ESCULTURA BARROCA
El Barroco (aproximadamente 1600-1750) fue un periodo de profundos cambios políticos, religiosos y culturales en Europa, caracterizado por el auge de monarquías absolutas, la consolidación del poder de la Iglesia Católica y la intensificación de conflictos ideológicos y bélicos, como la Guerra de los Treinta Años (1618-1648).
Contexto religioso:La Contrarreforma y el Arte Uno de los factores clave que influyó en el arte barroco fue la Contrarreforma Católica, respuesta de la Iglesia a la Reforma Protestante iniciada por Lutero en el siglo XVI. Para reafirmar su influencia, la Iglesia utilizó el arte como medio propagandístico, promoviendo obras emotivas, dinámicas y teatrales que impactaran a los fieles y despertaran su devoción.
Este objetivo se reflejó en la arquitectura y la pintura, con grandes catedrales recargadas, frescos dramáticos y esculturas intensamente expresivas, como las de Bernini en Roma.
Contexto Político y social:Durante este periodo, Europa experimentó un aumento del absolutismo, con monarcas como Luis XIV en Francia y los Habsburgo en España y Austria, quienes promovieron un gobierno centralizado y una imagen de poder casi divino. La burguesía también comenzó a ganar relevancia económica, especialmente en los Países Bajos e Italia, lo que influyó en el mecenazgo del arte.
En contraste, en regiones como Inglaterra y los Países Bajos se establecieron modelos más parlamentarios, lo que llevó a diferencias en el desarrollo artístico: mientras en Francia y España el arte barroco enfatizaba la magnificencia del poder, en los Países Bajos reflejaba escenas más cotidianas y burguesas.
Misma historia ¿Diferencias?
Monumento funerario Medicis, Miguel Ángel
Monumento funerario del Papa Alejandro VII. Bernini
Stefano Maderno: Primeros atisbos de la estética barroca
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680)
Hombre excepcional, artífice sublime, nacido por disposición divina y para que la gloria de Roma ilumine el siglo. El papa Urbano VIII acerca del al escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los artistas más importantes del Barroco. Nació en Nápoles, pero se trasladó a Roma siendo muy joven, donde desarrolló su talento bajo la tutela de su padre, el escultor Pietro Bernini. A los 17 años ya comenzó a recibir encargos importantes. Su estilo innovador rompió con las formas rígidas del Renacimiento, incorporando movimiento, emoción y dinamismo, lo que lo convirtió en el principal escultor y arquitecto de su tiempo. Su trabajo dejó una huella profunda en la arquitectura y el arte barroco, convirtiéndose en el principal referente artístico de la Iglesia Católica durante su vida.
La cabra Amaltea 1615 Bernini Mármol
Según la leyenda, Zeus fue ocultado por su madre, Rea, para protegerlo de su padre Cronos, quien devoraba a sus hijos. Zeus fue llevado a la isla de Creta, donde fue amamantado y cuidado por la cabra Amaltea
Eneas, Anquises y Ascanio
Cardenal SCIPIONE BORGHESE Sobrino y secretario del papa Pablo V, se convierte en el primer mecenas de Bernini. Le encarga esculturas para decorar los jardines de su villa
Rapto de Proserpina (Perséfone) Realizada entre los años 1621 y 1622 para decorar la villa del cardenal Borghese
La historia del rapto de Proserpina (también conocida como Perséfone en la mitología griega) es un mito que relata cómo la diosa del inframundo, Plutón (Hades en la mitología griega), secuestra a Proserpina, la hija de Ceres (Deméter en la mitología griega), diosa de la agricultura y la fertilidad.
Según el mito, Proserpina estaba recogiendo flores en un prado cuando de repente, Plutón surgió del inframundo en su carro tirado por caballos negros, y la raptó, llevándola con él al reino de los muertos. Proserpina gritó pidiendo ayuda, pero nadie pudo oírla.
Su madre, Ceres, al darse cuenta de que su hija había desaparecido, comenzó a buscarla sin descanso. Mientras tanto, Proserpina, aunque temerosa, se vio obligada a casarse con Plutón y convertirse en la reina del inframundo.
Ceres, devastada por la pérdida de su hija, dejó de hacer crecer las cosechas, lo que trajo hambre y devastación a la Tierra. Los dioses, al ver el sufrimiento del mundo, intervinieron para tratar de resolver la situación. Finalmente, se llegó a un acuerdo: Proserpina pasaría una parte del año con Plutón en el inframundo y la otra parte con su madre Ceres en la Tierra.
Este mito explica las estaciones del año: cuando Proserpina está con su madre, la Tierra florece y la primavera y el verano llegan, pero cuando está con Plutón en el inframundo, Ceres se entristece y el otoño y el invierno cubren la Tierra.
Apolo y Dafne. 1622-1625
La historia de Apolo y Dafne es un mito de la mitología griega que cuenta una apasionada y trágica persecución amorosa.
Apolo, el dios del sol, se enamoró perdidamente de Dafne, una ninfa que adoraba la libertad y no quería tener nada que ver con el amor. La causa del enamoramiento de Apolo fue que, después de haber matado al monstruoso Pitón, se jactó de ser más poderoso que el dios Eros (dios del amor). Eros, enfadado por esta arrogancia, decidió vengarse disparando dos flechas: una de oro, que hizo que Apolo se enamorara locamente de Dafne, y otra de plomo, que hizo que Dafne sintiera aversión por él.
Dafne, al ser perseguida por Apolo, huía desesperadamente, pero no podía escapar de su constante persecución. En un momento de desesperación, y sintiendo que no podría escapar, Dafne invocó a su padre, Peneo, el río. Como respuesta, Peneo la transformó en un laurel, un árbol de hojas perennes.
Al llegar junto a ella, Apolo la encontró transformada en un laurel y, aunque no podía tenerla como amante, juró que ese árbol siempre sería sagrado para él. Desde entonces, el laurel se convirtió en un símbolo de Apolo, y fue utilizado para hacer coronas que adornaban a los vencedores en competiciones, como en los Juegos Olímpicos.
Bernini realizó esta escultura entre 1623 y 1624, cuando tenía apenas 25 años, y fue encargada por Cardenal Scipione Borghese para decorar su colección privada en el Palacio Borghese en Roma. Esta obra es diferente a otras representaciones de David en la historia del arte, ya que captura un momento específico y dramático en la lucha contra Goliat, a diferencia de las versiones más tranquilas y estáticas que artistas como Miguel Ángel habían creado previamente.El momento representado: La escultura muestra a David en el momento en que está a punto de lanzar la piedra que derrotará a Goliat. Este David no es el joven sereno y confiado de otras representaciones, sino que está lleno de tensión y movimiento. La figura de David está en pleno giro, con el cuerpo torcido y la expresión concentrada en el acto de lanzar la piedra. Esto crea una sensación de acción inminente, en lugar de una simple representación estática del héroe bíblico.
El Baldaquino de Bernini es una obra maestra creada por el escultor y arquitecto italiano Gian Lorenzo Bernini. Este impresionante dosel de bronce se encuentra en la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano y fue completado entre 1624 y 1633. Se erige directamente sobre el altar mayor de la basílica, marcando la tumba de San Pedro, el primer Papa.
El Baldaquino es una de las obras más destacadas de Bernini y simboliza tanto la devoción religiosa como el poder de la Iglesia Católica. Está hecho de bronce y tiene una altura de aproximadamente 29 metros. El dosel presenta columnas en estilo retorcido o salomónico, adornadas con detalles complejos como esculturas de ángeles, querubines y otros símbolos religiosos
Baldaquino de San Pedro del Vaticano. 1623-1634.
Tumba de Urbano VIII
La Fuente de la Barcaza.1629.
Gian Lorenzo Bernini1629-1638 aprox.
Plaza Navona. Roma. Inocencio X quiere remodelar esta plaza. Se abre un concurso para los arquitectos de Roma que quieran presentar un proyecto. Gana Bernini con la Fuente de los cuatro ríos
Fuente de los Cuatro Ríos. 1648-51
El Río de la Plata.
El Ganges.
El Nilo
Escudo papal
El Danubio.
Éxtasis de Santa Teresa Entre 1645 y 1652
Remodelación de la plaza de San Pedro. Bernini cambia radicalmente la imagen de esta plaza
Busto de Luis XIV. 1664
Sepulcro de Alejandro VII
El Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni. Mármol y jaspe. 1671 al 1674.
Escultura barroca en España
Gregorio Fernández: escuela castellana
Gregorio Fernández fue un escultor español nacido alrededor de 1576 en Soria y fallecido en 1636. Es considerado uno de los grandes maestros de la escultura barroca en España. Su obra se caracteriza por un estilo realista y detallado, especialmente en los retratos de figuras religiosas. Fernández trabajó principalmente en madera policromada, creando imágenes de Cristo, la Virgen y santos, muy apreciadas por su expresividad emocional y su minuciosa atención al detalle. Su estilo influyó profundamente en la escultura religiosa de la época, especialmente en el ámbito de Castilla.
La Sexta Angustia 1616 Museo Nacional de Escultura de Valladolid
La Quinta Angustia 1625 Iglesia de San Martín de Valladolid (Castilla y León, España)
El Descendimiento 1623 y 1624 Sale el Viernes Santo en la Procesión General, el conjunto está ubicado en la Iglesia de la Santa Vera Cruz de Valladolid (Castilla y León, España).
Cristo de la Luz, 1630
Madera Postizos: Vidrio (Ojos) Corcho (Heridas) Marfil (Dientes) Asta (Uñas)
Cristo yacente. Segovia, 1631/6
Juan Martínez Montañez
Juan Martínez Montañés (1568-1649) fue un escultor español, considerado uno de los máximos exponentes del barroco sevillano y de la imaginería religiosa en España. Nacido en Alcalá la Real (Jaén), se formó en Granada y desarrolló la mayor parte de su carrera en Sevilla, donde alcanzó gran prestigio. Su estilo se caracteriza por la elegancia, el equilibrio y un profundo realismo idealizado. . Su dominio del modelado influyó en generaciones posteriores de escultores y pintores, incluido Diego Velázquez, quien llegó a retratarlo. La calidad de su trabajo y su refinado sentido del clasicismo hicieron de él una figura clave del Siglo de Oro español.
Cristo de los Cálices (1603-1604). Catedral de Sevilla.
Santo Domingo penitente. 1605-1609. La policromía fue realizada por Francisco Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli. En la actualidad se conserva en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.
Retablo de San Isidoro del Campo. Santiponce (Sevilla). Entre 1609 y 1613.
La Inmaculada, 1629/1631. Capilla de la Inmaculada de la catedral de Sevilla.
Luisa Ignacia Roldán (Sevilla, 1652 - Madrid, 1706), conocida como La Roldana, fue la primera escultora española registrada. Es una de las principales figuras de la escultura del Barroco en Andalucía
Nació en Sevilla en 1652, en el seno de una familia de escultores. Su padre, Pedro Roldán, fue un renombrado maestro de la escuela sevillana, y con él aprendió el oficio desde joven. A pesar de las dificultades que enfrentaban las mujeres en el ámbito artístico, desarrolló un estilo propio y logró destacar en un mundo dominado por hombres.
En 1671, se casó con Luis Antonio de los Arcos, también escultor.
Comenzó su carrera en Sevilla, donde realizó obras para iglesias y cofradías. Posteriormente, se trasladó a Cádiz, donde dejó esculturas de gran calidad, como el San Servando y San Germán de la Catedral Vieja.
A finales del siglo XVII, se instaló en Madrid, donde logró un hito en su carrera: en 1692 fue nombrada escultora de cámara de Carlos II, lo que le permitió realizar encargos para la corte. Sin embargo, a pesar de este reconocimiento, su situación económica siguió siendo precaria. También trabajó para Felipe V, aunque sin mejorar significativamente su fortuna.
Ecce Homo de la catedral de Cádiz, 1684
El arcángel san Miguel venciendo al demonio, 1692, Madera de cedro policromada
Alonso Cano
Alonso Cano (1601-1667) fue un pintor, escultor y arquitecto español del Barroco, considerado una de las figuras más versátiles del arte español. Su estilo combinó la elegancia del clasicismo con la expresividad del barroco, destacando tanto en la pintura como en la escultura y la arquitectura.
Nació en Granada, hijo de un maestro ensamblador y carpintero, lo que facilitó su contacto temprano con el mundo del arte. En su juventud se trasladó a Sevilla, donde estudió con Francisco Pacheco, maestro de Velázquez, y se formó en escultura con Juan Martínez Montañés, dos de las figuras más influyentes de la época. Esta doble formación lo llevó a desarrollar un estilo que integraba la precisión escultórica en su pintura.
En Sevilla, trabajó en diversas iglesias y cofradías, ganando prestigio como pintor y escultor. Posteriormente, en 1638, se trasladó a Madrid, donde obtuvo el favor del rey Felipe IV y trabajó en la decoración del Alcázar Real. En 1652, regresó a Granada, donde fue nombrado maestro mayor de la catedral, desempeñándose como arquitecto, pintor y escultor. En esta etapa produjo algunas de sus obras más importantes, como la Inmaculada Concepción, considerada una de las imágenes más bellas del barroco español.
Inmaculada del facistol, 1655
Obras de otros artistas relevantes: José Benito de Churriguera Ocaña (Madrid, 1665 – 1725).Retablo mayor del Convento de San Esteban. Salamanca
Salzillo. Barroco del siglo XVIII Oración en el huerto, 1754
ESCULTURA BARROCO
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ESCULTURA BARROCA
El Barroco (aproximadamente 1600-1750) fue un periodo de profundos cambios políticos, religiosos y culturales en Europa, caracterizado por el auge de monarquías absolutas, la consolidación del poder de la Iglesia Católica y la intensificación de conflictos ideológicos y bélicos, como la Guerra de los Treinta Años (1618-1648).
Contexto religioso:La Contrarreforma y el Arte Uno de los factores clave que influyó en el arte barroco fue la Contrarreforma Católica, respuesta de la Iglesia a la Reforma Protestante iniciada por Lutero en el siglo XVI. Para reafirmar su influencia, la Iglesia utilizó el arte como medio propagandístico, promoviendo obras emotivas, dinámicas y teatrales que impactaran a los fieles y despertaran su devoción. Este objetivo se reflejó en la arquitectura y la pintura, con grandes catedrales recargadas, frescos dramáticos y esculturas intensamente expresivas, como las de Bernini en Roma.
Contexto Político y social:Durante este periodo, Europa experimentó un aumento del absolutismo, con monarcas como Luis XIV en Francia y los Habsburgo en España y Austria, quienes promovieron un gobierno centralizado y una imagen de poder casi divino. La burguesía también comenzó a ganar relevancia económica, especialmente en los Países Bajos e Italia, lo que influyó en el mecenazgo del arte. En contraste, en regiones como Inglaterra y los Países Bajos se establecieron modelos más parlamentarios, lo que llevó a diferencias en el desarrollo artístico: mientras en Francia y España el arte barroco enfatizaba la magnificencia del poder, en los Países Bajos reflejaba escenas más cotidianas y burguesas.
Misma historia ¿Diferencias?
Monumento funerario Medicis, Miguel Ángel
Monumento funerario del Papa Alejandro VII. Bernini
Stefano Maderno: Primeros atisbos de la estética barroca
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680)
Hombre excepcional, artífice sublime, nacido por disposición divina y para que la gloria de Roma ilumine el siglo. El papa Urbano VIII acerca del al escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, considerado uno de los artistas más importantes del Barroco. Nació en Nápoles, pero se trasladó a Roma siendo muy joven, donde desarrolló su talento bajo la tutela de su padre, el escultor Pietro Bernini. A los 17 años ya comenzó a recibir encargos importantes. Su estilo innovador rompió con las formas rígidas del Renacimiento, incorporando movimiento, emoción y dinamismo, lo que lo convirtió en el principal escultor y arquitecto de su tiempo. Su trabajo dejó una huella profunda en la arquitectura y el arte barroco, convirtiéndose en el principal referente artístico de la Iglesia Católica durante su vida.
La cabra Amaltea 1615 Bernini Mármol
Según la leyenda, Zeus fue ocultado por su madre, Rea, para protegerlo de su padre Cronos, quien devoraba a sus hijos. Zeus fue llevado a la isla de Creta, donde fue amamantado y cuidado por la cabra Amaltea
Eneas, Anquises y Ascanio
Cardenal SCIPIONE BORGHESE Sobrino y secretario del papa Pablo V, se convierte en el primer mecenas de Bernini. Le encarga esculturas para decorar los jardines de su villa
Rapto de Proserpina (Perséfone) Realizada entre los años 1621 y 1622 para decorar la villa del cardenal Borghese
La historia del rapto de Proserpina (también conocida como Perséfone en la mitología griega) es un mito que relata cómo la diosa del inframundo, Plutón (Hades en la mitología griega), secuestra a Proserpina, la hija de Ceres (Deméter en la mitología griega), diosa de la agricultura y la fertilidad. Según el mito, Proserpina estaba recogiendo flores en un prado cuando de repente, Plutón surgió del inframundo en su carro tirado por caballos negros, y la raptó, llevándola con él al reino de los muertos. Proserpina gritó pidiendo ayuda, pero nadie pudo oírla. Su madre, Ceres, al darse cuenta de que su hija había desaparecido, comenzó a buscarla sin descanso. Mientras tanto, Proserpina, aunque temerosa, se vio obligada a casarse con Plutón y convertirse en la reina del inframundo. Ceres, devastada por la pérdida de su hija, dejó de hacer crecer las cosechas, lo que trajo hambre y devastación a la Tierra. Los dioses, al ver el sufrimiento del mundo, intervinieron para tratar de resolver la situación. Finalmente, se llegó a un acuerdo: Proserpina pasaría una parte del año con Plutón en el inframundo y la otra parte con su madre Ceres en la Tierra. Este mito explica las estaciones del año: cuando Proserpina está con su madre, la Tierra florece y la primavera y el verano llegan, pero cuando está con Plutón en el inframundo, Ceres se entristece y el otoño y el invierno cubren la Tierra.
Apolo y Dafne. 1622-1625
La historia de Apolo y Dafne es un mito de la mitología griega que cuenta una apasionada y trágica persecución amorosa. Apolo, el dios del sol, se enamoró perdidamente de Dafne, una ninfa que adoraba la libertad y no quería tener nada que ver con el amor. La causa del enamoramiento de Apolo fue que, después de haber matado al monstruoso Pitón, se jactó de ser más poderoso que el dios Eros (dios del amor). Eros, enfadado por esta arrogancia, decidió vengarse disparando dos flechas: una de oro, que hizo que Apolo se enamorara locamente de Dafne, y otra de plomo, que hizo que Dafne sintiera aversión por él. Dafne, al ser perseguida por Apolo, huía desesperadamente, pero no podía escapar de su constante persecución. En un momento de desesperación, y sintiendo que no podría escapar, Dafne invocó a su padre, Peneo, el río. Como respuesta, Peneo la transformó en un laurel, un árbol de hojas perennes. Al llegar junto a ella, Apolo la encontró transformada en un laurel y, aunque no podía tenerla como amante, juró que ese árbol siempre sería sagrado para él. Desde entonces, el laurel se convirtió en un símbolo de Apolo, y fue utilizado para hacer coronas que adornaban a los vencedores en competiciones, como en los Juegos Olímpicos.
Bernini realizó esta escultura entre 1623 y 1624, cuando tenía apenas 25 años, y fue encargada por Cardenal Scipione Borghese para decorar su colección privada en el Palacio Borghese en Roma. Esta obra es diferente a otras representaciones de David en la historia del arte, ya que captura un momento específico y dramático en la lucha contra Goliat, a diferencia de las versiones más tranquilas y estáticas que artistas como Miguel Ángel habían creado previamente.El momento representado: La escultura muestra a David en el momento en que está a punto de lanzar la piedra que derrotará a Goliat. Este David no es el joven sereno y confiado de otras representaciones, sino que está lleno de tensión y movimiento. La figura de David está en pleno giro, con el cuerpo torcido y la expresión concentrada en el acto de lanzar la piedra. Esto crea una sensación de acción inminente, en lugar de una simple representación estática del héroe bíblico.
El Baldaquino de Bernini es una obra maestra creada por el escultor y arquitecto italiano Gian Lorenzo Bernini. Este impresionante dosel de bronce se encuentra en la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano y fue completado entre 1624 y 1633. Se erige directamente sobre el altar mayor de la basílica, marcando la tumba de San Pedro, el primer Papa. El Baldaquino es una de las obras más destacadas de Bernini y simboliza tanto la devoción religiosa como el poder de la Iglesia Católica. Está hecho de bronce y tiene una altura de aproximadamente 29 metros. El dosel presenta columnas en estilo retorcido o salomónico, adornadas con detalles complejos como esculturas de ángeles, querubines y otros símbolos religiosos
Baldaquino de San Pedro del Vaticano. 1623-1634.
Tumba de Urbano VIII
La Fuente de la Barcaza.1629.
Gian Lorenzo Bernini1629-1638 aprox.
Plaza Navona. Roma. Inocencio X quiere remodelar esta plaza. Se abre un concurso para los arquitectos de Roma que quieran presentar un proyecto. Gana Bernini con la Fuente de los cuatro ríos
Fuente de los Cuatro Ríos. 1648-51
El Río de la Plata.
El Ganges.
El Nilo
Escudo papal
El Danubio.
Éxtasis de Santa Teresa Entre 1645 y 1652
Remodelación de la plaza de San Pedro. Bernini cambia radicalmente la imagen de esta plaza
Busto de Luis XIV. 1664
Sepulcro de Alejandro VII
El Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni. Mármol y jaspe. 1671 al 1674.
Escultura barroca en España
Gregorio Fernández: escuela castellana
Gregorio Fernández fue un escultor español nacido alrededor de 1576 en Soria y fallecido en 1636. Es considerado uno de los grandes maestros de la escultura barroca en España. Su obra se caracteriza por un estilo realista y detallado, especialmente en los retratos de figuras religiosas. Fernández trabajó principalmente en madera policromada, creando imágenes de Cristo, la Virgen y santos, muy apreciadas por su expresividad emocional y su minuciosa atención al detalle. Su estilo influyó profundamente en la escultura religiosa de la época, especialmente en el ámbito de Castilla.
La Sexta Angustia 1616 Museo Nacional de Escultura de Valladolid
La Quinta Angustia 1625 Iglesia de San Martín de Valladolid (Castilla y León, España)
El Descendimiento 1623 y 1624 Sale el Viernes Santo en la Procesión General, el conjunto está ubicado en la Iglesia de la Santa Vera Cruz de Valladolid (Castilla y León, España).
Cristo de la Luz, 1630
Madera Postizos: Vidrio (Ojos) Corcho (Heridas) Marfil (Dientes) Asta (Uñas)
Cristo yacente. Segovia, 1631/6
Juan Martínez Montañez
Juan Martínez Montañés (1568-1649) fue un escultor español, considerado uno de los máximos exponentes del barroco sevillano y de la imaginería religiosa en España. Nacido en Alcalá la Real (Jaén), se formó en Granada y desarrolló la mayor parte de su carrera en Sevilla, donde alcanzó gran prestigio. Su estilo se caracteriza por la elegancia, el equilibrio y un profundo realismo idealizado. . Su dominio del modelado influyó en generaciones posteriores de escultores y pintores, incluido Diego Velázquez, quien llegó a retratarlo. La calidad de su trabajo y su refinado sentido del clasicismo hicieron de él una figura clave del Siglo de Oro español.
Cristo de los Cálices (1603-1604). Catedral de Sevilla.
Santo Domingo penitente. 1605-1609. La policromía fue realizada por Francisco Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli. En la actualidad se conserva en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.
Retablo de San Isidoro del Campo. Santiponce (Sevilla). Entre 1609 y 1613.
La Inmaculada, 1629/1631. Capilla de la Inmaculada de la catedral de Sevilla.
Luisa Ignacia Roldán (Sevilla, 1652 - Madrid, 1706), conocida como La Roldana, fue la primera escultora española registrada. Es una de las principales figuras de la escultura del Barroco en Andalucía
Nació en Sevilla en 1652, en el seno de una familia de escultores. Su padre, Pedro Roldán, fue un renombrado maestro de la escuela sevillana, y con él aprendió el oficio desde joven. A pesar de las dificultades que enfrentaban las mujeres en el ámbito artístico, desarrolló un estilo propio y logró destacar en un mundo dominado por hombres. En 1671, se casó con Luis Antonio de los Arcos, también escultor.
Comenzó su carrera en Sevilla, donde realizó obras para iglesias y cofradías. Posteriormente, se trasladó a Cádiz, donde dejó esculturas de gran calidad, como el San Servando y San Germán de la Catedral Vieja. A finales del siglo XVII, se instaló en Madrid, donde logró un hito en su carrera: en 1692 fue nombrada escultora de cámara de Carlos II, lo que le permitió realizar encargos para la corte. Sin embargo, a pesar de este reconocimiento, su situación económica siguió siendo precaria. También trabajó para Felipe V, aunque sin mejorar significativamente su fortuna.
Ecce Homo de la catedral de Cádiz, 1684
El arcángel san Miguel venciendo al demonio, 1692, Madera de cedro policromada
Alonso Cano
Alonso Cano (1601-1667) fue un pintor, escultor y arquitecto español del Barroco, considerado una de las figuras más versátiles del arte español. Su estilo combinó la elegancia del clasicismo con la expresividad del barroco, destacando tanto en la pintura como en la escultura y la arquitectura. Nació en Granada, hijo de un maestro ensamblador y carpintero, lo que facilitó su contacto temprano con el mundo del arte. En su juventud se trasladó a Sevilla, donde estudió con Francisco Pacheco, maestro de Velázquez, y se formó en escultura con Juan Martínez Montañés, dos de las figuras más influyentes de la época. Esta doble formación lo llevó a desarrollar un estilo que integraba la precisión escultórica en su pintura. En Sevilla, trabajó en diversas iglesias y cofradías, ganando prestigio como pintor y escultor. Posteriormente, en 1638, se trasladó a Madrid, donde obtuvo el favor del rey Felipe IV y trabajó en la decoración del Alcázar Real. En 1652, regresó a Granada, donde fue nombrado maestro mayor de la catedral, desempeñándose como arquitecto, pintor y escultor. En esta etapa produjo algunas de sus obras más importantes, como la Inmaculada Concepción, considerada una de las imágenes más bellas del barroco español.
Inmaculada del facistol, 1655
Obras de otros artistas relevantes: José Benito de Churriguera Ocaña (Madrid, 1665 – 1725).Retablo mayor del Convento de San Esteban. Salamanca
Salzillo. Barroco del siglo XVIII Oración en el huerto, 1754