Copie - Ecoute musicale 2023 2024

Ecoute musicale

Musiques contemporaines

musiques classiques

Musiques contemporaines

Highway to hell

Qui saura

Knockin' On Heaven's Door

AC/DC

Mike Brant

Bob Dylan

Total eclipse of the heart Bonnie Tyler

TotaBBTol eclipse of the heart

Le temps des fleurs

Je t'aimais, je t'aime et je t'aimerai

Dalida

Bonnie Tyler

Francis Cabrel

Eye of the tiger

Ella, elle l'a

September

Survivor

France Gall

Earth, Wind and Fire

Les comédiens

Walk like an egyptian

Mexico

Charles Aznavour

The Bangles

Luis Mariano

The Final Countdown

J'ai 10 ans

Ain't no sunshine

J'ai dix ans

The FTiTnal Countdown

The Final Countdown

Alain SOUCHON

Bill Withers

Alain Souchon

Europe

EuroTpeTh

Musiques contemporaines

Should I stay or should I go ?

Quelque chose de Tennessee

Johnny Hallyday

The Cla sh

Le métèqueGeorges Moustaki

Dis quand reviendras-tu ?

Bonnie Tyler

Barbara

Djobi, Djoba

Le p'tit bal perdu

Gipsy Kings

Bourvil

Mon pays

7 seconds

Neneh Cherry et Youssou N'Dour

Faudel

La tendresse

Siffler sur la colline

The FTiTnal Countdown

The Final Countdown

Bourvil

EuroTpeTh

Joe Dassin

Knockin' on Heaven's Door

En 1937, Bob Dylan compose la musique du film "Pat Garrett and Billy the Kid" de Sam Peckinpah. Il s'agit d'un western. La chanson intervient quand meurt le shérif. Il sent qu'il est en train de "frapper aux portes du paradis". Il dit qu'il n'aura plus besoin de son revolver et de son étoile, qu'il fait trop noir et qu'il voit un nuage noir arriver. C'est une chanson qui évoque les instants, spirituellement parlant, entre ciel et terre.

Bob Dylan

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Paroles

Paroles

Je t'aimais, je t'aime et je t'aimerai

Cet hymne à l'amour, composé par Francis Cabrel semble être dédié à la mère de son enfant et à son enfant, à l'amour en général , qu'il compare à un printemps, à un diamant. " L'amour est partout où tu regardes. Dans les moindres recoins de l'espace, dans les moindres rêves où tu t'attardes, L'amour comme s'il en pleuvait, nu sur les galets, On s'envolera sur le même quai, Les yeux dans les mêmes reflets, Pour cette vie et celle d'après, Tu seras mon unique projet..." Il montre beaucoup d'affection pour sa femme et son enfant.

Francis Cabrel

Info

Paroles

Paroles

Mon enfant nu sur les galets Le vent dans tes cheveux défaits Comme un printemps sur mon trajet Un diamant tombé d'un coffret Seule la lumière pourrait Défaire nos repères secrets Où mes doigts pris sur tes poignets Je t'aimais, je t'aime et je t'aimerai Quoi que tu fasses L'amour est partout où tu regardes Dans les moindres recoins de l'espace Dans le moindre rêve où tu t'attardes L'amour comme s'il en pleuvait Nu sur les galets Le ciel prétend qu'il te connaît Il est si beau c'est sûrement vrai Lui qui ne s'approche jamais Je l'ai vu pris dans tes filets Le monde a tellement de regrets

Tellement de choses qu'on promet Une seule pour laquelle je suis fait Je t'aimais, je t'aime et je t'aimerai Quoi que tu fasses L'amour est partout où tu regardes On s'envolera du même quai Les yeux dans les mêmes reflets Pour cette vie et celle d'après Tu seras mon unique projet Je m'en irai poser tes portraits À tous les plafonds de tous les palais Sur tous les murs que je trouverai Et juste en dessous, j'écrira i Que seule la lumière pourrait Et mes doigts pris sur tes poignets Je t'aimais, je t'aime, je t'aimerai Auteur- compositeur : Francis Cabrel.

Francis Cabrel

Francis Cabrel, né le 23 novembre 1953 à Astaffort est un auteur-compositeur-interprète français. Très timide, passionné de musique et grand fan de Bob Dylan, il se met à la guitare grâce à son oncle qui lui offre son premier instrument. L’artiste a 21 ans quand il se lance le défi de participer à un concours organisé par Sud Radio. Il arrive premier des 400 candidats grâce à son interprétation de Petite Marie, une chanson écrite quelques années plus tôt en hommage à sa femme Mariette Darjo, une décoratrice d'intérieur qu’il a rencontré en 1970 et épousé en 1974. Depuis 1974, il est devenu un artiste incontournable de la scène française, sa carrière étant jalonnée de nombreux tubes : Les chemins de traverse, Je l’aime à mourir, Encore et encore, l’encre de tes yeux, Sarbacane, la Corrida …

poétique, romantique, mélancolique, souvent folk, parfois blues.

Son style musical est

September

Vous pensez que le 21 septembre fait référence à l’équinoxe d’automne, marquant le changement de saison ? La parolière Allee Willis a enfin levé le voile sur ce mystère en apportant une tout autre signification. Il semblerait que le choix du 21 septembre soit en fait totalement dû au hasard… Ils ont essayé d'autres dates, mais cela ne sonnait pas juste ! Le ‘ba-dee ya’ entonné par le groupe lors du refrain fait partie de ces paroles qui ne renvoient à rien, également. Maurice White , le chanteur dit : "aucune parole ne doit se mettre sur le chemin du groove". Allee Willis ne l'oubliera jamais ! Et elle continuera à écrire des tubes, comme "I'll be there for you" (Générique de Friends)

Earth, wind and fire

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Paroles

Earth, wind and fire

Earth, Wind & Fire est un groupe de R&B américain formé à Chicago, dans l'Illinois, en 1969 et dirigé par le fondateur Maurice White. Également connu sous le nom d'EWF, the Elements ou encore Elements of the Universe, le groupe a remporté dix Grammy Awards et quatre American Music Awards. Sa plus notable particularité a été sa capacité à innover en introduisant et en mélangeant de façon savante et inédite des éléments issus des

traditions musicales africaines, brésiliennes, cubaines et caribéennes à son funk caractérisé par une section de cuivre de grande qualité (les Phenix Horns) et des arrangements empruntés aussi bien au jazz qu'à la musique symphonique.

Leur style musical est le funk.

Paroles

Mexico

Cette chanson provient de l'opérette française "le chanteur de Mexico" créée en 1951 par le compositeur Francis Lopez. C'est l'histoire d'un ténor (chanteur à la voix grave) qui refuse de retourner au Mexique où il a été promis en mariage à une femme qu'il n'aime pas. Son impresario parisien remarque un jour un chanteur français, son sosie, qui pourrait le remplacer. Il l'engage et l'envoie chanter là bas. Aussitôt il se fait enlever par la promise et s'en suivent des discussions pour dérouler la vérité.

Luis Mariano

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Paroles

Paroles

1- On a chanté les Parisiennes, Leurs petits nez et leurs chapeaux On a chanté les Madrilènes Qui vont aux arènes Pour le toréro. On prétend que les Norvégiennes, Fille du Nord, ont le sang chaud Et bien que les Américaines Soient les souveraines Du Monde Nouveau, On oublie tout. Sous le beau ciel de Mexico On devient fou, Au son des rythmes tropicaux... Le seul désir qui vous entraîne Dès qu'on a quitté le bateau, C'est de goûter une semaine L'aventure mexicaine Au soleil de Mexico...

2 - Une aventure mexicaine Sous le soleil de Mexico, Ça dure à peine une semaine, Mais quelle semaine Et quel crescendo.. . Le premier soir on se promène, On danse un tendre boléro, Puis le deuxième on se déchaine, Plus rien ne vous freine, On part au galop... On oublie tout. Sous le beau ciel de Mexico, On devient fou, Au son des rythmes tropicaux... Si vous avez un jour la veine De pouvoir prendre le bateau, Allez goûter une semaine A l'aventure mexicaine Au soleil de Mexico...

{Refrain:} Mexico, Mexico... Sous ton soleil qui chante, Le temps paraît trop court Pour goûter au bonheur de chaque jour Mexico, Mexico... Tes femmes sont ardentes Et tu seras toujours Le Paradis des cœurs Et de l'Amour.

Luis Mariano

Luis Mariano est né en 1914 en Espagne. Il se découvre très jeune une passion pour les arts, particulièrement le dessin et le chant. Avec ses parents, il fuit l'Espagne pendant la guerre civile et ils viennent se réfugier en France. C'est là qu'il fait découvrir sa belle voix de ténor à toute l'Europe. Il chante dans plusieurs opéras: la Belle de Cadix, le Chanteur de Mexico etc... On le surnomme "le prince de l'opérette".

Son style musical est l'opéra.

The Final Countdown

The Final Countdown est un titre du groupe de rock suédois Europe. La chanson est tirée du 3e album studio du groupe qui est sorti le 14 février 1986. Elle est la plus connue du groupe et a atteint la 1ère place dans 25 pays. Aux USA, elle est arrivée en 8e place du classement Bilboard Hot 100. Le single a été certifié or au Royaume- Uni. Cette chanson parle d'un groupe d'amis qui s'apprêtent à partir en mission d' exploration spatiale et il se peut qu'ils ne reviennent jamais sur Terre.

Europe

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Paroles

Paroles

The Final Countdown Le Compte A Rebours Final We're leaving together Nous partons ensemble But still it's farewell Mais ça reste tout de même des adieux And maybe we'll come back Et peut-être que nous reviendrons To Earth, who can tell ? Sur Terre, qui sait ? I guess there is no one to blame J'imagine que ce n'est la faute de personne We're leaving ground Nous quittons le sol Will things ever be the same again ? Les choses seront-elles encore les mêmes ? It's the final countdown... C'est le compte à rebours final...

We're heading for Venus and still we stand tall Nous nous dirigeons vers Venus et nous gardons la tête haute Cause maybe they've seen us and welcome us all Car peut-être qu'ils nous ont vus et nous ont tous accueillis With so many light years to go and things to be found Il y a tant d'années lumière pour y aller et pour que les choses soient découvertes I'm sure that we'll all miss her so Je suis certain qu'elle nous manquera à tous terriblement It's the final countdown... C'est le compte à rebours final... The final countdown... Le compte à rebours final... It's the final countdown... C'est le compte à rebours final..

EUROPE

Europe est un groupe suédois de hard rock, originaire de Upplands Väsby, à Stockholm. Depuis sa formation, Europe compte onze albums studio, plusieurs albums live, ainsi que de nombreuses compilations de leurs meilleures chansons. Europe est l'un des groupes de hard rock les plus couronnés des années 1980.

Leur style musical est le hard rock, un rock à rythmique simple et à forte puissance sonore.

Qui saura

Paroles

Repéré à Téhéran à la fin des années 60, Mike Brant est engagé sur les tournées de Sylvie Vartan, qui l'invite à Paris. Sa carrière est lancée. Les premiers succès arrivent dès 1970 avec « Laisse- moi t’aimer » et « Mais dans la lumière », grâce à Carlos. C’est dans ce contexte que Mike Brant, un personnage à la fois timide et séducteur, connaît un de ses plus grands hits, dont la réussite réside probablement dans les paroles, les mélodies, les orchestrations et l’universalité des sentiments. « Qui saura » de Mike Brant s’écoule à plus d’un million d’exemplaires. Le titre constitue sans nul doute l’un des plus importants succès commerciaux de l’artiste.

Mike Brant

Info

Paroles

Vous mes amis tant de fois vous me dites Que d'ici peu je ne serai plus triste J'aimerais bien vous croire un jour, mais J'en doute avec raison Essayez de répondre à ma question Qui saura, qui saura, qui saura Qui saura me faire oublier dites moi Ma seule raison de vivre, essayez de me le dire Qui saura, qui saura oui qui saura Vous mes amis essayez de comprendre Une seule fille au monde peut me rendre Tout ce que j'ai perdu et je le sais Qu'elle ne reviendra pas Alors si vous pouvez dites le moi Qui saura, qui saura, qui saura Qui saura me faire revivre d'autres joies Je n'avais qu'elle sur terre et sans elle Ma vie entière je sais bien que le bonheur n'existe pas

Vous mes amis le soleil vous inonde Vous dites que je sortirai de l'ombre J'aimerais bien vous croire, oui Mais mon cœur y renonce Ma question reste toujours sans réponse Qui saura, qui saura, qui saura Qui saura me faire oublier dites-moi Ma seule raison de vivre Essayez de me le dire Qui saura, qui saura, qui saura Qui saura, qui saura, qui saura Qui saura me faire revivre d'autres joies Je n'avais qu'elle sur Terre Et sans elle, ma vie entière Je sais bien que le bonheur n'existe pas Qui saura, qui saura, qui saura Qui saura me faire oublier dites moi Ma seule raison de vivre Essayez de me le dire Qui saura, qui saura

MIKE BRANT

Mike Brant est un chanteur et un compositeur israélien (né en 1947 et mort en 1975)Après des débuts difficiles, Mike Brant s'impose dans les années 70 comme l'une des principales idoles. Son ascension fulgurante, marquée par "Laisse moi t'aimer", "Qui saura" ou encore "Dis lui", est difficilement gérée et le plonge dans une profonde dépression. Le jeune garçon, qui reste muet jusqu'à ses 5 ans, intègre rapidement une chorale mais quitte le lycée dès ses 13 ans. Son frère accordéoniste, l'intègre dans son groupe, Les Chocolates. Face au succès rencontré par Mike Brant auprès des jeunes, la formation, qui reprend les standards américains des Platters, d'Elvis Presley, ou encore deTom Jones , devient Mickaël et les Chocolates.

L'opportunité arrive en 1968: Mike Brant, qui se produit alors à Téhéran (en Iran), est repéré par la chanteuse française Sylvie Vartan , venue se produire dans le même club, et Carlos, son secrétaire."Laisse-moi t'aimer" sorti en 1970, est également le premier succès de celui qui est devenu Mike Brant . La réussite est telle, que le titre s'exporte en Allemagne et en Italie, où l'artiste enregistre dans les deux langues.

Son style musical est la variété.

Total Eclipse of the Heart

Titre le plus célèbre de la chanteuse, créée en 1983. La chanson évoque l'histoire d'une femme qui tourne en rond (s'ennuie) depuis que son compagnon l'a laissée, elle se sent seule et perdue. Toujours amoureuse, elle tente une dernière déclaration dans laquelle elle dit tout ce qu'elle ressent et dit que tout est devenu difficile.

Bonnie Tyler

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Paroles

Paroles

Bonnie Tyler

Très jeune elle se passionne pour la musique, elle commence en tant que choriste du groupe Bobbie Wayne & the Dixies.

Puis elle entame une carrière en solo et elle sort ses plus gros tubes: - It's a heartache - Total Eclipse of The Heart - If you were a woman

Née le 8 juin 1951 au Pays de Galle

ELLE A ELLE L'A

Ella, elle l'a est une chanson de France Gall. Elle est sortie en single en 24 août 1987, extraite de l'album Babacar sorti en avril de la même année. Écrite et composée par Michel Berger, la chanson est un hommage à Ella Fitzgerald, elle est aussi une chanson de protestation contre le racisme et un hymne à l'autonomisation.

FRANCE GALL

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Paroles

Paroles

Montre ton rire ou ton chagrin Mais que tu n'aies rien Que tu sois roi Que tu cherches encore Les pouvoirs qui dorment en toi Tu vois ça ne s'achète pas Quand tu l'as, tu l'as Ella, elle l'a Ce je ne sais quoi Que d'autres n'ont pas Qui nous met dans un drôle d'état Ella, elle l'a Ella, elle l'a Elle a, ou, ou, ou, ou, ou, ou, ou Ella, elle l'a Elle a Ou, ou, ou, ou, ou, ou, ou Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ce je-ne-sais-quoi Que d'autres n'ont pas Qui nous met dans un drôle d'état Ella, elle l'a Ella, elle l'a Ce drôle de voix Cette drôle de joie Ce don du ciel qui la rend belle Ella, elle l'a Ella, elle l'a Elle a, ou, ou, ou, ou, ou, ou, ou Ella, elle l'a Ella, elle l'a

C'est comme une gaité Comme un sourire Quelque chose dans la voix Qui parait nous dire "viens" Qui nous fait sentir étrangement bien C'est comme toute l'histoire Du peuple noir Qui se balance Entre l'amour et l'désespoir Quelque chose qui danse en toi Si tu l'as, tu l'as Ella, elle l'a Ce je-ne-sais-quoi Que d'autres n'ont pas Qui nous met dans un drôle d'état Ella, elle l'a Ella, elle l'a Cette drôle de voix Elle a, ou, ou, ou, ou, ou, ou, ou Cette drôle de joie Ce don du ciel qui la rend belle Ella, elle l'a Ella, elle l'a Elle a, ou, ou, ou, ou, ou, ou, ou Ella, elle l'a Elle a Ou, ou, ou, ou, ou, ou, ou Elle a ce tout petit Supplément d'âme Cet indéfinissable charme Cette petite flamme Tape sur des tonneaux Sur des pianos Sur tout ce que dieu peut Te mettre entre les mains

FRANCE GALL

Isabelle Gall, dite France Gall, est une chanteuse française, née le 9 octobre 1947 dans le 12e arrondissement de Paris et morte le 7 janvier 2018 à Neuilly-sur-Seine (Hauts-de-Seine). Elle commence, enfant, à chanter et faire de la musique avec ses frères avant d'enregistrer son premier disque. Elle est le symbole d’une jeunesse gentiment irrévérencieuse avec des tubes tels que Sacré Charlemagne, repris par les chorales et les écoles. Sa popularité dépasse les frontières à partir de 1965, date à laquelle elle remporte le premier prix en tant que candidate du Luxembourg au Concours Eurovision de la chanson avec le titre Poupée de cire, poupée de son, écrite et composée par Serge Gainsbourg. Cette chanson est traduite dans de nombreuses langues et France Gall devient célèbre en Europe, comme en Italie, et surtout en Allemagne, où elle est très populaire au début des années 1970. Par la suite, sa popularité s'estompe en France jusqu'à sa rencontre avec l'auteur-compositeur Michel Berger, qu’elle épouse en 1976. Elle retrouve un important succès populaire à ses côtés, avec une série de tubes de 1974 jusqu'au début des années 1990. Elle interprète ainsi des chansons qu'il compose pour elle, comme La Déclaration d'amour, Si, maman si, Il jouait du piano debout, Résiste, Débranche, Diego libre dans sa tête, Babacar, Ella, elle l'a, Viens, je t'emmène ou Évidemment. Outre ces chansons, ce couple d’artistes lance l'opéra-rock Starmania et s'engage contre la famine et la sécheresse au Mali, notamment avec l'ONG Action Écoles.

Walk like an Egyptian

Liam Sternberg a déclaré qu'il avait été inspiré pour créer la chanson alors qu'il était sur un ferry traversant la Manche. Lorsque le navire a heurté des eaux agitées, les passagers ont fait un pas prudent et ont bougé leurs bras maladroitement tout en luttant pour maintenir leur équilibre, ce qui a rappelé à Sternberg la représentation de figures humaines dans les peintures funéraires égyptiennes antiques . Il a écrit les mots « Marchez comme un Égyptien » dans un cahier. Plus tard, Sternberg a regardé dans le cahier et, en composant la mélodie avec une guitare, il a composé une chanson rythmée avec des paroles sur les hiéroglyphes égyptiens, le Nil, les crocodiles, le sable du désert, les bazars et les pipes à narguilé, puis a enchaîné avec des scènes modernes. de serveuses blondes, d'écoliers et de policiers.

The Bangles

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Paroles

Paroles

The Bangles

The Bangles est un groupe de pop rock américain formé à Los Angeles, en Californie, en 1981. Le groupe a enregistré plusieurs singles qui ont atteint le top 10 américain dans les années 1980, dont « Manic Monday » (1986), « Walk Like an Egyptien » (1986). ), " Hazy Shade of Winter " (1987), " In Your Room " (1988) et " Eternal Flame " (1989). La formation classique du groupe était composée des membres fondateurs Susanna Hoffs (guitare et chant), Vicki Peterson (guitare et chant) et Debbi Peterson (batterie et chant), avec Michael Steele (basse et chant). En juin 2018, le groupe était composé des sœurs Vicki et Debbi Peterson, Hoffs et de la bassiste fondatrice Annette Zilinskas .

J'ai 10 ans

« J’ai dix ans » est une ballade accompagnée à la guitare acoustique en mode “picking”, chantée par un adulte qui ne veut pas grandir. En 1974, année de la sortie du morceau, Alain Souchon a 30 ans et ça lui plait pas du tout. Pour les paroles de la chanson, il utilise les mots des enfants, comme « récré » ou « les grands », pour faire semblant d’être des leurs et revenir à l’époque rêvée de ses dix ans. Et gare à ceux qui voudraient l’empêcher de faire « genre » ! C’est bien connu, quand on est enfant, on n’a pas de problème et la vie est plus facile. Pas de problème de cœur par exemple, car « les filles c’est des cloches ». Pas de problème de boulot non plus, ni d’argent. La vie est bien plus extraordinaire quand on a dix ans… on peut rêver, faire des bêtises, bref on est libre ! Enfin, c’est ce que pense Alain Souchon qui refuse de vivre sa vie d’adulte. Par conséquent, il embellit peut-être un peu vite le quotidien des enfants en y posant un regard plein de nostalgie.

Alain Souchon

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Paroles

Paroles

Alain SOUCHON

Alain Souchon et un auteur-compositeur-interprète français né le 27 mai 1944 à Casablanca. Ayant débuté dans les années 1970, il connaît le succès grâce à l’album J’ai dix ans. S’il fait une courte carrière d’acteur, Alain Souchon reste avant tout un chanteur, dont le titre emblématique est Foule sentimentale. Vainqueur multiple des Victoires de la musique, il est l’interprète de nombreux tubes, comme Bidon, Allô maman bobo, La Ballade de Jim ou C’est déjà ça.

HIGHWAY TO HELL

Highway to Hell est une chanson écrite par Bon Scott, Angus Young et Malcolm Young, enregistrée par le groupe de hard rock australien AC/DC et présente sur l'album du même nom, sorti en 1979. La chanson est également sortie en single la même année. Le groupe écrit cette chanson avant d'être mondialement connu. Ils imaginent et fantasment alors le rythme infernal d’une tournée internationale et la vie sur la route, d’où ce titre : Highway To Hell. Ce « rêve » deviendra réalité. Cette chanson est devenue une des chansons de rock les plus connues. Depuis 1995, elle fait partie de la sélection des « 500 chansons qui ont façonné le rock 'n' roll » du Rock and Roll Hall of Fame. En 2004, elle est classée par le magazine Rolling Stone au 254e rang parmi les « 500 plus grandes chansons de tous les temps ». En 2009, Highway to Hell a reçu le prix de « l’œuvre australienne la plus jouée à l'étranger » à l'APRA Awards par l'Australasian Performing Right Association.

AC/DC

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Paroles

Highway To Hell La Route Vers L'enfer Livin' easy, livin' free Vivre facilement, vivre libre Season ticket on a one way ride Un abonnement saisonnier pour un voyage sans retour Asking nothing, leave me be Ne demandant rien, laisse moi vivre Taking everything in my stride Tout prendre sur mon passage Don't need reason, don't need rime Je n'ai pas besoin de raisons, pas besoin de rime Ain't nothing I would rather do Il n'y a rien d'autre que j'aurais préféré faire Going down, for a time M’écrouler pour un moment My friends are gonna be there too Mes amis seront aussi là-bas I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer On the highway to hell Sur l'autoroute de l'enfer Highway to hell L'autoroute de l'enfer I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer No more stop signs, speed limit Plus de panneaux stop, de limitation de vitesse

On the highway to hell Sur l'autoroute de l'enfer I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer On the highway to Sur l'autoroute de l'enfe r ( Highway to hell ) ( Autoroute de l'enfer ) On the highway to hell Sur l'autoroute de l'enfer ( Highway to hell ) ( Autoroute de l'enfer ) Highway to hell lAutoroute de l'enfer ( Highway to hell ) ( Autoroute de l'enfer ) I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer ( Highway to hell ) ( Autoroute de l'enfer ) And I'm going down all the way Et je m'enfonce jusqu'au bout I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer

Paroles

Nobody's gonna slow me down Personne ne va me ralentir Like a wheel gonna spin it Comme une roue qui tournerait Nobody's gonna mess me around Personne ne va m'en empêcher Hey Satan, paid my dues Hé Satan, j'ai payé ce que je dois I'm playing in a rockin' band Je joue dans un groupe de rock Hey Mamma, look at me Hé Maman, regarde-moi I'm on the way to the promised land Je suis sur la route pour la terre promise I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer Highway to hell L'autoroute de l'enfer I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer Highway to hell L'autoroute de l'enfer Don't stop me Ne m'arrête pas I'm on the highway to hell Je suis sur l'autoroute de l'enfer

AC/DC

AC/DC est sans doute l’un des groupes de rock les plus populaires au monde. Créé en 1973, ces Australiens, emmenés par les frères Young, sont toujours en activité, comme en témoigne la sortie de leur dernier album « Black ice » fin 2008. Parmi les nombreux albums du groupe, on note les fameux « T.N.T. » ou « Highway to hell », lesquels ont rencontré un succès notoire. En décembre 1973, Malcolm Young, guitariste écossais dans le groupe « The Velvet Undergroun d de Newcastle », décide de monter son propre groupe. C’est le point de départ du groupe AC/DC , l’un des groupes les plus connus au monde (le sens de AC/DC peut être multiple, le plus probable étant la déclinaison du sigle pour alternating current/direct current). Le frère de Malcolm, Angus (guitare solo), mais aussi Dave Evans (chant), Larry Van Kriedt (basse) et Colin Burgess (batterie) sont les membres fondateurs du groupe. De nombreux changements de musiciens interviennent. Le batteur devient Tony Currenti, le bassiste George Young (frère de Malcolm et Angus).

Le temps des fleurs

Le temps des fleurs est le premier enregistrement de Dalida à faire ses débuts au sommet du palmarès de la chanson française. Le disque a été un succès commercial et a valu à Dalida son vingt-huitième disque d'or. Dalida l'a enregistré également en italien ,"Quelli erano giorni" et en allemand, "An jenem Tag". En France, la chanson reste l'un des classiques des années 1960 et la chanson emblématique de Dalida.Le temps des fleurs est une ballade romantique, avec des éléments de folk russe et de chanson française . Les paroles décrivent l'innocence de l'enfance et de la jeunesse et réfléchissent au passage du temps. Il comporte un violon , une mandoline , une corde , une clarinette et des chœurs mis en valeur par le refrain.

Dalida

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Paroles

On était jeune et l'on croyait au ciel La-la-la-la-la-la, la-la-la-la-la-la La-la-la-la, la-la-la-la-la-la La-la-la-la-la-la, la-la-la-la-la-la La-la-la-la, la-la-la-la-la-la Et ce soir je suis devant la porte De la taverne où tu ne viendras plus Et la chanson que la nuit m'apporte Mon coeur déjà ne la connaît plus C'était le temps des fleurs On ignorait la peur Les lendemains avait un goût de miel Ton bras prenait mon bras Ta voix suivait ma voix On était jeune et l'on croyait au ciel La-la-la La-la-la-la La-la-la La-la-la La-la-la-la, la-la-la-la-la-la

Dans une taverne du vieux Londres Où se retrouvaient des étrangers Nos voix criblées de joie montaient de l'ombre Et nous écoutions nos coeurs chanter C'était le temps des fleurs On ignorait la peur Les lendemains avaient un goût de miel Ton bras prenait mon bras Ta voix suivait ma voix On était jeune et l'on croyait au ciel La-la-la-la-la-la, la-la-la-la-la-la La-la-la-la, la-la-la-la-la-la Et puis sont venus les jours de brume Avec des bruits étranges et des pleurs Combien j'ai passé de nuits sans lune À chercher la taverne dans mon coeur Tout comme au temps des fleursOù l'on vivait sans peurOù chaque jour avait un goût de mielTon bras prenait mon brasTa voix suivait ma voix

DALIDA

Iolanda Cristina Gigliotti, dite Dalida, née le 17 janvier 1933 au Caire (Égypte) et morte le 3 mai 1987 à Paris 18e (France), est une chanteuse et actrice italienne naturalisée française. Issue d'une famille italienne installée en Égypte, elle participe à des concours de beauté au début des années 1950 et tourne quelques films au Caire. Résidant en France à partir de 1954, elle connaît son premier succès de chanteuse avec le titre Bambino en 1956. Se façonnant un répertoire regroupant plus de sept cents chansons interprétées en plusieurs langues, elle devient une grande figure de la chanson française et bénéficie d'une popularité dépassant la scène francophone.

Eye of the Tiger

Générique d’ouverture du grand Rocky III en 1982, Eye of the Tiger a été choisi par l’acteur Sylvester Stallone lui-même pour jouer ce rôle. Pour avoir connu un tel succès, même des années après sa sortie, Eye of the Tiger véhicule un message fort, qui s’est transmis de génération en génération. Elle parle de la vie et de ses combats, elle parle de la force de vaincre la solitude et de se lever même dans le noir et d’avoir l’œil du tigre. Son célèbre riff de guitare restera toujours le symbole de la compétition et des efforts.

Devenu champion du monde des poids lourds, l'ancien boxeur de la classe ouvrière Rocky Balboa est riche et célèbre au-delà de ses rêves les plus fous, ce qui l'a rendu paresseux et trop confiant. Dans un double coup dur, il perd son entraîneur et figure paternelle Mickey, puis se fait voler son titre par l'arrogant et menaçant challenger Clubber Lang.

Survivor

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Paroles

Paroles Eye of the Tiger

Survivor

Survivor est un groupe de musique hard rock américain. Formé en 1977, il devient célèbre dans les années 80 grâce à son tube "Eye of the Tiger". Ils sont 5: Frankie Sullivan, Jim Peterik, Dave Bickler, Dennis Johnson et Gary Smith.

Les Comédiens

Les paroles de la chanson sont de Jacques Plante, également auteur de La Bohème et de For me formidable. Les Comédiens devait s'appeler initialement Les Étudiants. La chanson est composée sur du la majeur sur des arrangements typiques des années 1960. Elle raconte l'histoire d'artistes ambulants (« Viens voir les comédiens / Voir les musiciens / Voir les magiciens / Qui arrivent ») arrivant au cœur du village (« Devant l'église une roulotte peinte en vert / Avec les chaises d'un théâtre à ciel ouvert »), jouant dans un théâtre de tréteaux (« Quand les trois coups retentiront dans la nuit / Ils vont renaître à la vie, les comédiens ») et repartant rapidement vers d'autres horizons (« Mais pour l'instant ils traversent dans la nuit / D'autres villages endormis, les comédiens ». Charles Aznavour a baigné lui-même durant son enfance dans une ambiance de théâtre et de musique. Ses débuts se feront d'ailleurs comme comédien, pour se concentrer à partir des années 1940 sur la chanson à la suite de sa rencontre avec Pierre Roche et Édith Piaf.

Charles Aznavour

Info

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Paroles Les Comédiens

Sous les étoiles, le rideau va se lever Quand les trois coups retentirent dans la nuit Ils vont renaître à la vie, les comédiens Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens, qui arrivent Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens, qui arrivent Les comédiens ont démonté leurs tréteaux Ils ont ôté leur estrade et plié les calicots Ils laisseront au fond des cœurs de chacun Un peu de la sérénade et du bonheur d'Arlequin Demain matin quand le soleil va se lever Ils seront loin, et nous croirons avoir rêvé Mais pour l'instant ils traversent dans la nuit D'autres villages endormis, les comédiens Viens voir les comédiens, les musiciens Les magiciens qui arrivent Viens voir les comédiens, les musiciens Les magiciens qui arrivent Viens voir les comédiens, les musiciens Les magiciens qui arrivent Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens qui arrivent Viens voir les comédiens, les musiciens Les magiciens qui arrivent Auteurs-compositeurs : Charles Aznaourian, Giancarlo Testoni, Plante.

Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens, qui arrivent Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens, qui arrivent Les comédiens ont installé leurs tréteaux Ils ont dressé leur estrade et tendu des calicots Les comédiens ont parcouru les faubourgs Ils ont donné la parade à grand renfort de tambour Devant l'église une roulotte peinte en vert Avec les chaises d'un théâtre à ciel ouvert Et derrière eux comme un cortège en folie Ils drainent tout le pays, les comédiens Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens, qui arrivent Viens voir les comédiens, voir les musiciens Voir les magiciens, qui arrivent Si vous voulez voir confondus les coquins Dans une histoire un peu triste où tout s'arrange à la fin Si vous aimez voir trembler les amoureux Vous lamenter sur Baptiste ou rire avec les heureux Poussez la toile et entrez donc vous installer

Charles Aznavour

Charles Aznavour né sous le nom de Shahnourh Vaghinag Aznavourian le 22 mai 1924 à Paris et mort le 1er octobre 2018 à Mouriès (Bouches-du-Rhône), est un auteur-compositeur-interprète, acteur et écrivain franco-arménien. Charles Aznavour Au cours de sa carrière musicale, commencée dans les années 1940, il a enregistré près de mille deux cents chansons interprétées en plusieurs langues : en français, anglais, italien, espagnol, allemand, arménien, napolitain, russe et sur la fin de sa carrière en kabyle. Il a écrit ou coécrit plus de mille chansons, que ce soit pour lui-même ou d'autres artistes. Il est l'un des chanteurs français les plus connus en dehors du monde francophone, décrit comme « la divinité de la pop française » par le critique musical américain Stephen Holden. En parallèle de son parcours musical, Charles Aznavour mène une carrière d'acteur, apparaissant dans soixante-trois longs métrages ainsi que dans des téléfilms. Sans renier sa culture française, il représente l'Arménie dans plusieurs instances diplomatiques internationales à partir de 1995 et obtient la nationalité arménienne en 2008.

Ain't no sunshine

La version originale de la chanson est composée et interprétée par Bill Withers, l'un des plus éminents ténors de la musique soul des années 1970. À l'instar de nombreux artistes de son époque, il n'est encore qu'un simple ouvrier d'usine lorsqu'il enregistre le morceau. Withers travaillait à l'usine comme fabricant de sièges de toilettes pour des Boeing 747. Ain't No Sunshine est extrait de son premier album Just As I Am (Sussex Records, 1971), exploité en single dès septembre 1971. Le titre est plutôt bien porté par l'industrie ainsi que par le public et se positionne honorablement dans les top 10 R&B et Pop aux États-Unis. Paradoxalement, il ne s'impose pas en Europe et n'arrive pas à entrer dans le UK Singles Chart. La chanson obtient une nomination aux Grammy Awards 1971 et concourt pour la meilleure performance vocale masculine. Elle remporte la distinction de meilleure chanson Rhythm & Blues de l'année.

Bill Withers

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Paroles

Paroles Ain't no sunshine (avec traduction)

Ain't No Sunshine (Pas De Soleil) Ain't no sunshine when she's gone Il n'y a pas de soleil quand elle n'est pas là It's not warm when she's away Il n'y a plus de chaleur lorsqu'elle s'en va Ain't no sunshine when she's gone Il n'y a pas de soleil quand elle n'est pas là. And she always gone too long Et elle part toujours pour trop longtemps Anytime she goes away Chaque fois qu'elle s'en va. Wonder this time where she's gone Je me demande où elle est en ce moment Wonder if she's gone to stay Je me demande si elle est partie pour de bon Ain't no sunshine when she's gone Il n'y a pas de soleil quand elle n'est pas là And this house just ain't no home Et cette maison me devient étrangère Anytime she goes away Chaque fois qu'elle s'en va.

I know (27x)Je sais (27x) Hey, I oughtta leave the young thing alone but Hé, je devrais l'oublier mais Ain't no sunshine when she's gone Il n'y a pas de soleil quand elle n'est pas là Ain't no sunshine when she's gone Il n'y a pas de soleil quand elle n'est pas là Only darkness everyday Mon existence devient sombre au quotidien Ain't no sunshine when she's gone Il n'y a pas de soleil quand elle n'est pas là And this house just ain't no home Et cette maison me devient étrangère Anytime she goes away Chaque fois qu'elle s'en va Anytime she goes away Chaque fois qu'elle s'en va Anytime she goes away... Chaque fois qu'elle s'en va...

Bill Withers

Actif de la fin des années 1960 au milieu des années 1980, il est l'un des plus célèbres représentants de la musique soul et rhythm and blues, ainsi que l'un des plus repris.William Harrison Withers, dit Bill Withers, perd son père à l'âge de 13 ans. À 17 ans, il s'engage dans l'United States Navy et y passe neuf ans, puis s'installe à Los Angeles en 1967. Il travaille le jour dans une usine Ford et joue la nuit dans des juke joints. À ses débuts dans le monde de la musique, il a gardé son travail chez Ford, convaincu que le show business est imprévisible, et qu'il n'est qu'un novice comparé à d'autres artistes noirs tels que The Temptations ou Sammy Davis Jr.. Entre 1971 et 1985, Bill Withers enregistre 9 albums. Son premier succès vient avec son hit Ain't No Sunshine, dans lequel il répète 26 fois « I know » sur le troisième couplet, car il avait oublié de l'écrire. Les producteurs lors de l'enregistrement assurent qu'il ne fallait absolument pas changer la chanson. Il chante Ain't No Sunshine sur l'album Just as I Am avec le label Sussex Records en 1971.

Should I stay or should I go ?

Should I Stay or Should I Go (en français : "Dois-je rester ou partir ?") est une chanson écrite en 1981 par The Clash.

Il faut attendre mars 1991 pour que cette chanson devienne un véritable tube planétaire avec son utilisation pour une publicité de la marque Levi’s.

Pour le sens du titre. Tout le monde y va de sa petite analyse. Certains y voient une référence à l'expulsion imminente du guitariste du groupe (qui aura lieu en 1983). Mais en vérité, le sujet est la liaison particulièrement instable entre Mick Jones et Ellen Foley, l'ancienne choriste de Meat Loaf, qui devait bientôt imploser, entre recoller les morceaux ou y mettre fin.

The Clash

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Paroles de Should I stay or should I go ?

The Clash

The Clash est un groupe britannique majeur de l'histoire du rock. Formé en 1976, la bande de Joe Strummer se dissout neuf ans plus tard malgré de nombreux fans. Malgré un succès rapide, les deux leaders, Joe Strummer et Mick Jones, se sont régulièrement opposés. Leurs meilleures chansons London calling White Riot English Civil War Spanish bombs The Guns of Brixton The magnificent Seven Rock the Casbah Should I Stay or should I go ?

Dis, quand reviendras-tu ?

Dis, quand reviendras-tu ? est une chanson de Barbara. Elle sort en 1962. Cette chanson – composée pour le grand amour d'alors de Barbara, Hubert Ballay, diplomate officieux de la post-décolonisation et homme d'affaires – a pour narratrice une femme séparée de son amoureux, à qui elle s'adresse dans l'attente de son retour.

La forme de poème régulier, très maîtrisée, en fait un classique de la chanson française. Elle se compose de trois couplets, des huitains en alexandrins, et d'un refrain, un sizain d'hexasyllabes. Les rimes sont suivies. Le refrain se compose de deux phrases interrogatives, mais se ferme sur un point d'exclamation à l'évocation du temps perdu. Le texte ne donne pas le genre ou le sexe des personnages, sauf dans les deux derniers vers (« Je ne suis pas de celles qui meurent de chagrin / Je n'ai pas la vertu des femmes de marins »). Il existe une variante du dernier vers pour les hommes (« des chevaliers anciens »)

Barbara

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Dis, quand reviendras- tu ?

Dis, quand reviendras-tu? Dis, au moins le sais-tu? Que tout le temps qui passe Ne se rattrape guère Que tout le temps perdu Ne se rattrape plus J'ai beau t'aimer encore, j'ai beau t'aimer toujours J'ai beau n'aimer que toi, j'ai beau t'aimer d'amour Si tu ne comprends pas qu'il te faut revenir Je ferais de nous deux mes plus beaux souvenirs Je reprendrais la route, le monde m'émerveille J'irais me réchauffer à un autre soleil Je ne suis pas de celles qui meurent de chagrin Je n'ai pas la vertu des femmes de marin Dis, mais quand reviendras-tu? Dis, au moins le sais-tu? Que tout le temps qui passe Ne se rattrape guère Que tout le temps perdu Ne se rattrape plus

Voilà combien de jours, voilà combien de nuits Voilà combien de temps que tu es reparti Tu m'as dit cette fois, c'est le dernier voyage Pour nos cœurs déchirés, c'est le dernier naufrage Au printemps tu verras, je serai de retour Le printemps, c'est joli pour se parler d'amour Nous irons voir ensemble les jardins refleuris Et déambulerons dans les rues de Paris Dis, quand reviendras-tu? Dis, au moins le sais-tu? Que tout le temps qui passe Ne se rattrape guère Que tout le temps perdu Ne se rattrape plus Le printemps s'est enfui depuis longtemps déjà Craquent les feuilles mortes, brûlent les feux de bois À voir Paris si beau dans cette fin d'automne Soudain je m'alanguis, je rêve, je frissonne Je tangue, je chavire, comme la rengaine Je vais, je viens, je vire, je tourne, je me traîne Ton image me hante, je te parle tout bas Et j'ai le mal d'amour et j'ai le mal de toi

Barbara

Monique Serf, dite Barbara (ou Barbara Brodi à ses débuts), est une auteure-compositrice-interprète française, née le 9 juin 1930 à Paris 17e et morte le 24 novembre 1997 à Neuilly-sur-Seine (Hauts-de-Seine). Sa poésie, servie par l'harmonie de ses compositions et la finesse de ses interprétations, lui assure un public fidèle quarante ans durant. Nombre de ses chansons sont devenues des classiques de la chanson française, notamment : Une petite cantate, Dis, quand reviendras-tu ?, Nantes, Göttingen, La Dame brune, L'Aigle noir, Marienbad ou encore Ma plus belle histoire d'amour. Barbara joue dans trois films pour le cinéma et dans deux pièces musicales, Madame en 1970 et Lily passion (avec Gérard Depardieu) en 1986.

Le p'tit bal perdu

Robert Nyel et Gaby Verlor écrivent cette chanson pour la proposer à Bourvil, qui a déjà interprété en 1960 deux de leurs œuvres, Ma p’tite chanson et Mon frère d'Angleterre, mais celui-ci ne peut l'enregistrer avant plusieurs mois à cause de ses engagements cinématographiques. Lorsque Gaby Verlor présente cette chanson parmi d'autres propositions à Juliette Gréco, cette dernière est si enthousiaste que Verlor demande à Bourvil s'il permet que Juliette Gréco l'enregistre avant lui. L'acteur-chanteur accepte sans difficulté. La version de Gréco paraît en mars 1961 et celle de Bourvil au mois de décembre de la même année.

Bourvil

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Paroles

Le p'tit bal perdu

C’était tout juste après la guerre, Dans un petit bal qu’avait souffert. Sur une piste de misère, Y’en avait deux, à découvert. Parmi les gravats ils dansaient Dans ce petit bal qui s’appelait... Qui s’appelait... qui s’appelait... qui s’appelait... {Refrain:} Non je ne me souviens plus du nom du bal perdu. Ce dont je me souviens ce sont ces amoureux Qui ne regardaient rien autour d’eux. Y’avait tant d’insouciance Dans leurs gestes émus, Alors quelle importance Le nom du bal perdu? Non je ne me souviens plus du nom du bal perdu. Ce dont je me souviens c’est qu’ils étaient heureux Les yeux au fond des yeux.

Et c’était bien... Et c’était bien... Ils buvaient dans le même verre, Toujours sans se quitter des yeux. Ils faisaient la même prière, D’être toujours, toujours heureux. Parmi les gravats ils souriaient Dans ce petit bal qui s’appelait... Qui s’appelait... qui s’appelait... qui s’appelait... { au Refrain} Et puis quand l’accordéoniste S’est arrêté, ils sont partis. Le soir tombait dessus la piste, Sur les gravats et sur ma vie. Il était redevenu tout triste Ce petit bal qui s’appelait, Qui s’appelait... qui s’appelait... qui s’appelait...

Non je ne me souviens plus du nom du bal perdu. Ce dont je me souviens ce sont ces amoureux Qui ne regardaient rien autour d’eux. Y’avait tant de lumière, Avec eux dans la rue, Alors la belle affaire Le nom du bal perdu. Non je ne me souviens plus du nom du bal perdu. Ce dont je me souviens c’est qu’on était heureux Les yeux au fond des yeux. Et c’était bien... Et c’était bien.

Bourvil

Bourvil, de son vrai nom André Robert Raimbourg, est né le 27 juillet 1917 à Prétot-Vicquemare en Seine-Maritime. Il passe son enfance dans le village de Bourville et, comme son cousin Lucien Raimbourg exerce déjà le métier d'acteur, il prend ce nom comme nom de scène pour éviter la confusion. Après un apprentissage de boulanger, il décide de partir à Paris pour tenter sa chance comme chanteur, surtout dans des radio-crochets au début. Il devient connu grâce à sa chanson "Les Crayons" qu'il interprète dans le film La Ferme du pendu (1945) de Jean Dréville. Son jeu comique et ses rôles de grands naïfs le font adorer des Français, surtout dans les films où il donne la réplique à Louis de Funès.

Mon pays

Chanson sortie en 2006. "Mon pays" de Faudel est une chanson qui exprime un attachement profond et un amour pour sa patrie. Les paroles décrivent la connexion du chanteur avec son pays et son désir de rester connecté à ses racines, même s'il doit partir et parcourir le monde.

Faudel

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Paroles

Mon pays

Pour ces rues bordées de prairies Un peu trop blanc, couleur d’Euphrate Pour ces poèmes que j’ai appris Tu es bien le seul que j’oublie Telle l’étoile, fidèle à la nuit Je n’oublierai jamais mon pays Trop de souvenirs gravés De cours d’écoles et d’étés Trop d’amour pour oublier Que c’est ici que je suis né Trop de temps abandonné Sur les bancs de ma cité Trop d’amis pour oublier Que c’est ici que je suis né Et comme toi j’attends la pluie Pour lui dire toutes mes peines

Je n’connais pas ce soleil Qui brûle les dunes sans fin Je n’connais pas d’autre terre Que celle qui m’a tendu la main Et si un jour, je pars d’ici Que je traverse le désert Pour aller voir d’où vient ma vie Dans quelles rues jouait mon père Moi qui suis né près de Paris Sous tout ce vent, toute cette pluie Je n’oublierai jamais mon pays Et si demain, comme aujourd’hui Je dois faire le tour de la terre Pour chanter au monde mes envies Voyager des années entières

Moi qui suis né tout près d’ici Même si je quitte mes amis Je n’oublierai jamais mon pays Trop de souvenirs gravés De cours d’écoles et d’étés Trop d’amour pour oublier Que c’est ici que je suis né Trop de temps abandonné Sur les bancs de ma cité Trop d’amis pour oublier Que c’est ici que je suis né Je n’connais pas ce parfum De menthe et de sable brûlant Mais seul’ment les embruns Sous les rouleaux de l’océan Et toi qui me trouves un peu mat

Faudel

Faudel Bellula, est né le 6 juin 1978 dans le quartier du Val Fourré à Mantes-la-Jolie. Ecoutant de la musique dès son plus jeune âge. A 12 ans, il monte le groupe Les Etoiles du Raï, avec lequel il anime fêtes et petits concerts. Un an après, il rencontre un guitariste professionnel qui l'amène à créer son propre répertoire, ce qui lui permet d'assurer quelques prestigieuses premières parties Khaled ou encore Mc Solaar ). En 1996, il est sélectionné pour représenter l'Ile-de-France dans la catégorie "Découvertes" au Printemps de Bourges. Faudel signera ensuite son premier contrat discographique. En 2002, place au 3e opus, le très abouti "Un autre soleil" sur lequel ont collaboré Zebda ou encore les Négresses vertes. Faudel a réussi son grand retour dans les bacs le 11 septembre dernier. Un 4e album studio intitulé "Mundial Corrida", et dont le premier single s'appelle "Mon Pays"

Siffler sur la colline

C'est une reprise de la chanson italienne Uno tranquillo, interprétée et enregistrée en 1967 par Riccardo Del Turco. Le texte français, sans rapport avec l'original, a été écrit par Jean-Michel Rivat et Frank Thomas. Sortie en single en 1968, Siffler sur la colline s'est classée 2e en Belgique francophone et en France, où elle s'est vendue à plus de 300 000 exemplaires. Sortie en plein milieu des événements de Mai 68, cette chanson connaît un succès paradoxal amplifié par la programmation uniquement musicale des radios en grève, mais complètement à contre-courant des enjeux de l'époque, en réussissant le cocktail improbable de sa source italienne, d'un son groove et d'un thème rural très français1. La ritournelle du refrain est le titre de la bande dessinée de Fabcaro Zaï zaï zaï zaï (2015) qui brocarde la société de consommation en décrivant le road movie du héros traqué pour avoir oublié sa « carte du magasin ».

Joe Dassin

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Siffler sur la colline

Elle m'a dit d'aller siffler là-haut sur la colline De l'attendre avec un petit bouquet d'églantines J'ai cueilli des fleurs et j'ai sifflé tant que j'ai pu J'ai attendu, attendu, elle n'est jamais venue Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Woh-oh, woh-oh Woh-oh, woh-oh Elle m'a dit d'aller siffler là-haut sur la colline De l'attendre avec un petit bouquet d'églantines J'ai cueilli des fleurs et j'ai sifflé tant que j'ai pu J'ai attendu, attendu, elle n'est jamais venue Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Woh-oh, woh-oh Woh-oh, woh-oh Woh-oh Auteurs-compositeurs : Daniele Pace, Lorenzo Pilat, Mario Panzeri, Jo De Clercq.

Woh-oh, woh-oh Woh-oh, woh-oh Je l'ai vue près d'un laurier, elle regardait ses blanches brebis Quand j'ai demandé d'où venait sa peau fraêche, elle m'a dit "C'est d'rouler dans la rosée qui rend les bergères jolies" Mais quand j'ai dit qu'avec elle je voudrais y rouler aussi Elle m'a dit Elle m'a dit d'aller siffler là-haut sur la colline De l'attendre avec un petit bouquet d'églantines J'ai cueilli des fleurs et j'ai sifflé tant que j'ai pu J'ai attendu, attendu, elle n'est jamais venue Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï Zaï-zaï-zaï-zaï À la foire du village, un jour, je lui ai soupiré Que je voudrais être une pomme suspendue à un pommier Et qu'à chaque fois qu'elle passe Elle vienne me mordre dedans Mais elle est passée tout en me montrant ses jolies dents Elle m'a dit

Joe Dassin

Joseph Ira Dassin, dit Joe Dassin, né le 5 novembre 1938 à New York (États-Unis) et mort le 20 août 1980 à Papeete (Polynésie française), est un chanteur, compositeur et écrivain franco-américain. En seize ans de carrière (1964-1980), il a connu de nombreux succès en France et dans la francophonie, ainsi qu'en chantant dans d'autres langues qu'en français. Il a fait carrière en Russie, en Finlande, en Grèce et en Allemagne. Au total, Joe Dassin a vendu près de 25 millions de disques dans le monde.

Quelque chose de Tennessee

Troisième single extrait de l'album studio Rock 'n' Roll Attitude sorti en mai 1985, la chanson est diffusée en disque 45 tours en octobre et devient l'un des grands succès de son interprète. Titre phare de son répertoire, il n'a quasiment jamais quitté son tour de chant depuis sa création. Quelque chose de Tennessee est une chanson écrite par Michel Berger pour Johnny Hallyday. Elle rend hommage au dramaturge américain Tennessee Williams, auteur de nombreuses œuvres dont beaucoup furent portées au cinéma. Il est l’auteur entre autre de « La ménagerie de verre », « Un tramway nommé Désir », « doux oiseau de jeunesse » mais « La Chatte sur un toit brûlant », c’est d’ailleurs de cette dernière que se trouvent les mots récités par la douce voix de Nathalie Baye au début de la chanson.

Johnny Hallyday

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Paroles

Quelque chose de Tennessee

[Nathalie Baye] "A vous autres, hommes faibles et merveilleux Qui mettez tant de grâce a vous retirer du jeu Il faut qu'une main posée sur votre épaule Vous pousse vers la vie, cette main tendre et légère" On a tous Quelque chose en nous de Tennessee Cette volonté de prolonger la nuit Ce désir fou de vivre une autre vie Ce rêve en nous avec ses mots à lui Quelque chose de Tennessee Cette force qui nous pousse vers l'infini Y a peu d'amour avec tell'ment d'envie Si peu d'amour avec tell'ment de bruit Quelque chose en nous de Tennessee Ainsi vivait Tennessee

Le cœur en fièvre et le corps démoli Avec cette formidable envie de vie Ce rêve en nous c'était son cri à lui Quelque chose de Tennessee Comme une étoile qui s'éteint dans la nuit A l'heure où d'autres s'aiment à la folie Sans un éclat de voix et sans un bruit Sans un seul amour, sans un seul ami Ainsi disparut Tennessee A certaines heures de la nuit Quand le cœur de la ville s'est endormi Il flotte un sentiment comme une envie Ce rêve en nous, avec ses mots à lui Quelque chose de Tennessee Oh oui Tennessee Y a quelque chose en nous de Tennessee...

Johnny Hallyday

Durant ses 57 ans de carrière, il s'impose comme l'un des plus célèbres chanteurs francophones et l'une des personnalités les plus présentes dans le paysage médiatique français. S'il n'est pas le premier à chanter du rock en France, il est dès 1960, le premier à y populariser le genre. Bien qu'il interprète de nombreuses ballades sentimentales et des airs country au cours de sa carrière, le rock reste sa principale référence au travers de ses différents courants, puisant tous leurs origines dans le blues : rock 'n' roll, rhythm and blues, soul, rock psychédélique, soft rock ou encore pop rock. Au total, il réalise 80 albums, dont 51 albums studio ainsi que 165 singles. Il totalise 6 disques de diamant, 22 disques de platine, 40 disques d'or et 10 Victoires de la musique. Alors qu'il est atteint d'un cancer du poumon, il effectue sa dernière tournée en juin et juillet 2017, aux côtés de ses amis Jacques Dutronc et Eddy Mitchell, avec qui, en 2014, il a formé le trio des Vieilles Canailles.

Le métèque

Le Métèque est une ballade romantique qui décrit les émois d'un étranger rêveur, un peu bohème, détaché des réalités, mais en quête d’amour. La chanson connait un succès international, elle est reprise dans de nombreux pays. En France, le public découvre un nouveau chanteur et le 45 tours se vend à plus de 600 000 exemplaires. Cette nouvelle notoriété lui vaudra de faire un Bobino complet en 1970. Sa carrière était lancée. "métèque" est un mot datant de l'Antiquité, qui signifie un étranger qui vit à Athènes sans avoir les droits d'un citoyen.

Georges Moustaki

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Le métèque

Georges Moustaki

Georges Moustaki, de son vrai nom Yussef Mustacchi, est né le 3 mai 1934 à Alexandrie, en Egypte. Il passe son enfance dans un environnement multiculturel. A la maison, ses parents pourtant d’origine grecque, parlent uniquement en italien. Dans la rue, les autres enfants, avec lesquels il joue, s’expriment en langue arabe. Inscrit dans une institution française, Georges Moustaki se passionne pour la littérature et la musique francophone (Charles Trenet, Edith Piaf ou encore Tino Rossi). Cet environnement cosmopolite est à l'origine de son désir de voyage.

A l’âge de 18 ans, Georges Moustaki débarque à Paris où il enchaîne différents boulots pour gagner sa vie : journaliste, vendeur de livres en porte à porte, barman dans un piano bar. La musique l’interpelle. Il rencontre Brassens, Salvador ce qui l'élève au devant de la scène. Il écrit des chansons pour Edith Piaf, Barbara, Dalida, Yves Montand. Il meurt en 2013 des suites d'une maladie pulmonaire. Il est inhumé au cimetière du Père Lachainse.

Djobi, Djoba

Djobi, Djoba est une chanson des Gipsy Kings, sortie en version instrumentale sur leur premier album Alegria en 1982, puis en single en 1987. C'est l'une des chansons les plus connues du groupe. Le groupe "El principe gitano" a assigné les Gipsy Kings en contrefaçon, pour avoir repris dans la chanson "Djobi Djoba", les caractéristiques de leur œuvre "Obi Oba", déposée à la Sociedad general de autores de Espana (SGAE) en 1979.

Les Gipsy Kings

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Paroles

Djobi, Djoba

Traduction : Hé Petite je te trouve toute seule dans la rue et je me sens amoureux je me sens triste seul Refrain: Djobi Djoba chaque fois je t'aime plus Djobi Djoba Djobi Djoba chaque fois je t'aime plus Djobi Djoba Djobi Djoba chaque fois je t'aime plus Djobi Djoba Djobi Djoba Peu m'importe la distance qui nous sépare Je me contente de me retirer Et ne me dîtes pas... Hé Paraguayenne...

Ay niña yo te encuentro solita por la calle yo me siento 'namorao (enamorado) yo me siento triste solo Djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Que no me importa que la distancia que nos separe Yo me contento me retir' (retiro) Y no me diga... ay Paraguaya ya yay Djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas

Djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djoba cada dia yo te quiero mas Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero ma s Djobi djobi djobi djoba cada dia yo te quiero mas

Gipsy Kings

Les Gipsy Kings, originaires d’Espagne et du sud de la France (Montpellier et Arles), sont un groupe de rumba flamenca. Leur style musical est un mélange de rumba catalane, de flamenco, de salsa et de pop. Composé de musiciens issus de deux familles d’origine catalane et gitane, le groupe chante principalement en catalan, mais mêle également l’espagnol et l’occitan, langue du sud de la France . L’aventure des Gipsy Kings commence dans les années 1970 lorsque Torino, Paco et Diego Baliardo rencontrent leurs cousins Nicolas, Canut et Paul Reyes. Originaires du sud de la France, les Gipsy Kings partagent leur enfance entre leur patrie d’accueil et la Catalogne, d’où leurs familles ont fui pendant la guerre civile. Ensemble, ils décident de fonder le groupe Los Reyes. Sous ce nom, ils commercialisent leur premier album, “Gitan poète”, en 1977. L’année suivante, ils animent l’anniversaire de Brigitte Bardot à Saint-Tropez, posant ainsi les premières pierres de leur notoriété. Ils se produisent ensuite dans des lieux prestigieux tels que le Carnegie Hall de New York et le Royal Albert Hall de Londres. Chico Bouchikhi, autre membre du groupe, décide de faire évoluer Los Reyes. C’est ainsi que naissent les Gipsy Kings. Au début des années 1980, ils commercialisent leurs premiers albums et enchaînent les festivals en France, notamment à Arles, où réside la famille Reyes. Le producteur parisien Claude Martinez reconnaît leur potentiel artistique et les invite à collaborer. Le succès arrive avec les titres “Bamboléo” et “Djobi, Djoba”, propulsant les Gipsy Kings au statut de véritables stars du flamenco en France et dans le monde. Leurs chansons sont adoubées par des célébrités telles que George Michael, Eric Clapton et Bruce Springsteen. C’est au début des années 1990, alors qu’ils sont sous les feux des projecteurs, que les Gipsy Kings décident de se séparer de l’un de leurs membres .

7 seconds

D'après Neneh Cherry, la chanson « les sept premières secondes dans la vie d'un enfant qui vient de naître et qui ne connaît pas les problèmes ni la violence de notre monde. ». Les couplets sont interprétés séparément par les deux chanteurs, en wolof et en français par Yousso N'Dour et en anglais par Neneh Cherry, alors que les refrains sont chantés en duo en anglais.

Neneh Cherry et Youssou N'Dour

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Paroles

7 seconds

I'll be waiting I'll be waiting And when a child is born into this world It has no concept Of the tone the skin is living in And there's a million voices And there's a million voices To tell you what she should be thinking So you better sober up for just a second 7 seconds away Just as long as I stay I'll be waiting It's not a second 7 seconds away Just as long as I stay I'll be waiting It's not a second 7 seconds away Just as long as I stay I'll be waiting

Boul ma sene Boul ma guiss madi re nga fokni mane Khamouma li neka thi sama souf ak thi guinaw Beugouma kouma khol oaldine yaw li neka si yaw Mo ne si man, li ne si mane moye dilene diapale Roughneck and rudeness, We should be using, on the ones who practice wicked charms For the sword and the stone Bad to the bone Battle is not over Even when it's won And when a child is born into this world It has no concept Of the tone the skin is living in It's not a second 7 seconds away Just as long as I stay I'll be waiting

I'll be waiting It's not a second 7 seconds away Just as long as I stay I'll be waiting I'll be waiting I'll be waiting J'assume les raisons qui nous poussent de changer tout, J'aimerais qu'on oublie leur couleur pour qu'ils esperent Beaucoup de sentiments de race qui font qu'ils desesperent Je veux les portes grandements ouvertes, Des amis pour parler de leur peine, de leur joie Pour qu'ils leur filent des infos qui ne divisent pas Changer 7 seconds away Just as long as I stay I'll be waiting

Neneh Cherry et Youssou N'Dour

Youssou N'Dour a travaillé avec des artistes de renommée internationale comme Peter Gabriel, Paul Simon, Manu Dibango, Alan Stivell. En 1985, il fera la rencontre des artistes français Michel Berger, Daniel Balavoine, et Jean-Jacques Goldman, mais cette rencontre n'aboutira à aucun projet avec eux en particulier, sinon de découvrir des projets humanitaires comme Action écoles pour aider les enfants africains, ou celui d'apporter des pompes à eau pour les agriculteurs africains démunis. L'une des chansons les plus célèbres de Youssou N'Dour est 7 Seconds en duo avec la chanteuse Neneh Cherry. Le clip, tourné à New York, a été réalisé par Stéphane Sednaoui. En 1998, il compose l'hymne pour la phase finale de la Coupe du monde de football de 1998, La Cour des grands, qu'il chante avec Axelle Red. En 2008, il travaille aussi avec l'artiste congolais Koffi Olomidé dans l'album Bord Ezanga Kombo ; il interprète la chanson Festival avec Koffi Olomidé et Cindy Le Cœur. Il est le compositeur de la musique du film d'animation Kirikou et la Sorcière réalisé par Michel Ocelot (1997)6. Neneh Cherry, de son vrai nom Neneh Marianne Karlsson, née le 10 mars 19641 à Stockholm, Suède, est une auteure-compositrice-interprète et musicienne suédoise dont le succès repose sur le mélange du hip-hop avec d’autres influences musicales2.

La tendresse

Les paroles de la chanson expriment la valeur de la tendresse qui ne peut être égale à aucun autre sentiment au monde. Elle est la quête de tout Homme et l’aspiration de tout humain.

La chanson est sortie en 1963. Elle a été reprise par Marie Laforêt:

Bourvil

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Paroles

Bourvil

Bourvil, de son vrai nom André-Robert Raimbourg, doit son appellation de scène à Bourville, village normand dans lequel il s’installe dès l’âge de trois ans avec sa mère.

Après un apprentissage de boulanger, il décide de partir à Paris pour tenter sa chance comme chanteur, surtout dans des radio-crochets au début. Il devient connu grâce à sa chanson "Les Crayons" qu'il interprète dans le film La Ferme du pendu (1945) de Jean Dréville. Son jeu comique et ses rôles de grands naïfs le font adorer des Français, surtout dans les films où il donne la réplique à Louis de Funès.

Musiques classiques

Messa da Requiem : 2 Dies irae

The tale of star Saltan : le vol du bourdon

Lakmé / Act 1 Viens, Mallika

Giuseppe Verdi

Nikolai Rimsky_Korsakov

Léo Delibes, Dame Joan Sutherland

Water music suite : Alla hornpipe

Symphone n3 in F major

Carmen / Act 1 Près des remparts

Symphony numero 3 in f major Joannes Brahms

George Frideric Handel

Johannes Brahms

Georges Bizet

Messiah : n42 Hallelujah

An american in Paris

Lascia ch'io pianga

George Frideric Handel

Georges Gershwin

George Frideric Handel

Piano concerto n21 Andante

Pavane Op 50 Excerpt

ViolinConcerto n2 en B mineur

Wolfgang Amadeus Mozart

Gabriel Fauré

Nicolo Paganini

Opéra Turandot "Nessun Dorma"

Trovatore, Acte II / 3 Vedi ! Le fosche notturne spoglie

Herz und mund und tat und leben, cantata

Turandot /ActIII : Nessun dorma

Il Trovadore / Vedi ! le fosche notturne spoglie

Giacommo PUCCINI

Johann Sebastian Bach

Giacomo Puccini

Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi

Musiques classiques

Romance anonyme

Lieder ohne Wor te

Felix Mendelssohn

Narciso Yepes

Aida / Acte 2

Solomon - l'arrivée de la reine Sheba

George Frideric Handek

Giuseppe Verdi

Tritsch- Tratsch Polka

Orchestral suite n2 in B minor

Johann Strauss II (fils)

John Sebastian Bach

Te Deum : Prélude rondeau

L'oiseau prophète

Robert Schumann

Marc-Antoine Charpentier

Symphony n°4 en G mineur, K550

Minute Waltz no6 en D

The FTiTnal Countdown

The Final Countdown

Chopin

EuroTpeTh

Wolfgang Amadeus Mozart

Lakmé / Act 1 Viens, Mallika Duo des fleurs

Lakmé est un opéra en 3 actes qui reprend le roman de Pierre Loti "Rarahu ou le mariage de Loti" qui parle des voyages de Théodore Pavie. L'histoire se déroule à la fin du XIXème siècle, sous la domination britannique en Inde. Beaucoup d'hindous ont été contraints à pratiquer leur religion en secret. Lakmé chante une prière accompagnée par une harpe et par les voix des Hindous dans le temple. Elle appelle Mallika a aller cueillir des fleurs dans la forêt pour orner le temple. " Viens Mallika .... sous le dôme épais." Un officier britannique entend Lakmé chanter et tombe amoureux d'elle.

Léo Delibes

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Paroles

Paroles

Le « Duo des fleurs » (acte 1 n°2), extrait de l’opéra Lakmé (Léo DELIBES)

Léo DELIBES

Léo Delibes est un compositeur français né en 1836 et mort en 1891. Il compose plusieurs opérettes et ballets à l'Opéra.

Son opéra le plus connu est celui de Lakmé qui raconte l'amour impossible entre un officier britannique et la fille d'un prêtre en Inde.

Carmen/acte 1 - Près des remparts de séville- "tais toi"

Le 3 mars 1875, Carmen, de Georges Bizet, opéra-comique en quatre actes, d'après la nouvelle de Prosper Mérimée, est créée à l’Opéra-Comique de Paris.

L'action se déroule à Séville et dans ses environs, vers 1820.

Lors d’une expédition en Andalousie, le narrateur va faire connaissance du plus grand brigand du pays, José Navarro. C’est à Courdoue, lorsqu’il le reverra pour le deuxième fois, qu’il apprendra la terrible histoire de cet ancien soldat d’origine basque, pris d’un amour fou pour la gitane Carmen. C’est lorsqu’elle poignarda un collègue, que Don José fut chargé de l’arrêter et de l’emmener au poste de police. Mais en chemin, aveuglé par l’amour qu’il éprouvait à son égard, il la laissa partir. Il fut renvoyé de son poste de soldat et déserta. C’est alors que pour gagner sa vie, Don José devint un contrebandier...

Georges Bizet

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Georges Bizet

Georges Bizet (ou Alexandre-César-Léopold Bizet) est un compositeur français de la période romantique, né à Paris le 25 octobre 1838 et mort à Bougival le 3 juin 1875. Il est le fils d'un professeur de chant et d'une pianiste, et il entre au Conservatoire de Paris à neuf ans, où il apprend le piano, l'orgue, l'harmonie et la composition. Il est l'auteur de plusieurs opéras, dont le plus célèbre est Carmen, créé quelques mois avant sa mort. Il épouse Geneviève Halévy, la fille de son maître Halévy, en 1869.

Son opéra le plus connu est celui de Carmen qui raconte comment Don José, un garde de la manufacture de Séville, tombe amoureux de la provocante bohémienne Carmen, pour laquelle il quitte l'armée et devient un bandit.

Paroles

PAROLES DE LA CHANSON BIZET: CARMEN, ACTE 1 - PRÈS DES REMPARTS DE SÉVILLE TAIS-TOI PAR GEORGES BIZET

Oui, j'irai chez mon ami Lillas Pastia! José Tais-toi, je t'avais dit de ne pas me parler. Carmen Je ne te parle pas... Je chante pour moi-même, Et je pense... Il n'est pas défendu de penser, Je pense à certain officier qui m'aime, Et qu'à mon tour, oui qu'à mon tour Je pourrais bien aimer! José Carmen! Carmen Mon officier n'est pas un capitaine, Pas même un lieutenant, Il n'est que brigadier. Mais c'est assez pour une bohémienne, Et je daigne m'en contenter! José déliant la corde qui attache les mains de Carmen Carmen, je suis comme un homme ivre, Si je cède, si je me livre, Ta promesse, tu la tiendras. Ah! Si je t'aime, Carmen, Carmen tu m'aimeras. Carmen Oui... José Chez Lillas Pastia. Carmen Nous danserons la séguedille En buvant du manzanilla. José Tu le promets! Carmen! Tu le promets!

Carmen Près des remparts de Séville, Chez mon ami Lillas Pastia, J'irai danser la séguedille Et boire du Manzanilla! J'irai chez mon ami Lillas Pastia. Oui, mais toute seule on s'ennuie, Et les vrais plaisirs sont à deux. Donc pour me tenir compagnie, J'emmènerai mon amoureux Mon amoureux!... Il est au diable Je l'ai mis à la porte hier. Mon pauvre coeur très consolable, Mon coeur est libre comme l'air. J'ai des galants à la douzaine, Mais ils ne sont pas à mon gré; Voici la fin de la semaine, Qui veut m'aimer je l'aimerai. Qui veut mon âme... Elle est à prendre. Vous arrivez au bon moment, Je n'ai guère le temps d'attendre, Car avec mon nouvel amant* Près des remparts de Séville. Chez mon ami Lillas Pastia, J'irai danser la séguedille Et boire du Manzanilla.

Lascia ch'io Pianga

La mélodie provient de l'opéra de Haendel Almira, datant de 1705. Il s'agit d'une sarabande (C'est une danse lente et en même temps une danse forte, douce et noble) dans l'acte III. Quatre ans plus tard, en 1711, Haendel utilise à nouveau cet air dans son opéra Rinaldo (Renaud) : il devient alors l'aria Lascia ch'io pianga (Laissez-moi pleurer) dans l'acte II. Almira est un intelligent mélange de spectacle, masque, danse, comédie et drame. Haendel est loin d’être parfait dans l’écriture instrumentale et vocale, et il ne sait pas encore composer un personnage en chair et en os, mais il est déjà humain dans l’expression des sentiments, en remplissant sa musique de passages d’intensité rare.

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Georg Friedrich Haendel

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Georg Friedrich Haendel

Il est le fils de Georg Händel (1622-1697), barbier-chirurgien, et de Dorothea Taust (1651-1730), la fille d'un pasteur. Son père, le pousse à étudier le droit, et finit par le laisser étudier avec Friedrich Wilhelm Zachow, l'organiste (joueur d'orgue) de la Liebfrauenkirche de Halle, auprès duquel il se forme à l'orgue, au clavecin, à la composition.

Il représente le courant musical du baroque tardif (début XVIIIe siècle), comme d'autres compositeurs célèbres : Jean-Philippe Rameau et François Couperin pour la France ; Domenico Scarlatti et Antonio Vivaldi pour l’Italie ; Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann pour l’Allemagne.

Concerto pour Violon n°2 en si mineur

Rondo à la clochette, la Campanella

Dans ce morceau, Paganini a voulu mettre en avant un instrument soliste: le violon. Le 3ème mouvement doit son surnom "la Campanella" (= la clochette) à la petite cloche que l'on entend régulièrement. Cela donne un certain charme de musique tsigane (peuples roms d'Europe de l'Est).

Niccolo Paganini

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Niccolo Paganini

Paganini (1782-1840) est un compositeur, un violoniste, un guitariste et un altiste italien. Il débute le violon à l'âge de 5 ans. Instrumentiste prodige, il devient musicien d'orchestre en Italie pour donner des concerts. Grâce à une grande extension de ses doigts, il devient un virutose du violon. Il pratique des joutes musicales et les gagne toutes. Il compose 6 concertos pour violon et orchestre et 24 Caprices pour violon seul.

Trovatore, Acte II / 3 Vedi ! "Le fosche notturne spoglie "de Verdi

Il trovatore (en français : Le Trouvère) est un opéra en quatre actes de Giuseppe Verdi, sur un livret de Salvatore Cammarano et Leone Emanuele Bardare, d'après le drame espagnol El Trovador (1836) d'Antonio García Gutiérrez. Il fut créé au Teatro Apollo de Rome le 19 janvier 1853, puis représenté à Paris, au Théâtre-Italien, dans sa version originale, le 23 décembre 1854. En 1856, Verdi remania l'œuvre pour l'adapter à la forme du « grand opéra » exigée par l'Opéra de Paris, où elle fut représentée, le 12 janvier 1857, sous le titre Le Trouvère. Le livret avait été traduit en français par Émilien Pacini2. L’histoire se déroule en Espagne et suit les aventures de Manrico, un troubadour, et de Leonora, une noble dame. Dans l’acte II, “Vedi! Le fosche notturne spoglie” est un chœur tzigane qui décrit les gitans espagnols frappant leurs enclumes à l’aube et en chantant les louanges d’un travail acharné, du bon vin et de leurs femmes gitanes.

Giuseppe Verdi

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Trovatore, Acte II / 3 Vedi ! Le fosche notturne spoglie de Verdi

Vedi! Le Fosche Notturne Spotigle From Il Trovatore Vedi! Le fosche notturne spoglie De' cieli sveste l'immensa volta; Sembra una vedova che alfin si toglie I bruni panni ond'era involta. All'opra! all'opra! Dgli, martella. Chi del gitano i giorni abbella? La zingarella! UOMINI Versami un tratto ; lena e coraggio Il corpo e l'anima traggon dal bere. TUTTI Oh guarda, guarda! del sole un raggio Brilla pi vivido nel mio/tuo bicchiere! All'opra, all'opra... Dgli, martella... Chi del gitano i giorni abbella? La zingarella!

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi

Né Joseph Fortunin François Verdi le 10 octobre 1813 à Roncole et mort le 27 janvier 1901 à Milan, Verdi est un compositeur romantique italien. Son œuvre, composée essentiellement d’opéras, unissant le pouvoir mélodique à la profondeur psychologique et légendaire, est l'une des plus importantes de toute l'histoire du théâtre musical. Verdi est l’un des compositeurs d’opéras italiens les plus influents du XIXe siècle.

The tale of tsar Saltan - Le vol du bourdon

Le Vol du bourdon est un interlude orchestral écrit en 1899-1900 par Nikolaï Rimski-Korsakov pour son opéra Le Conte du tsar Saltan. Cette œuvre clôt le premier tableau de l'acte III, juste après que le cygne magique a donné au fils du tsar, le prince Guidon Saltanovitch, les instructions pour se métamorphoser en insecte afin de rejoindre son père. Le Vol du bourdon est reconnaissable à son rythme effréné lorsqu'il est joué au tempo. La difficulté de l'interprétation ne vient pas de la hauteur ou de la gamme des notes jouées, mais de l'habileté du musicien à les enchaîner rapidement.

Nikolaï Rimsky-Korsakov

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Nikolaï Rimsky-Korsakov

Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov (en russe : Никола́й Андре́евич Ри́мский-Ко́рсаков) né le 6 mars 1844 à Tikhvine et mort le 8 juin 1908 à Lioubensk, est un compositeur russe. Il fut avec Tchaïkovski l'un des plus grands compositeurs russes de la seconde moitié du XIXe siècle. Il fit partie du « Groupe des Cinq » (groupe de musiciens russes romantiques) et fut professeur de musique, d'harmonie et d'orchestration au conservatoire de Saint-Petersbourg.Il est particulièrement connu et apprécié pour son utilisation de thèmes extraits du folklore populaire ou des contes, ainsi que pour ses remarquables talents en orchestration, qui lui valent souvent le titre de « magicien de l'orchestre ». Le succès de sa musique, quand elle est proposée en concert, ne s'est jamais démenti. Si l'ensemble de ses œuvres est incontournable en Russie, ses opéras n'ont que peu percé en Occident, alors que sa musique symphonique est universellement saluée.

Symphony numero 3 in f major

La symphony a été composée en 1883. Elle est écrite pour orchestre symphonique.

Joannes Brahms

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Joannes Brahmes

7 mai 1833 - 3 avril 1897

Compositeur, pianiste et chef d'orchestre allemand

C'est un musicien de la période romantique. Il compose pour piano, musique de chambre, orchestre symphonique, voix et choeurs mais jamais d'opéras.

AN AMERICAN IN PARIS

An American in Paris (en français Un Américain à Paris) est une œuvre classique symphonique du compositeur américain George Gershwin. L'œuvre (uniquement orchestrale) s'inspire du séjour de Gershwin à Paris. La conception musicale est celle d'un poème symphonique évoquant les lieux et la vie de la capitale française dans les années 1920. La partition a été donnée pour la première fois au Carnegie Hall de New York le 13 décembre 1928 devant 2 800 spectateurs. En 1951, le réalisateur Vincente Minnelli intègre l'œuvre à un film du même nom. L'acteur et danseur Gene Kelly participe à l'adaptation chorégraphique. Son interprétation lui vaut un Oscar. Deux ans plus tard, l'œuvre provoque un scandale lors de sa première européenne à Londres. En 2014, Un Américain à Paris devient pour la première fois une œuvre scénique. Elle procède du film. La création mondiale a eu lieu au Théâtre du Châtelet en décembre 2014 et a été mise en scène par Christopher Wheeldon.

Georges Gerschwin

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Georges Gerschwin

George Gershwin est un compositeur et chef d'orchestre américain, né le 26 septembre 1898 à Brooklyn, New York, et mort le 11 juillet 1937 à Los Angeles, Californie. Il est célèbre pour ses œuvres de musique classique, comme Rhapsody in Blue ou Porgy and Bess, ainsi que pour ses compositions populaires pour Broadway et Hollywood. Il est considéré comme l'un des compositeurs et pianistes les plus talentueux de tous les temps.

Pavane op 50

La Pavane op. 50 en fa dièse mineur est une œuvre en un mouvement pour petit orchestre symphonique avec chœur ad libitum.La partition originale de 1887 est écrite pour un petit orchestre comprenant deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes, deux bassons, deux cors et les cordes. La Pavane est dédiée à la comtesse Elisabeth Greffulhe. Elle constitue un véritable « portrait musical » de la comtesse, célèbre pour sa beauté, son élégance et sa démarche aérienne, que Fauré appelait « Madame ma Fée ». Cependant, Fauré a demandé, à la suite du conseil de cette comtesse, un texte pour chœur mixte (sopranos, altos, ténors et basses), adapté à cette composition, à Robert de Montesquiou-Fezensac, cousin de celle-ci et lui-aussi admirateur de Verlaine. L'objectif était de réaliser l'esprit de Verlaine, présenté dans les Fêtes galantes (recueil de poèmes).

Gabriel Fauré

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Gabriel Fauré

Gabriel Fauré est une figure musicale importante de la fin du XIXème siècle en France. Héritier de l’école Niedermeyer, influencé par Camille Saint-Saëns et Frédéric Chopin, il a largement contribué à l’essor de la musique française. Son catalogue abonde d’œuvres pour piano, intimistes, parfois appelées pièces de salon: barcarolles, nocturnes, arabesques, valses-caprice, impromptus, fantaisies ou ballades. Il façonne un langage musical qui lui est propre, des enchaînements harmoniques que l’on qualifie encore aujourd’hui de « fauréen ».

Opéra Turandot "Nessun Dorma"

L’opéra raconte l’histoire de la princesse chinoise Turandot qui pose trois énigmes à tous les candidats au mariage. Celui qui les résout pourra la prendre pour épouse, celui qui échoue sera exécuté. Le jeune prince Kalaf résout de manière inattendue les trois énigmes, mais il offre à Turandot un moyen de sortir de la situation : si elle découvre son nom avant le lever du soleil, sa vie sera entre ses mains. La princesse essaie par tous les moyens, aussi cruels soient-ils, de trouver le nom, mais finalement elle est submergée par ses sentiments pour Kalaf. Dans un moment intime, il révèle son nom et ils célèbrent leur amour. L’air « Nessun Dorma » (Personne ne dort !) du troisième acte est l’un des airs d’opéra les plus connus et les plus réussis de tous les temps. Il vient de la scène dans laquelle Turandot ordonne que personne ne soit autorisé à dormir tant que le nom du prince inconnu n’a pas été découvert.

Giaccomo PUCCINI

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Classement des voix à l'opéra

Les voix sont classées du plus aigu au plus grave

Les voix féminines sont divisées en trois groupes :

Les voix masculines sont divisées en quatre groupes :

Contre-ténor : c'est la voix masculine la plus aiguë.

Soprano : c'est la voix la plus aiguë, avec la plus grande amplitude vocale et donc la plus grande tessiture. C'est aussi la voix féminine la plus fréquente. Les sopranos reçoivent des rôles éminents, et bénéficient presque toujours les rôles-titres à l'opéra

Ténor : c'est la deuxième voix masculine la plus aiguë après le contre-ténor. Le nom provient du verbe latin tenere qui signifie « tenir » en ce que cette voix fait généralement partie des voix qui soutiennent la mélodie, et correpond habituellement aux héros de l'opéra.

Mezzo-soprano : est la voix qui se situe entre la voix de soprano et de contralto. La voix mezzo est très similaire à celle de la soprano, mais a un timbre plus rond et chaud avec des sonorités davantage dans le grave et le médium. Les Mezzos reçoivent habituellement des rôles secondaires dans l'opéra

Baryton : est un chanteur dont la voix possède une tessiture moyenne, entre les ténors. C'est une voix très polyvalente, interprétant les héros mais aussi le plus souvent, les méchants.

Contralto : c'est la voix féminine la plus grave. C'est une voix extrêmement rare. Bien souvent les rôles de contralto sont donnés aux mezzo-sopranos au timbre plastique et grave. À l’opéra c'est une voix souvent utilisée pour personnifier des nourrices, des vieilles dames ou des guerriers.

Basse : est le type de voix masculine dont la tessiture est la plus grave. Souvent la voix de basse incarne des rôles d'hommes sages, d'hommes âgés et parfois même des personnages drôles ou terribles.

Giacommo PUCCINI

Giacomo Puccini, né le 22 décembre 1858 en Toscane (Italie) et mort le 29 novembre 1924 à Bruxelles (capitale de la Belgique), est un compositeur italien, surtout connu pour ses opéras.

Giacomo Puccini, le compositeur d’opéras le plus populaire au monde, est issu d’une famille où l’on est musicien de père en fils. L’enfant étudie le chant puis l’orgue avant d’assister à une représentation d’Aïda de Giuseppe Verdi. L'expérience est un véritable choc pour le compositeur. La vocation est née, Puccini composera quasi uniquement des opéras.

Le Villi (1884) Edgar (1889) Manon Lescaut (1893) La Bohème (1896) Tosca (1900) Madama Butterfly (Madame Butterfly) (1904) : Columbia, 1919 La Fanciulla del West (La Fille du Far-West) (1910) La Rondine (L'Hirondelle) (1917) Il trittico (Le triptyque) : Il tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi (1918) Turandot (1926, posthume)

Ses opéras

Messa de Requiem. Dies Irae

Après avoir connu le succès avec l'opéra Aida en 1871, Verdi composa la Messa da requiem en mémoire de son compatriote le poète Alessandro Manzoni, mort en 1873 et qui s'était engagé comme lui pour l'unité italienne au sein du Risorgimento, dans un idéal de justice et d'humanité. Verdi fut si ébranlé par la mort de Manzoni qu'il ne put se joindre au cortège funèbre. L’œuvre a comme origine une commande passée à plusieurs compositeurs italiens pour écrire une messe de requiem à la mémoire de Gioachino Rossini mort le 13 novembre 1868, pour laquelle Verdi composa la treizième et dernière partie, le Libera me. La Messa per Rossini n’ayant jamais été exécutée, Verdi envisagea rapidement de composer un Requiem entier à partir du Libera me mais le projet ne prit forme qu'avec la mort de Manzoni. Verdi offrit à la municipalité de Milan la composition d'une messe en son honneur, d'où le titre originel de Requiem de Manzoni. La création eut lieu le jour du premier anniversaire de la mort de Manzoni le 22 mai 1874 en l'église San Marco de Milan sous la direction du compositeur lui-même

Giuseppe Verdi

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Giuseppe Verdi Messa da Requiem Texte latin et traduction en français No 1 Requiem Requiem æternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis. Te decet hymnus Deus, in Sion, et tibi reddetur votum in Jerusalem. Exaudi orationem meam; ad te omnis caro veniet. Requiem æternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis. Kyrie eleison; Christe eleison. Donne-leur le repos éternel, Seigneur, et que la lumière éternelle brille sur eux. A toi Dieu, il convient de chanter un hymne dans Sion, et qu’on accomplisse un vœu dans Jérusalem. Exauce ma prière, que toute chair vienne à toi. Donne-leur le repos éternel, Seigneur, et que la lumière éternelle brille sur eux. Seigneur, ayez pitié. Christ, ayez pitié. No 2 Dies irae Dies iræ, dies illa, solvet sæclum in favílla, teste David cum Sibilla. Quantus tremor est futurus, quando judex est venturus, cuncta stricte discussurus ! Jour de colère, ce jour-là réduira le monde en cendre, David l’atteste, ainsi que la Sibylle. Quelle terreur va venir, quand le juge viendra pour juger tout strictement !

Water music suite

Water Music (Musique sur l'eau en français, Wassermusik en allemand) est une série de trois suites orchestrales baroques 1, 2 et 3 (HWV 348, 349, et 350) composées entre 1715 et 1736, par le compositeur anglo-allemand Georg Friedrich Haendel, un des chefs-d'œuvre baroques emblématiques de son œuvre.Publiées partiellement en 1733, les suites no 1 et 2 sont composées pour le roi George Ier de Grande-Bretagne, et sa cour, et interprétées par Handel (avec un orchestre symphonique de 50 musiciens sur une barque voisine de celle du roi) pour une procession fluviale festive grandiose et flamboyante, sur la Tamise à Londres, le 17 juillet 1717, entre Whitehall et Chelsea aller-retour. Le roi apprécie tellement cette œuvre qu'elle est interprétée trois fois de suite.

Georg Friedrich Haendel

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Georg Friedrich Haendel

Il est le fils de Georg Händel (1622-1697), barbier-chirurgien, et de Dorothea Taust (1651-1730), la fille d'un pasteur. Son père, le pousse à étudier le droit, et finit par le laisser étudier avec Friedrich Wilhelm Zachow, l'organiste (joueur d'orgue) de la Liebfrauenkirche de Halle, auprès duquel il se forme à l'orgue, au clavecin, à la composition.

Il représente le courant musical du baroque tardif (début XVIIIe siècle), comme d'autres compositeurs célèbres : Jean-Philippe Rameau et François Couperin pour la France ; Domenico Scarlatti et Antonio Vivaldi pour l’Italie ; Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann pour l’Allemagne.

La musique baroque

La musique baroque eut une période courte, mais qui revint à la mode des années plus tard. Elle apparut en 1600 et s'éteignit doucement en 1750, soit approximativement 150 ans d'existence.

Messiah, Hallelujah

Composer une œuvre aussi titanesque que Le Messie en seulement vingt-quatre jours, qui d'autre que Haendel aurait pu y arriver ? Cette oeuvre "Messiah" est un oratorio: Genre musical dramatique, généralement sacré, non représenté, pour soli, chœur et instruments. On y trouve une grande diversité de passage bibliques tirés du Nouveau et de l'Ancien Testament.

Georg Friedrich Haendel

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Messiah

Georg Friedrich Haendel

Il est le fils de Georg Händel (1622-1697), barbier-chirurgien, et de Dorothea Taust (1651-1730), la fille d'un pasteur. Son père, le pousse à étudier le droit, et finit par le laisser étudier avec Friedrich Wilhelm Zachow, l'organiste (joueur d'orgue) de la Liebfrauenkirche de Halle, auprès duquel il se forme à l'orgue, au clavecin, à la composition.

Il représente le courant musical du baroque tardif (début XVIIIe siècle), comme d'autres compositeurs célèbres : Jean-Philippe Rameau et François Couperin pour la France ; Domenico Scarlatti et Antonio Vivaldi pour l’Italie ; Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann pour l’Allemagne.

piano concerto n°21 en C major K67

Le Concerto pour piano no 21 en ut majeur, KV 467, est un concerto pour piano du compositeur classique Wolfgang Amadeus Mozart. Il fut composé le 9 mars 1785 à Vienne, peu de temps après le Concerto pour piano en ré mineur, KV 466. Alors que le précédent concerto pour piano de Mozart était plus vif et passionné, celui en ut majeur est empreint de calme et de majesté. Ce ne fut pas la seule fois que Mozart écrivit d'affilée deux œuvres au caractère très différent l'une de l'autre. Il y eut également les Quintettes à cordes KV 515 et 516 ainsi que les symphonies no 40 (KV 550) et no 41 (KV 551). La création eut lieu le 10 mars 1785. L'annonce suivante parut lors de l'événement : « M. le Kapellmeister Mozart aura l'honneur de présenter un Grand Concert au Burgtheater, au cours duquel il interprétera un nouveau concerto pour piano et exécutera diverses improvisations sur un piano à pédales extrêmement grand. »

Wolfgang Amadeus Mozart

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piano concerto n°21 en C major K67

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart ou Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, né le 27 janvier 1756 à Salzbourg (Principauté archiépiscopale de Salzbourg) et mort le 5 décembre 1791 à Vienne, est un compositeur autrichien de la période classique. Il est considéré comme l'un des plus grands compositeurs de l'histoire de la musique européenne. Avec Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven, il a porté à son apogée l'école classique viennoise. Enfant prodige et compositeur précoce, il est produit en public dès l'âge de sept ans à travers l'Europe où il subjugue les assistances avec sa sœur Maria Anna. Mort à trente-cinq ans, il laisse une œuvre considérable (893 œuvres sont répertoriées dans le catalogue Köchel). Selon le témoignage de ses contemporains, il était, au piano comme au violon, un virtuose. Il a écrit dans tous les genres musicaux de son époque et a excellé dans chacun d'eux. On reconnaît généralement qu'il a porté à un point de perfection le concerto, la symphonie et la sonate, et qu'il fut l'un des plus grands maîtres de l'opéra. Son succès ne s'est jamais démenti et son nom est passé dans le langage courant comme synonyme de génie et de virtuosité

Herz und mund und tat und leben, cantata

L'œuvre fait partie des cantates de Bach populaires et relativement fréquemment jouées . Dans le chœur d'ouverture élaboré, une trompette solo souligne avec virtuose le caractère festif de la pièce. Les deux chorals finaux des première et deuxième parties , Wohl mir, that ich Jesum hat et Jesusrest meine Freude , sont encadrés par une mélodie pour cordes en triolet et comptent parmi les compositions les plus populaires de Bach au niveau international, notamment grâce à de nombreux arrangements et interprétations dans le 20e siècle, comme les pianistes Myra Hess et Dinu Lipatti .

Jean-Sebastien Bach

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La cantate

Une cantate est une prière ou poème chanté (de l'italien : cantata, en français: « chantée »). Le genre s'est développé en composition vocale avec accompagnement instrumental, requérant parfois un chœur, qui comporte plusieurs mouvements. La cantate se développe et se partage en deux catégories : elle peut être basée sur un texte au thème profane (cantata da camera) ou sacré (cantata da chiesa). À la différence de l'opéra, la cantate ne comporte aucun aspect théâtral ni dramatique : la priorité est donnée à l'expression mise en musique. C'est à l'époque baroque que la cantate prend véritablement son essor et qu'elle s'est imposée comme un genre majeur, cultivée par un public de connaisseurs, tant de la poésie que de la musique.

Jean-Sebastien Bach

Johann Sebastian Bach (né le 21 mars 1685 à Eisenach , Saxe - Eisenach ; mort le 28 juillet 1750 à Leipzig , électorat de Saxe ) était un compositeur , violoniste , organiste et claveciniste allemand de la période baroque.Il est considéré aujourd’hui comme l’un des musiciens les plus célèbres, les plus prolifiques et les plus importants. Ses œuvres les plus connues incluent la Toccata et la Fugue en ré mineur , le Clavier bien tempéré , les Concertos brandebourgeois , de nombreuses cantates d'église , la Passion selon Saint Matthieu , l' Oratorio de Noël , la Messe en si mineur et L'Art de la Fugue . Ses œuvres ont influencé les générations ultérieures de compositeurs et ont inspiré les artistes musicaux à créer d’innombrables arrangements. Bach était très apprécié du public de la musique contemporaine en tant que musicien et improvisateur virtuose ainsi qu'expert en orgue.

Lieder ohn Worte, Op 62"Romances sans paroles"

Les Romances sans paroles (Lieder ohne Worte) sont de brèves pièces pour piano composées par Felix Mendelssohn à différentes périodes de sa vie. Elles occupent huit recueils publiés entre 1830 et 1845, dont cinq sont dédiés à des femmes. Composé entre 1842 et 1844 et dédié à Clara Schumann, il a été publié en avril 1844.

Felix Mendelssohn

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Felix Mendelssohn

Felix Mendelssohn naît le 3 février 1809 à Hambourg dans une famille aisée et cultivée. Sa mère, lui enseigne le piano et lui offre une éducation sans faille. Il pratique le piano, l’orgue, le violon et le chant. Le jeune Felix compose des œuvres d’une perfection étonnante pour son âge : il compose pour son père son premier opéra à douze ans. Trois ans plus tard, c’est en tant que chef d’orchestre qu’il impose son talent en ressuscitant brillamment un compositeur presque oublié du grand public : Johann Sebastian Bach. Alors qu’il pourrait entamer une brillante carrière, il préfère compléter son éducation en parcourant l’Europe : Angleterre, Écosse, Italie, France. Il revient enrichi de ses séjours et de ses multiples rencontres. Ses programmations audacieuses cherchent à établir une première vision historique de la musique allemande.

Aïda Act 2 marche triomphale

Aida (Aïda en français) est un opéra en quatre actes de Giuseppe Verdi, sur un livret d'Antonio Ghislanzoni d'après une intrigue d'Auguste Mariette, créé le 24 décembre 1871 à l'Opéra khédival du Caire.

Commandé par le khédive égyptien, Ismaïl Pacha, pour les fêtes d'inauguration du canal de Suez, l'opéra a été représenté pour la première fois au nouvel opéra du Caire, construit pour l'occasion. Le théâtre avait été inauguré le 1er novembre 1869, par une représentation de Rigoletto, et le canal le 17 novembre suivant. Prévue pour janvier 1871, la création d'Aïda fut retardée jusqu'au 24 décembre en raison du siège de Paris, où Mariette se trouvait bloqué avec les décors et les costumes. L'archéologue Mariette avait fourni l'idée et suivi de près le travail de mise en scène, afin que le spectacle fût conforme à ce qu'on savait de l'ancienne Égypte. Craignant un échec, il retira son nom avant la première. Verdi n'était pas très favorable à une création en Égypte car le public ne serait pas populaire (pas d’Égyptiens) et allait être constitué par une sorte d'aristocratie à l'allure mondaine.

Verdi

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Giuseppe Fortunino Francesco Verdi

Né Joseph Fortunin François Verdi le 10 octobre 1813 à Roncole et mort le 27 janvier 1901 à Milan, Verdi est un compositeur romantique italien. Son œuvre, composée essentiellement d’opéras, unissant le pouvoir mélodique à la profondeur psychologique et légendaire, est l'une des plus importantes de toute l'histoire du théâtre musical. Verdi est l’un des compositeurs d’opéras italiens les plus influents du XIXe siècle.

Aïda, marche triomphale act 2

The Triumphal March (Aida)

La marcia trionfale (Aida) POPOLO Gloria all'Egitto e ad Iside Che il sacro suol protegge; Al Re che il Delta regge Inni festosi alziam! Vieni, o guerriero vindice,* Vieni a gioir con noi; Sul passo degli eroi I lauri e i fior versiam! DONNE S'intrecci il loto al lauro Sul crin dei vincitori Nembo gentil di fiori Stenda sull'armi un vel. Danziam, fanciulle egizie, Le mistiche carole, Come d'intorno al sole Danzano gli astri in ciel! SACERDOTESSE Della vittoria gli arbitri Supremi il guardo ergete; Grazie agli Dei rendete Nel fortunato dì.

PEOPLE Glory to Isis and the land By her firm arm protected! To Egypt's King elected, Raise we our festive songs ! Hither advance, oh glorious band, Mingle your joy with ours, Green bays and fragrant flowers Scatter their path along. WOMEN The laurel with the lotus bound The victors' brows enwreathing, Let flowers, sweet perfume breathing, Veil their grim arms from sight. Dance, sons of Egypt, circling round, And sing your mystic praises, As round the sun in mazes Dance the bright stars of night. PRIESTS Unto the powers war's issue dread Deciding, our glances raise we Thank we our gods, and praise we On this triumphant day.

Orchestral suite n2 in B minor

La Suite no 2 en si mineur, BWV 1067, (aussi appelée Ouverture no 2), du compositeur allemand Jean-Sébastien Bach (1685-1750) est une suite orchestrale baroque en 7 mouvements (une de ses 4 suites pour orchestre de Bach connues).Basée sur un dialogue entre la flûte traversière et les instruments à corde et basse continue5,6,7, elle est constituée d'une ouverture à la française et d'une succession de danses baroques (rondeau, sarabande, bourrées, polonaise, double, menuet, et badinerie) inspirées de la musique et des danses à la mode de l'époque à la cour du château de Versailles du roi Louis XIV.

Johann Sebastian Bach

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Jean-Sebastien Bach

Johann Sebastian Bach (né le 21 mars 1685 à Eisenach , Saxe - Eisenach ; mort le 28 juillet 1750 à Leipzig , électorat de Saxe ) était un compositeur , violoniste , organiste et claveciniste allemand de la période baroque.Il est considéré aujourd’hui comme l’un des musiciens les plus célèbres, les plus prolifiques et les plus importants. Ses œuvres les plus connues incluent la Toccata et la Fugue en ré mineur , le Clavier bien tempéré , les Concertos brandebourgeois , de nombreuses cantates d'église , la Passion selon Saint Matthieu , l' Oratorio de Noël , la Messe en si mineur et L'Art de la Fugue . Ses œuvres ont influencé les générations ultérieures de compositeurs et ont inspiré les artistes musicaux à créer d’innombrables arrangements. Bach était très apprécié du public de la musique contemporaine en tant que musicien et improvisateur virtuose ainsi qu'expert en orgue.

L'oiseau prophète

L'oiseau Prophète est une oeuvre de Robert Schumann composée en 1849. Le compositeur allemand a imaginé une balade en forêt en musique et composé Scènes de la forêt (Waldszenen), un recueil de 9 pièces pour piano. Dans ce recueil se trouve une pièce bien étrange appelée L'oiseau Prophète. Mais de quel oiseau parle-t-on ? Nous ne le saurons malheureusement pas ! Et pourquoi Prophète ? A-t-il quelque chose à nous révéler pour l'avenir ? La pièce a un caractère tendre, une certaine légèreté mais aussi une mélancolie. Nous nous baladons entre plusieurs sentiments, comme cet oiseau qui change de rythme. Où va-t-il aller ? Se poser ? Le temps semble suspendu ! Mais qu'a-t-on ? C'est à ce moment là que la pièce devient mystérieuse (3'15). La mélodie change complètement pour ne pas s'arrêter complètement. Comme pour nous donner l'impression d'un rêve...

Robert Schumann

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Robert Schumann

né le 8 juin 1810 à Zwickau et mort le 29 juillet 1856 à Endenich (aujourd'hui un quartier de Bonn), est un compositeur et pianiste allemand. Sa musique s'inscrit dans le mouvement romantique, qui domine au début du xixe siècle une Europe en pleine mutation. Compositeur littéraire par excellence, Schumann et sa musique illustrent une composante du romantique passionné. Il est le mari de Clara Schumann, pianiste et également compositrice.

Symphony n°40 en G mineur, K550

La Symphonie no 40 en sol mineur, KV 550 a été composée par Wolfgang Amadeus Mozart durant l'été 1788, alors âgé de 32 ans. C'est la plus célèbre de ses symphonies, y atteignant un équilibre exceptionnel entre le fond et la forme, la richesse thématique et la dynamique rythmique. Elle est parfois appelée la « Grande symphonie en sol mineur », pour la distinguer de la « Petite symphonie en sol mineur » no 25 écrite dans la même tonalité.

Wolfgang Amadeus MOZART

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Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart ou Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, né le 27 janvier 1756 à Salzbourg (Principauté archiépiscopale de Salzbourg) et mort le 5 décembre 1791 à Vienne, est un compositeur autrichien de la période classique. Il est considéré comme l'un des plus grands compositeurs de l'histoire de la musique européenne. Avec Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven, il a porté à son apogée l'école classique viennoise. Enfant prodige et compositeur précoce, il est produit en public dès l'âge de sept ans à travers l'Europe où il subjugue les assistances avec sa sœur Maria Anna. Mort à trente-cinq ans, il laisse une œuvre considérable (893 œuvres sont répertoriées dans le catalogue Köchel). Selon le témoignage de ses contemporains, il était, au piano comme au violon, un virtuose. Il a écrit dans tous les genres musicaux de son époque et a excellé dans chacun d'eux. On reconnaît généralement qu'il a porté à un point de perfection le concerto, la symphonie et la sonate, et qu'il fut l'un des plus grands maîtres de l'opéra. Son succès ne s'est jamais démenti et son nom est passé dans le langage courant comme synonyme de génie et de virtuosité

Romance anonyme

La musique du film Jeux interdits est devenue au fil du temps plus connue que le film lui-même. Ce succès est dû au choix d'œuvres et à l'interprétation du guitariste Narciso Yepes et surtout à la fameuse Romance Anonyme que tout le monde a fini par identifier au film et dont l'attribution pendant longtemps incertaine a conduit certains à affirmer que Yepes en était lui-même l'auteur, lui-même affirmant l'avoir composée à l'âge de sept ans (en 1934, donc) et dont le charme enfantin l'a convaincu qu'elle conviendrait bien à l'atmosphère du film de René Clément1. Yepes n'a cependant que légèrement arrangé une œuvre préexistante (juste un arpège est inversé par rapport à une partition éditée en 1930)

Narciso Yepes

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Narciso Yepes

Narciso Yepes naît le 14 novembre 1927 dans une famille paysanne modeste1. Il obtient une guitare et retrouve des airs populaires dès son jeune âge. Il étudie au Conservatoire de Valence. Narciso Yepes est un des rares guitaristes du xxe siècle à utiliser couramment une guitare classique à dix cordes, avec laquelle il enregistre de nombreuses transcriptions de musique espagnole avec la mezzo-soprano Teresa Berganza. Il ne s'agit pas d'une guitare à cinq chœurs de cordes doubles de type baroque, mais d'une guitare à dix cordes simples, avec quatre cordes graves supplémentaires par rapport à la guitare classique ordinaire et avec un manche élargi en conséquence. Le compositeur français Maurice Ohana, très intéressé par cet instrument, compose alors de nombreuses œuvres pour celui-ci.

Salomon: l'arrivée de la Reine de Saba

Salomon est un oratorio (oeuvre à conotation religieuse composée en 1748 par Handel.

Acte 1: La construction du Temple de Jérusalem. Salomon et le peuple hébreu célèbrent la consécration du temple qui vient d'être construit dans la Ville Sainte. Le Roi se réjouit de son mariage avec son épouse unique et il lui promet de lui faire élever un majestueux palais. Les deux époux expriment ensuite leur amour mutuel avant de se retirer pour la nuit.

Acte 2: Le Jugement de Salomon. La sagesse légendaire du fils de David est illustrée par l'histoire des deux femmes qui se disputent car elles prétendent être chacune la mère de l'enfant. Salomon leur propose de trancher leur discorde en coupant de son épée l'enfant en deux part, pour en donner une moitié à chacune. Horrifiée, la vraie mère refuse la proposition en acceptant de laisser le bébé à l'autre femme. Le Roi reconnaît ainsi que son instinct maternel a parlé et qu'elle est vraiment la mère de l'enfant et non l'autre femme.

Acte 3: La rencontre avec la reine de Saba. La reine de Saba vient visiter la cour du fils de Bethsabée et ce dernier va avec l'aide de son peuple la distraire par la représentation d'un masque en musique avec des chœurs grandioses. Chacun évoquent tour à tour la langueur d'une musique douce, la recherche de la gloire militaire, le désespoir de l'amant éconduit et la tempête qui finit par s'apaiser. Tous célèbrent le Royaume d'Israël gouverné par leur sage roi, personnifiant un âge d'or de paix, de bonheur et de prospérité.

George Frideric Handel

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Tritsch- Tratsch Polka

Johann Strauss II (fils de Johann Strauss (père), deux des compositeurs les plus célèbres de l'histoire de la musique classique) est reconnu entre autres comme un des « maîtres de la polka » à une période d'important succès dans toute l'Europe de « polkamania ». À la suite de la disparition de son père en 1849, il fusionne leurs deux orchestres et part en tournées triomphales en Europe.

A son retour à Vienne en 1858, après trois saisons de tournées triomphales d'été en Russie (au palais de Pavlovsk, au sud de Saint-Pétersbourg) la revue viennoise d'humour satirique, et de potins mondains « Tritsch-Tratsch » (bavardages, potins, médisances, ragots, fausses rumeurs, commérages, etc..., en argot viennois) se moque du célèbre compositeur de préférer le succès de ses tournées européennes, au détriment de son public viennois, et diffuse des rumeurs mondaines sur ses diverses aventures amoureuses pendant ses séjours en Russie... Ce à quoi Johann Strauss répond par son génie humoristique musical, en composant cette polka rapide (polka schnell) caricature musicale énergique et animée, entraînante, drôle, amusante, et joyeuse, inspirée du thème de « la passion viennoise pour la diffusion joyeuse de ragots ». Il s'inspire également de la pièce burlesque à succès Der Tritschtratsch de 1833 (sur le même thème) du célèbre dramaturge et acteur autrichien Johann Nestroy (sur une musique d'Adolf Müller senior) qui est alors encore au répertoire des orchestres de Vienne au moment de la composition de sa polka (Tritsch-Tratsch serait également selon certaines rumeurs, le nom du caniche de sa première épouse cantatrice Henrietta Treffz (en), qu'il épouse en 1862, après l'avoir connue pendant 15 ans).

Johann Strauss Fils

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Johann Strauss II (fils)

Johann Strauss II, dit Johann Strauss fils (Johann Strauss Sohn) ou Johann Strauss le jeune, né le 25 octobre 1825 à Vienne et mort le 3 juin 1899 dans la même ville, est un compositeur autrichien. On lui doit en particulier de la musique de danse et des opérettes. Il a composé plus de 500 valses, polkas, quadrilles, et d'autres types de musique de danse, ainsi que plusieurs opérettes et un ballet. Surnommé « le roi de la valse », il est responsable de la popularité de la valse à Vienne au cours du xixe siècle. Ses deux jeunes frères, Josef et Eduard Strauss, également compositeurs de musique légère, n'ont jamais eu la notoriété de leur frère aîné. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on peut citer Le beau Danube bleu, La Valse de l'empereur, les Histoires de la forêt viennoise et la Tritsch-Tratsch-Polka. Parmi ses opérettes, La Chauve-souris et Le Baron tzigane sont les plus connues. Ses frères et lui, ainsi que leur père, n'ont aucun lien de parenté avec Richard Strauss, qui est allemand.

Te deum Prélude : Rondeau

Te Deum est une abréviation de l’expression Te Deum laudamus (« Dieu nous te louons »), une prière que l’on chantait depuis le Moyen Âge le dimanche et certains jours de fête. Depuis ses origines, le Te Deum est également utilisé comme chant pour des occasions festives comme les processions ou les victoires.Charpentier compose six Te Deum, œuvres destinées à des moments particulièrement festifs (et l’on fêtait beaucoup de victoires à Versailles en ces temps glorieux du règne de Louis XIV). Le Te Deum H. 146, le plus connu, fête une victoire. Il est de ce fait écrit pour un effectif important : huit chanteurs solistes, un chœur mixte et un orchestre comportant trompettes et timbales. Le Prélude de ce Te Deum est une marche en forme de rondeau. Le thème du refrain est solennel et revêt le caractère d’un hymne. La puissance et la grandeur qui s’en dégagent s’expliquent par : l’utilisation des trompettes et des timbales qui confère une sonorité brillante ; la tonalité de ré majeur martelée du début à la fin (aucune altération ne vient lui apporter de nuance), donnant une impression de solidité. Les couplets apportent légèreté et mobilité par l’absence des instruments aux sonorités brillantes (trompettes et timbales) et par de nombreux changements de tonalité.

Marc-Antoine Charpentier

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Marc-Antoine Charpentier

L’ESSENTIEL Charpentier est écarté de la cour et de l’opéra par Lully jusqu’en 1687 (à la mort de Lully). Ses qualités exceptionnelles de compositeur le font malgré tout apprécié du roi, de la cour, et du puissant ordre religieux des jésuites. Sa redécouverte remonte à un demi-siècle, lorsque l’un de ses Te Deum est rejoué, après 250 ans d’oubli. Il prend une belle revanche sur Lully depuis, car il est maintenant le musicien baroque français le plus joué et le plus enregistré. Grâce à son séjour italien, Charpentier acquiert un style unique, mélange des styles français (caractérisé notamment par la clarté) et italien (caractérisé par de belles lignes mélodiques). Charpentier, à défaut de faire carrière à l’opéra, se spécialise dans la musique religieuse (il reste dix ans au service des jésuites) et compose dans ce domaine certaines des plus belles œuvres de la musique française baroque.

À son retour de Rome à 27 ans, Charpentier entre au serviceur de Mlle de Guise dont il est maître de musique durant plus de vingt ans. Il est probable que ce soit par son intermédiaire qu’il fasse la connaissance de Molière qui cherche un successeur à Lully (avec lequel il s’est brouillé) pour ses comédies-ballets. Une collaboration fructueuse naît, qui culmine avec Le Malade imaginaire, mais de courte durée car Molière meurt à la quatrième représentation ! Charpentier continue néanmoins à travailler pour la troupe du roi.

Minute Waltz no6 en D

La Valse en ré bémol majeur , op. 64, n° 1, parfois connue sous le nom de « Valse du petit chien », et populairement connue en anglais sous le nom de Minute Waltz , est une valse pour piano du compositeur et virtuose polonais Frédéric Chopin . Elle est dédiée à la comtesse Delfina Potocka. La valse est une danse à 3 temps. En allemand "Walzer" signifie "tourner en rond".

Chopin

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Frédéric CHOPIN

Frédéric Chopin, né en 1810 en Pologne d’un père français (Nicolas Chopin) et d’une mère polonaise (Justyna Krzyzanowska), passa la plus grande partie de sa jeunesse à Varsovie. Enfant précoce, il prend des cours de piano dès l’âge de six ans, et donne son premier concert à huit ans.

En 1826, Chopin s’inscrit au conservatoire de Varsovie pour terminer sa formation.

En 1830, après être allé à Vienne, Chopin arrive dans un Paris en pleine ébullition révolutionnaire. Dans le même temps, les Polonais se soulèvent eux-mêmes contre l’occupant russe et les républicains français organisent des manifestations de soutien à la cause polonaise… Commence ainsi véritablement sa vie d’exilé.

Chopin prend alors part à la vie mondaine, donne des leçons de piano aux épouses et aux enfants de toute l’aristocratie parisienne et joue dans les salons les plus renommés.

C’est également à Paris qu’il rencontre George Sand, qui sera sa compagne jusqu’en 1847. Durant ses années avec l'écrivaine, il passera ses étés dans son domaine de Nohant et composera énormément.

Mais la santé de Chopin est extrêmement fragile : toujours faible et malade, il donne un dernier concert triomphal à Paris le 16 février 1848, avant de partir à Londres. Le climat londonien lui est alors insupportable et son état s’aggrave de manière conséquente. Il meurt le 17 octobre 1849, à l’âge de trente-neuf ans, 12, place Vendôme à Paris et est enterré au cimetière du Père-Lachaise.