Fotografía y moda

Fotografía y moda

La fotografía publicitaria surgió durante la segunda mitad del siglo XIX, creada por aquellos artistas que querían retratar la vida moderna, las ciudades, las máquinas, las fábricas, etc. Sin embargo, no fue hasta el periodo de entreguerras (siglo XX) cuando la fotografía comenzó a hacerse hueco en la comunicación publicitaria. El cartel, la valla, el anuncio de prensa y el diseño publicitario comenzaron a recurrir a un uso más realista que ha continuado hasta nuestros días, en donde la fotografía se convirtió en un elemento imprescindible debido a su gran potencia. La fotografía de moda como tal no existe hasta principios del siglo XX. Las revistas de moda usaban ilustaciones.

Evolución en las publicaciones de moda

En 1672 aparece la primera revista sobre lifestyle, Le Mercure Galante de Jean. Unos años más tarde añade un suplemento, el Extraordinarie dedicado solo a la moda. En los mismos años aparece una revista similar en Inglaterra The Spectator. En 1841 aparece la primera revista propiamente de moda, La mode. A las que siguen Les Modes Parisiennes o Journal des Jeunes personnes, que recurren al dibujo. La primera reproducción directa de fotos de moda aparece en un periódico francés, La Mode Practique, en 1892. En 1867 nace Harper´s Bazaar, 1892 aparece Vogue. En 1886, Cosmopolitan. La primera revista de moda española es La moda elegante que comienza a publicarse en Cádiz entre 1842 y 1861, año en el que se traslada a Madrid donde continuara hasta 1923. Vanity Fair nace en 1913.

Principales revistas para las que trabajan los fotógrafos de moda

Los principios de la fotografía de moda (1850-60 ). Su expasión tiene lugar en 1880-90. Se consideran principios de la fotografía de moda al lento transcurrir sucedido a lo largo del siglo XIX. Se produce en las dos últimas decadas del siglo, cincuenta años después del descubrimiento de la fotografía. París va a ser el centro, allí va a nacer y se va a desarrollar la fotografía de moda. ¿Por qué en París? Es lógico, la tradición histórica señala a los franceses como aficionados al arte de las formas, a la belleza y más abiertos al cambio. Los protagonistas de estas primeras imágenes serán los burgueses, que triunfan en la segunda década del siglo XIX. Estos quieren retratarse y hacer que la moda trasluciera en las imágenes fotográficas. En este momento la fotografía no tiene una finalidad publicitaria o comercial (y si lo tiene es en menor medida). En esta época cuesta distinguir lo que es fotografía de moda de un simple retrato (abundan las tarjetas de visita). Hasta bien entrado el siglo XX es complicado separar retratos de fotografías de moda. Cuando la indumentaria se apodera de la imagen la terminaremos considerando como fotografía de moda.

Durante esta segunda mitad de siglo XIX la evolución de la moda es la siguiente: La mujer no sale del hogar, por lo que utiliza prendas incómodas que no le permiten moverse con libertad. Faldas anchas y circulares conseguidas por la superposición de enaguas. Se usa corset con ballenas. Igual ocurre con el calzado, es incómodo. Es común también el uso de la crinolina o el polisón, que son armazones interiores que dan volumen en las faldas. El polisón solo da volumen en la parte trasera mientras que la crinolina lo hace en toda la parte baja del cuerpo. Hacia la década de 1880: vida más activa, las mujeres comienzan a practicar deportes como el tenis, montan en bicleta. Como consecuencia aparece un vestuario más cómodo A finales del siglo XIX desaparece el corset (poco a poco), las mujeres se van acercando tímidamente al atuendo masculino. Empiezan a utilizar abrigos de piel que antes eran exclusivamente femeninos.

Disdéri (tarjeta de visita) en París fotografía a la emperatriz Victoria Eugenia y a otras muchas damas de la aristocracia internacional. En sus retratos aparecen objetos como cortinas, mesas, sillas y sillones. Al principio coloca a sus modelos de frente, aunque suelen suelen estar sentadas y con la mirada perdida. Posteriormente las presentó dos tercios de frente o de espaldas y con la mirada hacia el espectador. En casi todas ellas se reproduce el ambiente de un interior y aunque se multipliquen los objetos y las miradas de estas damas atraigan la atención del contemplador hacia el rostro, la expresión de sus caras es tan mesurada y contenida y la importancia concedida a los atuendos es tan clara que siguen siendo una importante aportación a la fotografía de moda.

En esta fotografía Paul Nadar (hijo del Nadar que nosotros estudiamos) retrata la condesa Greffulhe, que luce su famoso vestido Lily, atribuido a la Casa de Worth, 1896. Destacamos el nombre de Charles Worth (diseñador) porque tuvo interés en fotografiar todas las piezas de sus colecciones, aunque apenas conocemos los nombres de los fotógrafos que trabajaron con él. Estas fotos estaban destinadas a uso interno de la casa de moda y no se concebían para publicarlas en las revistas de la época

Taller del diseñador Worth

La actriz Carol McComas con un vestido con mangas fruncidas, falda amplia de encaje y corpiño de la Casa de Worth, alrededor de 1900.

Charles Reutlinger

(1816, Alemania-1888, Francia). Se considera uno de los primeros fotógrafos de moda porque muchas de sus fotos se centran en trajes y ropas. Aunque sus fotografías tienen la misma composición que los primeros retratos del siglo XIX, sin mucha personalidad.

Charles Reutlinger de descendencia alemana, fue el fundador de uno de los establecimientos fotográficos más prominentes de París en el siglo XIX, los Estudios Reutlinger, que funcionaron desde 1850 hasta 1937. El próspero negocio fotográfico llegó a ser famoso por sus retratos de todo tipo de personalidades desde políticos y científicos ilustres, artistas, escritores, músicos y cantantes de ópera hasta actrices y bailarinas famosas de cabaret y music-hall, cuyas fotografías aparecían publicadas en los periódicos y revistas tan prestigiosas como "La Illustration". Charles Reutlinger, perteneció al grupo de fotógrafos de élite que tuvieron sus estudios en los bulevares de moda, como Disdéri o Nadar. En 1880, un año antes de su muerte, dejo el estudio en manos de su hermano Emile Reutlinger quien más tarde, a su vez lo legará a su hijo Léopold-Èmile (1863-1937) continuador de los éxitos del fundador hacia 1900. El joven Reutlinger realizó un gran número de retratos de artistas, bailarinas y estrellas de cine, así como de miembros de la alta sociedad.

Charles Reutringer estaba especializado en tarjetas de visita, que seguían unas composiciones muy convencionales: los retratados situados de frente, delante de un telón, junto a una columna y con algún objeto que indicara su profesión o sus intereses, su poses eran rígidas. Pero en la década de los ochenta y noventa las fotografías que salen del estudio de Reutringer son un poco diferentes: los personajes posan de una forma más expresiva, exagerada y dramática. Los personajes que actúan de esta manera son mujeres conocidas y muchas veces precedentes del teatro. Evidentemente estos cambios surgidos en la casa Reutringer están provocados por su función comercial. Se piensa que algunas de estas tarjetas de visitas fueron utilizadas por sastres y tiendas. En primer lugar el público acepta mucho mejor el cambio a la fotografía si esta se parece a lo anterior: el dubujo, mucho menos natural.

Berthe Morisot , 1875

Retrato de estudio, 1890

Cléopâtre de Mérode (bailarina) Charles Reutlinger, 1875.

Charles Reutlinger, Berthe Morisot (pintora), 1875.

En esta situación concluye el siglo XIX. Existe ya una fotografía de moda en el sentido de que se realizan imágenes cuya temática central es la moda indumentaria, cuya finalidad es dar a conocer al público los nuevos modelos que se diseñan para que los compren. Luego la función publicitaria y comercial ya están presentes, así como la posibilidad de multiplicar y publicar directamente las fotos de moda. Con la entrada del siglo XX la fotografía se convierte en una herramienta fundamental para la publicidad, esencial en el mundo de la moda. Conoceremos los primeros nombres de fotógrafos que realizaron imágenes específicamente para distintas revistas como Vogue.

Principios del siglo XX: la Belle Époque

Tanto para Inglaterra como para Francia, el periodo eduardiano o "la belle époque" como llamaron ingleses y franceses a esta etapa, fue una época tendente a la ostentación y a la extravagancia. La sociedad rompía con la sobriedad, la mesura y la compostura de la época victoriana para a vivir intensamente: fiestas, bailes, viajes, ropas. No importaban tanto las diferencias de clase, porque ahora la sociedad y la Corte se aproximaron significativamente. La moda que procede de la Alta Costura es costosa, rica y complicada de elaborar. El cuerpo se cubre de encaje por todes partes, o al menos de croché (hecho con ganchillo), que es menos caro; los trajes al principio tenían cola y los sombreros utilizaban plumas, que también se colocaban en forma de boas alrededor del cuello. Muchos vestidos se bordaban e incluso se pintaban a mano. Evidentemente la moda está mostrando que son buenos tiempos para la economía de las clases altas, que puede permitirse el lujo de gastar despreocupadamente.

Taller de alta costura de Charles Frederick Worth. París, 1907

Paul Poiret en la Belle Époque. Principios del siglo XX.

La Gran Guerra había paralizado prácticamente el mundo de la moda, su escasa evolución queda marcada por el sentido de lo práctico: desaparecen accesorios indumentarios y cualquier extravagancia que pudiera dificultar la movilidad o dieran sensación de opulencia en una época de restricciones. Lo utilizado comúnmente por las mujeres fue un traje-sastre de línea muy sencilla. Se intentó volver al traje sofisticado, pero la tentativa fracasó. La opinión pública pareció ganar el pulso, las mujeres vieron en ello una vuelta atrás, algo anticuado. Casas como Worth y la del propio Poiret dejaron de ser las dictadoras de la moda. La caída de las águilas imperiales en Europa coincide curiosamente con el retroceso de los dictadores en el mundo del diseño de moda. Conforme pasa el tiempo el creador que triunfa es aquel que sabe tomarle el pulso a la sociedad descubriendo por anticipado sus velados deseos y ofreciendo el camino para saciarlos. Lo que se impuso después de la Primera Guerra Mundial, en contra de los intentos de los diseñadores de prestigio y a favor de los deseos de los consumidores, fue la ropa corta. El deseo nacía y se hizo realidad por muchos motivos: La comodidad y funcionalidad. Después de una guerra cualquier sufrimiento voluntario, por mínimo que sea, sobra. La escasez de materiales hace razonanle la utilización de menos tela y además presenta un precio final algo más asequible.

La fotografía de moda de principios del siglo XX:

Durante las dos primeras décadas del siglo XX la fotografía de moda será muy parecida a la foto callejera: modelos posando de manera casual, imágenes naturales, espontáneas etc. (Hermanos Seeberger). A la vez también es común encontrarnos con la estética pictorialista en fotografías de moda. Imágenes muy preparadas, delicadas, teatrales, fotografías en estudios con decorados. (Meyer). A partir de los años 30 el Surrealismo será el movimiento artístico principal que influirá en las imágenes de moda (Man Ray), aunque coetáneamente podemos observar también una tendencia realista en imágenes como las de Munkacsi o de los Seeberger que hacen fotos hasta la década de los 40.

Los hermanos Seeberger

Los tres hermanos Seeberger: Jules (1872-1932), Louis (1874- 1946) y Henri (1876-1956) fundaron en 1906 un estudio fotográfico en París, que a partir de 1909 se dedicaron a la fotografía de moda. Sus primeras fotografías se tomaron en los hipódromos, que eran entonces los lugares de mayor elegancia. De 1918 a 1939 ampliaron su cobertura a los lugares de vacaciones: Cannes en primavera, Deauville en julio y agosto, Biarritz en septiembre y Saint-Moritz en invierno. Para garantizar su promoción y ganar visibilidad en la prensa de la época, Jeanne Lanvin, Jean Patou y Madeleine Vionnet (diseñadores) enviaron a sus primeras modelos a codearse con sus mejores clientes. Así, de 1909 a 1939, se inmortalizaron al aire libre las más bellas creaciones de la alta costura francesa. Los hermanos Seeberger también fotografiaron a las personalidades y artistas que frecuentaban estos lugares de vacaciones durante sus reportajes encargados por los modistos.

1923. Vestido diseñado por Jean Patou.

1923.

1925. Abrigo de Coco Chanel.

Adolf de Meyer

Fotografía pictorialista de moda

Adolf de Meyer fue el fotógrafo que aplica el pictorialismo en la fotografía de moda. Nació en París, en 1868, y murió en Los Ángeles, en 1949. Sus fotos tienen una gran carga de sensibilidad, de atención a la composición en la búsqueda del equilibrio y el intimismo. También cabe destacar el uso de una composición pensada para llamar la atención del espectador, intentando ser decorativa.En sus fotografías se centraba en el tratamiento de la luz, en la desintegración de la forma dando sensación atmosférica, en el ambiente y en plasmar imprecisiones para dar la sensación de pinceladas. Comienza a trabajar para Vogue en 1913.

Los retratos de Gertrude Vanderbilt Whitney fueron su primer encargo para Vogue

Gertrude Vanderbilt Whitney, disfraz de teatro 1914

El tratamiento de la luz en sus fotos consistía en desdibujar los contornos, haciéndolos imprecisos, evitaba contornos marcados y envolvía las figuras suavemente. Su desenfoque era muy suave y para ello utilizaba un objetivo Pinkerton-Smith, que enfocaba la parte central y desenfocaba levemente los bordes. En otras ocasiones, también utilizaba una gasa de seda para desmaterializar las formas.

Mae Murray Adolph de Meyer, 1918.

Jeanne Eagels, 1921

Fotografía que muestra a dos modelos femeninas en una mesa. Estudio de moda inédito para Vogue, 1919.

Coco Chanel también se dejó inmortalizar por Adolph de Meyer para un reportaje en Harper's Bazaar.

Anuncio para los cosméticos de la marca Elizabeth Arden, 1927

Anuncio para Elizabeth Arden, 1927

Emil Otto Hoppé

Emil Otto Hoppé (Munich, 1878 – Londres, 1968) inició su carrera fotográfica en 1907, abriendo un estudio en un barrio de Londres. En muy poco tiempo ganó fama de ser un retratista magistral. Parte de la facilidad de Hoppé para captar la personalidad de sus modelos se basaba en la costumbre de documentarse sobre sus actividades creativas, de modo que la conversación les llevara a bajar la guardia y se dejaran sorprender en actitudes naturales. Además de extraordinario fotógrafo fue un dibujante de talento, que hizo diseños textiles y escenografías para compañías de teatro y ballet. Interesado en la fotografía como expresión artística, sus obras consistían en la pulcritud, el trasfondo de la cultura y la elegancia. Sus imágenes son más sencillas y más psicodélicas que las de Meyer, aunque sigue también la estética pictorialista.

Tamara Karsavina en ‘Le Astuzie Femminili’, 1920 y 1911

Edward Steichen

(1879-1973)

Nacido el 27 de Marzo de 1879 en Luxemburgo, fue uno de los fotógrafos más importantes a la hora de terminar con el Pictorialismo. Trabajó para revistas como: Vogue o Vanity Fair, y fotografió a personajes tan importantes como: Greta Garbo y Charles Chaplin. Falleció el 25 de Marzo de 1973 en West Redding (EE.UU). Influenciado por Meyer, define su propio estilo en 1924 adentrándose en un estilo más moderno. Es un puente entre generaciones (a veces sus fotos presentan características relacionadas con movimientos de la Vanguardia, como el Surrealismo). Para ello, su principal característica consiste en la iluminación artificial, alejándose de la búsqueda de la realidad. Empezó marcando menos los contrastes de los efectos de los focos, pero con el paso del tiempo dejó de esconderlos y aprovechó estos para potenciar la parte estética de los modelos y objetos.

En 1902 comenzará su colaboración con una de las figuras más importantes de la fotografía americana, Alfred Stieglitz, con el que funda el grupo Photo Secession, imprescindible referencia al hablar de la fotografía de principios del siglo pasado, y colabora en la revista Camera Work. Posteriormente creará en Nueva York la galería 291, donde se podrán ver por primera vez en América obras de Picasso, Matisse o Brancussi. En este recorrido, es importante detenernos en una fecha concreta, 1923: en este año es nombrado jefe de fotografía de algunas publicaciones de la editorial Condé Nast; abandona la fotografía artística para centrarse en el tema que realmente le hará famoso: la fotografía comercial, a la que dedicará, a pesar de las críticas de sus antiguos compañeros. Los siguientes 15 años de su vida Steichen será fotógrafo de las estrellas, lujo y glamour. Se convierte en el hombre que lleva las creaciones de los más famosos modistos a las portadas de Vogue y Vanity Fair.

Art Deco, para Vogue, junio 1925

Gloria Swanson, 1924

Chaplin,1925

Modelos, 1926

Lee Miller, 1928

Anuncio de zapatos, 1927

Dos modelos en un crucero, 1934

Dolores del Río, 1929 (derecha)

Joan Crawford, vestida por Schiaparelli, 1932

Dos modelos vestidas por Vionnet, 1930

Marlene Dietrich, 1931

Sandalias de Shoecraft, 1934

Foto de una modelo con sandalias

Vogue, 1931

Martha Graham, 1931

Mary Heberden, 1935

Algunas de las fotos de Steichen fueron portada de Vogue en los años 30

Man Ray

Nacido en Filadelfia 1890. Es clave para la configuración y expansión del Surrealismo en la fotografia de moda. Empieza a explorar la fotografía a partir de nuevas técnicas, donde el azar juega un papel fundamental en su descubrimiento. La propia existencia de una cosa es la que nosotros le queremos dar, dando lugar así a una visión individual, quedando al objeto modificado. Man Ray en sus trabajos recrea el objeto desde el interior, desmaterializándolo, sacándolo de su espacio y tiempo, a partir de métodos físico-químicos. Los métodos que introdujo en su fotografía se basaron en exposiciones largas, rayografías en las que la luz desmaterializaba a los objetos y el efecto Sabatier, que consistía en la manipulación del proceso químico exponer una copia o un negativo, invirtiendo los claros y oscuros. Los resultados de estas fotografias se consideran originales.

En 1921 viaja a París y a principio de los 30 empiezan sus publicaciones en Harper's Bazar. Utiliza técnicas de distorsión y solarización en su fotografía de moda, tomando así una nueva dirección, despreciando a toda regla y a todo convencionalismo. La creatividad puede vender, ser publicitaria e innovadora. En sus fotos parece un fuerte componente erótico, ya que el erotismo es una manifestación del subconsciente. Las deformaciones, las solarizaciones, la exageración del grano y las texturas, ayudan a embellecer a este componente, haciendo las fotografías más atractivas.

Joyas Cartier y Shérazade para Harper’s Bazaar

Fotografías para Hapers Bazaar. Años 30

Man Ray, vestido de noche de Elsa Schiaparelli, 1936, Harper's Bazaar.

Peggy Guggenheim con un vestido de Poiret, 1924.Retrato de Coco Chanel

Fotografía de moda de Man Ray. 1930Elsa Schiaparelli, 1935

Retratos hechos por Man Ray a la diseñadora Elsa Schiaparelli en la década de los años 30.

Retratos de Elsa Schiaparelli, 1933

Algunos diseños de Elsa Schiaparelli: diseñadora surrealista

El vestido langosta (1938)

El Vestido lagrima (1938)

El Vestido Esqueleto (1938)

El icónico zapato-sombrero fue inmortalizado por el fotógrafo Georges Saad para la publicación de octubre de 1937 para la revista L’Officiel.

Erwin Blumenfeld

(Berlín, 1897–Roma, 1969) Sigue la línea del Surrealismo en la fotografíade moda. Erwin Blumenfeld fue un judío alemán que solo pasó unos pocos años en su país de nacimiento. Fue en 1919, en un exilio autoimpuesto en los Países Bajos, cuando Blumenfeld comenzó a interesarse más profundamente por la fotografía, particularmente el proceso fotográfico y sobre todo en las posibilidades artísticas que ofrecen los experimentos en el cuarto oscuro. Durante un corto periodo de tiempo, dirigió un estudio de retratos con sede en Ámsterdam, que también sirvió como espacio expositivo, antes de trasladarse a París en 1936. En París conoce al fotógrafo de moda Cecil Beaton, quien le ayudó a conseguir un contrato en el mundo de la moda.

En 1937 consigue su primera portada de revista: Votre Beauté (febrero).

En 1938 publica sus primeras fotos para la edición francesa de Vogue, gracias a a Cecil Beaton, que admiraba su obra. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial fue capturado y trasladado a un campo de concentración hasta que consiguió huir a Nueva York en 1941. Ese mismo año empieza a trabajar con Haper´s Bazaar, compartiendo estudios con otro gran fotógrafo de moda, Martin Mucacksi. En 1943 acaba abriendo su propio estudios, siendo por entonces ya uno de los mejores fotógrafos de moda. En 1955 deja de trabajar para Vogue y lo hace para una serie de marcas para las que produce imágenes publitarias como L´Oreal, The Dayton Company Oval Room, Elisabeth Arde o Helena Rubinstein (aunque ya con anterioridad había hecho algunas imágenes publicitarias). Sus primeras imágenes son en blanco y negro, empieza a jugar con color en la década de los 40.

Algunas de las primeras imágenes que hace para Vogue en 1938

Imágenes para Vogue, París, 1939.

Portadas de Vogue de la década de los 40 y 50

Portada de Vogue EEUU, marzo de 1945

Anuncios de moda, 1950

Fotografía publicada en Vogue, 1950

Fotografía de Grace Kelly (actriz estadounidense) para Cosmopolitan, 1955

Anuncios

Jabón de L´Oreal

Helena Rubinstein, 1948.

Anuncio para Dayton's, 1955

Anucio para Chesterfield y para una marca de medias, Década de 1950

Dos modelos de la compañía Dayton, Nueva York, 1961

Dayton, Nueva York, 1964

Cecil Beaton

Fotógrafo, escenógrafo, diseñador de vestuario nace en Reino Unido en 1904. Desde muy pequeño tiene contacto con la fotografía gracias a su niñera. En 1930 se muda a Nueva York porque Vogue lo contrata. En 1931 firma también un contrato con la edición británica de Vogue. Trabaja para esta revista hasta la década de los 50. Es también conocido por los numerosos retratos que hace de celebridades. Trabaja también para Haper´s Bazaar y Vanity Fair.

TALLULAH BANKHEAD (actriz), Londres, 1927.

Paula Gellibrand, 1928

Coco Chanel, 1937

Imágenes de moda de la década de 1945. Fotografías que se alejan ya de la estética del Surrealismo, más formales

Salvador y Gala Dalí, 1936.

Además de trabajar para las revistas de moda más prestigiosas del momento y en la industria del cine, se convierte en uno de los retratistas preferidos de las estrellas de Hollywood como Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn o Marilyn Monroe (aunque ya en la década de los 50/60)

Fotografías para la película My fair Lady. Beaton juega con el vestuario y la escenografía, fusiona los llamativos vestidos de Audrey con un fondos geométricos

My fair lady. 1964

Audrey Hepburn, 1963

Otros fótografos de los años 30 cuyas fotografías están relacionadas con el surrealismo son André Durst, donde son recurrentes las imágenes de desolación y George Platt Lynes, cuyas fotografías destacan por el caracter lúdico, pretenden engalar y divertir al espectador.

André Durst, Elsa Schiaparelli, 1936

André Durst fotografías de los años 30

La modelo Toni Sorel para una fotografía de Harper's Bazaar, George Platt, 1937.

La modelo Lisa Fonssagrives sentada en sofa ‘Mae West’s Lips’, diseñado Salvador Dali, 1937

Al margen del surrealismo en la fotografía de moda de los años 30

Alexey Brodóvitch. Nace en Rusia en 1898. Trabaja en París en la década de 1920 y emigra a EE.UU en la década de los 30. Es allí donde se convierte en el director artístico de Harper´s Bazaar en Nueva York en 1934. Revoluciona el diseño de las revistas norteamericanas: diseña las páginas de una manera completamente nueva y original, dándole importancia a la fotografía. Una de sus mayores innovaciones en el diseño es que la fotografía pasa a ocupar toda una página. Aparecen imágenes incluso sin texto escrito.

Un ejemplo de los diseños de página de Brodóvitch para Haper´s Bazaar.

Diseño de página de Alexey Brodovitch, Fotografías de Gleb Derujinski. Harper's Bazaar, 1951

Martin Munkácsi

Fotógrafo húngaro nacido en 1896. Trabaja en Alemania como fotógrafo (los inicios de su carrera son como fotógrafo deportivo para una revista) y después emigra a Estados Unidos, donde lo contrata Haper´s Bazaar en la década de 1930. Sus fotos son especiales porque son muy dinámicas, rompe con el estatismo general que existía en los posados de moda de las revistas. Los espacios, ambientes y objetos desaparecen, la cámara se acerca a las modelos, pierde la importancia el estudio y la luz, que eran dos esenciales dentro de la fotografía de moda surrealista. Encargado de dar espontaneidad a las revistas de moda, inspiró a artistas posteriores como Avedon o Cartier Bresson

Lucile Brokaw, Harper's Bazaar Martin Munkácsi, 1933.

Harper's Bazaar, 1935

Fotografías de Munkcáski años 30

Leni Riefenstahl, Martin Munkácsi, 1931.

Años 40

El ambiente tras las Segunda Guerra Mundial no fue nada propicio para la moda. Los años 40 son un periodo de penuria en el que las variaciones del diseño no fueron radicales. Existe una diferencia entre lo que ocurre en Europa y en EE.UU, porque las circunstancias fueron distintas. París cayó en 1940 y los alemanes pretendieron trasladar la Alta Costura a Berlín. El estudio de Vogue en Francia cierra. Michael de Brunhoff, por entonces su editor y director artístico consiguió publicar algunos libros independientes. La Vogue británica siguió aunque se hizo más práctica y realista. Las revistas norteamericanas continuaron sin problemas. Es entonces cuando el foco de la moda se traslada a EE.UU. La ropa en EE.UU, a pesar de ser funcional y barata, tenía más recursos y despertaba envidia en Europa. En ambos lados los trajes son cortos, alrededor de la rodilla (como antes de la guerra). Debido a la escasez adquieren un gran desarrollo los detalles: ribetes, falsos bolsillos, botones, cinturones y pañuelos. Los sombreros también adquirieron un desarrollo imaginativo. La influencia de los uniformes se refleja en la forma de los hombros, que ahora es cuadrada. Se generaliza el uso de pantalones.

Ejemplos de fotografías de moda de la década de 1940. Jean Moral (fotógrafo francés), 1940.

Hermanos Seeberger. Fotografías de finales de los años 40.

Lee Miller

Modelo en Nueva York, posa para fotógrafos como Steinchen y Man Ray. Estudió en París pintura y empezó a hacer fotografía cuando conoce a Man Ray (con el que acaba teniendo una relación sentimental). Se desliga del surrealismo cuando fue contratada como corresponsal de guerra en Londres. Realizó una serie de imágenes que luego publicó en Vogue con un estilo directo y documental. Son fotografías sobrias, que buscan transmitir serenidad.

Autorretrato, lleva un diseño de JEAN PATOU, 1930

Miller nació en abril de 1907 en Poughkeepsie, una pequeña ciudad del estado de Nueva York, y murió setenta años después, en una granja inglesa. Fue una mujer brillante.Con veinte años posó para los grandes fotógrafos de su tiempo, Edward Steichen, George Hoyningen-Huene y Arnold Genthe, e iluminaron las páginas de la edición americana de la revista Vogue. Miller, quién llegó a ser asistente de fotografía, musa y amante de Man Ray, dejara al artista para volver a Nueva York y montar su propio estudio. Pronto Miller se cansó de ser mirada y con una gran determinación, pasó de bonita modelo a famosa fotógrafa, de objeto de deseo a artista. Miembros de la alta sociedad neoyorkina esperaban impacientes la cita para poder retratarse en su estudio de Manhattan, donde trabajó hasta que el amor, en forma de primer marido, la llevó a Egipto. La Segunda Guerra Mundial estalló cuando la fotógrafa ya estaba aburrida de ver pirámides y desiertos, y locamente enamorada del pintor y coleccionista inglés Roland Penrose. Su mirada surrealista registró vívidamente la devastación provocada por la fuerza aérea alemana desde el cielo londinense. Cientos de bombarderos trataron de destruir Londres durante un infierno que duraría casi dos meses. Después de aquello, Miller estaba dispuesta a partir al frente. Vogue, la misma revista que había lucido sus ojos en portada, publicaría a partir de ahora sus vistas del horror: Saint Malo, París, Buchenwald, Dachau… todos esos lugares donde la guerra hizo estragos. No obstante, las fotografías de guerra de Miller son poco convencionales

Portada de VOGUE de 1927, retrato de Lee Miller

Steichen fue uno de los fotógrafos de moda que más veces retrató a Miller, como en esta imagen de los años 20.

Lee Miller fotografiada por Steichen en los años 20

Fotógrafo: George Hoyningen-Huene, Lee Miller, 1931

George Hoyningen-Huene Lee Miller, década de los 30

Del año 1929 destaca el escándalo que se produjo con la empresa de higiene femenina Kotex. Vogue le vendió a esta empresa una serie de fotografías de Lee Miller realizadas por Edward Steichen y acabaron siendo usadas en un anuncio de compresas. Se convirtió así en la primera mujer que posó (sin querer) para un anuncio de este tipo.

1929: viaje a París Asistenta fotográfica de Man Ray.

Se cuestiona la autoría de algunas de las fotos que Man Ray hizo en esos años (pudieron ser de Lee Miller) incluso el "descubrimiento" de la solarización.

Fotografía de 1930

Fotografías de Man Ray en los años 30

Fotografías de Man Ray a Lee Miller. Principios de los 30

1930. Retratos de Lee Miller. Man Ray.

Algunas de la fotografías que toma Lee Miller en París, influenciada por el surrealismo

Rompe con Man Ray y regresa a Nueva York en 1932. Abre entonces un estudio de fotografía con su hermano y en 1934 concoe a un ingeniero emperesario (Aziz Eloui Bey), con el que se casa y se traslada a vivir a Egipto. En Egipto no hace fotografía de manera profesional, pero si toma algunas imágenes en las que aún se observa la influencia del surrealismo como esta, titulada Portrait of Space.

Autorretrato de Man Ray tras la ruptura con Lee Miller, 1932. Puesta en escena de un suicidio con diferentes herramientas

1937. Abandona el Cairo y regresa a París. Se divorcia de su marido y se casa con Roland Penrose (coleccionista y crítico de arte). Ambos se instalan en Londres, donde el destino la devolvió a las oficinas de Vogue. Al principio tan solo trabajó como asistente en los estudios de fotografía, pero poco a poco fue ascendiendo. La Segunda Guerra Mundial estalló y la revista de moda quería incluir reportajes sobre cómo el conflicto había afectado a las mujeres británicas. Miller termina conviertiéndose en reportera de guerra.

A partir de entonces comenzó un periplo por una Europa devastada en compañía de su amigo, el también fotógrafo, David E. Scherman, corresponsal de la revista Life. Juntos se convirtieron en algunos de los primeros fotoperiodistas en entrar en el París liberado

Traje de baño, Vogue, 1941, Lee Miller

Fotografía de moda para Vogue, Lee Miller, 1942

París, 1944. Lee Miller

Lee Miller como reportera de guerra durante la Segunda Guerra Mundial

Lee Miller junto a varios soldados norteamericanos

Algunas imágenes del conflicto

Guardia de las SS muerto flotando en un canal”, de Lee Miller (1945)

Lee Miller en la bañera de Hitler (1945), de Lee Miller y David E. Scherman.

Louise Dahl-Wolfe

(San Francisco, 1895 – Nueva Jersey, 1989)

La modelo Mary Jane Russell, fotografiada por Louise Dahl-Wolfe en 1949 para Haper´s Bazaar.

Mary Sykes at The Escambron Beach Club. Puerto Rico. Harper's Bazaar (1938).

Algunas fotografías posteriores de moda de Dahl-Wolfe (años 50)

Años 50

Los años 50 son una época marcada por el optimismo tras la Segunda Guerra Mundial. Será un periodo más sereno que el de los locos años 20. En la moda aparecen marcas como Dior, Balenciaga y Pierre Balmain. En 1947 Dior lanza su New Look, que pretende devolver la elegancia y el gusto al mundo de la moda que tras la Segunda Guerra Mundial se había convertido en algo práctico e inexistente.

Richard Avedon

(Nueva York, 1923San Antonio, Texas, 2004)

Le vuelve a dar movimiento a la fotografía de moda.

Odio las cámaras. Interfieren y siempre están en medio. Ojalá pudiera trabajar solo con mis ojos.

Richard Avedon y Brodovitch en Harper´s Bazaar

Richard Avedon. Renée, el nuevo rostro de Dior. Plaza de la Concordia. Agosto de 1947.

Comparación con una foto de Lee Miller de moda en Londres, 1940. Así era la fotografía de moda antes de Richard Avedon.

El año de 1946 fue crucial para Richard Avedon. Estableció su estudio fotográfico personal y viaja por primera vez a París.

Richard Avedon. Elise Daniel con actores callejeros. Vestida por Balenciaga. París. 1948.

Homenaje a Munkácsi, abrigo de Cardin, París, August, 1957

Suzy Parker y Robin Tatter Sall vestidos de DIOR en la Plaza de la Concordia París, 1956

Richard Avedon Dior, 1950

Fotos de Avedon con trajes de Dior en 1950

Sunny Harnett, 1951

Marilyn Monroe, 1957

1955, Griffe (modelo)

Richard Avedon. Dovima con elefantes y un vestido de Dior, circo de Invierno, París, 1955

Dovima con elefantes y un vestido de Dior, circo, París, 1955.

'Dovima', retratada por Richard Avedon en París en 1955 con un traje de Cristóbal Balenciaga.

Autorretrato en un espejo mientras fotografiaba a Sophia Loren, 1960

Aparece el concepto de supermodelo

Algo muy importante de Richard Avedon fue su sensibilidad artística, pero también su sensibilidad humana. Avedon contacta con estas mujeres, con los sujetos que están al otro lado de la cámara. "Inventor" del concepto de súper modelo, les da visibilidad: Twiggy. Jean Shrimpton. Penelope Tree. Suzy Parker. Sorian Leigh. Sunny Harnet.

Twiggy retratada por Richard Avedon para Vogue EEUU julio 1967

Twiggy retratada por Richard Avedon para Vogue EEUU julio 1967

Twiggy retratada por Richard Avedon para Vogue EEUU, julio 1967

Twiggy retratada por Richard Avedon para Vogue EEUU, julio 1967

Veruschka, vestida de Kimberly, 1967.Richard Avedon

Veruschka, vestida de Bill Blass, 1967

Nastassja Kinski y una serpiente , Los Angeles, California, 1981

Al margen de la fotografía de moda hizo otros proyectos como: - The family. 1976. Serie de retratos que le hace a la élite estadounidense. - In the American West, que es una serie de retratos que hizo entre finales de los años 70 y principios de los 80 fotografiando a estadounidenses del Oeste de EEUU de clase baja.

La familia es una serie de 69 retratos, encargados por la revista Rolling Stone. Vemos en este trabajo una selección de los políticos, banqueros y periodistas que formaron parte o tuvieron algo que ver con los EEUU de los años 70

In the American west

Clarence Lippard, Sparks, Nevada, 1983 (vagabundo de carretera)

El hombre con abejas.

Billy Mudd, Alto, Texas, 1981

Autorretrato Irving Penn: serie In the American West

Fotografías del making off de In the America West

Irving Penn

Fotógrafo norteamericano que nace en 1917 en Nueva Jersey. Estudia durante cuatro años en la escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, donde entra en contacto con Brodovitch, publica algunas de sus primeras fotografías en Harper's Bazaar. En los años 40 se inicia en el mundo de la publicidad como diseñador, viaja a México (1941) y empieza a trabajar con Vogue a su vuelta a Nueva York en 1943 (es este año cuando Vogue publica una de sus fotos por primera vez). Durante la Segunda Guerra Mundial trabaja como oficial del Servicio de ambulancias en Italia. Es en el la década de los 50 cuando se consolida su carrera como fotógrafo de moda volviendo a trabajar con Vogue.

Zapatos (Jean Patchett), 1948

Black and White Vogue Cover (Jean Patchett), New York, 1950

Fotografía directa, prefiere la luz natural. Son fotos que desprenden elegancia, sensibilidad. En 1950 es cuando se consolida su carrera como fotógrafo de moda y cuando se casa con la modelo Lisa Fonssagrives. Vogue le ofrece en estos años viajar a Europa para fotografiar a marcas de Alta costura.

Lisa Fonssagrives-Penn, años 50

Lisa Fonssagrives-Penn, 1951

Otras temáticas de la fotografíade Irving Penn

Retratos a personajes como Dalí, Picasso, Edith Piaf, Compañía de Ballet de Nueva York

Duquesa de Widsor, New York, 1948

Marcel Duchamp

Charles James

Elsa Schiaparelli

Fotografía artística

Pez hecho de peces, 1939

Bodegón, New York, 1947

Años 60

Época de cambios, nuevas generaciones. Búsqueda de agitaciones, idealismo, música, búsqueda de la libertad. Es la sociedad del bienestar tras la Segunda Guerra Mundial que consume en masa todo tipo de bienes. Hay numerosos movimientos de protesta que surgen en las Universidades (en contra de la guerra, del proceso urbano e industrial, excesivo consumo etc), aparición del movimiento hippy. Existe un culto a lo juvenil. La minifalda se impone a lo largo de la década de los 60, los escotes empiezan a ser más bajos, se enseña el vientre y los tops se hacen más cortos. Las ropas se ajustan mostrando la silueta. Son recurrentes los tejidos transparentes. Aparecen los leotardos y los vaqueros se estrecharon cada vez más, aunque se acampanaron en las piernas. Las partes cubiertas del cuerpo tendieron a la geometrización, se utiliza todo tipo de colores y diseños inspirados en pintores abstractos, en imágenes de la cultura pop y de la vanguardia. Se admiten todo tipo de materiales, como fibras naturales, artificiales, plástico, papel, metal...etc. Es un estilo fantasioso.

Evolución de la moda en los años 60

Fotografías de Reg Lancaster

Vogue años 60. Vestido Mondrian hecho por Yves Saint Laurent

David Bailey

Nace en 1938 en Londres en un barrio de clase obrera. En 1956 se alista en las Fuerzas Aéreas británicas y es entonces cuando se compra su primera cámara (Rollop, versión inglesa de la alemana Rolleiflex). En 1956 vuelve a Londres y empieza a trabajar como asistente para diferentes fotógrafos ingleses, uno de ellos llamado John French. A principios de los 60 es contratado por Vogue (edición británica). Es en los años 60 cuando se convierte en un afamado fotógrafo de la mano de la modelo Jean Shrimpton. En 1966 también dirige varios anucions de TV. Entre 1968 y 1971 graba algunos documentales sobre personajes como Andy Warhol (artista) y Visconti (director de cine). En 1976 crea una revista llamada Ritz, hablaba de moda y del mundo de las celebridades. Su fotografía es directa, natural. Establece estrechas relaciones con las modelos.

Varios de sus primeras fotografías de moda publicadas para las revistas presentaban a una joven modelo que Bailey había visto cuando estaba filmando un anuncio con Brian Duffy: Jean Shrimpton. Las ingeniosas colaboraciones de Bailey y Shrimpton remodelaron la estética de Vogue y los convirtieron a ambos en estrellas. " Creo que nos creamos el uno al otro", dijo Bailey a un entrevistador hace varios años. “No puedes crear un retrato tú solo. Siempre le digo a la gente que son ellos los que toman la fotografía, no yo. Para mí siempre se trata de la gente”. De Shrimpton, Bailey comentó: “Ella era mágica. En cierto modo, era la modelo más barata del mundo: sólo necesitabas filmar medio rollo de película y lo tenías”. (De hecho, durante su apogeo, Shrimpton se convertiría en la modelo mejor pagada).

A principios de 1962, Bailey capturó una serie de imágenes que reflejan el paisaje urbano del East End de Londres, donde residió durante muchos años. Durante este tiempo, Bailey revolucionó la fotografía de moda al llevarla a las calles, capturando situaciones cotidianas y fusionando el estilo de los reportajes con la moda. Durante el transcurso de los años 60, Bailey desarrolló gradualmente un estilo distintivo en la fotografía de moda, especialmente en estudios, caracterizado por la simplificación, una iluminación elegante y ciertas poses que evocaban el trabajo de los influyentes Richard Avedon o Irving Penn.

1966, Jean Shrimpton.

1966, Vogue

Jean Shrimpton, Vogue, 1965

Jean Shrimpton, 1965

Kate Moss, retratada por David Bailey.

Jane Birkin (cantante y actriz), 1969

La primera foto que tomó de Mick Jagger Vogue

John Lennon y Paul McCartney posaron para la cámara de Bailey en 1965, para su serie “Box of Pin-Ups”: un conjunto de retratos de Bailey y una de las grandes representaciones icónicas de los años sesenta en Londres. Los sujetos que aparecen tipifican la nueva élite social, que va desde los Beatles y los Rolling Stones, pasando por miembros de la realeza y aristócratas preocupados por la moda, hasta estrellas de cine o modistos.

Serie de 35 fotos de gran formato contenidas en una caja que ofrecía al comprador la posibilidad de descartar las copias que no le interesaban. El único común denominador de los retrados era que eran personas exitosas.

Andy Warhol, 1965

Rolling Stones Colour Out of our heads, 1968

Fotografías posteriores de Bailey

Queen, Live Aid, 1985

Man Ray, 1968

Jane Birkin, 1969

Sesiones a los Rollings Stones en los años 70

The Rolling Stones. Goats Head Soup Set, 1973

Johnny Depp, 1995

Isabel II de Inglaterra posando para David Bailey en 2014

Otros fotógrafos británicos de los años 60: Terence Donovan y Brian Duffy. Junto con Bailey se les conoce como los tres terribles o la trinidad negra.

Brian Duffy

Brian Duffy (1933 - 2010) fue un fotógrafo y productor de cine inglés, recordado por su fotografía de moda de las décadas de 1960 y 1970 y su creación de la imagen icónica de “Aladdin Sane” para David Bowie. Después de una infancia marcada por la Segunda Guerra Mundial, estudió en la Escuela de Arte St. Martins (Londres). Al principio deseaba ser pintor, pero pronto cambió a diseñador de ropa. Terminó en 1953 e inmediatamente comenzó trabajando como asistente de diseño en una tienda. En 1955 comenzó a trabajar como artista independiente de moda para Harper's Bazaar. Fue aquí donde entró en contacto por primera vez con fotografía.

En 1957 fue contratado por la Vogue británica donde permaneció trabajando hasta 1963. Durante este periodo trabajó estrechamente con las mejores modelos de la época, incluidas Joy Weston, Jennifer Hocking y Paulene Stone. Junto con sus compañeros fotógrafos David Bailey y Terence Donovan, capturó y de muchas maneras ayudó para crear el “Londres oscilante” de la década de 1960: una nueva cultura basada en la juventud y la música. Juntos fueron llamados los “Tres Terribles” o “La Trinidad Negra”. Redefinieron no solo la estética de la fotografía de moda sino también el lugar del fotógrafo dentro de la industria. Socializar con actores, músicos y miembros de la realeza, juntos representaron una nueva generación de fotógrafos y se encontraron elevado al estatus de celebridad. Además de Vogue, Duffy también trabajó para publicaciones como Glamour, Esquire, Town Magazine, Queen Magazine, así como The Observer, The Times y The Daily Telegraph. También trabajó bajo contrato para la revista Elle (francesa) durante dos periodos, el primero entre 1963 y 1968, y el segundo entre 1971 y 1979. También como fotógrafo de moda, Duffy fue la fuerza creativa detrás de la portada del álbum de tres discos de David Bowie. Le hizo portadas de álbumes, entre las que destaca la icónica "Aladdin Sane". También tuvo éxito en las campañas ganadoras de premios de rodaje en el mundo publicitario tanto para Benson & Hedges y Smirnoff en los años 1970.

En 1979 Duffy decidió abandonar la fotografía y quemó muchos de sus negativos, aunque algunos se salvaron del el incendio. En 2009 Duffy reanudó su trabajo como fotógrafo y tomó imágenes de personas había fotografiado en los años 1960 y 1970. La historia de su carrera inicial y su regreso queda reflejada en un documental de la BBC emitido en 2010 y titulado "El hombre que disparó a los 60". Duffy murió el 31 de mayo de 2010, tras sufrir una enfermedad pulmonar degenerativa.

Jean Shrimpton en los años 60 por Duffy

Jean Shrimpton, 1965

Puente de Westminster, 1962

Town Magazine, 1965

Veruschka von Lehndorff Queen Magazine, 1965

Vogue, 1961

Fotografías de los 60 de Duffy para la revista Elle

Aladdin Sane, 1973.

Brian Duffy David Bowie (Ziggy Stardust), 1972

David Bowie (Scary Monsters, disco), 1979

Terence Donovan

Londres, 1936 -1996

Revista Elle, 1966

Celia Hammond para Harper´s Bazaar por Terence Donovan, 1966.

Retrato de la modelo Twiggy, 1966

Fotografía de la revista Elle, 1965.

¿De quién es esta imagen?¿Qué historia hay tras ella?

Bert Stern fue un fotógrafo norteamericano que entra en el servicio postal de la revista Look (1947 - 1948). Después, en 1951 trabaja como director de arte de la revista Mayfair. Esto se ve interrumpido por la guerra entre 1951 y 1953 (guerra de Corea). Cuando vuelve, trabaja haciendo publicidad para Vodka Smirnoff en 1955. A partir de aquí todo empieza a despegar y las cuentas aumentan: Du Pont, IBM, Pepsi-Cola, U.S. Steel, American Cyanamid, Volkswagen, etc. Y ya no solo en publicidad, muchas de las grandes revistas (Vogue, Esquire, Look, Life, Glamour y Holiday) requieren de su trabajo. Es en Vogue donde consigue diez páginas que puede utilizar con total libertad. Aquí es de donde entraría Marilyn Monroe y la famosa última sesión en 1962. A comienzos de la década de 1970 se retira de la fotografía comercial debido a problemas de su adicción a las drogas. En 1976 regresa a la fotografía. Crea algunas obras curiosas como The Pill Book (El libro de las pastillas), un libro que recopilaba una gran variedad de medicamentos con fotografías acompañadas de descripciones. También participó en la fotografía de la película Lolita (1997).

Años 70

Durante los años setenta los fotógrafos son más creativos e innovadores. Buscan la participación del espectador y como el arte conceptual (movimiento artístico donde la idea o el concepto es más importante que la obra que también se desarrolla en esta década), mejorando así la capacidad narrativa de las imágenes. Otras veces las búsqueda de la participación adquiere fórmulas más agresivas. Hay que inquietar, movilizar, aunque a veces se moleste e incomode al espectador. Es una década de libertad sexual ilimitada y violencia que se hacen presentes en el mundo de la moda. Se utiliza el escándalo porque es una buena baza publicitaria. Imágenes donde se resalta lo misterioso, lo irónico y lo repulsivo.

Guy Bourdin

1928-1991. París

La mayor parte de sus trabajos de fotografía de moda fueron para Vogue francesa. Tuvo una formación pictórica que dejó huella en su obra fotográfica, en el sentido de que piensa las imágenes y composiciones. Misterio y desconcierto son a menudo dos palabras que aparecen en la mente del espectador cuando se observa su trabajo fotográfico. Es en 1955 cuando por primera vez se publican sus fotografías con Vogue Francia. Unos años después realiza una serie de campañas de publicidad para la marca de zapatos Charles Jourdan y numerosas imágenes de moda para la revista Haper´s Bazaar.

Bourdin tiene un estilo que se reconoce al instante, el uso que hace del color (contrastes), los efectos que busca a través de las formas, espejos etc,

Vogue París, 1970

Vogue francesa, 1977

Vogue Francia, 1977

Vogue Homme, 1977

Francés Vogue, Marzo 1972

Charles Jourdan, 1977

Imágenes de los 70 para Charles Jourdan

Charles Jourdan, 1979

Charles Jourdan, 1976.

Charles Jourdan, enero 1980

Issey Miyake:diseñador japonés. Bourdin realiza una serie de fotografías publicitando sus diseños

Catálogo de lencería de Sighs and Whispers (1976)

Campañas para Versace

Gianni Versace , 1977.

Chris Von Wangenheim

(1942, Brieg- 1981, San Martín. Caribe)

Nace en Breig en 1941. Estudia arquitectura un tiempo pero acaba decidiendo dedicarse a la fotografía de manera profesional. En 1965 se muda a Nueva York, donde trabaja de asistente de fotografía. En 1968 abre su propio estudio y comienza a trabajar entonces para Haper´s Bazaar (EE.UU e Italia). Después de esto es contratado por numerosas revistas como Vogue, Esquire o Playboy. También realiza numerosas campañas publicitarias, las más famosas las hace para Dior.

Una de sus modelos favoritas de aquella época era Gia Carangi, a quien fotografió por primera vez en 1978. Algunas de sus sesiones fotográficas más innovadoras y también irónicas para la industria de la moda fueron realizadas para Dior. Hoy en día no mucha gente conoce el nombre de Chris von Wangenheim, porque su vida terminó muy temprano, en un accidente de coche en 1981. Pero no solo creó algunas de las estéticas más intrigantes junto a Helmut Newton, sino que también inspiró a muchos fotógrafos posteriores como a Steven Klein. El trabajo de Chris von Wangenheim desafió a la sociedad y capturó con audacia sus aspectos más oscuros y desagradables. Al crear una mezcla explosiva de violencia atrapada en el momento y escenas muy pulidas se ganó su fama como artista. ⁠

Algunas de sus fotografías

Gia Carangi, sesión de 1978

Boucheron Jewelry para Vogue París 1973

Una de sus sesiones más famosas. Esta imagen se centra en la abertura de un vestido único de Geoffrey Beene que se abrió para revelar las piernas de la modelo Christie Brinkley con un doberman mordiéndole el tobillo. La diseñadora de moda Vera Wang, que en ese momento era la editora de moda de Vogue fue la responsable de esta sesión fotográfica, recuerda: “Fue una sesión fotográfica nocturna, lo cual siempre es interesante porque hay un cierto aura y sensualidad cuando las sesiones fotográficas se realizan de noche. Esa sesión en particular fue muy exigente porque había muchos componentes. Subimos un caballo vivo en el ascensor y teníamos un Doberman grande. Y a pesar de que el entrenador alimentaba al Doberman con trozos de carne cada diez segundos entre tomas, se apoderó del vestido y se volvió un poco loco y lo destruyó. Geoffrey estuvo furioso conmigo durante años después de eso. Al menos no le destrozó la pierna a Christie, lo que habría sido un poco más preocupante. Pero Chris tenía un increíble sentido de la perfección, sin importar lo difícil que fuera la sesión, sabíamos que obtendríamos fotografías excelentes”.

Reportaje para Vogue con la modelo Christie Brinkley, 1977

Reportaje para Vogue con la modelo Christie Brinkley, 1977

Fotografías finales de los años 70 para Haper´s Bazaar

Helmut Newton

(1920, Berlín- 2004, Los Ángeles)

«Si a la gente no le gusta a mí me da igual. A quien le tiene que gustar mi obra es a mí»

Nace en 1920 en Berlín. Se interesa por la fotografía desde muy joven. A los 16 años comienza a trabajar con una fotógrafa alemana llamada Yva. Poco antes de que estallara la Segunda Guerra Mundial se exilia a Singapur, donde trabaja para un periódico. En 1945 se va a Australia. Allí abre su propio estudio en Melbourne y conoce a la modelo June Browne, que acabará siendo su esposa. Para 1961 ya era colaborador habitual de la edición australiana de Vogue. Después se va a Londres por un contrato con Vogue, pero acaba estableciéndose en París de manera definitiva en 1975. En 1976 publicó su polémico libro White Women en el que recogía la vida de las prostitutas de la rue Sain-Denis (París). En París trabaja para revistas como Vogue o Elle. Sus imágenes están cargadas de sensualidad y violencia. En 2004 muere en un accidente de coche en Los Ángeles.

1975 el fotógrafo Helmut tomó esta y otras instantáneas en la calle Aubriot, París, que era donde vivía y tenía su estudio

La modelo Vibeke Knudsen con un traje de Yves Saint Laurent

Elsa Peretti, 1975.

1976. Hôtel Lancaster.Sesión para Hermès. Sillas de montar, arneses y bridas finamente elaborados se yuxtaponen con bolsos, pañuelos de seda y accesorios. Vogue

Saddle I, París, 1976

A la izquierda, Yves Saint Laurent, fotografía realizada para la revista Vogue, en París, 1979. A su lado, Zapato. Monte Carlo, 1983

Más fotografías de Newton de los años 70

Una de sus fotos más icónicas, al margen de la moda

1983

La fotografía fue una escena tomada de un acto de ballet de Pina Bausch. Fue una de las primeras fotografías en que Newton experimentó con el imaginario salvaje de los animales y su relación con el ser humano.

Pollo asado y joyas de Bulgari, Vogue francesa, 1994.

Thierry Mugler, diseñador francés (Monaco 1998)

SUMO: un libro de 35kg .En 1997 Benedikt Taschen le propuso a Helmut publicar un libro gigantesco con sus fotos. Dos años después, en 1999, el libro SUMO veía la luz. Con medidas de medio metro por 70 centímetros y un peso de 35 kilos (34,80 exactamente) la edición SUMO del libro de Helmut Newton, compuesta por 464 páginas (400 fotos), tuvo una tirada numerada y firmada de 10.000 ejemplares. La edición ya está agotada. El libro fue editado por June Newton y se vendía junto a un atril obra de Philippe Starck.

Años 80

Oliviero Toscani

Nació en Milán en 1942.

"A diferencia de los anuncios tradicionales, nuestras imágenes no tienen copia ni producto, solo nuestro logo. No muestran una realidad ficticia en la que serás irresistible si haces uso de nuestros productos. No le dicen a nadie que compre nuestra ropa, ni siquiera lo implican. Todo lo que intentan hacer es promover una discusión sobre temas que la gente normalmente se deslizaría, temas que creemos que deberían ser más ampliamente discutidos". Luciano Benetton (1997).

Las fotografías que muestran las gráficas de la publicidad de Benetton, responden ante un mecanismo humano básico: la curiosidad. Estas imágenes muestran problemas sociales existentes que muchas veces quedan silenciados por la sociedad al tratarse de problemáticas que no afectan a ese colectivo directamente. Al tratarse de una imagen estática e inanimada, el receptor puede observarla cuanto desee, lo que decreta un diálogo visual entre anunciante y consumidor. Este último entra en la conversación de manera indirecta al interpretar y dar su opinión sobre el anuncio. El éxito radica en que la gente se fijará en sus imágenes y sin darse cuenta, también en el logotipo; consiguiendo que el receptor recuerde la fotografía y con ello la marca.

“Actúan como un gran periódico callejero; el periódico de los grandes jeroglíficos, que pone en tela de juicio nuestros tabúes así como los miedos y saca a relucir discusiones espontáneas, puras y simples a través de la confrontación con una fotografía. Este anuncio no se parece a ningún otro y seguramente por eso muchos lo experimentan como un escándalo. Porque viola nuestros hábitos. Porque cuestiona toda una publicidad anterior” (Toscani 1997).

Las primeras imágenes publicitarias llevadas a cabo por Toscani a principios de los ochenta, tenían como slogan “Todos los colores del mundo”. Seguían una estrategia comercial convencional y mostraban en sus imágenes a modelos exaltando las prendas de la marca junto a su logotipo. Incluían modelos de distintas etnias enseñando sus prendas, apoyando así la multiculturalidad.

El eslogan “Todos los colores del mundo” que después se simplificó a “United Colors” fue tan exitoso que la empresa decidió aceptar la frase como su logotipo.

“Bebé blanco en brazos de una mujer negra” (1989) “Con este cartel, no hice publicidad en el sentido clásico. No vendía jerséis. Estos, de buena calidad y de todos los colores, vendidos en siete mil tiendas del mundo entero, se bastan a sí mismos. No pretendía convencer al público para que comprara, pero sí sintonizar con el mediante una idea filosófica, la del abrazo entre razas” (Toscani, 1997).

Toscani decidió intentar cambiar esta imagen con un choque de realidad. Para ello, seleccionó una fotografía realizada, por la entonces estudiante, Therese Frare en 1990, quien recibió́ el premio Word Press Photo por dicha instantánea. En ella, aparece retratado el activista David Kirby en su lecho de muerte. Y gracias al consentimiento de la familia del enfermo, la fotografía pasó a ser una de las campañas más desafiantes de Benetton.

La pietá, Enfermo moribundo de SIDA por Oliviero Toscani, 1992

En la sociedad de los años noventa, diez años después de que se detectara el primer caso de VIH, las formas de contagio de la enfermedad ya las conocía toda la sociedad. Sin embargo, aún se notaba el miedo a la transmisión, por lo existía la exclusión de los enfermos de SIDA. La mayoría de los infectados eran homosexuales, lo que desencadenó una discriminación por su condición sexual y un constante rechazo social.

No fue hasta principios de los noventa cuando todo el mundo pudo ver cómo podía morir un enfermo de SIDA rodeado de sus seres queridos sin que esto entrañase ningún riesgo de contagio para la familia. Con la publicación de la campaña en 1992, la madre de Kirby declaró: “Simplemente sentimos que era el momento de que la gente viera la verdad sobre el SIDA. Y si Benetton podía ayudar, entonces bien. Ese anuncio fue la última oportunidad para la gente de ver a David, un recordatorio de que estuvo entre nosotros”.

“ Al arriesgarse, Benetton asoció su nombre a una fotografía intensa, controvertida, de vez en cuando política y a menudo encantadora, que intenta promover la comprensión entre las diferentes culturas del mundo. Son la vanguardia en el arte publicitario” Liechtenstein , 1994

En 1991, Benetton subía esta imagen de Oliviero Toscani a una valla publicitaria. La campaña fue prohibida en Italia por las presiones del Vaticano y fue retirada de Francia. "El beso del cura y de la monja se lo tomaron como un ataque contra el celibato y las tradiciones católicas. A mí me gustó la foto por su composición y su aparente inocencia; en el fondo no son más que dos seres humanos besándose"

En el corredor de la muerte (1999)

Los primeros planos de los presos condenados a muerte en EEUU supusieron el fin de las colaboraciones publicitarias entre Oliviero Toscani y Benetton (que venía desde 1982) . Ver la cara de los culpables no gustó al público. Hubo muchas demandas en EEUU y tampoco convenció dentro de la empresa. Fue el fin de los 17 años de relación. "Sabía que esta campaña iba a levantar ampollas y de algún modo intuía que sería la última (...) A la Benetton sólo le interesa ya vender camisetas, por eso me marché"

Elle, Oliviero Toscani finales de los 80

Francesco Scavullo

Fotógrafo norteamericano nacido en 1929. Destaca por ser su gran técnica y por ser el retratista de actores y estrellas. Se centra en el modelo y el atuendo. Elimina los fondos despareciendo la referencia espacial, el suelo es el mismo que el fondo, siguen la misma línea. La luz describe la belleza de la modelo y la vestimenta. La postura de las modelos destaca por ensalzar la belleza corporal. El volumen, el color, la falta de espontaneidad buscando la belleza, y lo clásico y barroco en ocasiones (a veces posturas forzadas), son sus principales características como fotógrafo de moda.

Sting como Jesucristo (1986)

Bruce Weber

Nació en 1946, fue estudiante de cine en Nueva York, de ahí qu consiga que el espectador pueda imaginar la historia que está ocurriendo en cada un de sus fotografías. Trabajó con grandes marcas como Ralph Lauren y Calvin Klein. La tensión es una de las características protagonistas, junto al gesto de los personajes y la sensación de silencio. Los modelos parecen que no están posando, que han sido sorprendidos. La composición es perfecta y su técnica milimétrica. Apreciamos una publicidad indirecta, ya que el espectador al observar la fotografía olvida el modelo indumentario. El modelo se encuentra en un contexto fuera del habitual. Se da un gran protagonismo al personaje masculino. Las modelos son más convencionales.

BRUCE WEBER, MADONNA, 1986.

CAMPAÑA FRAME DENIM

Años 90 y actualidad

Tim Walker

Nace en Inglaterra en 1970. Su interés por la fotografía despierta en su juventud; alrededor de los 12 años. Antes de comenzar su formación un universitaria, trabaja en el archivo fotográfico de Condé Nast, concretamente en el archivo de Cecil Beaton, y este periodo supone un encuentro con este tipo de arte, que le ayuda a comprender las raíces de la fotografía de moda actual. Durante un tiempo trabaja como fotógrafo freelance en Londres, hasta que se traslada a Nueva York para pasar a formar parte del equipo de Richard Avedon, con el que trabaja como asistente a jornada completa. Un año después, en 1995 y de nuevo en Europa, realiza sus primeras fotografías para Vogue. Los siguientes años realizará trabajos para otras muchas publicaciones, como W Magazine o LOVE Magazine, con temáticas variadas. A partir de 2004, asistimos a un cambio notable en su estilo, que comienza a desarrollarse hasta adquirir la magnificencia y ambiente que lo caracterizan hoy día, y será en 2005, año en el que firma dos portadas para Vogue (la primera, en julio, con Lily Cole, y la segunda, protagonizada por Stella Tennant, en noviembre) cuando podemos considerar que su carrera como fotógrafo se inicia de manera más profesional.

Lily Cole . Tim Walker. 2005

Foto de Walker para la marca Moncler en 2018 Tim Walker Studio

En enero de 2015, Nicola Erni (coleccionista) encargó a Tim Walker una serie de fotografías de tema libre. Un año más tarde, en 2016, Walker y Erni se pusieron en contacto Factum Arte, para producir una serie de 27 impresiones de gran formato de las imágenes tomadas por el fotógrafo británico.

El tema elegido fue la recreación del cuadro del Jardín de las delicias del artista el Bosco. Los modelos usaron trajes de Valentino, y las creaciones de Shona Heath, la directora de arte de Walker, su mano derecha y el brazo ejecutor fue quien realizó todos los decorados. Las fotos se imprimieron en un tamaño muy grande para que el formato fuera parecido al formato original del cuadro del Bosco.

https://www.michaelhoppengallery.com/artists/102-tim-walker/

Campaña para Zara 2023

Mario Testino

Nace en Lima, Perú en 1954. Estudió dos años de derecho pero acaba abandonando esta carrera para estudiar Relaciones Internacionales en California. En 1976 se traslada a Londres y se apunta a una academia de fotografía, es entonces cuando descubre su pasión por la fotografía de moda. Más tarde se traslada a Nueva York (1986) para consolidar su carrera profesional como fotográfo. Es en 1995 cuando recibe el encargo de Gucci de fotografiar a Carine Roitfeld para publicitar a la marca. Ese mismo año realiza un reportaje con Madonna para una campaña con Versace. A Madonna la vuelve a fotografiar en numerosas ocasiones, sacando portadas para la revista Vanity Fair. Desde finales de los 90 trabajará para revistas como Vogue y Vanity Fair, y se convertirá en el retratista de numerosas celibridades como Lady Di y otros componentes de la casa real británica, Taylor Swift, Rihanna, Lady Gaga, Nahomi Campbell, Bella Hadid...etc. A lo largo de su vida ha publicado también varios libros que recogen su obra fotográfica como Any Objections? (1998), Let Me it! (2007) o Kate Moss (2010).

Campaña para Gucci, Carine Roitfeld. 1995

Madonna para Versace, 1995

Madonna para Versace, 1995

Algunas de las fotografías más icónicas de Mario Testino

Jean- Baptiste Mondino

Fotógrafo francés nacido en 1949. Comienza su carrera profesional como DJ en Londres, pero poco después, en los años 70, se convierte en director artístico de una agencia publicitaria en París. A partir de ese momento comienza a ganar fama y termina realizando anuncios para marcas tan importantes como Kodak, Peugot, Citroën (vídeos). También lleva a cabo algunos comerciales para marcas como Dior. De igual modo, trabaja como fotógrafo de moda y celebridades para revistas como Vogue, Vanity Fair o The Face. Ha sido nominado y premiado en numerosas ocasiones por su trabajo. En 1999 publica su primer libro llamado Déja Vu.

https://jeanbaptistemondino.com/photos.php

Madonna para Harper’s Bazaar, 1990.

Cara Delevignepara la revista Madame Figaro, 2019

Algunas fotografías de moda de Mondino

Calendario colaboración con Lavazza en 2003