Gogh pouvait encore voir la lumière de « La Terrasse du café » grâce au jaune.« Le vignoble rouge d'Arles », « Le semeur », « Terrasse de café la nuit » et « La maison jaune » sont quelques-unes des œuvres les plus remarquables de cette période.

Terrasse du café le soir (1888)

Le vignoble rouge d'Arles

Le sujet principal de ce tableau est donc cette terrasse de café, vue de côté, à la nuit tombée. En effet, au lieu de se mettre au centre de la place, face au café, le peintre s’est installé sur le côté, près du mur de la bâtisse voisine pour faire face à la terrasse dans sa longueur. Les étoiles jaunes et blanches en forme de fleurs, créent, malgré leur taille imposante, un contraste de quantité avec la dominante bleue.Plus en avant, quelques personnes sont visibles dans la rue, deux marchent au fond près du cheval, puis à hauteur de la terrasse des gens et les pavés, sont éclairés par la lumière. A cette hauteur, on distingue un homme se dirigeant vers le café, il croise une femme, et un enfant semble s’être arrêté et regarder vers la terrasse. Une dizaine de clients y sont attablés vers le fond, personne n’est installé sur les tables disposées sur les pavés. On voit un serveur au milieu de la terrasse et une silhouette à la porte du café.

https://juliemercey.com/blog/2012/03/25/terrasse-du-cafe-le-soir-vincent-van-gogh/

Paul Cézanne (1839 - 1906)Cézanne avait certainement vu au musée d'Aix-en-Provence, sa ville natale, Les joueurs de cartes attribué aux frères Le Nain. Dans les années 1890, l'artiste traite à plusieurs reprises ce thème d'inspiration caravagesque et donne à l'affrontement une gravité exceptionnelle. Aux subtils jeux de gestes et de regards, Cézanne substitue les silhouettes massives et la concentration silencieuse des personnages.La bouteille, sur laquelle joue la lumière, constitue l'axe central de la composition. Elle sépare l'espace en deux zones symétriques, ce qui accentue l'opposition des joueurs.

Degas fréquentait avec assiduité l'Opéra de Paris, en tant que spectateur, mais aussi les coulisses, le foyer de la danse, où il était introduit par un ami musicien de l'orchestre. Il s'agit encore à l'époque du bâtiment de la rue Le Peletier, et pas encore de l'Opéra conçu par Garnier qui le remplacera bientôt. Davantage que les planches et les feux de la rampe, c'est le travail préparatoire qui l'intéresse : l'entraînement. Ici, la leçon s'achève : les élèves sont épuisées, elles s'étirent, se contorsionnent pour se gratter le dos, rajustent leur coiffure ou leur toilette, une boucle d'oreille, un ruban, peu attentives à l'inflexible professeur, portrait de Jules Perrot, authentique maître de ballet.

Edgar DegasLa Classe de danseEntre 1873 et 1876

Manet, qui avait trouvé dans une manière et des sujets hispanisants, la voie de son propre talent, ne découvre que tardivement, en 1865, l'Espagne et le musée du Prado.De retour à Paris, Manet applique ces principes à un sujet contemporain. Un simple et anonyme enfant de troupe se voit donc traité comme un grand d'Espagne. Non seulement, Manet bouleverse les hiérarchies de la représentation, mais il accompagne également ce choix d'un langage audacieusement simplifié. Le peintre utilise ainsi des aplats, très nets dans les noirs, quelques effets de modelé dans les chairs et dans l'étui de l'instrument, et des empâtements dans les blancs qui soulignent les plis des tissus.L'oeuvre rejetée par le jury du Salon de 1866, est une de celles qui fonda l'enthousiasme d'Emile Zola pour le peintre. L'écrivain décela, dans la vérité du propos et de la manière, l'expression d'un sentiment proprement moderne.

Edouard ManetLe Fifre1866Huile sur toileH. 160,5 ; L. 97,0 cm.Legs comte Isaac de Camondo, 1911

Dans une perspective large dont l'évasion s'étend à l'infini, l'avenue parisienne de Montmartre regorge de voitures et de passants en mouvement. La scène est dotée d’une grande vivacité et il semble que tout le monde se déplace d’un côté à l’autre, même ceux qui regardent les autres montrent une grande animation, la vie du Paris de la Belle Époque.La scène urbaine est représentée aux heures d’un après-midi de printemps, vers 5 heures du soir, sous un ciel lumineux de nuages ​​cotonneux. La moitié droite, située à l'ombre du côté de la lumière du soir, présente de nombreux détails, notamment dans les ventes aux enchères d'immeubles comportant de nombreuses cheminées, bien que la majeure partie de cette section soit occupée par le feuillage des arbres, Ils révèlent partiellement la partie la plus proche du trottoir. De l'autre côté et baignés d'une lumière douce, les bâtiments sont dans une perspective plus fermée en raison du point de vue à partir duquel ce paysage urbain a été peint. Dans cette partie se détachent les parasols qui fournissent de l'ombre aux passants qui surveillent les fenêtres.

Tableau -Boulevard Montmartre, 1897-, de thématique: Paysage, oeuvre de l'artiste: Pissarro, Camille. Couleurs prédominantes de l'image -Jaune, or, orange.

$https://www.artisangallery.fr/tableau-boulevard-montmartre-1897--4531.html

Amateur de musique comme la plupart des impressionnistes, Renoir a souvent représenté des jeunes filles au piano. Ce sujet dérive des assemblées de musiciens peintes aux XVIIe et XVIIIe siècles, peut-être aussi des œuvres de ses contemporains Paul Cézanne (1839-1906), Edouard Manet (1832-1883) ou Edgard Degas (1834-1917). Renoir reprend donc un thème traditionnel, qui associe les lignes géométriques du piano droit aux mouvements ondoyants des jeunes filles. Mais il évite d’y placer trop de détails afin de se concentrer sur les deux figures féminines.Vue de profil, une jeune fille blonde déchiffre une partition qu’elle joue de la main droite. A ses côtés, une jeune fille brune penchée sur le piano suit la partition des yeux. Le tableau a peut-être été peint au domicile de Renoir, qui avait offert un piano à sa femme en cadeau de mariage en 1890. Il existe au moins six autres versions de ce tableau.

Jeunes filles au piano

https://www.musee-orangerie.fr/fr/oeuvres/jeunes-filles-au-piano-196508

Peinture de Georges Seurat, réalisée en 1884-1885, conservée à l'Art Institute de Chicago (huile sur toile ; 2,05 × 3,05 m).Ayant à peine terminé Une baignade à Asnières (1883-1884), Georges Seurat se lance dans la réalisation d'une nouvelle grande composition, dont il trouve le sujet sur la rive opposée de la Seine. Il s'agit à nouveau d'un manifeste de ses recherches sur les couleurs et leur mélange optique, que préparent 33 études peintes – que l'artiste nomme des « croquetons » – et 28 dessins. Les lettres de Seurat, en particulier au critique Félix Fénéon, nous renseignent sur ses méthodes de travail : le matin est consacré aux esquisses en plein-air, tandis que l'après-midi et le soir sont consacrés au tableau définitif qu'il peint à la lumière artificielle.

"Un dimanche après-midi à la Grande Jatte"

https://www.larousse.fr/encyclopedie/oeuvre/Un_dimanche_apr%C3%A8s-midi_%C3%A0_la_Grande_Jatte/116535

MONET À VÉTHEUIL : LES SAISONS D’UNE VIE 11 avril 2024 > 23 septembre 2024 Elle est réalisée par le Palais des Beaux-Arts / Ville de Lille Inclus au billet d’entrée (7 €/ réduit 4 €). GRATUIT le 1er dimanche du mois.En 2024, le ministère de la Culture et le musée d'Orsay fêtent les 150 ans de l’Impressionnisme.

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Aussi lumineuse qu’un soleil, la lune est éblouissante. On remarque cependant qu’elle garde cette lumière dans un espace assez restreint. Van Gogh privilégie ici l’aspiration et non la projection de cet éclat nocturne.Le ciel s’anime dans un camaïeu de bleus à la fois grandiose et terrifiant. Voilà qui contraste fortement avec le jaune doré des étoiles et de la lune. Au total, ce sont 11 étoiles qui composent ce ciel saint-rémois.Van Gogh écrit à sa sœur« Certaines étoiles sont citronnées, d’autres ont des feux roses, verts, bleus, myosotis »

#1 Le ciel étoilé

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Hiver 1872. Depuis une chambre de l’hôtel de l’Amirauté situé aux 41-45 Grand-Quai, Claude Monet esquisse, au petit matin, l’avant-port du Havre dans la brume… La date d’éxécution du tableau, sur lequel se détache un soleil d’un orange pur et distillant ses reflets sur l’eau, fit longtemps débat. Saviez-vous que des études topographiques, iconographiques, météorologiques et astrologiques menées par l’astronome et professeur de physique de l’Université du Texas, Donald Olson, permirent de dater (très) précisément le tableau ? C’est le 13 novembre 1872, à 7h35 du matin, soit trente minutes après l’aube, que l’artiste aurait réalisé d’une seule traite son chef d’oeuvre…

Claude Monet, « Impression, soleil levant » (1872). Huile sur toile, 50 x 65 cm, inv. 4014, Paris, musée Marmottan Monet. ©Bridgeman Image

le choix de la couleur est principalement associé au solstice d'été dans une partie du monde. En conséquence, les jours sont plus longs et il y a plus d'heures de lumière du jour, ce qui a une influence positive sur l'humeur. Cela a conduit Arnal (le psychologue britannique) à choisir le jaune comme couleur la plus représentative, car dans son pays (et dans le reste du monde) il symbolise la joie.Mais ce n'est pas seulement le jaune qui est associé à ce jour de l'année. Pour les créatifs et les peintres, c'est une couleur d'inspiration, comme dans le cas de Vincent Van Gogh, qui avait une grande prédilection pour cette couleur.

Malgré l’heure supposée tardive, des sources lumineuses apparaissent en provenance des habitations. Derrière les maisons se trouve une église dont le clocher subit les mêmes affres que les autres éléments de la toile. La pointe du clocher semble être aspirée par les volutes célestes.Par-delà le village représentant Saint-Rémy-de-Provence – créé par Van Gogh - se dessinent les Alpilles, massif montagneux qu’il aperçoit depuis sa fenêtre.

#4 Le petit village

#2 La spirale infernale

Parmi toutes les arabesques qui composent cette Nuit, Van Gogh a concentré toute la circularité au centre de son tableau. La plus importante des spirales paraît traduire et retranscrire l’apogée de sa pathologie.Pathologie ou accès de créativité sans précédent ? Car Van Gogh était particulièrement inspiré par l’art japonais et notamment les estampes dans lesquelles on retrouve régulièrement des spirales refermées sur elles-mêmes et des aplats de couleur.

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La torpeur s’empare de cet arbre typique du Midi de la France. Les branches se meuvent comme des vagues. Loin de toute quiétude, elles agissent en écho à tout cet environnement torturé et sinueux. Ce cyprès, que l’on apparenterait à des flammes, est un ajout personnel de Van Gogh.

#3 Le cyprès déchaîné