arte
RenacimientoBarroco Neoclásico
la anunciación de cestello sandro botticelli 1489 temple sobre tabla 150x156 cm galleria uffizi,florencia,italia
Reseña y Contexto Histórico
La Anunciación de Cestello, obra maestra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli (1445-1510), es uno de los ejemplos más notables de la representación artística de este evento bíblico. Pintado alrededor de 1489-1490, este óleo sobre tabla se encuentra actualmente en la Galleria degli Uffizi.
Sandro Botticelli fue un destacado pintor florentino del Quattrocento, el período artístico del siglo XV que marcó el inicio del Renacimiento en Italia. Formado en el taller de Fra Filippo Lippi, Botticelli fue influenciado por la obra de otros artistas renacentistas, como Andrea del Verrocchio y Antonio Pollaiuolo. Su estilo se caracteriza por la delicadeza de sus formas, la elegancia de las figuras y la profundidad emocional en la expresión de sus personajes.
La Anunciación de Cestello fue encargada por un miembro de la familia florentina Pucci, probablemente para su capilla familiar en la iglesia de Cestello (hoy conocida como la iglesia de Santa Maria Maddalena dei Pazzi). La obra se relaciona con otras pinturas de la Anunciación de Botticelli, como la Anunciación de San Martino alla Scala y la Anunciación de la Colección Lehman del Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Composición
La escena de la Anunciación de Cestello representa el momento en que el arcángel Gabriel visita a la Virgen María para anunciarle que dará a luz al hijo de Dios. Botticelli sigue la tradición iconográfica de la Anunciación al ubicar a Gabriel y María en un entorno arquitectónico, posiblemente inspirado en las iglesias renacentistas florentinas.
El arcángel Gabriel aparece en el lado izquierdo de la pintura, con sus alas desplegadas y en actitud de reverencia. Viste una túnica de colores brillantes y lleva un lirio blanco en su mano izquierda, símbolo de la pureza de María. La Virgen, situada a la derecha, se muestra sorprendida y humilde ante el anuncio, con las manos juntas en señal de aceptación y devoción.
El lirio también aparece en un jarrón en el primer plano, reforzando el mensaje de pureza.
Botticelli despliega en esta obra todo su saber renacentista. Lo vemos en las baldosas en cuidada perspectiva, en la distribución de los ángulos y de los personajes. El centro de la composición son, sin duda, las manos de Gabriel y María; la acusada diagonal que forman sus brazos queda compensada por la verticalidad del marco de la ventana y la línea horizontal del suelo. Tras el Arcángel, se abre un hermoso paisaje de inspiración nórdica con todos sus detalles. Detrás de María, en cambio, solo vemos pared, en un recurso muy utilizado, ya desde la Edad Media, para simbolizar la pureza de la que no ha conocido mundo.
Interpretación propia y Valoración estética
El colorido de la obra es vibrante y armonioso, con tonalidades que van desde el azul intenso de la túnica de la Virgen hasta los colores dorados y rojizos de la vestimenta del arcángel. La paleta cromática empleada por Botticelli ayuda a resaltar la importancia de los personajes y a generar un ambiente de serenidad y espiritualidad.
En la Anunciación de Cestello, Botticelli también muestra su habilidad para representar las emociones humanas y la interacción entre los personajes. La expresión de sorpresa y humildad de María, así como la reverencia y el respeto del arcángel, transmiten la naturaleza sobrenatural del evento y la profunda conexión entre lo divino y lo humano.
el rapto de perséfone gian lorenzo bernini 1621 mármol 225 cm galleria borghese, roma,italia
Reseña y Contexto Histórico
Esta obra representa el mito del rapto de Proserpina por parte de Plutón, descrito en Las Metamorfosis de Ovidio y en el poema (inconcluso) De raptu Proserpinae de Claudiano. Cuando los tres hijos reyes de Saturno -Júpiter, Neptuno y Plutón- se repartieron el mundo, a Plutón (Hades en la mitología griega) como hijo menor se le asignó la peor parte: el inframundo, custodiado por Cerbero, un perro de tres cabezas y una serpiente en lugar de cola. Como dios del averno, a su territorio también perteneció la zona donde germinan las plantas y el subsuelo, donde se hayan las rocas que ocultan los filones metalíferos y las piedras preciosas (de ahí que recibiese el sobrenombre de Plutón, “el rico”).
Bernini realizó El rapto de Proserpina entre 1621 y 1622. Aunque este escultor nacido en Nápoles tan solo tenía 23 años en ese entonces, ya tenía éxito como un artista en ciernes. La Basílica de San Pedro, su obra maestra arquitectónica, no sería construida hasta 40 años después; sin embargo, Bernini ya era muy popular gracias a cuatro de sus piezas más famosas: David; Eneas, Anquises y Ascanio; Apolo y Dafne; y por supuesto, El rapto de Proserpina.
Con una altura de 2.25 metros, la pieza está tallada en mármol de Carrara, un material proventiente de la Toscana y utilizado históricamente por los antiguos constructores romanos y, más recientemente, por los artistas renacentistas y manieristas. La suavidad de este mármol de alta calidad era ideal al estilo de Bernini, ya que “se enorgullecía de poder darle al mármol la apariencia de carne“.
Composición
Interpretación y valoración estética
Este interés por transformar la piedra en piel es particularmente evidente en El rapto de Proserpina, una pieza destinada a retratar una abducción dramática. “Impulsado hasta el punto de rasguñar los límites físicos del mármol”, la atención de Bernini y el interés por el realismo es evidente en los detalles anatómicos de la obra. Cuando la mano de Plutón (el sujeto masculino de la escultura) agarra el muslo de Proserpina (la figura femenina), sus dedos parecen hundirse en su piel. Del mismo modo, esforzándose por someterla, los músculos de sus piernas dobladas y brazos tensos sobresalen, mientras que su cabello y la tela que lo envuelve sugieren movimiento.
La interpretación de la obra ha suscitado controversia. La mayoría de estudiosos coinciden en afirmar que la metáfora del rapto de Proserpina simbolizaría el enfrentamiento entre contrarios, en consonancia con la corriente dialéctica clásica retomada en la modernidad.
Esta contraposición se refleja a través de las figuras de los protagonistas mediante los binomios lascivia-inocencia, fuerza-fragilidad o violencia-sumisión, pudiendo llegar a ampliarse a cuestiones de mayor transcendencia como la dualidad oscuridad-luz, vicio-virtud o muerte-vida.
Teniendo en cuenta esto último, algunos autores consideran que la temática mitológica mostraría también una moralidad cristiana a través de la muerte y la resurrección de Perséfone (su paso cíclico del mundo de los muertos al de los vivos) o mediante la contraposición entre lujuria y castidad. Hay quien opina, incluso, que puede existir cierto paralelismo entre el mito muerte-resurrección y la propia familia Borghese, con el fallecimiento del papa Pablo V Borghese pero con la continuidad del linaje en la figura de Scipione.
Un filósofo da una lección sobre el planetario de mesa joseph wright of derby 1766 oleo sobre lienzo 147x203cm derby museum and art gallery,derby, uk
Reseña y Contexto Histórico
Como amante de la ciencia, Wright of Derby quiso plasmar los nuevos descubrimientos de su época y divulgar un poco mediante una serie de sorprendentes cuadros. Este es uno de ellos, donde, como dice el título, un filósofo da una lección sobre un planetario de mesa.
El planetario es un artilugio que simula la órbita de los planetas y de él sale, como podemos observar, una luz espectacular que ilumina con intensidad a los presentes, especialmente a los niños. La luz en los cuadros de este artista es esencial. Es la protagonista, la que estructura el cuadro y el tema principal.
Es una buena metáfora para la Ilustración. En ese Siglo de las Luces se buscó iluminar con ciencia lo que la religión había mantenido en penumbras durante años, y los niños, que representan a las futuras generaciones, están sonrientes, iluminados y divirtiéndose con la ciencia.
Si antes los grandes formatos eran exclusivamente para pinturas históricas o mitológicas, artistas como Wright of Derby decidieron que la ciencia también merecía un lienzo enorme.
Composición
La luz que desprende el planetario se debe a una luz artificial colocada estratégicamente para simular el sol y así mostrar a los asistentes el funcionamiento del sistema solar.
El personaje principal sería el propio filósofo que resalta sobre el resto por su túnica de color rojiza, además de su posición en el medio de la composición y tras el elemento más importante de este, el planetario.
La apariencia de los asistentes se corresponde con la burguesía por su indumentaria. Asimismo, a la gran mayoría de los personajes podemos verles perfectamente las facciones de sus rostros, tanto es así que se apunta a que el filósofo se podría asemejar a Isaac Newton, por las teorías recientes que este publicó.
Lo que más nos puede llamar la atención son las expresiones faciales de los retratados, destacando la fascinación de los niños ante lo que se les estaba mostrando, aunque sin duda, este avance no dejó a ninguno de los espectadores indiferente.
Interpretación propia y Valoración estética
Los claroscuros como uno de los elementos más destacables de sus composiciones, donde suele haber un foco lumínico, mientras el resto de la composición se queda sumida en la oscuridad, creando unos fuertes contrastes lumínicos dotando a la obra de dramatismo, incluso recordándonos a Caravaggio por el tratamiento de la luz.
En este cuadro vemos como el foco de luz parece emanar del propio planetario de mesa y cuya luz resplandece sobre los cuerpos de los presentes, como si la luz del saber les inundase, en especial a los infantes, los cuales se muestran sonrientes por esa fe en el progreso, ya que son las generaciones del futuro, y cuya vida debe ser guiada por la ciencia.
Es una metáfora de cómo la ciencia tiene la capacidad de iluminar la mente de las personas. También la luz ayuda a crear volumen en los ropajes de los representados.
Bibliografía
Botticelli. Deimling Bárbara. Editorial Taschen. 2007. Madrid.Anunciación. (n.d.). HA! Retrieved February 19, 2024, from https://historia-arte.com/obras/anunciacion-botticelli
Paulino, L. (2023, April 16). La Anunciación de Cestello de Sandro Botticelli: Una Obra Maestra del Renacimiento Italian. Artisticord.com. https://www.artisticord.com/2023/04/la-anunciacion-de-cestello.html
Sienra, R. (2019, October 14). Una mirada detallada a la escultura de mármol más dramática y realista de Bernini. My Modern Met en Español; My Modern Met. https://mymodernmet.com/es/bernini-el-rapto-de-proserpina/
del Arte, L. C. (2021, December 28). El rapto de Proserpina. La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/el-rapto-de-proserpina/
Un filósofo da una lección sobre el planetario de mesa. (n.d.). HA! Retrieved February 20, 2024, from https://historia-arte.com/obras/un-filosofo-da-una-leccion-sobre-el-planetario-de-mesa
Janssens, A. (2023, September 25). Un filósofo da una lección sobre el planetario de mesa. La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/un-filosofo-da-una-leccion-sobre-el-planetario-de-mesa/
Proserpina, única hija de Júpiter (Zeus), dios supremo del Olimpo, y Ceres (Deméter), diosa romana de la agricultura y la fertilidad, recogía flores en su retiro de Sicilia cuando fue sorprendida por Plutón, que emergió de la tierra subido en un carruaje tirado por cuatro caballos negros con la intención de raptarla. Ceres no pudo socorrer a su hija, que tuvo que acceder a casarse con su secuestrador, y llena de ira provocó que la tierra se secara y las cosechas se perdieran. Júpiter decidió interferir en el conflicto llegándose finalmente a un acuerdo: Proserpina pasaría la mitad del año con su madre, momento en el que todo florece, y la otra mitad en el inframundo, dando lugar a las lluvias por el llanto de Ceres. El relato se convierte de este modo en la explicación mitológica del ciclo de las estaciones.
del renacimiento al neoclasico
Mafer Tapia
Created on February 9, 2024
Start designing with a free template
Discover more than 1500 professional designs like these:
View
Vaporwave presentation
View
Animated Sketch Presentation
View
Memories Presentation
View
Pechakucha Presentation
View
Decades Presentation
View
Color and Shapes Presentation
View
Historical Presentation
Explore all templates
Transcript
arte
RenacimientoBarroco Neoclásico
la anunciación de cestello sandro botticelli 1489 temple sobre tabla 150x156 cm galleria uffizi,florencia,italia
Reseña y Contexto Histórico
La Anunciación de Cestello, obra maestra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli (1445-1510), es uno de los ejemplos más notables de la representación artística de este evento bíblico. Pintado alrededor de 1489-1490, este óleo sobre tabla se encuentra actualmente en la Galleria degli Uffizi.
Sandro Botticelli fue un destacado pintor florentino del Quattrocento, el período artístico del siglo XV que marcó el inicio del Renacimiento en Italia. Formado en el taller de Fra Filippo Lippi, Botticelli fue influenciado por la obra de otros artistas renacentistas, como Andrea del Verrocchio y Antonio Pollaiuolo. Su estilo se caracteriza por la delicadeza de sus formas, la elegancia de las figuras y la profundidad emocional en la expresión de sus personajes.
La Anunciación de Cestello fue encargada por un miembro de la familia florentina Pucci, probablemente para su capilla familiar en la iglesia de Cestello (hoy conocida como la iglesia de Santa Maria Maddalena dei Pazzi). La obra se relaciona con otras pinturas de la Anunciación de Botticelli, como la Anunciación de San Martino alla Scala y la Anunciación de la Colección Lehman del Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Composición
La escena de la Anunciación de Cestello representa el momento en que el arcángel Gabriel visita a la Virgen María para anunciarle que dará a luz al hijo de Dios. Botticelli sigue la tradición iconográfica de la Anunciación al ubicar a Gabriel y María en un entorno arquitectónico, posiblemente inspirado en las iglesias renacentistas florentinas.
El arcángel Gabriel aparece en el lado izquierdo de la pintura, con sus alas desplegadas y en actitud de reverencia. Viste una túnica de colores brillantes y lleva un lirio blanco en su mano izquierda, símbolo de la pureza de María. La Virgen, situada a la derecha, se muestra sorprendida y humilde ante el anuncio, con las manos juntas en señal de aceptación y devoción.
El lirio también aparece en un jarrón en el primer plano, reforzando el mensaje de pureza.
Botticelli despliega en esta obra todo su saber renacentista. Lo vemos en las baldosas en cuidada perspectiva, en la distribución de los ángulos y de los personajes. El centro de la composición son, sin duda, las manos de Gabriel y María; la acusada diagonal que forman sus brazos queda compensada por la verticalidad del marco de la ventana y la línea horizontal del suelo. Tras el Arcángel, se abre un hermoso paisaje de inspiración nórdica con todos sus detalles. Detrás de María, en cambio, solo vemos pared, en un recurso muy utilizado, ya desde la Edad Media, para simbolizar la pureza de la que no ha conocido mundo.
Interpretación propia y Valoración estética
El colorido de la obra es vibrante y armonioso, con tonalidades que van desde el azul intenso de la túnica de la Virgen hasta los colores dorados y rojizos de la vestimenta del arcángel. La paleta cromática empleada por Botticelli ayuda a resaltar la importancia de los personajes y a generar un ambiente de serenidad y espiritualidad.
En la Anunciación de Cestello, Botticelli también muestra su habilidad para representar las emociones humanas y la interacción entre los personajes. La expresión de sorpresa y humildad de María, así como la reverencia y el respeto del arcángel, transmiten la naturaleza sobrenatural del evento y la profunda conexión entre lo divino y lo humano.
el rapto de perséfone gian lorenzo bernini 1621 mármol 225 cm galleria borghese, roma,italia
Reseña y Contexto Histórico
Esta obra representa el mito del rapto de Proserpina por parte de Plutón, descrito en Las Metamorfosis de Ovidio y en el poema (inconcluso) De raptu Proserpinae de Claudiano. Cuando los tres hijos reyes de Saturno -Júpiter, Neptuno y Plutón- se repartieron el mundo, a Plutón (Hades en la mitología griega) como hijo menor se le asignó la peor parte: el inframundo, custodiado por Cerbero, un perro de tres cabezas y una serpiente en lugar de cola. Como dios del averno, a su territorio también perteneció la zona donde germinan las plantas y el subsuelo, donde se hayan las rocas que ocultan los filones metalíferos y las piedras preciosas (de ahí que recibiese el sobrenombre de Plutón, “el rico”).
Bernini realizó El rapto de Proserpina entre 1621 y 1622. Aunque este escultor nacido en Nápoles tan solo tenía 23 años en ese entonces, ya tenía éxito como un artista en ciernes. La Basílica de San Pedro, su obra maestra arquitectónica, no sería construida hasta 40 años después; sin embargo, Bernini ya era muy popular gracias a cuatro de sus piezas más famosas: David; Eneas, Anquises y Ascanio; Apolo y Dafne; y por supuesto, El rapto de Proserpina. Con una altura de 2.25 metros, la pieza está tallada en mármol de Carrara, un material proventiente de la Toscana y utilizado históricamente por los antiguos constructores romanos y, más recientemente, por los artistas renacentistas y manieristas. La suavidad de este mármol de alta calidad era ideal al estilo de Bernini, ya que “se enorgullecía de poder darle al mármol la apariencia de carne“.
Composición
Interpretación y valoración estética
Este interés por transformar la piedra en piel es particularmente evidente en El rapto de Proserpina, una pieza destinada a retratar una abducción dramática. “Impulsado hasta el punto de rasguñar los límites físicos del mármol”, la atención de Bernini y el interés por el realismo es evidente en los detalles anatómicos de la obra. Cuando la mano de Plutón (el sujeto masculino de la escultura) agarra el muslo de Proserpina (la figura femenina), sus dedos parecen hundirse en su piel. Del mismo modo, esforzándose por someterla, los músculos de sus piernas dobladas y brazos tensos sobresalen, mientras que su cabello y la tela que lo envuelve sugieren movimiento.
La interpretación de la obra ha suscitado controversia. La mayoría de estudiosos coinciden en afirmar que la metáfora del rapto de Proserpina simbolizaría el enfrentamiento entre contrarios, en consonancia con la corriente dialéctica clásica retomada en la modernidad. Esta contraposición se refleja a través de las figuras de los protagonistas mediante los binomios lascivia-inocencia, fuerza-fragilidad o violencia-sumisión, pudiendo llegar a ampliarse a cuestiones de mayor transcendencia como la dualidad oscuridad-luz, vicio-virtud o muerte-vida. Teniendo en cuenta esto último, algunos autores consideran que la temática mitológica mostraría también una moralidad cristiana a través de la muerte y la resurrección de Perséfone (su paso cíclico del mundo de los muertos al de los vivos) o mediante la contraposición entre lujuria y castidad. Hay quien opina, incluso, que puede existir cierto paralelismo entre el mito muerte-resurrección y la propia familia Borghese, con el fallecimiento del papa Pablo V Borghese pero con la continuidad del linaje en la figura de Scipione.
Un filósofo da una lección sobre el planetario de mesa joseph wright of derby 1766 oleo sobre lienzo 147x203cm derby museum and art gallery,derby, uk
Reseña y Contexto Histórico
Como amante de la ciencia, Wright of Derby quiso plasmar los nuevos descubrimientos de su época y divulgar un poco mediante una serie de sorprendentes cuadros. Este es uno de ellos, donde, como dice el título, un filósofo da una lección sobre un planetario de mesa.
El planetario es un artilugio que simula la órbita de los planetas y de él sale, como podemos observar, una luz espectacular que ilumina con intensidad a los presentes, especialmente a los niños. La luz en los cuadros de este artista es esencial. Es la protagonista, la que estructura el cuadro y el tema principal.
Es una buena metáfora para la Ilustración. En ese Siglo de las Luces se buscó iluminar con ciencia lo que la religión había mantenido en penumbras durante años, y los niños, que representan a las futuras generaciones, están sonrientes, iluminados y divirtiéndose con la ciencia. Si antes los grandes formatos eran exclusivamente para pinturas históricas o mitológicas, artistas como Wright of Derby decidieron que la ciencia también merecía un lienzo enorme.
Composición
La luz que desprende el planetario se debe a una luz artificial colocada estratégicamente para simular el sol y así mostrar a los asistentes el funcionamiento del sistema solar. El personaje principal sería el propio filósofo que resalta sobre el resto por su túnica de color rojiza, además de su posición en el medio de la composición y tras el elemento más importante de este, el planetario. La apariencia de los asistentes se corresponde con la burguesía por su indumentaria. Asimismo, a la gran mayoría de los personajes podemos verles perfectamente las facciones de sus rostros, tanto es así que se apunta a que el filósofo se podría asemejar a Isaac Newton, por las teorías recientes que este publicó.
Lo que más nos puede llamar la atención son las expresiones faciales de los retratados, destacando la fascinación de los niños ante lo que se les estaba mostrando, aunque sin duda, este avance no dejó a ninguno de los espectadores indiferente.
Interpretación propia y Valoración estética
Los claroscuros como uno de los elementos más destacables de sus composiciones, donde suele haber un foco lumínico, mientras el resto de la composición se queda sumida en la oscuridad, creando unos fuertes contrastes lumínicos dotando a la obra de dramatismo, incluso recordándonos a Caravaggio por el tratamiento de la luz.
En este cuadro vemos como el foco de luz parece emanar del propio planetario de mesa y cuya luz resplandece sobre los cuerpos de los presentes, como si la luz del saber les inundase, en especial a los infantes, los cuales se muestran sonrientes por esa fe en el progreso, ya que son las generaciones del futuro, y cuya vida debe ser guiada por la ciencia. Es una metáfora de cómo la ciencia tiene la capacidad de iluminar la mente de las personas. También la luz ayuda a crear volumen en los ropajes de los representados.
Bibliografía
Botticelli. Deimling Bárbara. Editorial Taschen. 2007. Madrid.Anunciación. (n.d.). HA! Retrieved February 19, 2024, from https://historia-arte.com/obras/anunciacion-botticelli Paulino, L. (2023, April 16). La Anunciación de Cestello de Sandro Botticelli: Una Obra Maestra del Renacimiento Italian. Artisticord.com. https://www.artisticord.com/2023/04/la-anunciacion-de-cestello.html Sienra, R. (2019, October 14). Una mirada detallada a la escultura de mármol más dramática y realista de Bernini. My Modern Met en Español; My Modern Met. https://mymodernmet.com/es/bernini-el-rapto-de-proserpina/ del Arte, L. C. (2021, December 28). El rapto de Proserpina. La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/el-rapto-de-proserpina/ Un filósofo da una lección sobre el planetario de mesa. (n.d.). HA! Retrieved February 20, 2024, from https://historia-arte.com/obras/un-filosofo-da-una-leccion-sobre-el-planetario-de-mesa Janssens, A. (2023, September 25). Un filósofo da una lección sobre el planetario de mesa. La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/un-filosofo-da-una-leccion-sobre-el-planetario-de-mesa/
Proserpina, única hija de Júpiter (Zeus), dios supremo del Olimpo, y Ceres (Deméter), diosa romana de la agricultura y la fertilidad, recogía flores en su retiro de Sicilia cuando fue sorprendida por Plutón, que emergió de la tierra subido en un carruaje tirado por cuatro caballos negros con la intención de raptarla. Ceres no pudo socorrer a su hija, que tuvo que acceder a casarse con su secuestrador, y llena de ira provocó que la tierra se secara y las cosechas se perdieran. Júpiter decidió interferir en el conflicto llegándose finalmente a un acuerdo: Proserpina pasaría la mitad del año con su madre, momento en el que todo florece, y la otra mitad en el inframundo, dando lugar a las lluvias por el llanto de Ceres. El relato se convierte de este modo en la explicación mitológica del ciclo de las estaciones.