RENACIMIENTO ILUSTRACIÓN

Entrada en la Edad Moderna: EL RENACIMIENTO

El Renacimiento es el estilo artístico que abre la Edad Moderna (1492-1789). Dentro de este periodo de la historia nos encontramos con diferentes estilos artísticos: Renacimiento-Barroco - Rococó- Neoclasicismo.

El término Renacimiento se utilizó para designar el movimiento que, en el siglo XV y comienzos del XVI, intentó resucitar en la cultura europea los valores formales y espirituales de la Antigüedad, un periodo entre la Edad Media y la época Moderna durante el cual los aspectos feudales y eclesiásticos del mundo medieval fueron gradual pero firmemente transformados, primero en Italia y luego en el resto de Europa, por el desarrollo de la sociedad urbana.

CONTEXTO HISTÓRICO:

Las condiciones políticas y sociales que existían en la Península Itálica favorecieron la creación y el desarrollo de un nuevo movimiento cultural que iba a desarrollarse a lo largo de los siglos XV y XVI y desde donde se extendería la resto de Europa. Tres hitos históricos fundamentales ocurren en este periodo: la invención de la imprenta, la reforma luterana y los viajes, entendiendo esta era como la era de la expasión de la cultura europea. El "descubrimiento de América" sería uno de los principales sucesos que tiene lugar en el siglo XV y que está relacionado con la expasión de la cultura europea. Los factores que influyeron en la creación del nuevo estilo fueron:

• La existencia de restos arqueológicos de la cultura romana que propician su estudio, recuperación y su posterior valoración en la zona. Hay nostalgia de las grandezas perdidas en la Antigüedad y que ahora intentan resucitar. De Grecia y Roma se tomarán referencias literarias, como el uso del latín como vehículo de expresión escrita; culturales, como la expresión de serenidad y equilibrio en las obras artísticas, sin descuidar por ello la admiración por sus formas de comportamiento, tales como el culto a la belleza o la valentía.
• El desarrollo urbano. Las ciudades italianas consideradas como ciudades-estado, con su propia organización política y económica, que rivalizaban entre sí y que contaban con una clase media muy desarrollada, compuesta por comerciantes y artesanos. Tras alcanzar una total autosuficiencia económica y política con respecto a la estructura feudal o las monarquías europeas, se buscó una cultura y un arte no anclados en la visión medieval. Entre estas ciudades, Génova y Venecia controlaban las rutas comerciales del Mediterráneo y los intercambios comerciales con Oriente, mientras que Milán o Florencia eran importantes centros de manufacturas textiles.

• Los mecenas. La cultura renacentista va unida al mecenazgo, es decir, al apoyo dispensado por los dueños de grandes fortunas y poderes sociales a los escritores o artistas. El mecenas conseguía con ello un prestigio personal en vida y una fama sin precedentes al morir. Fruto de esta concepción será la construcción de grandes sepulcros que honren la magnimidad de los grandes señores y transmitan su fama a la posteridad. En las ciudades italianas del siglo XV serán los nobles más poderosos económicamente y políticamente quienes ejerzan el mecenazgo: los Sforza en Milán, los Montefeltro en Urbino y los Médicis en Florencia. En el siglo XVI los monarcas en Europa ejercerán la protección de las artes y las letras, pero sobre todo el papado fue favorable a esta tendencia humanista. Si hubiera que elegir una familia como prototipo de mecenas, sin duda alguna habría que citar a los Médicis de Florencia. Esta familia consiguió afianzar su dominio en la ciudad durante toda la primera mitad del siglo XV. Lorenzo de Médicis, apodado el Magnífico (1449-1492), y Cosme I de Médicis patrocinaron a los grandes artistas florentinos del Quatroccento. Un hijo de Lorenzo, Giovanni, fue papa entre 1513 y 1521 bajo el nombre de León X y fue el valedor de Rafael y Miguel Ángel en el Cincuecento.

La estética renacentista

En el aspecto artístico, el Renacimiento supone la sustitución del mensaje formal del gótico por otro distinto apoyado en la recuperación de los modelos de la Antigüedad grecolatina:

• Nuevo concepto de belleza. en el mundo medieval la belleza era considerada como un reflejo de la divinidad. En el Renacimiento se considera la expresión de un orden intelectual basado en elementos matemáticos tales como la medida, el número y la proporción, aplicable tanto a la arquitectura como a las artes figurativas (pintura, escultura etc)
• Antropocentrismo. El ser humano, y no Dios, es ahora el centro del mundo y de la cultura. Los pensadores que, en este periodo manifestaron su interés por el hombre, se conocen como humanistas, la mayor parte de los cuales eran laicos y trabajaban en las cortes de los grandes mecenas de Florencia y Urbino.
• Naturalismo. El Renacimiento es una vuelta a la naturaleza, lo cual significa la renovación en el arte, búsqueda de nuevas técnicas para plasmar con mayor fidelidad la realidad. La naturaleza es obra de Dios pero saber apreciarla y degustarla es una cualidad humana.
• Individualismo. El arte se va a ir desvinculando poco a poco de la influencia eclesiástica y paralelamente se difunde la idea de que cada individuo debe vivir intensamente su propia existencia y sacar partido de ella. Si en la época del arte románico y el gótico los artistas tendían a ser anónimos aquí ocurre todo lo contrario.

Cambio en la estética

La evolución de la pintura: características generales.

• Materiales y técnicas. Continua la tradición italiana de la pintura al fresco (en el Norte de Europa era el óleo sobre tabla) que permite el desarrollo de amplios escenarios que sirven al artista para encuadrar la figura humana y estudiar la perspectiva. En la pintura de caballete se sigue utilizando la tabla como soporte y la técnica del temple. Solo en la segunda mitad del siglo, y por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo, especialente en Venecia.
• Temas. Continúa la pervivencia de los ciclos religiosos de la vida de Cristo y de los santos. Se cultivan algunos temas mitológicos o profanos en la decoración de palacios y por encargo de algunos mecenas, temas de la vida cotidiana o de la historia de la ciudad. Igualmente o podemos olvidar el retrato que no parará de ganar terrenos par exaltar el individualismo y el poder del mecenas.
• La perspectiva y la representación del espacio. La aplicación de principios teóricos al campo de la pintura fue iniciada por los estudios de perspectiva realizados por Brunelleschi, al que pronto secundaron otros artistas como Piero della Francesca. Todos ellos estudiaban y escribían múltiples tratados: sobre líneas de fuga, sobre el movimiento o sobre la función de la luz. Las soluciones indagadas para la representación espacial fueron varias: la perspectiva lineal basada en la superposición de varios planos, el espacio cúbico o la gradación lumínica de los planos como si circulase aire entre las figuras.

El descubrimiento del sistema de perspectiva en Florencia, en los primeros años del siglo XV, considerado como una recuperación de lo antiguo surge como el instrumento que hace posible la representación de la naturaleza y el desarrollo de la idea tridimensional del espacio. Con ello se rompe con el sistema aperspectivo medieval y la concepción del espacio como referencia trascendente y simbólica. A través de la perspectiva, se destaca el valor del individuo frente al mundo. El espacio surge como un feónomeno mensurable reducido a principios regulares, lo que supone una relación de dimensiones de medidas, de distancias y escalas, de todas las cosas de las que el hombre en su medida y referencia.

Ejemplo de perspectiva lineal ( o cónica) Entrega de las llaves a San Pedro. s.XV. Perugino.

El papel de las artes

Los artistas renacentistas fueron capaces de articular un nuevo lenguaje a partir de propuestas derivadas de la recuperación de lo antiguo, el caracter de los temas llevados a cabo y el significado de la visión en perspectiva, entre otros factores. La inspiración procede del mundo antiguo. Pero sobre todo es importante señalar que el artista del Renacimiento está plenamente VALORADO. Es reconocido en todas las cortes de Europa.

OBRAS PICTÓRICAS MÁS SIGNIFICATIVAS DEL RENACIMIENTO

La Trinidad con la Virgen, San Juan y donantes. 1427, fresco, Santa María Novella, Florencia.

Esta pintura, única en la Historia del Arte, fue ejecutada por el primero y el más grande de los maestros de Florencia en el siglo XV: MASACCIO. Fue la primera pintura que utilizó las nuevas reglas de perspectiva lineal desarrolladas por el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), las cuales revolucionaron el arte y se mantuvieron coom la convención dominante de la pintura durante los siguientes 450 años, hasta la llegada de las Vanguardias. No hay certeza sobre la fecha, pero se puensa que fue pintada después de 1427. En la Trinidad, Masaccio actualizó el simbolismo cristiano medieval de la resurreción y la redención y le dio la forma del Renacimiento aplicando una interpretación más moderna. Así, la armonía, en la cual Dios y la humanidad están vinculadas, se refleja a través de la armonía matemática. El misterio de la trinidad se hace real situando las figuras dentro del espacio ilusionista de una capilla hueca. Aparte de la perspectiva precisa, hay numerosas relaciones geométricas y propocionales: por ejemplo, la parte superior del sarcófago, sobre el cual está Dios, bisecciona la altura del fresco; la parte vertical de la cruz, biseccional el rectángulo formado por las dos columnas y los brazos de la cruz.

Io fu’ già quel che voi sete, e quel ch’i son voi anco serete Yo fui lo que sois vosotros, y vosotros seréis lo que yo soy

Nacimiento de Venus. 1482-1485. Sandro Botticelli. Temple sobre lienzo

ILUSTRACIÓN DEL MITO: Cronos arrancó los genitales de su padre Urano y los lanzó al mar. De estos nació Afrodita (Venus para los romanos).Personajes que aparecen junto a Venus: El dios del viento Céfiro junto con la ninfa de la brisa, Aura. Ambos soplan haciendo que la concha avance a través de olas hacia una bahía con naranjales, mientras llueven rosas. En la orilla una de las ninfas de las estaciones que se identifica con Flora, que espera la llegada de Venus para arroparla.

Aunque aparentemente es una representación mitológica, en realidad se le ha dado a esta obra una interpretación religiosa. De acuerdo con la interpretación académica, la historia del nacimiento de Venus simboliza el misterio a través del cual el mensaje divino de la belleza llegó al mundo. De esta manera, el Amor es una fuerza creadora que emana de Dios.

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/31/La_scuola_di_Atene.jpg

La Escuela de Atenas. 1509-12, fresco, Stanza della Segnatura, Vaticano, Roma.

Rafael, cuyo nombre de pila era Rafaello Sanzio, fue el más joven de los tres grandes artistas del Renacimiento (junto con Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci). Rafael nació en Urbino, donde su padre estaba empleado como artista de corte del duque Guidobaldo Montefeltro, cuya corte tenía renombre como centro de las artes de Italia. En 1504 llegó a Florencia donde pasó los siguientes cuatros años familiarizándose con el estilo florentino, particularmente con las obras de Leonardo y Miguel Ángel. En 1508 fue enviado a Roma por el Papa Julio II para ayudar con la decoración de los apartamentos del Papa, pero pronto se convirtió en el principal artista del lugar.

La Escuela de Atenas está dentro de un espectacular edificio clásico, que puede estar basado en los planos del arquitecto renacentista Bramante. En el centro de la composición, enmarcados por arcos, se encuentran dos hombres discutiendo: el de la izquierda, que señala hacia arriba, es Platón; el de la derecha es Aristóteles, y a sus lados un grupo de hombres escuchan el debate. A la izquierda, de verde, está Sócrates liderando otro debate. En el frente, el grupo de la izquierda incluye a Pitágoras escribiendo, mientras un joven le muestra su tabla con un diagrama de su teoría armónica. Frente a ellos, a la derecha, Euclides se inclina sobre una pizarra con compases, explicando el teorema geométrico. Se cree que este es un retrato de Bramante. Detrás de él están Tolomeo y Zoroastro, sosteniendo unos globos, y, junto a ellos, mirando directamente al espectador, nos encontramos con un autorretrato del propio Rafael. La melancólica imagen de Heráclito en primer plano de la escena es un retrato de Miguel Ángel.

Palacio Apostólico del Vaticano

El libro impreso fue un elemento fundamental de la evolución tanto de la arquitectura como de la pintura europea de estos siglos. Permite que los arquitectos, y artistas en general, dispusieran de colecciones de ilustraciones que ofrecían y reproducían modelos de obras de arte. Es destacable, sobre todo, un libro del siglo XVI escrito por el arquitecto Sebastiano Serlio, donde se ofrecía un catálogo de modelos listos para ser empleados en la construcción.

PRINCIPALES GRABADORES DEL RENACIMIENTO. Siglos XV y XVI

Alberto Durero

1471-1528

Formación y aprendizaje: primeros años

Biografía

Nace en Nuremberg en 1471. Hijo de un orfebre, comienza a formarse con su padre a los 13 años de edad. Con su padre adquiere los conocimientos básicos para iniciarse en el mundo del arte, y sobre todo, en el arte del grabado. En 1486 entra en el taller de MICHAEL WOLGEMUT, con el que continúa su formación durante tres años. Durante este periodo también colabora en el taller de Anton Koberger, para el que realiza ilustraciones de libros grabados. En 1490 realiza su primer viaje, que durará cuatro años, a la ciudad de Colmar con el deseo de conocer al gran artista grabador Martin Schongauer pero cuando llega, Schongauer había fallecido.

Retrato de Michael Wolgemut. 1516. Retrato a modo de homenaje que le hace Durero a su maestro años después. Cuando su maestro fallece, en 1519, Durero añade la inscrición que podemos observar en la parte derecha, donde escribe: "Tenía 82 años y vivió hasta 1519, cuando murió en la mañana del día de San Andrés, antes del amanecer."

Autorretrato con trece años. 1484. Punta de plata sobre papel. "Lo dibujé reproduciendo mi imagen reflejada en un espejo en 1484, siendo todavía niño" escribió Durero en el ángulo superior derecho de la lámina. Durero cultivó el género del autorretrato como ninguno de sus contemporáneos.

El padre de Durero, Alberto Durero el Viejo, 1484/86. Punta de plata sobre papel imprimado. Sostiene en su mano una pieza de orfebrería, que hace alusión a su oficio

La madre de Durero, Barbara Holper, sin fecha. Carboncillo sobre papel. Durero retrató a su madre poco antes de su muerte. Este retrato es uno de los más conmovedores de la historia del arte. Los rasgos de la sexagenaria están marcados por la vida llena de privaciones de las postimerías del medievo.

Anton Koberger: CRÓNICA DE NUREMBERG

La Crónica de Núremberg es incunable en latín (más tarde se hizo una tirada en alemán) el que se relata de manera ilustrada, a través de xilografías (más de 1800), la historia universal basándose en el relato de la Biblia. Se cuenta la historia del mundo desde la Creación hasta los eventos relevantes que tuvieron lugar hasta el año 1493, añadiéndose un último capítulo en el que se narra fin del mundo y el Juicio Final

En 1487, el humanista alemán Hartmann Schedel ya estaba trabajando en Núremberg en el manuscrito de un proyecto monumental con el que pretendía relatar la historia universal desde que Dios creó el mundo hasta el año 1493. Para ejecutar el enorme trabajo del impresión recurrió a Anton KOBERGER quien, en 1470, había establecido la primera imprenta en la ciudad de Núremberg, en un año en el que apenas había un puñado de ciudades europeas a las que había llegado el invento de Gutenberg. Los artistas elegidos para el diseño y producción de los grabados para las ilustraciones fueron Wolgemut y Pleydenwurff, que empezaron en 1488-1489. Al ser el pintor y grabador Wolgemut el maestro de Durero justo por esas fechas, siempre se ha especulado sobre que la autoría de algunas de las xilografías de esta obra pertenecerían al mismo Durero.

Dios creando al mundo, xilografía de la Crónica de Nuremberg

Dios creando el mundo de la nada

Manera en la que se ordena el contenido de las Crónicas de Núremberg: 7 edades (que serían como capítulos) que abarcan en su totalidad desde la creación del mundo por Dios hasta el Juicio Final. Por ejemplo, en la sexta edad se narra desde el nacimiento de Jesucristo hasta el año 1493.

La Crónica de Nuremberg incluye cuatro páginas en blanco al final de la sexta edad (capítulo 6), ya que, según advierte el autor: "Convendrá que queden por escribir algunas cosas. Habrá cosas que corregir y cosas que añadir. Hazañas de príncipes y hazañas privadas que podrán escribir quienes vengan detrás. Nosotros no lo podemos todo". Después de estas páginas en blanco se añade una 7 edad, en la que se narra el fin del mundo, con la llegada y el reinado del Anticristo, que supondrá la destrucción del mundo y con el Juicio Final. A esta parte pertecen tres de los grabados más espectaculares: la caída del anticristo, la danza macabra de los esqueletos y el Juicio Final.

El Anticristo

Juicio Final

Entre los contenidos relevantes de las Crónicas de Núremberg está su extensa colección de ochenta y nueve vistas de ciudades, de las cuales solo treinta pueden considerarse relativamente fieles a la realidad, al menos en la representación de algunos de sus edificios más característicos. Las vistas más atractivas están imprensas a doble página, se basan total o parcialemente en la relidad y casi todas constituyen, además, la vista imprensa más antigua publicada de la ciudad correspondiente. Aparte de ciudades de importancia religiosa e histórica como son Jesusalén o Roma, la mayoría de estas vistas de fromato especial corresponden a ciudades alamenas o del centro de Europa- El lugar de honor lo ocupa, como no podía ser de otra manera, Núremberg.

Vista de Florencia Crónica de Nuremberg

https://www.youtube.com/watch?v=pjDaJ0jTFWw

Martin Schongauer (144O aprox-1491) Colmar

Era llamadao el Rogier van der Weyden del grabado. Pero Schongaguer poseía también su propia capacidad inventiva; sus mejores grabados guardan una equivalencia plena con las pinturas sobre tabla gracias a la complejidad del dibujo, la profundidad espacial y la riqueza de las texturas. Era hijo de un orfebre, nació en Colmar hacia 1440. Es en el grabado donde consigue obras maestras y por ellas será conocido en el mundo artístico de su época. Los conocimientos que tiene de la perspectiva y la anatomía lo alejan de la crispación de los primitivos, pero su obra respira todavía el encanto intimista que desaparecerá con el gótico. En la actualidad se conocen ciento quince buriles suyos, casi todos de temas religiosos. Su firma es M+S. Fue considerado el grabador más importantes antes de Durero.

https://artsandculture.google.com/asset/virgin-and-child-with-an-apple-martin-schongauer-german-c-1450-1491/SgGbYyHCNESaLQ?hl=es

https://artsandculture.google.com/asset/the-christ-child-with-an-orb/DwFUWyqyQHc4qw?ms=%7B%22x%22%3A0.5%2C%22y%22%3A0.5%2C%22z%22%3A8.450661409009564%2C%22size%22%3A%7B%22width%22%3A4.162784324472461%2C%22height%22%3A1.2500000000000007%7D%7D

Autorretrato con 22 años. 1493. Óleo sobre pergamino. Inscripción: mi destino progresará según Dios quiera/ todo me va como está ordenado allá arriba. Se considera que este retrato de boda. el cardo que porta en la mano es un símbolo de fidelidad conyugal.

Autorretrato, la mano izquierda del artista, una almohada. 1493. Pluma sobre papel. Durero se retrata en su intimidad

Mi Agnes (Inés) 1494. Pluma sobre papel blanco. Cuando termina su aprendizaje, Durero se casa en 1494 con la novia que su padre había elegido para él. Durero retrata a Inés Frey, hija de un rico comerciante, con unos cuantos trazos.

Primer viaje a Italia

Durero alcanza la consciencia plena de la nueva dimesión que supone ahora ser artista en su primer viaje a Italia (1494-95), en busca de los orígenes del gran movimiento renacentista. Parte a este país justo después de casarse con Agnes Frey en 1494, de la que conservamos algunos retratos. La primera ciudad a la que llega es Venecia. El testimonio de esta experiencia quedará plasmado en sus dibujos, en acuarelas y gouaches de belleza sorprendente. Son las primeras vistas modernas que no se han convertido en símbolo, sino que aparecen como testimonio de una inmediatez inédita. Además de Venecia también visita Padua y seguramente Pavía, donde estudiada su amigo Pirckheider. Durero vio obras de grandes maestros del Renacimiento como Bellini o Mantegna y también conoció al arquitecto Jacopo de Barbari, de quien deseaba, sobre todo, aprender las reglas de la perspectiva. Fruto de su primera estancia en Italia, es una formidable producción de lienzos, grabados y xilografías. En 1498 comienza la serie de la Pasión grande, y pinta el Autorretrato con guantes, actualmente en el Prado.

Vista de Trento. Durero

Regreso a Núremberg (1495-1505) Taller propio

Autorretrato con paisaje, 1498. Óleo sobre madera. Inscripción: Lo pinté según mi figura, tenía veintiseis años. Alberto Dudero junto con su monograma: Desde sus primeros años de formación, Durero desarrolla la imagen del artista, que nos habla del cambio social que tiene esta figura durante la Edad Moderna.

En un principio se pensó que la destrucción del mundo sobrevendría en el año mil (esta fecha influyó en la difusión de los Beatos), fecha que se trasladó quinientos años más tarde al no haberse cumplido la tragedia. Varios escritos respaldaron entonces esta nueva teoría, fundamentada en diversos acontecimientos considerados como signos nefastos que habían tenido lugar en la Alemania de entonces: la invasión de los turcos, hechos naturales como la caída de un meteorito en 1492 o la crecida de ríos, la reaparición de la peste y ciertos fenómenos de distinto orden (gemelos siameses, cerdo con dos cuerpos). El espíritu místico de Durero seguramente no estaba ajeno a estos hechos y, sobre todo, a las profecías que vaticinaban el fin del mundo. Esto lleva a que entre los años 1496 y 1498 Durero haga 15 xilografías que ilustran el libro del Apocalipsis.

En su serie de grabados en los que ilustra el Apocalipsis, en las que las magistrales líneas grabadas consiguen un efecto vigoroso, el propio Durero costeó las ediciones del libro, que tuvo como característica que el lugar principal estaba reservado a la imagen, dispuesta en la cara frontal de la página y el texto en el reverso. Esta maquetación supuso un cambio importante en la ilustración de obras por el gran tamaño de las estampas, que confieren un lugar sobresaliente a la imagen destacándola sobre el texto. La primera de estas ediciones contiene una versión alemana y otra en latín; la segunda edición apareció casi doce años más tarde, en 1511, e incluye el texto solo en latín.

Las xilografías no llevaron inscripciones y en cada una de ellas se sintetizaron, de forma dramática, diversos hechos que se suceden a lo largo del texto.

El Apocalipsis. 1498

Autorretrato con pelliza (tipo de abrigo). 1500. óleo sobre madera de tilo. Inscripción: Así me pinté a mi mismo, Alberto Durero de Nuremberg con colores imperecederos a la edad de 28 años.

Segundo viaje a Italia

1505-1507, segundo viaje a Italia, con destino Venecia. Allí participa de la vida cultural y humanística. Una vez regresa a Núremberg, en 1507, pinta, todavía bajo la impresión del clasicismo. Es en este momento cuando realiza las dos famosas tablas conservadas en el Prado de Adán Y Eva, de tamaño natural y el grabado del Pecado Original donde también representa a Adán y Eva.

Sigue trabajando en numerosos grabados, entre los que se encuentran dos series de la Pasión (la Gran Pasión y la Pequeña Pasión), otra sobre La Vida de la Virgen, un Arco del triunfo grabado en varias planchas de madera, encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Maximiliano I.

Durero denuncia a principios del siglo XVI al grabador italiano Marcantonio Raimondi, puesto que este se había estado dedicando a copiar y a vender la serie de estampas de Durero en la que se ilustraba la vida de la virgen. Los compradores de Raimondi pensaban que estaban comprado directamente obras hechas por Durero ya que estas incluían también el monograma del artista alemán. Lo único que consigue Durero es que se elimine su firma de estas estampas. Habrá que esperar hasta el siglo XVIII para que aparezca una ley que ampare la propiedad intelectual de los grabadores

Adán y Eva, 1505. Buril sobre cobre. A partir de 1500, Durero se esfuerza por encontrar las proporciones ideales del cuerpo humano.

1507, óleo sobre tabla

ALBERT DÜRER ALMANUS / FACIEBAT POST VIRGINIS / PARTUM 1507 A.D

Ciclos de la Pasión

Durero realiza tres series de la Pasión de Cristo a lo largo de su vida: - La gran Pasión (xilografía). Comienza a trabajarla en 1498 y se publica en 1511. - La pequeña Pasión (xilografía). Empieza a hacerlas en 1501 y las publica en 1511. - La pequeña Pasión (buril). La prepara a la vez que hace la pequeña Pasión en xilografía.

La Pasión

Este ciclo ilustra el momento culminante de la vida de Cristo y de la significación teológica del relato como símbolo de la Redención y de la salvación en la vida eterna. Las principales escenas son: - Última cena. Se anuncia la traición de uno de los apóstoles, Judas (representado siempre con un gesto feo y con una bolsa donde tiene el dinero por el que ha vendido a Jesús). - Oración en el monte de los Olivos: Jesús se retira a orar junto con tres apóstoles (Santiago, Pedro y Juan), que se quedan dormidos mientras él sufre una tremenda angustia ante el advenimiento de su martirio. A veces aparece una figura de un ángel en esta escena que lo reconforta. - Prendimiento: varios episodios bajo este término: la traición o beso de Judas (señal para distinguir a Jesús entre sus díscipulos) y la captura propiamente dicha. - Una vez apresado tiene lugar el juicio de Cristo, un proceso religioso y civil, ante autoridades judaicas y romanas: primero, la comparecencia antes Caifás (sacerdote judío) Caifás rasga sus vestiduras al escucharlo proclamarse hijo de Dios y este episodio concluye con la primera humillación que sufre Jesús, con lo ojos vendados, siendo abofeteado y escupido. - Juicio civil, que tiene lugar en el palacio del gobernador Poncio Pilatos (se le condena por levantar masas e ir en contra del gobierno). El gobernador no lo encuentra culpable y propone al pueblo la elección entre Jesús y Barrabás (un asesino). Los judíos prefieren liberar a Barrabás y se produce el lavatorio de manos de Pilatos (señal de inocencia).

- La flagelación de Jesús, atado a una columna y más tarde es cuando se le coloca la corona de espinas (Jesús es burlescamente adorado como rey y también se le coloca un manto púrpura y una humilde caña en lugar de un cetro). - Presentación de Jesús al pueblo o Ecce Homo. - Una vez condenado y castigado, Jesús es conducido al Camino del Calvario, llevando la cruz en sus hombros. Ya en el monte Gólgota, lugar que la tradición asociaba a la tumba de Adán (de ahí la colocación de la calavera bajo la cruz), se produce el momento culmen de la redención de género humano con la sangre de Cristo: la crucifixión. La crucifixión propiamente dicha se concentra en la figura de Jesús clavado en la cruz. Lo normal es que Jesús presente su desnudez cubierta con un paño de pureza, y que esté clavado con tres clavos. En esta escena puede aparecer varias figuras como San Juan Evangelista y la Virgen María, a quienes se les pueden añadir, al pie de la cruz, la llorosa María Magdalena, e incluso las parientes de la virgen: María Salomé (hermana) y María de Cleofás (cuñada). O las figuras de Dimas y Gestas (el buen y el mal ladrón) crucificados con Jesús, más habitualmente con cuerdas que con clavos. O el porta esponja, que le da de beber, y el lancero, Longinos, quién clava su lanza en el costado para asegurarse de que está muerto, o los soldados que juegan a los pies de Jesús. - Consumada la muerte de Cristo nos encontramos con: el Descendimiento, realizado por José de Arimatea (propietario de la tumba donde luego se entierra a Jesús) y Nicodemo (un judío amigo de Jesús).

Cierra el conjunto de temas dedicados a la muerte el llamado Entierro de Cristo. El arte muestra de nuevo desde el traslado del cuerpo inerte al sepulcro, a veces aparecen unos ángeles que ayudan a trasladar el cuerpo. - La glorificación de Jesús (la vida sobrenatural de Cristo): La resurrección: visión de Cristo resplandeciente sobre la tumba, vestido de blanco junto con otros personajes como los soldados romanos que vigilaban la tumba. - A continuación tienen lugar tienen lugar una serie de apariciones a sus seguidores y apóstoles para verificar su resurrección: la primera de ellas a María Magdalena, la segunda es denominada habitualmente como la cena de Emaús (aparición a dos discípulos) y por último, la aparición a los apóstoles, la incredibilidad de Santo Tomás y la posterior ascensión al cielo

El caballero, la muerte y el diablo, 1513. Buril.

La Melancolía, 1514, buril.

San Jerónimo, 1514. Buril.

En 1512, el emperador Maximiliano I (abuelo de Carlos V) visita Núremberg y hace varios encargos a Durero, el cual empieza a trabajar en ellos en 1514. Le ofrece una pensión vitalicia a cambio de la elaboración de estas obras, pero la muerte del emperador en 1519 hace que alguno de estos proyectos no los llegue a ver finalizados.

https://www.youtube.com/watch?v=_JOwA0xLKPM&t=297s

Arco compuesto por más de 190 xilografías que constituía una arquitectura efímera que medía tres metros por tres metros para Maximiliano I.

El gran carro triunfal para Maximiliano I. Durero. Xilografía. Comienza a realizarlo en 1518 pero por la repentina muerte del emperador, esta obra no ve la luz hasta 1522.

Dibujo a tinta del rinoceronte. Durero

Belem (Lisboa). Construcción de la torre en el siglo XVI (sistema defensivo)

En 1515 llega a Lisboa un rinoceronte procedente de la India, animal desconocido por los habitantes del continente europeo. Este rinoceronte era un regalo de el sultán Muzafar hizo al goberdor de la India portuguesa, el cual decide enviarselo al rey Manuel I de Portugal. Manuel I termina enviándole a su vez este animal al Papa León X como regalo. El barco en el que viaja el rinoceronte termina naufragando cerca de la costa de Génova, y el animal muere. Sin embargo, el cuerpo se consigue rescatar y es disecado y entregado al Papa. Este suceso causó gran conmoción (tanto la llegada del animal a Occidente como su posterior final trágico) y circularon por toda Europa descripciones y bocetos del rinoceronte. Es así como Durero hace un dibujo y una xilografía representando a este animal.

Monasterio de Alcobaza (Portugal)

INSCRIPCIÓN EN ALEMÁN: "En el primero de mayo del año 1513, el poderoso Rey de Portugal, Manuel de Lisboa, trajo semejante animal vivo desde la India, llamado rinoceronte. Esta es una representación fiel. Tiene el color de una tortuga moteada,​ y está casi completamente cubierto de gruesas escamas. Es del tamaño de un elefante, pero tiene las patas más cortas y es casi invulnerable. Tiene un poderoso y puntiagudo cuerno en la punta de su nariz, que afila en las rocas. Es el enemigo mortal del elefante. El elefante se asusta del rinoceronte, pues, cuando se encuentran, el rinoceronte carga con la cabeza entre sus patas delanteras y desgarra el estómago del elefante, contra lo que el elefante es incapaz de defenderse. El rinoceronte está tan bien acorazado que el elefante no puede herirle. Se dice que el rinoceronte es rápido, impetuoso y astuto"

1517-1518 graba sus únicos aguafuertes. Entre los más importantes: Cristo en el monte de los olivos

Último viaje y muerte

En 1520 Durero se enteró de que Carlos I (V), sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España a Aquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la intención de que Carlos I mantuviera esa asignación. Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, y de allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Su diario nos proporciona un fascinante relato de estos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañeros artistas, como Lucas van Leyden, especialmente en Amberes. Resultó muy satisfactoria su audiencia con Carlos I. Regresó a Núremberg, donde reside hasta su muerte, el 6 de abril de 1528. Sus últimas obras son dos grandes tablas en las que están representados Cuatro apóstoles, que ofreció como regalo a la ciudad de Núremberg. En 1527 y 1528 escribe dos tratados "Teoría de las fortificaciones" y " Teoría de las proporciones".

http://bdh-rd.bne.es/viewer.vm?id=0000006846 SERIE COMPLETA DE LA PEQUEÑA PASIÓN

Otras obras de Durero

IZQUIERDA: Una nuremberguesa en traje para ir a la iglesia. 1500. Inscripción: así se va a la iglesia en Nuremberg. DERECHA: Una nuremberguesa en traje de baile. 1500. Pluma sobre papel, matizadao con acuarela

Pareja paseando, sin fecha. Pluma marrón sobre papel. Este dibujo fue hecho probablemente durante su estancia en Basilea (de sus primeros viajes). El tema de los amantes que van de paseo era muy popular en el siglo XV. El dibujo realista de Durero rompe con las convenciones idealizantes observadas por otros artistas. Los rostros muestran rasgos individuales. El joven incluso se parece al propio Durero.

La liebre, 1502. Acuarela sobre papel. El interés de Durero por el estudio de la naturaleza lo ponen de manifiesto sobre todo sus dibujos de animales y plantas. Su técnica de trabajo y la gran exactitud de sus dibujos testimonian un afán de fidelidad absoluta. La piel del animal, realizada con un finísimo pincel, fue pintada sobre un dibujo previo.

Manos orando, 1508. Pincel sobre papel azul. En 1508. Se trata de un boceto, son las manos de un apóstol.

Los hermanos siameses de Ertlingen, 1512. Pluma y tinta sobre papel. Al igual que Leonardo da Vinci, Durero mostró gran interés por las animalías biológicas; en este caso se trata de dos hermana mellizas unidas por el tórax. La lámina es expresión de nuevo por el interés de la naturaleza.

La REFORMA LUTERANA: el papel del grabado y la estampa.

El siglo XVI se salda con la ruptura definitiva de la unidad de la Europa cristiana y en consecuencia con la división de una frontera ideológica entre un ámbito católico, la Europa meridional, y otro protestante que coincide con la Europa septentrional. La fractura fue el resultado final de un proceso largo y traumático gestado al calor de las revueltas ideológicas que cíclicamente convulsionaron los territorios que integraban los Países Bajos y parte de Alemania durante los siglos XIV y XV. El oscurantismo dogmático, los abusos del clero y el uso desmesurado de imágenes y milagros alimentó el recelo de aquellos que aspiraban a una religión depurada en la que no se permitieran los cultos abusivos y supersticiosos. Es más, ya desde el siglo XII se puede detectar por todo el territorio alemán un ambiente anti-Roma y anti-Papa que servía para denunciar la acumulación de las riquezas y del poder terrenal por parte de los dignatarios de la Iglesia.

Los principales detonantes de la Reforma

El detonante de la Reforma lo encontramos en las INDULGENCIAS. En concreto, en las pactadas entre el papa León X y el arzobispo de Maguncia, para financiar la reconstrucción de San Pedro del Vaticano. Las indulgencias eran una manera de comprar el perdón por los pecados que había podido cometer un creyente cristiano. Eran documentos que se entregaban a cambio de una cantidad de dinero, y que le restaban años de estancia en el purgatorio. Todo el dinero que era recaudado era usado para embellecer iglesias o para el uso y disfrute de los altos cargos eclesiásticos.

Construcción de San Pedro del Vaticano, proyecto comenzado con el papa Julio II en el siglo XVI y continuado por León X

La necesidad de reforma se encontraba latente desde el siglo XV frente al abuso de poder eclesiástico y al incremento de la riqueza del clero. Esta situación dará lugar en Alemania a la revisión de los dogmas de la Iglesia, iniciada en su seno por el monje agustino Martín Lutero. En 1517, Lutero redactó sus 95 tesis que criticaban los abusos eclesiásticos.

Martín Lutero nació en 1483 en Eisleben, su infancia transcurre en un ambiente de rigidez religiosa entrando en 1509 en la orden de los agustinos. Estudió Teología llegando a ser profesor de interpretación bíblica en Wittenberg. Nostálgico de una iglesia primitiva, utiliza la excusa de las indulgencias para desarrollar un ideario de naturaleza política y de ideales económicos. En los primeros días de noviembre de 1517, clavaba ante la puerta de la iglesia de la universidad de Wittenberg, las famosas 95 tesis redactadas en latín.

Apoyado por sus fieles, Lutero desarrollará entonces una ingente labor literaria destinada a afianzar una nueva interpretación de la religión cristiana, labor que no cesará más que con su muerte en 1546.

Retrato hecho por Lucas Cranach, 1529

Principales ideas religiosas que defendía Lutero:

Principales ideas religiosas que defendía lutero:

• Justificación por la FE

• La Biblia como única fuente fiable (los fieles tienen que leer e interpretar)

¿Cómo afecta la Reforma al arte? ¿Qué papel desempeña el arte en este contexto?

No hay un pronunciamiento explícito de Lutero contra el arte sagrado. Sí existe, en cambio, una insistencia obsesiva en calificar la construcción de edificios, el coleccionismo de reliquias y la adoración de imágenes como gastos superfluos y cultos que no sirven para nada. Acusa a la Iglesia de Roma de atraer a los cristianos a través del arte, arte costeado por los mismos cristianos.Esto desencadena en algunos capítulos ICONOCLASTAS en el siglo XVI, por parte de sus seguidores en Wittenberg, y acabará con cambios a la hora de entender la función y el desarrollo de una obra de arte entre los países protestantes y los católicos

Los grandes artistas luteranos son Lucas Cranach el Viejo y Alberto Durero, difundieron una imagen religiosa lejos del naturalismo y sensualidad que cultivaban los artistas italianos. Bien dentro del subjetivismo de Cranach o la monumentalidad de Durero se produjo una renovación iconográfica de la historia sagrada y especialmente de la Biblia, al ser Cranach el encargado de ilustrar mediante magníficos grabados la Biblia que Lutero tradujo al alemán. La predilección de Lutero por el grabado, del que hizo su bandera propagandística, parece indicarnos la existencia de un especie de preferencia que le llevaría a pronunciarse a favor del dibujo con el consiguiente rechazo del color. Su postura coincide con la de aquellos periodos artísticos en los que se valoraba más la concepción de la obra que su ejecución. Por otra parte, la identificación de color como sinónimo de riqueza, fue el argumento que sustentó la eliminación de la decoración en el interior de los templos a favor de una mayor limpieza “acromática” en clara pugna con la policromía exultante de los países católicos.

Lutero impulsó el grabado alemán. Con él, la estampa y el grabado se conviertieron en los primeros medios que permitían la transformación rápida y decisiva de la mentalidad de la cristiandad. Lutero usó el grabado con una doble función; por un lado, para ilustrar las Sagradas Escrituras, y por otro, como propaganda antipapista. La predilección de Lutero por el grabado parace estar dada por el rechazo al color, el cual se convierte en un sinónimo de riqueza.

Los artistas grabadores cultivan preferentemente la xilografía, que durante las primeras tres décadas del siglo XVI conoce un desarrollo espectacular. En parte debido al empuje que el emperador Maximiliano dio a una técnica que permitía infinitas posibilidades para una propaganda política rápida y barata y con la que él mismo perpetuó su memoria en el gran carro triunfal diseñado por Durero. Casi todos ellos se adhirieron a la causa luterana e incidieron en aquellos temas que sirvieron para la confrontación teológica.

Surge así una verdadera “guerra de imágenes” en las que se difunden por toda Europa sátiras y caricaturas, estampas apocalípticas. En su mayoría se trata de imágenes explícitas en las que leemos el ideario del teólogo alemán, imágenes con una fuerte carga crítica y grandes dosis de agresividad. El grabado luterano arranca con las ilustraciones que hace Lucas Cranach el Viejo de la Biblia luterana. Un año después salían traducidos los primeros libros del Antiguo Testamento cuya edición completa no verá la luz hasta 1534. Los grabados, espléndidos e “intencionados”, de Cranach y su taller se refieren al Apocalipsis, o revelaciones de san Juan, y en muchos de ellos se aprecian semejanzas con los que Durero había creado en 1498 sobre el mismo tema. En ellos abundan las referencias antipapistas a los que tratan como el nuevo Anticristo.

La Biblia de Martín Lutero, 1541, edición con grabados de Lucas Cranach

El Papa Asno, 1523, Ilustraciones para un panfleto de Lutero

Grabado anónimo, s.XVI. CORRUPCIÓN DEL PAPADO: Este grabado representa la avaricia y la codicia del papado. Aparecen dos llaves rotas sobre las que se sitúa la tiara papal. En el interior aparece una bolsa de monedas.

Se critica al papa y a toda la Iglesia por la venta de indulgencias

P. Gengenbach

El devorador del difunto cuerpo cristiano, 1522.

Wolfgan Stuber, Retrato de Martín Lutero como San Jerónimo, 1545

Anónimo. Sátira contra el papa León X y los enemigos de Lutero. 1521.

Lucas Cranach el Viejo (Weimar 1472-1553)

Junto a Durero, Lucas Cranach es la figura artistítica más importante del Renacimiento artístico alemán. Se aleja de los cánones y modelos que vienen de Italia y es una pintor esencial en la Reforma protestante por su producción gráfica. Con Duero comparte a mecenas tan importantes como son Maximiliano I y sucesor Carlos I (V).

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/22/Lucas_Cranach_d._%C3%84._063.jpg

Su firma: Relación entre lo bello y lo malo

Lucas Cranach es otro grabador y pintor, con espíritu más germánico que Durero, con quien coincide en la época. Maneja el buril con gran maestría; sensible y con cierta debilidad de trazo al mismo tiempo. Pero es en la xilografía donde se encuentra la gran personalidad de Cranach. Amigo personal de Lutero, entusiasmado por la Reforma, es el pintor y grabador por excelencia de la misma. Sus ilustraciones ayudan a propagar la doctrina protestante, grabando 26 figuras en mandera para el Passional Christi Antichristi.

De una fe religiosa inicialmente católica, Cranach pasó a apoyar fervientemente el luteranismo, promoviendo con sus retratos y grabados la fama internacional de la Reforma y de Martín Lutero.

Retrato de Lutero y Catalina, su esposa.

La Biblia de Martín Lutero, 1541, edición con grabados de Lucas Cranach

Lucas Cranach realiza una de las obras fundamentales, realizada en 1521, llamada Pasional Christi und Antichristi. Se trata de una serie de 13 dípticos en los que se la figura de Jesucristo se opone a la del Anticristo (el papa). En el lado izquierdo se coloca un hecho de la vida de Cristo, en el que se muestra un comportamiento ejemplar, mientras que en el lado opuesto se representa al Papa comportándose justo de una forma contraria a los valores de Jesucristo.