La pintura
Gótica
Leyla martín Almena
índice
1. Contexto histórico
2. Gótico-lineal:
3. Italo-gótico.
4. Gótico internacional
Santa Catalina de Alejandria, primitivos flamencos, siglo XV
5. Primitivos flamencos.
Book of Hours
France, Tours, ca. 1490-1500
Contexto histórico:
Así, surge lo que denominamos arte gótico: tiene su origen en la Isla de Francia en el siglo XII y acaba extendiéndose por toda Europa de la mano de la orden cistersiense, llegando hasta el siglo XVI en muchos lugares. Es una evolución del románico, y vemos en el arte un reflejo de la situación social.
Es la Plena Edad Media (XI-XIII), un momento de cambios económicos (con el resurgir del comercio y la organización feudal), social y cultural gracias al crecimiento demográfico. En lo cultural, a pesar de ser una sociedad profundamente cristiana, poco a poco va avanzando a un terreno más laico debido al desarrollo de las ciudades y de las universidades. Sin embargo, esto no implica que no sea un mundo donde la religión es la base de todo, si no que deja de ser lo único que se representa.
Donde, el arte es más urbano, y no solo eclesiastico, siendo ahora financiado principalmente por burgueses ricos, además de por la Iglesia y las monarquías que comienzan a recoger el poder que habían cedido. Por ello, se crea un arte más privado y laico, para esos burgueses que pasaron a ser los mayores demandantes de obras artísticas.
Retrato de muchacha Petrus Christus (1470)
Retrato de hombre con turbante, Jan Van Eyck(1433)
Saint Bernard, Jean Fouquet (1455).
El descendimiento, Roger van der Weyden, (1436)
la pintura gótica .
Se desarrolla la pintura sobre tabla, y se mejoran los retablos. El fondo de las pinturas es plano y se suele pintar en dorado, además se intenta dar más perspectiva intercalando en el plano distintos objetos. Vemos igualmente, una mayor importancia de la luz y del detalle. También se desarrolla la grisalla, en relación con los retablos, los cuales podían ser privados o no. Al desaparecer muchos muros de los edificios el uso de vidrieras se incrementa y por último tienen gran popularidad los libros con ilustraciones, muchos de ellos dedicados a la adoración femenina. Además, todos estos avances quedaban recogidos en los manuscritos que se iban haciendo, como el caso de los encargados por Alfonso X, nos quedan tres ejemplares ilustrados.
El Díptico de la Anunciación, Jan van Eyck (1433).
Vidrieras de la catedral de León (XIII)
gótico lineal.
Biblia de San Luis(1226)
Respecto al gótico lineal o franco gótico vamos a enumerar una serie de características:-Empieza a finales del XIII y destaca a partir de la primera mitad del XIV. -Arcaísmos que se mantienen: la linealidad, los colores planos, esquematismo, ausencia de perspectiva o profundidad, perspectiva jerárquica. Novedades: Mayor dinamismo narrativo, se trabaja más el movimiento, la expresividad y los rasgos naturalistas... Técnicas: -El buon fresco (se usa un soporte mural húmedo). Se cuenta con una limitada gama de colores y no se puede retocar como luego con el óleo. -O el temple: sobre muro seco o tabla, se usa pigmento, agua y aglutinante en diversas medidas(se usa mucho el huevo). Si es sobre tabla, tiene que estar seca. En las siguientes diapositivas vamos a ver el caso francés y luego atenderemos al aragonés.
Retablo de La Virgen, siglo XIV
Ermita de Berlunga.
cASO aragonés:
La tabla de San Pedro:Se trata de una obra del 1328 que se conserva en el Musée Royal d'art de Bruxelles.En él vemos ejemplificado:Unas figuras un tanto alargadas, gesticulando de manera exagerada, con un control mayor y un mejor uso del color, y del naturalismo en los rostros. Este último punto destaca, porque vemos como ahora se da atención a la forma de los ojos, las mejillas.Igualmente, al ser esta primera época aún falta la mejora de los pies, o la nariz que recuerda a la de San Clemente de Tahull, o el tratamiento del fondo irreal al añadirle arquitecturas o arcos que no se relacionan con la escena, al igual que ese fondo algo dorado.. .
En el caso aragonés, vemos muy bien esos inicios del franco-gótico, centrándonos en dos casos.Los frescos de Bierge, son un ejemplo perfecto de la sencillez del comienzo del gótico, no muy alejado del románico pero con esos primeros avances. Como en el caso iconográfico, mostrando el martirio de san Fructuoso, con su consagración episcopal y su acusación. Destacando la voluntad de representar el mayor número de escenas, como se ve en la zona que nos habla de San Juan Evangelista. Así, hay un mejor tratamiento de los rostros y cuerpos (expresividad y naturalismo y de los ropajes (el volumen es con el propio color).
cASO FRANCÉS
Igualmente, las ilustraciones de las vidrieras, como Saint-Denis, o la Sainte-Chapelle, siendo en las vidrieras donde vemos una mayor producción más sútil de los temas, tratando igual el Antiguo y el Nuevo Testamento.
Con lo que conocemos como la "cautividad de Aviñón" y con el prestigio de la orden de Cluny se impone esta nueva cultura francesa. Hablaremos así de: la iluminación, las vidrieras y algunas obras y autores a destacar.En esta época, algo que destaca en la iluminación de libros. Entre las producciones no solo hablamos de la Biblia, si no también de salterios de uso personal, resaltando ya en el XIV-XV los famosos Libros de Horas (cuentan con calendarios, rezos, con escenas del Nuevo Testamento en general, y a veces el retrato del dueño en la portada). Destacar el tema del color, empezando predominando el oro de los fondos, y luego los azules y verdes hasta el color del paisaje en sí mismo.
Respecto a las obras: El tríptico de la Anunciación de Aix. (1443), se encontraba en la Catedral de Saint-souvenir, lo consideran una obra de Barthélemy d´Eyck. Vemos en ella, los avances respecto a la representación de arquitecturas, el naturalismo de los retratos, el tratamiento de los ropajes...
Italo-Gótico.
Lo dividimos en dos épocas: Duecento (1200) y Trecento (1300). En el Duecento vemos influencia bizantina en los fondos de oro, personajes planos, simetría rígida, simbolismo. Pero esto cambia de la mano de Cimabue y se termina de desarrollar por Giotto, siendo ambos de la escuela florentina. Los cambios: espacio tridimensional con ese inicio de la perspectiva, la figura humana poco a poco se afianza en la obra, el naturalismo de los elementos, la luz genera volúmenes, se muestra el sentimiento. Además, el artista poco a poco empezará a ser un intelectual. Cimabue (1340-1302, Florencia): hizo más humano el estilo el bizantino y fue maestro del gran Giotto. La madona y el niño o la Maestà (1270), actualmente en el Louvre. Crucifijo de Arezzo (1270), destaca las imágenes de Maria y san Juan en los lados de los brazos o Dios padre en la cabeza, además de esos detalles en oro. En el caso de la tela, los pliegues se generan con el dorado y los fondos de los personajes se mantienen en este color de inspiración bizantina.
Giotto.
Con Giotto sentamos las bases de lo que acabaría siendo el Quattrocento, entendiendo la escena de manera tridimensional, las arquitecturas ya no son planas. Igualmente, vemos un gran naturalismo y un gran nivel de observación.Vemos en él, como las expresiones en escenas sumamente dramáticas quedan disimuladas por el convencionalismo. También, gracias a la experimentación vemos cómo consigue colores más vivos. Debemos destacar la serie de frescos que realizó en la Capilla de los Scrovegni en Padua. Vamos a destacar la escena del beso de Judas, para no hablar de la típica huida a Egipto:Vemos la representación de un fondo azul haciendo referencia al cielo, y no el dorado al que estábamos acostumbrados. No obstante el dorado se mantiene en los detalles.Destacamos el volumen y el tratado de las telas, además de una mejora de la anatomía( las manos o los pies) y un gran avance en la realización de los rostros (individuales y caracterizados) aunque no reflejan tanto tensión como la escena muestra. Destacan las figuras de Cristo y Judas en el centro de la composición.
ESCUELA DE SIENA:
Alegoría del buen Gobierno
Como vemos en todo el gótico, no es solo la Iglesia la que encarga las obras, ahora vemos como son las propias autoridades las demandantes de arte y pasando a ser protagonistas del mismo (como el caso del condottiero Guidoriccio da Fogliano de Martini).Debido a este control oligárquico vemos temas relacionados con alegorías de gobierno y episodios de la vida en la ciudad como representa Lorenzetti (1290-1348). Especial atención a la Alegoría del Buen gobierno (las figuras de la paz y la fuerza), con la profundidad gracias al fondo y a la arquitectura, los detalles de los pliegues y el naturalismo de las figuras que se completaría en el Quatrocento. Por otro lado, debemos hablar de Simone Martini (1284-1344), se caracteriza por el uso de líneas suaves, y al contrario que Lorenzetti(al ser anterior) en él vemos una mayor influencia bizantina, de mano del dorado como fondo y decoración como en el caso de la Majestad en el Ayuntamiento de Siena.Así, podemos hablar de su retablo de la anunciación, como un paso anterior a la obra con el mismo nombre de Fra angelico, representando ese cambio del trecento al Renacimiento.
Majestá
San Jorge matando al Dragón, de Bernardo Martorell
La Madonna de los fresales.
Gótico Internacional.
A raíz de la unión e intercambio de las distintas variantes del gótico es que aparece entre el 1380-1450 el gótico internacional. Se trata de un arte cortesano, tanto que se llegó a considerar un estilo cortesano más que internacional. Lo que vemos es una cohesión en la técnica y en la temática de una gran parte de los autores europeos. Es en Aviñón, donde se ven muestras de este estilo debido a la influencia italiana, parisina y sienesa, ya que la ciudad se convirtió en la sede del papado. Vemos la sinuosidad de la línea, la elegancia, el detalle(gracias a la producción de miniaturas) y la predilección por la fauna y la flora(destacando está en los fondos). Asimismo, se mantiene el uso del oro, además de la calidad de los ropajes. Y se tiende a representar horizontes elevados. En la temática, al tratarse de un arte muy cortesano, vemos representaciones de novelas de caballería, de amor cortés, aparecen los temas mitológicos y se mantienen los religiosos; con representaciones elegantes y sentimentales. Como empezamos a ver con Giotto, el pintor consigue la consideración de autor, teniendo poder de decisión en su obra.
La coronación de la Virgen, Gentile da Fabriano (1420)
Jardín del paraiso(1420)
Gótico internacional en Italia.
Gentile da Fabriano(1370-1427): Adoración de los reyes magos (1423), a temple y se ubica en Florencia. En este retablo podemos ver los lujosos ropajes y el detalle de las telas y de la flora,(prestando suma atención a cada detalle del cuadro) una mejora en la integración de las arquitecturas y de los fondos complejos. De nuevo, el dorado vuelve a ser un elemento primordial para los detalles, pero vemos un uso más selecto para ciertos personajes y prendas.Por otro lado, los rostros serenos de los personajes y el tratamiento independiente de los mismos. La escena cuenta con un eje diagonal, el mismo que usará Rubens en su obra homónima y del mismo tema.
Pisanello(1395-1455): Retrato de Lionello d´Este (1441), Galleria dell'Accademia: Ya entrando en la cronología renacentista, no podemos pasar por alto el retrato del marqués de Ferrada, duque de Módena y Reggio; donde se observa la predilección por la representación floral detallada, además de las frentes pronunciadas (como vemos mucho en el caso Flamenco.
Gótico Internacional Francés:
Aunque ya habíamos comentado los libros de horas en el gótico lineal, debemos hacer una mención especial para los hermanos Limbourg y el libro de Tres Riches Heures.Siguiendo la temática y el propósito de estos libros lo que vemos en este caso es una calidad excepcional de la ilustración, siguiendo ese gótico internacional donde se mezclan los temas y diversas influencias. Usando lo profano y lo sagrado vemos representaciones cortesanas, religiosas y hasta astrológicas como el caso del hombre astrológico. Además de esa tendencia a unir la realidad con la fantasía dando lugar a representaciones como la del hombre astrológico. Destaca, los colores azules, los dorados, el detalle en cada punto de la representación y la atención al plasmar las escenas.
- Tratamiento de los temas: lo religioso se representa dentro del marco de la vida cotidiana burguesa, los retratos se centran solo en el protagonista del mismo. Además, de la mano de la visión tomista, entienden que Dios está en todo lo creado y plasman lo sagrado en los objetos habituales de la vida burguesa, implicando un gran simbolismo. Etapas: - Primera generación(s.XV): los hermanos Van Eyck y Roger van der Weyden. - Segunda generación(finales del XV-XVI): Hugo van der Goes, y el Bosco.
Primitivos flamencos:
A fines del siglo XV se desarrolla el gótico flamenco, que nace en los ducados de Borgoña y Flandes desde el gótico internacional. Con una burguesía acomodada se demandaba una gran cantidad de arte, además de las obras encargadas por la Iglesia y la nobleza. Son los duques de Borgoña quienes crearon esta escena, por los encargos que hicieron y el intercambio de pintores e ideas que promovieron. Características: -El óleo, incorporándose en la pintura sobre tabla. Se usa aceite como diluyente y aglutinante, al tardar más en secarse se puede dar más atención a los detalles y a la corrección, además de dar lugar a colores más brillantes. -Veladura: uso de muy poco pigmento y mucho aglutinante, que con capas sucesivas se crea un efecto de transparencia. -Gran minuciosidad en los detalles. -Interés por la luz, preocupándose en cómo incide esta en las formas, y gracias al óleo y la veladura se obtendrán grandes resultados.
Jan Van eyck
Nace en 1390 en Maastricht y muere en el 1441 en Brujas. Fue pintor de Felipe el Bueno y acaba instalándose en Brujas contando con una gran fama.Su obra más conocida es el Matrimonio Arnolfini (1434), donde vemos a las dos figuras algo estáticas, con un gran detalle en las telas viéndose sobre todo en la vestimenta de la mujer, además de en todos los detalles del cuadro. Pero, vamos a prestar especial atención al simbolismo:-El perro a sus pies representando la fidelidad.- El espejo, la pureza de la virgen y rodeado de diez escenas de la Pasión.-El verde del vestido la fertilidad y el rojo la pasión, queriendo indicar que el matrimonio se ha consumado. -El estar descalzos, dado que el suelo es sagrado.-Las naranjas son signo de riqueza, al ser importadas. -La mujer con la mano en el vientre, pudiéndose tratar de una embarazada.
La virgen del canónigo Van der Paele (1434-1436).
Es un cuadro de tema religioso al presentar a la virgen o a san Jorge, pero igualmente cuenta con el retrato del comitente como parte de la escena. A la izquierda vemos al arzobispo Donaciano de Reims, intermediario junto a san Jorge, de perfil, portando una vestimenta azul con detalles en dorado (que nos recuerda a todo el recorrido del gótico). Además de portar la cruz para señalar la presencia de Cristo.La virgen en medio con el manto rojo y el niño, mira a Van der Paelle, portando una diadema de flores mostrando aún más su frente, además de las flores que lleva en la mano contraria a la que usa para sujetar al niño. Destaca el fondo floreado detrás de ella. Además en el trono, vemos escenas del Antiguo Testamento. Van der Paele, viste de blanco y se arrodilla ante Maria, portando un libro y un quevedo, entendiéndose que se trata de un erudito. Se muestra envejecido, esto refleja ese detalle en las arrugas y demás imperfecciones de la piel por la edad.Respecto a San Jorge, su armadura está hecha con un gran cuidado, tanto que en ella se refleja la figura del propio autor.El fondo, de carácter arquitectónico, da profundidad a la escena.
Roger Van der weyden.
Tournai 1399-Bruselas 1464, aprendiz de Robert Campin , su obra muestra un sentimentalismo mayor y un simbolismo menos acusado que en el caso de Van Eyck .Destaca su obra del descendimiento (1450) que se encuentra en el Prado:-Gran dramatismo en la forma de los personajes, mucho más delgados y con volumen escultórico.-Igualmente, la composición es en líneas paralelas, y con el mismo número de personajes y en posturas similares en ambos lados. -Mayor profundidad en el fondo, al incluirlo en un marco, destacando el fondo dorado.-Además, la superposición de líneas, estando los personajes uno detrás del otro.-Vemos el uso de la veladura en las lágrimas.-Lo vaporoso de las telas y sus pliegues da dramatismo a la escena.-La calidad anatómica, se ve en lo marcadas que están las venas.
Retablo de San Juan Bautista.
1455, óleo sobre roble. Se presenta el nacimiento de Juan, el bautismo de Cristo y la decapitación a manos de Salomé. Diferenciando las escenas con arcos apuntados decorados con diferentes escenas y figuras religiosas. en las diversas arquivoltasLa primera escena: Zacarias aparece en primer tramo con una pluma y un pergamino, al lado suya, la Virgen entregando al recién nacido Juan. Estando en el fondo de la escena su mujer en el lecho. En el centro, Juan de rojo, al igual que Dios en el cielo, y Cristo bajo este,(estando la paloma entre medias) siendo bendecido sobre el arroyo, con un ángel a su lado sujetando la túnica. Con un punto de fuga alejado nos perdemos en el agua y demás paisajes.Por último, su muerte, en el interior de un palacio, Salomé por primera vez sostiene en un plato la cabeza de Juan, mientras donde ha tenido lugar el corte se muestra ensangrentado. El verdugo mira a los espectadores más que a Juan, aunque la vida en el palacio se mantiene normal. Salomé, es representada según el ideal femenino de la época.
El bosco:
Holanda (1450-1516). Sus obras, aunque se vean extrañas a la época e incluso obscenas, tienen un intención moralizante y caricaturesco a modo de crítica de ciertas aptitudes, como vemos en el jardín de las delicias (1500-1505). En ella vemos: -Formas orgánicas y combinaciones irreales. -En las tres partes del triptico vemos la presencia de la oscuridad, como en el jardin del Edén con el estanque negro y los animales saliendo de él o los animales que vuelan. -La crítica de los placeres sexuales en el centro de la composición, donde los personajes se encuentran encerrados en diversas estructuras. -En el infierno, la representación de que el pecado está en todos lados, como vemos con el cerdo que porta el hábito de monja.
Mesa de los pecados capitales.
1500, en el Museo del Prado. En el centro vemos a Cristo saliendo de su sepulcro, y alrededor un círculo dividido en siete segmentos que ilustran la ira, la soberbia, la envidia, la lujuria, la gula, la avaricia y la pereza; y como era habitual en la pintura flamenca de inspiración tomista los pecados están ilustrados dentro de la cotidianidad de la vida de Flandés. Luego en cada esquina vemos un círculo, los cuales representan: la muerte( de inspiración al ars moriende, tan típico del arte medieval), el juicio, el infierno (que recuerda al jardín de las delicias) y la gloria. Por ejemplo en la soberbia vemos a una mujer viéndose en un espejo sujetado por un demonio.En la avaricia se ve como se acepta un soborno en el juicio. Así, vemos la intención moralizante con la que cuenta toda la obra del Bosco, con esos personajes delgados y de torso largo, sin un color de gran intensidad. Además del uso de formas raras, como ver una cabeza dentro de una estructura de madera.
Bibliografía.
Barasch, M. (1999). Giotto y el lenguaje del gesto. Ediciones AKAL. Fernández. G. (2016). La pintura flamenca del ocaso de la Edad Media. Boletín Millares Carlo. Martínez Gómez, B.J. Tema 10: El gótico. Talavera, E. A., & Herrero, H. G. (2016). Historia del arte: libro. Santillana. Molino, A. O., & Gómez, A. M. (2021). Guía para identificar las escenas y los personajes de la Biblia. Cuadernos arte cátedra. Post, C. R. (1966a). A history of Spanish painting. Melero-Moneo, M. (1997). La tabla de san Pedro del Museo Real de Bruselas : Nuevas aportaciones al estudio de la pintura del gótico lineal catalano-aragonés. LOCVS AMŒNVS, 3(3), 25-38. https://doi.org/10.5565/rev/locus.67 El gótico internacional en Italia. (16 de abril de 2011) Aparences. https://www.aparences.net/es/periodos/gotico-internacional/el-gotico-internacional-en-italia/ Estilo gótico internacional. (21 de abril de 2011.) Aparences.. https://www.aparences.net/es/periodos/gotico-internacional/estilo-gotico-internacional/ Dominio franco-flamenco. (19 de abril de 2011). Aparences https://www.aparences.net/es/periodos/gotico-internacional/dominio-franco-flamenco/ Warleta, I. (s. f.). PINTURA FRANCO GÓTICA o GÓTICO LINEAL. https://arteinternacional.blogspot.com/2011/03/pintura-franco-gotica-o-gotico-lineal.html
pintura gótica leyla martín
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Created on November 19, 2023
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La pintura
Gótica
Leyla martín Almena
índice
1. Contexto histórico
2. Gótico-lineal:
3. Italo-gótico.
4. Gótico internacional
Santa Catalina de Alejandria, primitivos flamencos, siglo XV
5. Primitivos flamencos.
Book of Hours France, Tours, ca. 1490-1500
Contexto histórico:
Así, surge lo que denominamos arte gótico: tiene su origen en la Isla de Francia en el siglo XII y acaba extendiéndose por toda Europa de la mano de la orden cistersiense, llegando hasta el siglo XVI en muchos lugares. Es una evolución del románico, y vemos en el arte un reflejo de la situación social.
Es la Plena Edad Media (XI-XIII), un momento de cambios económicos (con el resurgir del comercio y la organización feudal), social y cultural gracias al crecimiento demográfico. En lo cultural, a pesar de ser una sociedad profundamente cristiana, poco a poco va avanzando a un terreno más laico debido al desarrollo de las ciudades y de las universidades. Sin embargo, esto no implica que no sea un mundo donde la religión es la base de todo, si no que deja de ser lo único que se representa.
Donde, el arte es más urbano, y no solo eclesiastico, siendo ahora financiado principalmente por burgueses ricos, además de por la Iglesia y las monarquías que comienzan a recoger el poder que habían cedido. Por ello, se crea un arte más privado y laico, para esos burgueses que pasaron a ser los mayores demandantes de obras artísticas.
Retrato de muchacha Petrus Christus (1470)
Retrato de hombre con turbante, Jan Van Eyck(1433)
Saint Bernard, Jean Fouquet (1455).
El descendimiento, Roger van der Weyden, (1436)
la pintura gótica .
Se desarrolla la pintura sobre tabla, y se mejoran los retablos. El fondo de las pinturas es plano y se suele pintar en dorado, además se intenta dar más perspectiva intercalando en el plano distintos objetos. Vemos igualmente, una mayor importancia de la luz y del detalle. También se desarrolla la grisalla, en relación con los retablos, los cuales podían ser privados o no. Al desaparecer muchos muros de los edificios el uso de vidrieras se incrementa y por último tienen gran popularidad los libros con ilustraciones, muchos de ellos dedicados a la adoración femenina. Además, todos estos avances quedaban recogidos en los manuscritos que se iban haciendo, como el caso de los encargados por Alfonso X, nos quedan tres ejemplares ilustrados.
El Díptico de la Anunciación, Jan van Eyck (1433).
Vidrieras de la catedral de León (XIII)
gótico lineal.
Biblia de San Luis(1226)
Respecto al gótico lineal o franco gótico vamos a enumerar una serie de características:-Empieza a finales del XIII y destaca a partir de la primera mitad del XIV. -Arcaísmos que se mantienen: la linealidad, los colores planos, esquematismo, ausencia de perspectiva o profundidad, perspectiva jerárquica. Novedades: Mayor dinamismo narrativo, se trabaja más el movimiento, la expresividad y los rasgos naturalistas... Técnicas: -El buon fresco (se usa un soporte mural húmedo). Se cuenta con una limitada gama de colores y no se puede retocar como luego con el óleo. -O el temple: sobre muro seco o tabla, se usa pigmento, agua y aglutinante en diversas medidas(se usa mucho el huevo). Si es sobre tabla, tiene que estar seca. En las siguientes diapositivas vamos a ver el caso francés y luego atenderemos al aragonés.
Retablo de La Virgen, siglo XIV
Ermita de Berlunga.
cASO aragonés:
La tabla de San Pedro:Se trata de una obra del 1328 que se conserva en el Musée Royal d'art de Bruxelles.En él vemos ejemplificado:Unas figuras un tanto alargadas, gesticulando de manera exagerada, con un control mayor y un mejor uso del color, y del naturalismo en los rostros. Este último punto destaca, porque vemos como ahora se da atención a la forma de los ojos, las mejillas.Igualmente, al ser esta primera época aún falta la mejora de los pies, o la nariz que recuerda a la de San Clemente de Tahull, o el tratamiento del fondo irreal al añadirle arquitecturas o arcos que no se relacionan con la escena, al igual que ese fondo algo dorado.. .
En el caso aragonés, vemos muy bien esos inicios del franco-gótico, centrándonos en dos casos.Los frescos de Bierge, son un ejemplo perfecto de la sencillez del comienzo del gótico, no muy alejado del románico pero con esos primeros avances. Como en el caso iconográfico, mostrando el martirio de san Fructuoso, con su consagración episcopal y su acusación. Destacando la voluntad de representar el mayor número de escenas, como se ve en la zona que nos habla de San Juan Evangelista. Así, hay un mejor tratamiento de los rostros y cuerpos (expresividad y naturalismo y de los ropajes (el volumen es con el propio color).
cASO FRANCÉS
Igualmente, las ilustraciones de las vidrieras, como Saint-Denis, o la Sainte-Chapelle, siendo en las vidrieras donde vemos una mayor producción más sútil de los temas, tratando igual el Antiguo y el Nuevo Testamento.
Con lo que conocemos como la "cautividad de Aviñón" y con el prestigio de la orden de Cluny se impone esta nueva cultura francesa. Hablaremos así de: la iluminación, las vidrieras y algunas obras y autores a destacar.En esta época, algo que destaca en la iluminación de libros. Entre las producciones no solo hablamos de la Biblia, si no también de salterios de uso personal, resaltando ya en el XIV-XV los famosos Libros de Horas (cuentan con calendarios, rezos, con escenas del Nuevo Testamento en general, y a veces el retrato del dueño en la portada). Destacar el tema del color, empezando predominando el oro de los fondos, y luego los azules y verdes hasta el color del paisaje en sí mismo.
Respecto a las obras: El tríptico de la Anunciación de Aix. (1443), se encontraba en la Catedral de Saint-souvenir, lo consideran una obra de Barthélemy d´Eyck. Vemos en ella, los avances respecto a la representación de arquitecturas, el naturalismo de los retratos, el tratamiento de los ropajes...
Italo-Gótico.
Lo dividimos en dos épocas: Duecento (1200) y Trecento (1300). En el Duecento vemos influencia bizantina en los fondos de oro, personajes planos, simetría rígida, simbolismo. Pero esto cambia de la mano de Cimabue y se termina de desarrollar por Giotto, siendo ambos de la escuela florentina. Los cambios: espacio tridimensional con ese inicio de la perspectiva, la figura humana poco a poco se afianza en la obra, el naturalismo de los elementos, la luz genera volúmenes, se muestra el sentimiento. Además, el artista poco a poco empezará a ser un intelectual. Cimabue (1340-1302, Florencia): hizo más humano el estilo el bizantino y fue maestro del gran Giotto. La madona y el niño o la Maestà (1270), actualmente en el Louvre. Crucifijo de Arezzo (1270), destaca las imágenes de Maria y san Juan en los lados de los brazos o Dios padre en la cabeza, además de esos detalles en oro. En el caso de la tela, los pliegues se generan con el dorado y los fondos de los personajes se mantienen en este color de inspiración bizantina.
Giotto.
Con Giotto sentamos las bases de lo que acabaría siendo el Quattrocento, entendiendo la escena de manera tridimensional, las arquitecturas ya no son planas. Igualmente, vemos un gran naturalismo y un gran nivel de observación.Vemos en él, como las expresiones en escenas sumamente dramáticas quedan disimuladas por el convencionalismo. También, gracias a la experimentación vemos cómo consigue colores más vivos. Debemos destacar la serie de frescos que realizó en la Capilla de los Scrovegni en Padua. Vamos a destacar la escena del beso de Judas, para no hablar de la típica huida a Egipto:Vemos la representación de un fondo azul haciendo referencia al cielo, y no el dorado al que estábamos acostumbrados. No obstante el dorado se mantiene en los detalles.Destacamos el volumen y el tratado de las telas, además de una mejora de la anatomía( las manos o los pies) y un gran avance en la realización de los rostros (individuales y caracterizados) aunque no reflejan tanto tensión como la escena muestra. Destacan las figuras de Cristo y Judas en el centro de la composición.
ESCUELA DE SIENA:
Alegoría del buen Gobierno
Como vemos en todo el gótico, no es solo la Iglesia la que encarga las obras, ahora vemos como son las propias autoridades las demandantes de arte y pasando a ser protagonistas del mismo (como el caso del condottiero Guidoriccio da Fogliano de Martini).Debido a este control oligárquico vemos temas relacionados con alegorías de gobierno y episodios de la vida en la ciudad como representa Lorenzetti (1290-1348). Especial atención a la Alegoría del Buen gobierno (las figuras de la paz y la fuerza), con la profundidad gracias al fondo y a la arquitectura, los detalles de los pliegues y el naturalismo de las figuras que se completaría en el Quatrocento. Por otro lado, debemos hablar de Simone Martini (1284-1344), se caracteriza por el uso de líneas suaves, y al contrario que Lorenzetti(al ser anterior) en él vemos una mayor influencia bizantina, de mano del dorado como fondo y decoración como en el caso de la Majestad en el Ayuntamiento de Siena.Así, podemos hablar de su retablo de la anunciación, como un paso anterior a la obra con el mismo nombre de Fra angelico, representando ese cambio del trecento al Renacimiento.
Majestá
San Jorge matando al Dragón, de Bernardo Martorell
La Madonna de los fresales.
Gótico Internacional.
A raíz de la unión e intercambio de las distintas variantes del gótico es que aparece entre el 1380-1450 el gótico internacional. Se trata de un arte cortesano, tanto que se llegó a considerar un estilo cortesano más que internacional. Lo que vemos es una cohesión en la técnica y en la temática de una gran parte de los autores europeos. Es en Aviñón, donde se ven muestras de este estilo debido a la influencia italiana, parisina y sienesa, ya que la ciudad se convirtió en la sede del papado. Vemos la sinuosidad de la línea, la elegancia, el detalle(gracias a la producción de miniaturas) y la predilección por la fauna y la flora(destacando está en los fondos). Asimismo, se mantiene el uso del oro, además de la calidad de los ropajes. Y se tiende a representar horizontes elevados. En la temática, al tratarse de un arte muy cortesano, vemos representaciones de novelas de caballería, de amor cortés, aparecen los temas mitológicos y se mantienen los religiosos; con representaciones elegantes y sentimentales. Como empezamos a ver con Giotto, el pintor consigue la consideración de autor, teniendo poder de decisión en su obra.
La coronación de la Virgen, Gentile da Fabriano (1420)
Jardín del paraiso(1420)
Gótico internacional en Italia.
Gentile da Fabriano(1370-1427): Adoración de los reyes magos (1423), a temple y se ubica en Florencia. En este retablo podemos ver los lujosos ropajes y el detalle de las telas y de la flora,(prestando suma atención a cada detalle del cuadro) una mejora en la integración de las arquitecturas y de los fondos complejos. De nuevo, el dorado vuelve a ser un elemento primordial para los detalles, pero vemos un uso más selecto para ciertos personajes y prendas.Por otro lado, los rostros serenos de los personajes y el tratamiento independiente de los mismos. La escena cuenta con un eje diagonal, el mismo que usará Rubens en su obra homónima y del mismo tema.
Pisanello(1395-1455): Retrato de Lionello d´Este (1441), Galleria dell'Accademia: Ya entrando en la cronología renacentista, no podemos pasar por alto el retrato del marqués de Ferrada, duque de Módena y Reggio; donde se observa la predilección por la representación floral detallada, además de las frentes pronunciadas (como vemos mucho en el caso Flamenco.
Gótico Internacional Francés:
Aunque ya habíamos comentado los libros de horas en el gótico lineal, debemos hacer una mención especial para los hermanos Limbourg y el libro de Tres Riches Heures.Siguiendo la temática y el propósito de estos libros lo que vemos en este caso es una calidad excepcional de la ilustración, siguiendo ese gótico internacional donde se mezclan los temas y diversas influencias. Usando lo profano y lo sagrado vemos representaciones cortesanas, religiosas y hasta astrológicas como el caso del hombre astrológico. Además de esa tendencia a unir la realidad con la fantasía dando lugar a representaciones como la del hombre astrológico. Destaca, los colores azules, los dorados, el detalle en cada punto de la representación y la atención al plasmar las escenas.
- Tratamiento de los temas: lo religioso se representa dentro del marco de la vida cotidiana burguesa, los retratos se centran solo en el protagonista del mismo. Además, de la mano de la visión tomista, entienden que Dios está en todo lo creado y plasman lo sagrado en los objetos habituales de la vida burguesa, implicando un gran simbolismo. Etapas: - Primera generación(s.XV): los hermanos Van Eyck y Roger van der Weyden. - Segunda generación(finales del XV-XVI): Hugo van der Goes, y el Bosco.
Primitivos flamencos:
A fines del siglo XV se desarrolla el gótico flamenco, que nace en los ducados de Borgoña y Flandes desde el gótico internacional. Con una burguesía acomodada se demandaba una gran cantidad de arte, además de las obras encargadas por la Iglesia y la nobleza. Son los duques de Borgoña quienes crearon esta escena, por los encargos que hicieron y el intercambio de pintores e ideas que promovieron. Características: -El óleo, incorporándose en la pintura sobre tabla. Se usa aceite como diluyente y aglutinante, al tardar más en secarse se puede dar más atención a los detalles y a la corrección, además de dar lugar a colores más brillantes. -Veladura: uso de muy poco pigmento y mucho aglutinante, que con capas sucesivas se crea un efecto de transparencia. -Gran minuciosidad en los detalles. -Interés por la luz, preocupándose en cómo incide esta en las formas, y gracias al óleo y la veladura se obtendrán grandes resultados.
Jan Van eyck
Nace en 1390 en Maastricht y muere en el 1441 en Brujas. Fue pintor de Felipe el Bueno y acaba instalándose en Brujas contando con una gran fama.Su obra más conocida es el Matrimonio Arnolfini (1434), donde vemos a las dos figuras algo estáticas, con un gran detalle en las telas viéndose sobre todo en la vestimenta de la mujer, además de en todos los detalles del cuadro. Pero, vamos a prestar especial atención al simbolismo:-El perro a sus pies representando la fidelidad.- El espejo, la pureza de la virgen y rodeado de diez escenas de la Pasión.-El verde del vestido la fertilidad y el rojo la pasión, queriendo indicar que el matrimonio se ha consumado. -El estar descalzos, dado que el suelo es sagrado.-Las naranjas son signo de riqueza, al ser importadas. -La mujer con la mano en el vientre, pudiéndose tratar de una embarazada.
La virgen del canónigo Van der Paele (1434-1436).
Es un cuadro de tema religioso al presentar a la virgen o a san Jorge, pero igualmente cuenta con el retrato del comitente como parte de la escena. A la izquierda vemos al arzobispo Donaciano de Reims, intermediario junto a san Jorge, de perfil, portando una vestimenta azul con detalles en dorado (que nos recuerda a todo el recorrido del gótico). Además de portar la cruz para señalar la presencia de Cristo.La virgen en medio con el manto rojo y el niño, mira a Van der Paelle, portando una diadema de flores mostrando aún más su frente, además de las flores que lleva en la mano contraria a la que usa para sujetar al niño. Destaca el fondo floreado detrás de ella. Además en el trono, vemos escenas del Antiguo Testamento. Van der Paele, viste de blanco y se arrodilla ante Maria, portando un libro y un quevedo, entendiéndose que se trata de un erudito. Se muestra envejecido, esto refleja ese detalle en las arrugas y demás imperfecciones de la piel por la edad.Respecto a San Jorge, su armadura está hecha con un gran cuidado, tanto que en ella se refleja la figura del propio autor.El fondo, de carácter arquitectónico, da profundidad a la escena.
Roger Van der weyden.
Tournai 1399-Bruselas 1464, aprendiz de Robert Campin , su obra muestra un sentimentalismo mayor y un simbolismo menos acusado que en el caso de Van Eyck .Destaca su obra del descendimiento (1450) que se encuentra en el Prado:-Gran dramatismo en la forma de los personajes, mucho más delgados y con volumen escultórico.-Igualmente, la composición es en líneas paralelas, y con el mismo número de personajes y en posturas similares en ambos lados. -Mayor profundidad en el fondo, al incluirlo en un marco, destacando el fondo dorado.-Además, la superposición de líneas, estando los personajes uno detrás del otro.-Vemos el uso de la veladura en las lágrimas.-Lo vaporoso de las telas y sus pliegues da dramatismo a la escena.-La calidad anatómica, se ve en lo marcadas que están las venas.
Retablo de San Juan Bautista.
1455, óleo sobre roble. Se presenta el nacimiento de Juan, el bautismo de Cristo y la decapitación a manos de Salomé. Diferenciando las escenas con arcos apuntados decorados con diferentes escenas y figuras religiosas. en las diversas arquivoltasLa primera escena: Zacarias aparece en primer tramo con una pluma y un pergamino, al lado suya, la Virgen entregando al recién nacido Juan. Estando en el fondo de la escena su mujer en el lecho. En el centro, Juan de rojo, al igual que Dios en el cielo, y Cristo bajo este,(estando la paloma entre medias) siendo bendecido sobre el arroyo, con un ángel a su lado sujetando la túnica. Con un punto de fuga alejado nos perdemos en el agua y demás paisajes.Por último, su muerte, en el interior de un palacio, Salomé por primera vez sostiene en un plato la cabeza de Juan, mientras donde ha tenido lugar el corte se muestra ensangrentado. El verdugo mira a los espectadores más que a Juan, aunque la vida en el palacio se mantiene normal. Salomé, es representada según el ideal femenino de la época.
El bosco:
Holanda (1450-1516). Sus obras, aunque se vean extrañas a la época e incluso obscenas, tienen un intención moralizante y caricaturesco a modo de crítica de ciertas aptitudes, como vemos en el jardín de las delicias (1500-1505). En ella vemos: -Formas orgánicas y combinaciones irreales. -En las tres partes del triptico vemos la presencia de la oscuridad, como en el jardin del Edén con el estanque negro y los animales saliendo de él o los animales que vuelan. -La crítica de los placeres sexuales en el centro de la composición, donde los personajes se encuentran encerrados en diversas estructuras. -En el infierno, la representación de que el pecado está en todos lados, como vemos con el cerdo que porta el hábito de monja.
Mesa de los pecados capitales.
1500, en el Museo del Prado. En el centro vemos a Cristo saliendo de su sepulcro, y alrededor un círculo dividido en siete segmentos que ilustran la ira, la soberbia, la envidia, la lujuria, la gula, la avaricia y la pereza; y como era habitual en la pintura flamenca de inspiración tomista los pecados están ilustrados dentro de la cotidianidad de la vida de Flandés. Luego en cada esquina vemos un círculo, los cuales representan: la muerte( de inspiración al ars moriende, tan típico del arte medieval), el juicio, el infierno (que recuerda al jardín de las delicias) y la gloria. Por ejemplo en la soberbia vemos a una mujer viéndose en un espejo sujetado por un demonio.En la avaricia se ve como se acepta un soborno en el juicio. Así, vemos la intención moralizante con la que cuenta toda la obra del Bosco, con esos personajes delgados y de torso largo, sin un color de gran intensidad. Además del uso de formas raras, como ver una cabeza dentro de una estructura de madera.
Bibliografía.
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