Fotografía humanista

Jacob Riis

(1849 - 1914)

Nace en Dinamarca pero emigra a Estados Unidos a finales del siglo XIX para conseguir dinero. Comienza trabajando en el nuevo país como vendedor, agricultor y carpitero. Al tiempo, comienza a trabajar como reportero para el periódico Hard Times y en 1873 para el New York Tribune donde empieza a escribir sobre las situaciones de vida tan nefastas que tenían muchos inmigrantes que llegaban a EEUU en busca de una vida mejor. En 1888 es contratado por el New York Evening Sun. En ese momento Riis no era fotógrafo pero comprendió la importancia de documentar gráficamente las condiciones de vida de algunos barrios y callejones de la ciudad. Riis es uno de los primeros fotógrafos que utiliza el flash para iluminar las escenas de sus fotos (polvo de magnesio).

El flash electrónico, desarrollado en 1938 por Harold Eugene Edgerton, permite capturar imágenes de alta velocidad, como una bala en movimiento. Funciona liberando una gran cantidad de energía en un tubo con gas conductor mediante ionización. Está compuesto por una fuente de energía, un elevador de tensión, condensadores y un tubo luminoso. Su sistema convierte la corriente continua en alterna, generando alta tensión y marcando el fin de las bombillas de un solo uso.

Después del flash con magnesio...

Lámparas de Flash (1930-1940)En 1925, el alemán Paul Vierkötter patentó un invento que revolucionó la iluminación fotográfica, al crear un sistema de flash con magnesio confinado dentro de una bombilla para contener los gases y humos de la combustión. Este invento fue mejorado rápidamente, y en 1930, Johannes Ostermeier lo patentó. Las bombillas contenían una fina bobina de magnesio en un ambiente de gas inerte. Al activarse con una corriente eléctrica, producían un destello seguro y controlado. Este invento hizo el flash más práctico y portátil.

Publica su primer libro How the other Half lives (cómo vive la otra mitad) en el cual publica su trabajo fotográfico de la década de 1880. Las fotografías impactan y conmocionan al público.

Riis utilizó su talento como fotógrafo para documentar la miseria y la explotación que sufrían estos grupos, mostrando a través de sus imágenes las condiciones insalubres y la falta de acceso a recursos básicos como agua potable, ventilación adecuada, e higiene. Acompañado de una narrativa detallada y conmovedora, Riis ofreció una visión directa y cruda de la pobreza urbana, describiendo no solo las viviendas, sino también las vidas de las personas que las habitaban. Uno de los aspectos más innovadores del libro fue la combinación de texto y fotografía, lo cual le permitió a Riis poner un rostro humano a la miseria.

Un niño de doce trabajando en un taller

Italiana con niño

Mendigo ciego

En los dormitorios

Theodore Roosevelt, el futuro presidente, leyó el libro de Riis. How the Other Half Lives estimuló al concejo de la ciudad a mejorar las condiciones de vida de los pobres. La ciudad comenzó a limpiar el barrio bajo de Five Points en Manhattan, que era uno de los más pobres y durante 14 años se trató de acabar con los barrios bajos de Five Points.

Lewis Hine

(1874-1940)

Fue un fotográfo estadounidense. Graduado en sociología se forma en la docencia en 1899. Es entonces cuando conoce a un profesor que le encamina en el mundo de la educación experimental, y en 1903 comienza a dar clases de geografía y ciencias naturales en el Ethical Cultural School, un centro para formar a niños hijos de inmigrantes de clase media. Este año se inicia en la fotografía. En este centro, en 1907, entrará a estudiar Paul Strand, otro importante fotógrafo estadounidense. Su primer gran proyecto lo realiza en 1905 en la Isla de Ellis, isla a la que llegaban unos mil inmigrantes anuales. Realiza una serie de retratos de estas personas

Familia italiana en la isla de Ellis, 1905

Madre italiana con su hija, 1905

Mujer albana (izquierda) Subiendo a la tierra prometida (derecha)

Entre 1908 y 1912, Hine trabajó en colaboración con la National Child Labor Committee (NCLC), una organización que abogaba por la reforma de las leyes laborales y por la erradicación del trabajo infantil. Hine fue enviado por la NCLC para capturar imágenes que pudieran ilustrar la dureza y las peligrosas condiciones de los niños trabajadores, con el objetivo de presionar al gobierno y a la sociedad para que actuaran.

Sadie Pfeifer, 48 pulgadas de alto. Ha trabajado medio año. Uno de los muchos niños pequeños que trabajan en Lancaster Cotton Mills. Lancaster, S. C., 30 de noviembre de 1908.

Las imágenes de Hine tuvieron un gran impacto en la opinión pública. Al principio, las condiciones de trabajo infantil eran una cuestión ignorada por muchas personas, pero las poderosas fotos de Hine ayudaron a sensibilizar a la sociedad estadounidense sobre la explotación de los niños en las fábricas y minas. Las imágenes fueron publicadas en periódicos y revistas, y rápidamente generaron una reacción a favor de la reforma. Las fotografías de Hine fueron una parte esencial en la campaña para que el gobierno de los Estados Unidos adoptara leyes más estrictas contra el trabajo infantil. Su trabajo contribuyó a la aprobación de la Child Labor Act de 1916, que prohibió el trabajo infantil en muchas industrias, aunque no fue hasta la Fair Labor Standards Act de 1938 que se establecieron leyes más completas y efectivas para proteger a los niños trabajadores.

Fotografías para la Cruz Roja En 1918 viajó por primera y única vez fuera de EEUU. Viajó a Europa, donde acaba de terminar la I Guerra Mundial, contratado por la Cruz Roja norteamerica para mostrar a los americanos que daban dinero a la Cruz Roja cómo se ayudaba a los refugiados en toda Europa: Balcanes, Italia, Serbia, Grecia, Francia y Bélgica.

Men at work: el libro de fotografía de Hine En 1931, justo cuando comenzó la Gran Depresión, le encargaron fotografiar la construcción del Empire State Building: todo un símbolo, una señal de esperanza. Pero a él le interesaban más los hombres que hicieron posible ese edificio, más que el edificio en sí. Sus retratos muestran dignidad y valor. Hizo fotos todos los días durante dos años.

Hine llegó a grandes alturas para esta conocida fotografía de un trabajador de la construcción en el Empire State Building tomando un descanso para disfrutar de un cigarrillo. La fotografía de Hine yuxtapone lo ordinario (un breve descanso del trabajo) con lo extraordinario (la impresionante vista de la ciudad). El edificio Chrysler recientemente terminado, cuya altura eclipsó el Empire State Building, aparece en medio de la bruma a media distancia.

De las muchas fotografías que Hine tomó del Empire State Building, esta se convirtió en la favorita del público. Suspendido con una elegante sangre fría, el trabajador siderúrgico simboliza una audaz innovación técnica del tipo que Dédalo encarna en la leyenda griega. Mientras Dédalo volaba con seguridad por el camino intermedio entre el mar y el cielo, su hijo Ícaro voló demasiado cerca del sol y murió. El optimismo de esta imagen sugiere que no fue la locura de Ícaro sino su juventud y su capacidad para volar lo que motivó el título de Hine.

Fotografía relacionada

Charles C. Ebbets

Lunch atop a Skyscraper. Once «obreros del acero”, sentados sobre una viga en las alturas almorzando. La fotografía fue tomada en 1932, durante la construcción del Edificio RCA, uno de los edificios que forman parte del complejo Rockefeller Center en Nueva York. La fotografía está tomada a la altura de la planta 69. Apareció publicada por primera vez en el suplemento dominical del New York Herald Tribune del 2 de Octubre de ese mismo año.

Charles C. Ebbets

PRIMERA GUERRA MUNDIAL 1914-1918

Resumen del conflicto

El detonante de la Primera Guerra Mundial fue el asesinato del heredero del trono austro-húngaro, archiduque Francisco Fernando, pero las causas profundas que originaron la gran contienda hay que buscarlas en el enfrentamiento entre imperios y el avispero nacionalista en los Balcanes. Al principio de la guerra, cinco potencias se distribuyeron en dos bandos: por un lado, las potencias centrales, Alemania y Austria-Hungría; por otro lado, los aliados, Francia, Gran Bretaña y Rusia. En los meses siguientes diversos países se fueron añadiendo a uno y otro bando: Turquía y Bulgaria lo hicieron a las potencias centrales; Japón, Italia, Portugal y Rumanía al bando aliado, al igual que Estados Unidos, que lo haría en abril de 1917. España se mantuvo neutral. Alemania puso en marcha el Plan Schlieffen, que pretendía una victoria rápida contra Francia para poder atender el frente ruso. Sin embargo, los franceses resistieron y lograron estabilizar el frente occidental. Por su parte, la contienda en Rusia también quedó paralizada. Así que la guerra de movimientos dio lugar a una guerra de posiciones, donde las trincheras se convirtieron en el símbolo de la Gran Guerra para las generaciones venideras.

La entrada de Japón en la contienda contra Alemania, con la pretensión de apoderarse de sus zonas de influencia en China y posesiones en el Pacífico, implicó la mundialización del conflicto. La batalla en el mar sería determinante para la entrada de EE.UU. en la contienda. Los submarinos alemanes bloquearon cualquier intento de suministro a las islas británicas. Su acción provocó el hundimiento de un buen número de barcos y la muerte de pasajeros, entre ellos estadounidenses, lo que significó, primero, la advertencia, y, posteriormente, la entrada de EE.UU. en la contienda. Otro acontecimiento de gran magnitud fue determinante no sólo en la evolución de la Primera Guerra Mundial sino en las décadas siguientes: la revolución rusa. En febrero de 1917, la Rusia zarista vivió una revolución democrática, similar a lo acontecido en otros países de Europa. Pero en octubre los bolcheviques lograron hacerse con el poder e instaurar un régimen comunista. Pusieron fin a su participación en la guerra. Sin Rusia, pero con EE.UU. en el bando aliado, cuya participación fue determinante, la guerra enfiló hacia su final.

La Primera Guerra Mundial tuvo unas características especiales: el conflicto bélico tuvo, por primera vez, una dimensión mundial; fue una guerra total, porque afectó no sólo a los militares en los frentes, sino también a los civiles de la retaguardia; los países supeditaron todos sus recursos a la contienda; aparecieron nuevas armas y vehículos como los tanques; mientras que en el mar la gran innovación fue la utilización del submarino; y, sobre todo, ninguna guerra había llegado a alcanzar los 10 millones de muertos como sucedió con la Primera Guerra Mundial.

Sarajevo, 1914. El archiduque Francisco Fernando y su esposa visitan la ciudad coincidiendo con el día nacional de Serbia. Aquella mañana, el convoy oficial del heredero al trono austrohúngaro había sido atacado por un estudiante perteneciente a un grupo nacionalista serbio, hiriendo a transeúntes y a dos de sus oficiales. La foto muestra al archiduque y su mujer saliendo del Ayuntamiento en dirección al hospital para visitar a los heridos. A pocas manzanas de distancia el coche se detiene, al confundir el conductor la ruta, y circula lentamente marcha atrás, para a continuación toparse con otro asesino que, acercándose al coche con la capota plegada, dispara dos veces, hiriendo de muerte a Francisco Fernando y su esposa.

Fotografía de la detención de Gravrilo

Fotografía durante la Primera Guerra Mundial.

La Primera Guerra Mundial generó más fotos que todos los conflictos previos juntos. Fue la primera guerra en que se hizo un uso administrativo de la fotografía, gracias al bajo coste y a la facilidad del procesado del rollo de película. Para gestionar el ingente trabajo de movilizar en cuestión de semanas a millones de hombres, se establecieron equipos de fotógrafos para producir fotos de identidad. En 1915, un equipo alemán, por ejemplo, estaba compuesto por 60 fotógrafos y 250 administrativos, y llegaba a producir 30.000 fotos al día. Se encargaron labores de reconocimiento aéreo a todo piloto que fuese capaz de maneiar una cámara en vuelo. Estos tomaron decenas de miles de fotografías de trincheras, emplazamientos de artillería y movimientos de tropas. Un ingenioso diseño de cámara, la Williamson Airplane, empleaba una hélice movida por la fuerza del aire para pasar la película y activar el obturador. Cada país tenía su compañía de fotógrafos oficiales, que tomaron la mayor parte de las fotos de la guerra. Su trabajo estaba al cargo de los departamentos de guerra o propaganda, que suministraban a la prensa las imágenes que sus respectivos gobiernos deseaban mostrar, como la destrucción causada por el enemigo. Muchos fotógrafos fueron reclutados en el área de la prensa; así, alrededor de la mitad del equipo británico procedía del periódico Daily Mirror. Se les instruyó para tomar imágenes que alentaran el apoyo público a la guerra; las imágenes violentas no eran aceptables. Las fotografías de cualquier frente, sobre todo en el estrechamente controlado escenario europeo, debían pasar la censura: las imágenes, por lo tanto, eran documentos preparados de lo que las autoridades deseaban fomentar. Se diría que la fotografía profesional carecía totalmente de libertad.

Pero también hubo una pequeña cantidad de fotografía personal. Un raro ejemplo es el álbum del soldado alemán Walter Kössler, una crónica de cuatro años que registra desde el optimismo del alistamiento hasta la devastación en el lado germánico. Wilhelm von Thoma hizo numerosas fotos informales de sus compañeros, despiojando los uniformes o sentados en cráteres de obuses. Y en 2011 se redescubrieron en la ciudad alemana de Tubinga las fotografías de Walter Kleinfeldt, que a los 16 años luchó en el Somme; su franco reportaje de la guerra no habría pasado la censura. El australiano Frank Hurley hizo la cobertura oficial más destacada del frente occidental. A su regreso de la Antártida en 1917 se le concedió el grado de capitán, y fue enviado a fotografiar a la Fuerza Imperial Australiana en acción. Su misión fue una de las más cruentas: la Batalla de Passchendaele lo Tercera Batalla de Ypres), en Bélgica. Hurley afrontó su labor con tal ingenuidad y determinación que no tardó en ser conocido en el frente como «el fotógrafo loco». Como, según decía, le resultaba imposible obtener las fotografías que quería en medio del caos del combate, Hurley recurrió a combinar distintos negativos en una imagen; estas creaciones fueron tachadas de falsificaciones por el corresponsal de guerra australiano oficial Charles Bean. Con todo, sus fotos de la devastación del frente occidental incluyen algunas de las más inolvidables imágenes de la guerra. Él mismo describió Ypres como «una visión extraña y maravillosa, una destrucción brutalmente bella».

Fotografías aéreas

Imagen aérea de las trincheras construidas en zigzag

Vest pocket camera de Kodak

SOLDADOS EN FLANDES FRANK HURLEY, 1917 El fotógrafo australiano creó una bella y desolada imagen de la matanza producida en Ypres (Bélgica), con la hilera de soldados caminando sobre un entablado reflejada en el agua que llena un cráter de obús. Existen dos versiones de esta imagen: una muestra tres globos de observación como pequeños puntos en el cielo, a la izquierda; en la otra (esta) no hay globos. Estos pudieron ser eliminados en esta versión o añadidos en la otra, mediante exposición múltiple o combinación de negativos.

Ernest Brooks

Ernest Brooks, el primer fotógrafo oficial británico designado, visto en una trinchera en el frente occidental. Brooks empieza a trabajar como fotógrafo en el frente occidental en 1916 .

Fotografía de Brooks

Hombres del 8 ° batallón, regimiento del este de Yorkshire que sube a la línea cerca de Frezenberg durante la tercera batalla de Ypres, 1917

Otras fotografías anónimas

Enfermeros al frente se dirigen a Verdun

Uso de mascarillas por los gases tóxicos

Foto de un album personal de un teniente de infanteria durante los primeros meses de la guerra, sin fecha

Batalla de Verdún, 1916.

A principios de la década de 1930, la situación en EE.UU era desesperada. La Gran Depresión dejó sin empleo a uno de cada cuatro adultos, cinco mil bancos se hundieron, y el PIB cayó a la mitad del anterior a 1930. Tras décadas de cultivar las llanuras bajo condiciones inusualmente húmedas, el desastre llegó cuando el clima recuperó la normalidad. El trigo se perdió y no pudo mantener unida la capa superficial del suelo, como hacían las herbáceas nativas de las praderas, eliminadas precipitadamente. Los vientos transcontinentales batieron el fino suelo levantando nubes de polvo, que arrastraban desde el Medio Oeste hasta la costa este. Las comunidades agrícolas perdieron cientos de miles de familias, que, sin un céntimo, huyeron del «Dust Bowl» («cuenco de polvo») en busca de trabajo y alimento. A la elección de Franklin D. Roosevelt como presidente en 1933 siguió la puesta en marcha de una serie de medidas económicas bautizadas como New Deal, y varias agencias del gobierno recibieron instrucciones para producir imágenes destinadas a lograr el apoyo público para el programa. La mayor de ellas, con diferencia, fue la Farm Security Administration (Administración para la Seguridad Agraria, FSA por sus siglas en inglés). La lista de fotógrafos reunidos en 1935 para trabajar para la FSA estaba repleta de estrellas, algunas de ellas ya consagradas, como Walker Evans, Russell Lee y Dorothea Lange, y otras emergentes, como Carl Mydans, Gordon Parks y Marion Post Wolcott. Al cargo de todos ellos estaba Roy Emerson Stryker, jefe de la Sección Histórica de la FSA, que dirigió a su equipo con minuciosidad y eficiencia. Stryker envió a los fotógrafos a registrar el trabajo de la FSA con listas de lo que debían cubrir; estableció sus rutas y les dio instrucciones: debían mostrar primariamente a personas vinculadas a la tierra.

Buscaba fotos estimulantes, si bien indicó que no se manipulara a los sujetos para hacerlas más emotivas. Como contaría a un periodista: «No encontrará registros de gente importante o de grandes acontecimientos. Estas son imágenes que dicen "Depresión", pero no hay fotos de huelgas de brazos caídos, ni de vendedores de manzanas en las esquinas; no hay ni una de Wall Street y [...] no hay celebridades». Aunque la atención a los granjeros es comprensible dado el cometido de la FSA, un tercio de las familias emigradas eran profesionales de cuello blanco como abogados, maestros y médicos, que se trasladaron porque su clientela agrícola se había marchado. Así, las fotografías de la FSA dieron una visión sesgada de la verdadera naturaleza del problema migratorio.Pese a que Stryker instruyó a sus fotógrafos sobre lo que debían cubrir, les dejó usar sus propios métodos. Así, Carl Mydans usaba una Zeiss Contax de 35 mm, y Dorothea Lange trabajó con una Graflex de 10 x 12,5 cm. Walker Evans solía utilizar película de 20 x 25 cm, aunque usaba una Leica o una Graflex cuando le convenía. La película Kodachrome apareció en 1935, el mismo año en que se inició el proyecto de la FSA, y algunos fotografos la usaron para producir imágenes en color. Con todo, de las más de 164.000 fotografías conservadas en los archivos, poco más de mil son en color. Los fotógrafos permanecían sobre el terreno y enviaban sus películas para su revelado, edición y distribución a periódicos y revistas. La Sección Histórica de la FSA fue una inmensa agencia de relaciones públicas cuyas fotografías aparecieron en todas las grandes revistas, como Time, Fortune, Look y Life; se exhibieron en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y se publicaron en libros.

Walker Evans

«Me interesa la obra del hombre; la naturaleza me aburre como forma artística»

• Nace en 1903 en Missouri. Estudia pintura y desde pequeño toma fotos con una cámara Kodak Brownie.
• 1919. Se muda a Nueva York después de que su padre abandonara a su familia.
• Su vocación inicial fue la literatura, quería ser escritor y en 1926 se mueda a París a estudiar Literatura en la universidad de La Sorbona. Un año después vuelve a Nueva York. Es ahora cuando empieza a dedicarse más seriamente a la fotografía.
• 1927-1928. Se dedica a hacer fotografías callejeras y de edificios de Nueva York. Influenciado por la vanguardia europea, usa ángulos experimentales.
• 1930 empieza a trabajar con cámaras de gran formato, hecho extraño puesto que la cámara Leica era mucho más práctica para el tipo de fotografía que él practicaba. Este mismo año algunas de sus fotografías son publicadas en revistas como Creative Art.
• 1931. Realiza una serie de fotografías de arquitectura victoriana en Boston, Massachusetts o Nueva York por encargo de un arquitecto.
• 1933. Viaja A Cuba, La Habana para ilustrar un libro de un periodista (The Crime of Cuba).
• 1935. El MOMA le encarga una serie de fotografías profesionales de una exposición de escultura africana.
• 1935-1936. FOTÓGRAFO OFICIAL DE LA FSA (Farm Security Administration) una institución creada para combatir la pobreza del mundo rural generada tras la Gran Depresión de EEUU.

• 1936 viaja con su amigo el escritor James Agee (periodista) para hacer fotos para un artículo de los trabajadores de algodón en Alabama. De las fotografías que toma aquí una parte constituirán su trabajos más emblemáticos. Al año siguiente lo echan de la FSA por no ajustarse a las exigencias.

• 1938-1941 realiza una serie de retratos en el metro de Nueva York. Estas fueron fotografías inéditas durante 25 años. Evans se escondía la cámara debajo del abrigo para así capturar a la gente de la manera más natural posible.
• 1941. Publicó junto con el escritor James Agee Let Us Now Praise Famous Men (Elogiemos ahora a hombres famosos), la crónica de la vida del agricultor. Aparecen algunas de sus imágenes.
• Entre 1934-1965 escribe artículos para la revista Fortune. Acaba conviertiéndose en editos fotográfico de la misma (1945-1965).
• 1965. Profesor de fotografía en la Universidad de Yale.
• Las últimas fotografías de este autor son de los años 70, cuando se compró una Polaroid SX-70, con la que haría fotos durante cuatro años. La Polaroid le libraba del trabajo del cuarto de revelado.

Tras su vuelta a Nueva York, desde 1927 se dedica a hacer fotos callejeras, captando edificios, personas, callejones... con ángulos experimentales inspirados en la vanguardia europea.

Trabajadores cargando letreros de neón "dañado" en un camión, West Eleventh Street, Nueva York

Viaja a La Habana, Cuba, en 1933 para ilustrar el libro de un periodista. The Crime of Cuba

Fotografías para la FSA

Allie Mae Burroughs, Alabama. 1936

1938-1941 serie de fotografías del del metro de Nueva York

Dorothea Lange (1895, Nueva Jersey-1965, San Francisco)

Hombre al lado de la carretilla, San Francisco 1934

En la cola del pan, 1934

La familia Howard, habitantes de Oklahoma sin comida ni refugio, acampado junto a la US 99 Alrededor de 1936

Refugiados de la sequía, 1935

Familia en la carretera, Oklahoma, 1938

A principios de marzo de 1936 el invierno estaba por llegar a su fin en California. Dorothea Lange llevaba un mes trabajando en documentar la situación de los campesinos en el suroeste de Estados Unidos. Justo cuando iba en marcha para dejar la región, encontró un anuncio que decía Pea pickers camp, anunciaba el campamento donde se alojaba los campesinos que cosechaban guisantes. Tuvo una corazonada y se dirigió hacia aquella instalación temporal de campesinos migrantes.

Madre migrante California (EEUU), 1936

Paul Strand (1890-1976) Fotografía social y directa

Influyente fotógrafo estadounidense, conocido por su contribución al desarrollo de la fotografía moderna. Es especialmente reconocido por su enfoque en la fotografía de gran formato, su interés por la abstracción y su compromiso con la representación honesta y objetiva de la realidad. A lo largo de su carrera, Strand experimentó con diversos estilos y técnicas, pero siempre se destacó por su enfoque directo y claro en la composición fotográfica. Su trabajo se caracteriza por la toma de imágenes formales y bien estructuradas, en las que la luz y la forma juegan un papel esencial. Strand también exploró la fotografía social y documental, tomando imágenes de las personas y paisajes de Nueva Inglaterra, Nueva York y más tarde, en su vida, de México y África. Uno de sus logros más importantes fue su colaboración con el movimiento de fotografía en la década de 1910, trabajando junto a fotógrafos como Alfred Stieglitz. Fue pionero en el uso de la cámara como un medio artístico, ayudando a elevar la fotografía a una forma de arte legítima. En su carrera posterior, Strand experimentó con la fotografía de retratos, el paisaje y la fotografía de arquitectura, siempre con un estilo característico de claridad y realismo. Su legado sigue siendo clave en el mundo de la fotografía, influyendo en generaciones de fotógrafos y artistas visuales.

Mujer ciega, 1916.

¿Qué es el grupo f/64? ¿Qué relación tiene con Paul Strand? ¿Qué relación tiene con la fotografía social?

Grupo f/64 (1932)

Grupo de fotógrafos creado en 1932 en California. El nombre viene de usar el diafragma más cerrado en los objetivos de las cámaras de gran formato que utilizaban los integrantes, dando como resultado una imagen de máxima nitidez. Estos artistas creían que la creación de la fotografía debía ser estrictamente realista. Ansel Adams conoce a Paul Strand, cuyas imágenes tuvieron un gran impacto en él y en la estética del grupo (fotografía directa). Las fotos destacan también por su gran profundidad de campo. Ansel Adams inventa lo que se conoce como "sistema de zonas" para controlar y previsualizar los valores tonales de una imagen (desde el blanco al negro).

• Ansel Adams
• Edward Weston
• Imogen Cunningham
• Willard Van Dyke
• Henry Swift
• Sonya Noskowiak

Monolith, The Face of Half Dome, 1927 y Clearing Winter Storm, 1937

Rose and Driftwood, 1932

Edward Weston “Shell” 1927 y Imogen Cunningham Magnolia Blossom,1925

Frida Kahlo, 1931 Imogen Cunningham

Henry F. Swift. Two Hands. 1930

Vivian Maier 1926-2009 Nueva York-Chicago

• Su madre era francesa y su padre austriaco. Parte de su infancia y juventud la vive en Francia.
• En la década de 1950 comienza a trabajar como niñera en Nueva York. Se compra su Rolleiflex (cámara de objetivos gemelos con visor). Se dedica a la fotografía como hobby, capturando instantáneas de Nueva York y Chicago. Su obra no es conocida en vida. También usa una Leica y sus últimas fotos (aprox finales de los 70) son a color.
• En 2007 John Maloof, un joven que estaba investigando sobre la historia de la ciudad de Chicago, compra en una subasta muchos de sus negativos. Descubre la calidad de las fotografía y empieza una investigación para encontrar a la autora.

Inmortalizó parte de la sociedad estadounidense de los años 50, 60 y 70 del siglo XX

1954. Nueva York.

1966. Chicago.

1960. Chicago, Illinois

Muchos de los negativos de Maier están sin revelar. Cambiaba de casa y de niños con asiduidad. En una de esas casas tiene un baño privado que utiliza como cuarto oscuro para revelar las fotografías.

Autorretrato, 1954

1953, Nueva York

Autorretrato, 1961

Autorretrato, 1971

Autorretrato, 1953

Autorretrato, 5 de mayo de 1955

Agosto de 1975

Cuando empieza a fotografiar en color se centra más en la investigación abstracta de las formas. Cada vez aparecen más objetos y menos personas. Estudia la forma, su relación con el entorno, espacio y dimensiones de aquello que le rodea.

Diane Arbus 1923-1971. Nueva York.

Fue una fotógrafa estadounidense conocida por su estilo distintivo y sus retratos de personas consideradas marginadas o fuera de lo común (freaks). Comenzó su carrera fotográfica a principios de la década de 1940, trabajando principalmente en colaboración con su esposo, Allan Arbus, en fotografía de moda para revistas como Vogue u otras revistas como Esquire. En la década de 1950, Arbus decidió seguir su propio camino artístico y alejarse de la fotografía de moda para centrarse en proyectos más personales y provocativos. Sus imágenes se caracterizaba por retratos directos y en primer plano de personas marginadas, incluyendo aquellos con discapacidades físicas, personas transgénero, nudistas, entre otros. Buscaba explorar la singularidad y la diversidad humana. Arbus pasó mucho tiempo fotografiando personas en la calle, y su serie más conocida es "Gente de la calle". Estas imágenes ofrecen una visión cruda y sin adornos de individuos que a menudo eran ignorados por la sociedad. A través de su obra, Arbus exploró temas como la identidad, la diferencia y la percepción de la normalidad. Su enfoque en retratar a personas consideradas "diferentes" desafiaba las convenciones sociales de la época. Aunque su trabajo fue controversial en su época, Arbus comenzó a recibir reconocimiento crítico en la década de 1960. Sin embargo, se suicidó en 1971 a la edad de 48 años. Su contribución a la fotografía ha dejado una huella duradera.

Fotografía de Diane junto con su marido

Gemelas idénticas, 1967

August Sander 1876-1964

Relacionado con la obra de Diane Arbus. Es un fotógrafo alemán conocido principalmente por su proyecto: Hombres del siglo XX. Presta atención en el género del retrato. Mientras trabajaba en una mina, Sander aprendió los primeros rudimentos de la fotografía, ayudando a un fotógrafo que trabajaba para la empresa minera. Realizó el servicio militar entre 1897 y 1899 como asistente del fotógrafo, y los años siguientes abrió su propio estudio y comienza su gran proyecto de retratos en 1920.

EL NUEVO REALISMO Sería el desarrollo de la fotografía directa de Paul Strand en Europa, donde lo llaman también “nueva objetividad”. Fundamentalmente es una reacción contra el pictorialismo (fotos con muchos efectos). Sus características son: • La importancia del tema (sirve para hacer ver lo que es la fotografía). • Máxima nitidez: diafragma cerrado, buenas condiciones lumínicas, temas estáticos, uso riguroso de la técnica. Podríamos relacionarlo con el fotoperiodismo, pero en este caso la nitidez no es muy relevante ya que solo buscan el momento decisivo. En el nuevo realismo los temas son sencillos, esos que parece que el espectador no le da importancia en su vida diaria. La fotografía de la calma → hay que mirar la realidad con calma. En Europa el foco más importante es Alemania, con las figuras de: – August Sander – Renger-Patzsch

Clasifica y retrata a la sociedad alemana: -Campesinos -Artesanos -Mujeres -Trabajadores cualificados (abogados, soldados, banqueros, artistas...etc) - Mendigos, moribundos (grupo al margen de la sociedad).

Retrato de una secretaria de radio (izquierda) Mujer de un arquitecto (arriba).

Ferretero y jóvenes granjeros

Campesina y profesor de instituto

Mujer de la limpieza y joven hombre de negocios

Intelectuales del proletariado y trabajadores en una fundición

Segunda Guerra Mundial. 1939-45.

La insatisfacción alemana por el tratado de Versalles y el ascenso de Hitler y el nazismo al poder, y su alianza con otras potencias totalitarias igualmente expansionistas (Italia y Japón) van a ser las causas principales del estallido de una nueva guerra que se desarrollará en Europa, África y Asia; y en la que participarán ejércitos de los cinco continentes. Después de la incorporación de varios territorios por Hitler (Austria, Sudetes,...) se produce la invasión de Polonia el 1 de septiembre de 1939, este hecho motivó la declaración de guerra a Alemania por parte de Francia y Gran Bretaña, la guerra duraría hasta 1945. De forma resumida podemos decir que en la II Guerra Mundial se enfrentan dos bloques: los países que forman el Eje Berlín-Roma-Tokio y regímenes similares, y los Aliados que en Europa son liderados por Gran Bretaña y Estados Unidos en el Oeste y la URSS en el Este. El desarrollo de la guerra lo dividimos en tres etapas, la primera (1939- 1941) es de claro éxito alemán, la segunda de equilibrio (1942-1943), y la tercera (1944- 1945) consagró el triunfo aliado en Europa y en el Pacífico. Las consecuencias del conflicto serán importantes en todos los aspectos. En lo político cambia el mapa de Europa y esta queda dividida en dos bloques irreconciliables hasta la caída del comunismo. Estados Unidos y la Unión Soviética se reparten el mundo en áreas de influencia, Europa queda en un segundo orden. En el aspecto económico y material las pérdidas de la guerra son tremendas. En el aspecto humano los muertos ascienden a casi 60 millones.

Las fotografías de la acción bélica cubrían la necesidad pública de ver lo que estaba ocurriendo, y no solo leer sobre ello. La circulación de revistas disfrutó de un boom: Picture Post alcanzó el millón, y Life no volvió a superar su tirada de los años del conflicto, superior a los 13 millones. Desde su sede en EEUU, lejos del escenario bélico europeo, Life movilizó a 21 fotógrafos que cubrieron unos 13.000 días, la mitad de los cuales los pasaron en los frentes. En teoría, las imágenes podían enviarse en un instante desde el frente; las telefotos -imágenes transmitidas por línea telefónica-estaban disponibles desde 1921, y Associated Press había iniciado su servicio Wirephoto en 1935. No obstante, el servicio requería líneas exclusivas, que debido a su coste solo se establecían en los enclaves principales. Por lo general, las películas reveladas se entregaban en mano a soldados que regresaban a la base, por lo que las fotografias podían tardar semanas en llegar a la mesa del editor. En este proceso se perdieron incontables rollos de película. Una de las razones por las que las fotos del desembarco de Normandía de Robert Capa son tan conocidas es porque el otro fotógrafo presente en la playa de Omaha, Bob Landry, perdió las suyas en el mar. Las de Capa estuvieron a punto de ser destruidas por un técnico de cuarto oscuro inexperto. Toda foto estaba sujeta a la censura militar: los fotógrafos debían estar acreditados, las películas eran transportadas por personal militar, y todas las imágenes eran revisadas antes de entregarse. Las publicaciones estadounidenses participaban de un fondo común al que se enviaban todas las películas, y las fotos entregadas podían ser utilizadas por cualquier publicación participante. Pero la influencia de Life era tal que su editor negoció el derecho de impedir que la obra de sus fotógrafos fuera usada por ninguno de sus rivales antes de aparecer en sus páginas. La imperialista imagen de Iwo Jima cruzó el Pacífico hasta las mesas de los editores en 18 horas; en contraste, la imagen de George Strock de tres marines muertos y semienterrados por la arena de la playa fue tomada en febrero de 1943, pero no fue publicada hasta casi siete meses después. El presidente Roosevelt autorizó finalmente la publicación de imágenes de soldados caídos en combate por temor a que el público estadounidense cayera en la complacencia.

El mayor número de fotografías de la guerra fue tomado por fotógrafos oficiales. En Gran Bretaña, unos dos millones de estas fotos se tomaron con fines de gestión documental o de propaganda estas últimas, muy abundantes, solían presentar a las tropas aliadas en actitud relajada. La revista de propaganda nazi Signal, brillantemente ilustrada, superó los 2,5 millones de ejemplares en los territorios ocupados y neutrales, e incluso estuvo disponible en EEUU hasta 1941; ilustraba las condiciones de las tropas del Eje e incluía artículos de interés general, presentando a las fuerzas alemanas como benevolentes liberadoras. Un giro inesperado se produjo con la repentina utilidad de las fotos de vacaciones. Desde 1941, el Almirantazgo británico tuvo al público revolviendo sus álbumes familiares y cajas de zapatos en busca de instantáneas de lugares de Europa para su archivo de información fotográfica del territorio, pues esas imágenes complementaban las fotografías aéreas y ofrecían información para las operaciones terrestres.

Mujeres británicas 1942 y 1943. Ejército femenino

Robert Capa

Ernö Andrei Friedmann (1913- 1954) Gerda Taro (1910-1937)

Endre Friedmann, es uno de los fotógrafos más célebres del siglo XX. Nace en Budapest (Hungría) en 1913 y con 18 años decide irse a vivir a Berlín (Alemania) buscando cumplir su sueño de ser escritor. Allí consigue un empleo como fotógrafo (primer reportaje 1932), lo que hace que poco a poco vaya alejando de sí la idea de convertirse en novelista, pues se enamora de la profesión. Debido al auge del nazismo, y la consiguiente persecución de los judíos, en 1933 ha de trasladarse a París (Francia) en donde junto con su compañera, también fotógrafa, Gerda Taro, adoptan un seudónimo para poder vender sus fotos: Robert Capa. Cápa, en húngaro, significa tiburón. Además, Frank Capra es un afamado director de cine americano de la época, y el similar sonido hace que a Friedmann le parezca ideal, pues considera que un nombre más americano le ayudará a lanzar su profesión, y no se equivoca, pues desde entonces se le hace mucho más fácil vender sus instantáneas, convirtiéndose así en un célebre fotoperiodista de guerra. En 1936 Capa viaja a España para fotografiar la contienda civil y consigue vender sus fotos a la revista francesa Vu. Las instantáneas se publican a modo de reportaje continuo, número tras número, en la revista, aunque de todas ellas es una la que mayormente capta la atención del mundo. Se trata de “Muerte de un miliciano”, fotografía que fue tomada en el frente de Córdoba en septiembre de 1936. Luego es enviado al frente de la Segunda Guerra Mundial, donde también toma fotografías emblemáticas como las del desembarco de Normandía.

1932. Enviado A sUECIA PARA CUBRIR UN MITIN DE lEÓN tROKSKY CON UNA lEICA 35 MM. fotorreportaje, publicado en la revista Der Welt-Spiegel.

Guerra civil española

Documentan la guerra desde el bando republicano (luego venden las imágenes a revistas como Vu o Life. En la imagen, se representa a un miembro de la milicia, es decir, a un ciudadano común armado debido a circunstancias bélicas, que cae instantáneamente tras recibir un disparo. Lo más relevante de la fotografía es la captura del momento exacto de la muerte, la dramática caída de la vida en medio de un fondo desolado. Se cree que pudo ser una escenificación.

Muerte de un miliciano, 1936

Izquierda: sin título, fotografía de milicianos, 1936. Derecha: sin título, fotografía de un miliciano muerto, 1936

Refugiados caminando por la carretera de Barcelona a la frontera con Francia, 1939.

Segunda Guerra Mundial

DESEMBARCO DE NORMANDÍA. Solo se salvaron 11 negativos de más de 100 instantáneas que tomó Capa en este acontecimiento que tuvo lugar en las playas de Normadía en 1944. Varios soldados de Reino Unido, Francia y Estados Unidos cruzan el Canal de la Mancha para atacar al ejército alemán.

Mi hermosa Francia parecía sórdida y poco atractiva. Una ametralladora alemana, escupiendo balas alrededor de la barcaza, arruinó por completo mi regreso. Los hombres de mi barcaza se metieron en el agua. Hasta la cintura, con los rifles listos para disparar, con los obstáculos de invasión y la playa humeante al fondo, una buen momento para tomar fotos. Hice una pausa por un momento en la pasarela para tomar mi primera imagen real de la invasión. El contramaestre, que tenía una prisa comprensible por salir de allí, confundió mi actitud de toma de fotografías con una vacilación explicable, y me ayudó a decidirme con una patada bien dirigida en la parte trasera. El agua estaba fría, y la playa se encontraba todavía a más de cien metros. Las balas agujereaban el agua que me rodeaba y me dirigí al obstáculo de acero más cercano. Un soldado llegó al mismo tiempo que yo, y por unos minutos compartimos refugio. Se quitó la pistola del impermeable y comenzó a disparar sin ton ni son hacia la playa cubierta por el humo. El sonido de su rifle le dio suficiente coraje para seguir adelante y me dejó solo en el obstáculo. Yo también me sentí lo suficientemente seguro como para tomar fotos de los otros tipos que se escondían igual que yo.

Soldado estadounidense muerto por francotiradores alemanes en Leipzig, Alemania, 1945. Segunda Guerra Mundial

En 1947 Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David Seymour y George Rodger fundan la agencia MAGNUM. La agencia nace con la pretensión de formar una cooperativa que agrupe y defienda los derechos de los fotógrafos integrados en su seno. Esta brillante idea supone el primer paso en la defensa de los derechos de los fotógrafos respecto a sus imágenes.

https://www.magnumphotos.com/

Magnum Photos fue creada con un doble objetivo: hacer una nueva forma de fotoperiodismo y crear por primera vez una agencia independiente al margen de las grandes empresas periodísticas en la que los creadores tuvieran autonomía total en su trabajo y el control de los derechos de autor y de edición de sus imágenes. La agencia fue fundada por el húngaro Robert Capa, el francés Henri CartierBresson, el polaco David “Chim” Seymour, el británico George Rodger y el norteamericano William Vandivert. Cada uno de ellos se hizo cargo de la gestión de un continente: David Seymour de Europa, Cartier-Bresson de Asia y Vandivert de América, con la excepción de George Rodger, que se encargó de África y Oriente Medio. Robert Capa asumió la coordinación de esta cooperativa que en poco tiempo se convirtió en la agencia de fotografías más importante del mundo. Para los fotógrafos de Magnum Photos era fundamental tener libertad para elegir sus propias historias y trabajar en ellas durante largos períodos de tiempo. Creían que los fotógrafos tenían que tener su propio punto de vista y no estar controlados por el editor de una publicación. Por otro lado, deseaban materializar en sus trabajos los fundamentos bajo los que se crea Magnum Photos: la proximidad al objeto, el momento oportuno y el ojo fotográfico. Los nuevos enfoques de Magnum Photos pondrían fin a la representación artificial y escenificada de la realidad y darían paso a un enfoque más humano, directo e imaginativo.

Actualmente Magnum Photos cubre información en todo el mundo. Cuenta con sedes en Londres, Nueva York, París y Tokio y tiene representantes en la mayoría de países. Sus fondos superan el millón de imágenes. Por Magnum Photos han pasado algunos de los principales fotoperiodistas de las últimas décadas, gran parte de los cuales se ven representados en esta exposición como es el caso Werner Bischof, Marc Riboud, Eve Arnold, René Burri, Jim Goldberg, Susan Meiselas, Hiroji Kubota, Steve McCurry, Jean Gaumy, Paolo Pellegrin o Cristina García Rodero.

En 1954 acepta un encargo para Life para realizar un reportaje en Indochina (Vietnam, guerra de Indochina). El 25 de mayo de 1954, Capa pisa una mina que destroza su pierna y acaba con su vida en el hospital como consecuencia de las graves heridas que sufrió.

Otros componentes de Magnum: Cartier- Bresson

(1908-2004). Nació en Francia en 1908. En 1940 fue capturado y hecho prisionero en Alemania durante tres años hasta que logró escapar y huir a Francia. Padre del fotorreportaje y cofundador de la agencia Mágnum Phoios, poseía una capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión, lo llamó el momento decisivo. Respecto a su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Realizó fotografias en prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhihir en el museo del Louvre en París.

Cristina García Rodero

(1949- actualidad)

Está considerada como uno de los fotógrafos de mayor relieve y trascendencia creativa de España. Su sensibilidad y curiosidad hacia los mundos que explora, junto con un continuado y elaborado trabajo fotográfico llevado a cabo a lo largo de los años, hacen que sus fotografías irradien una fuerza sobrecogedora sin caer en el exhibicionismo ni en el artificio. Las imágenes de Cristina García Rodero son potentes pero reales, fruto de una pasión por la vida y las personas, y en las que los funambulismos técnicos no tienen cabida. Por eso mirar la obra de esta fotógrafa es como asomarse a las vidas y los sentimientos de quienes retrata, uniendo las culturas y las sensaciones sin que las fronteras y las distancias actúen como barrera.

Investigó y fotografió las celebraciones populares, y las tradiciones religiosas y paganas en España. Fruto de ello es su libro titulado 'España oculta', publicado en 1989 y ganador, entre otros, del Premio al libro del año en el Festival de Fotografía de Arlés, ganando ese mismo año el prestigioso premio de la Fundación Eugene Smith de Nueva York. Un libro de un valiosísimo valor documental y antropológico, y por supuesto artístico, debido tanto a la calidad impresionante de sus fotografías, como a sus personalísimos registros visuales, y sus originales acercamientos a los seres humanos. Una España profunda que recoge en imágenes mágicas, misteriosas y sutiles de la gente de los pueblos, recorriéndose para ello los distintos puntos geográficos y culturales peninsulares, viviéndolos e impregnándose de ellos y de sus esencias.

Bercianos de Aliste (Zamora) Procesión del Santo Cristo (1975)

Cuenca A las once en el Salvador (1982)

El colacho (1975) Castrillo de Murcia

La confesión (1980) Saavedra

Lumbier (Navarra) La Trinidad (1980)

Jugando a la pasión (1983) Riogordo

El alma dormida (1981) Saavedra

Cristina también ha visitado numerosos países, en los cuales se ha sumergido buceando en las culturas y las vidas de las gentes, sus dichas y sus desgracias. Así por ejemplo, fue llamada tanto por la UNESCO como por Médicos sin Fronteras para hacer los registros fotográficos de sus actividades en distintas zonas del mundo, y de ahí surgen sus incursiones a Bosnia y Sarajevo. Otro de sus grandes trabajos es el titulado 'Entre el cielo y la tierra', basado en el registro de festivales, de música, de sexo y de erotismo. Sitios para divertirse, mostrarse o amarse. Como ella misma dice, en este sentido ha realizado multitud de fotografías, desde los hippies en Texas, al Love Parade de Berlin, empezando a trabajar por el sur de Francia, luego por el centro, y de allí a América, al Caribe, a diferentes países, a Haití.