fundamentos

iker carcajona

fundamentos del arte

definición a lo largo de la historia

En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’ El objeto artístico medieval tenía, en el seno de la sociedad en que era producido, un carácter básicamente funcional. Para el medievalista francés Georges Duby, la obra de arte medieval cumplía fundamentalmente tres cometidos: Ser una ofrenda a Dios, ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano, ser una afirmación de poder Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía o incluso de profecía.

definición a lo largo de la historia

Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista Siglo XVIII con la Ilustración, donde comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo xviii con el movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio –el arte es la expresión de las emociones del artista–, que comienza a ser mitificado. Definición Actual: El siglo XX supuso una radical transformación del concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales.

definición de las distintas artes

ARTES VISUALES- Arquitectura - Arte corporal - Arte digital - Arte efímero - Artes decorativas- Artes gráficas - Artes industriales - Artes y oficios - Cinematografía - Dibujo - Diseño - Escultura - Fotografía - Grabado

ARTES ESCÉNICAS- Danza - Teatro ARTES MUSICALES - Canto Coral - Música - Ópera ARTES LITERARIAS - Narrativa - Poesía - Drama

ARTES ESCÉNICAS: DANZA Y TEATRO ARTES MUSICALES: CANTO CORAL, MÚSICA Y ÓPERA ARTES LITERARIAS: NARRATIVA, POESÍA, DRAMA

La estética (del griego αισθητικός, aisthetikós, «susceptible a ser percibido por los sentidos» y este de αισθάνεσθαι, aisthánesthai, «percibir») es la rama de la filosofía que estudia la esencia y la percepción de la belleza y el arte. Sean del género que sean, las obras de arte se realizan y enjuician principalmente desde cuatro concepciones estéticas. Una teoría estética es un conjunto de respuestas a las preguntas que los humanos nos hacemos sobre qué es y cuándo es algo bello o feo y sobre los objetivos que debe perseguir un artista, así como sobre los criterios que permiten diferenciar los grados de belleza y/o fealdad de una obra. Las teorías más significativas, que no deben tomarse ni como únicas ni como excluyentes, son las cuatro siguientes. (Algunos autores señalan también la Mímesis) EL FORMALISMO Sostiene que el valor estético de una obra proviene de sus cualidades formales. Considera irrelevantes la expresión de sentimientos, ideas o valores. El valor estético no radica en elementos subjetivos o accidentales. La excelencia artística de la obra de arte está definida por la forma, por la razón. El contenido, si lo hay, no importa tanto como la forma de mostrarlo, contarlo, exponerlo. El arte es autónomo respecto de la realidad, no está necesariamente sujeto a representar lo que vemos. El creador debe atender a la combinación de colores, líneas y planos o sonidos y palabras para buscar armonía, la proporción, el equilibrio. La belleza resulta del aspecto formal de la composición. Lo feo o mal hecho es lo caótico, lo deforme, desordenado, desequilibrado, irracional. Aquí tienes varios ejemplos de arte formalista: en pintura, cuadros de Vasily Kandinski y de Piet Mondrian

teorías del arte

EL EXPRESIONISMO El arte es un vehículo para comunicar sentimientos y estados del alma. El artista y su capacidad de creación es más importante que la realidad representada. La finalidad del arte no se puede separar de esta intención comunicativa. La belleza consiste en conseguir expresar de forma subjetiva la naturaleza del ser humano. La primacía de las emociones provoca una deformación de los objetos, que no reflejan la realidad objetiva sino su trasfondo emocional EL SIMBOLISMO La obra de arte muestra una realidad propia que hay que conocer, el arte es una continua recreación de mundos posibles. El arte comunica contenidos (ideas) a través de símbolos que es preciso conocer y analizar La obra bella es la que consigue transmitir eficazmente mucho significado que es entendido por aquellos a los que va dirigido. Feo es lo que no transmite ningún significado o lo que no lo transmite bien, de modo que se entienda. La obra de arte es un sistema de símbolos EL INTELECTUALISMO Valora en la obra artística la verdad más que la belleza, antes que el estilo o la estructura formal de la obra. Como una forma peculiar de estructurar la realidad La obra de arte es una interpretación conceptual de la realidad. El objeto del arte no es crear belleza sino el conocimiento de la verdad. El arte es la más alta realización del espíritu, es la principal forma de conocimiento subjetivo en tanto que la ciencia es la principal forma de conocimiento objetivo.

teorías del arte

paleolítico

PALEOLÍTICO --- piedra poco pulimentada (4.000.000 – 8.000 a.0) Inferior Medio Superior --- cazadores – dependen del entorno Arte mobiliar - Pequeñas estatuas de piedra (5-25 cm.) - Partes del cuerpo destacadas. Vientre, pechos VENUS – culto a la fertilidad (Venus de Willendorf) - Esculturas de animales de hueso y marfil/bastones de mando - Cerámica - No conocen el torno Técnica de “churros” --- vasos campaniformes

Pintura rupestre (cuevas) - - Materiales- pigmentos naturales - Técnicas – dedos/manos/pinceles/palos Figuras de personas/animales/signos Distribución geográfica Pintura – Francia/España/Italia (Lascaux/Altamira/Cogull)

neolítico

Construcciones MEGALÍTICAS – piezas de piedras grandes - El hombre se hace SEDENTARIO - Creencias religiosas – ENTERRAMIENTOS - Aparece la JERARQUÍA Monumentos megalíticos - Constituidos por grandes piedras más o menos geométricas - Básicamente se encuentran en Europa Menhir, Alineamientos, Crómlech, Dolmen ESPAÑA Talayot Taula Naveta GRAN BRETAÑA Stonehenge

egipto, contexto histórico

Geografía - Imperio Antiguo (2.700-2.200 a.0) - Menfis Faraón Zoser Grandes pirámides Keops/Kefren/Micerinos Esfinge Tumbas - Imperio Medio (2040-1738 a.0) – Tebas Templo del dios Amón Templo reina Hatsepsut - Imperio nuevo (1570-1070 a.0) – Tebas/Tel el Amarna/Tebas Grandes templos. Luxor/Karnak Valle de los Reyes Economía Agricultura/comercio Forma de gobierno: Teocracia – el Faraón es la materialización de dios en la tierra Sacerdotes, Nobleza, Pueblo y esclavos Sociedad: Sociedad jerarquizada Cultura: Sólo tenían acceso las capas altas de la sociedad Escritura: Escritura jeroglífica

arquitectura egipta

Dos finalidades. - Carácter funerario/Ensalzamiento del poder MONUMENTALISMO o COLOSALISMO - Materiales Adobe – barro y paja secados al sol - Piedra – sillares de piedra arenisca - Elementos constructivos - Sustentantes – Muro/columna (basa/fuste/capitel) - Sustentados – dinteles de piedra - Edificios funerarios - Mastabas, Pirámides, Hipogeos (valle de los reyes y valle de las reinas) Templos Avenida/pilonos/patio/sala hipóstila/cámara divina “Karnak”/”Luxor”/”Abu Simbel”/”Reina Hatsepsut

escultura egipcia

Carácter funerario/carácter divino Materiales Piedra – mármol (dura) y arenisca (blanda)Barro Bronce Madera Marfil Técnicas Exenta Adosada Relieve Descripción RelievesPolicromados Carácter narrativo

HIERATISMO Ojos almendrados Mirada tensa Falta de expresividad Gran serenidad Brazos adosados a lo largo del cuerpo Figuras de pie o sentadas (sedentes) Simetría “Cheik el Beled” “Escriba sentado” “Busto de Nefertiti” “Ramses II” “Abu Simbel”

pintura egipcia

- Pintura al fresco - Tumbas/templos/sarcófagos - Policromía - Fondo dorado - Negro/rojo/azul - Frontalidad en las figuras - Escenas cotidianas ORFEBRERÍA Oro y piedras preciosas Joyas Pulseras Collares Brazaletes Sarcófagos “Máscara de Tutankamón”

mesopotamia

“Creciente fértil” --- “Entre dos ríos” --- Tigris y Éufrates CALDEA ASIRIA PERSIA CARACTERÍSTICAS - Terrenos fértiles de aluvión - agricultura - Fundamental la presencia del Tigris y el Éufrates - Ausencia de madera (la de palmera no es buena para construir) - Escasez de piedra - Empleo casi exclusivo de ladrillo crudo o cocido Al relacionarse con otros pueblos van incorporando materiales nuevos - Piedra calcárea - Madera de mejor calidad - Granitos y basaltos SOCIEDAD Teocracia Religión --- ZOROASTRISMO Astronomía Astrología Escritura cuneiforme

región de caldea

- Emplazada entre el delta del Tigris y el Éufrates - Llano uniforme de terrenos de aluvión - Terreno muy fértil - Carencia de piedra y madera Ciudad de UR era la ciudad más importante del mundo conocido. Fue fundada en el 2.500 a.0 Tenía salida al Golfo Pérsico desde su puerto En el 2006 comienza una época de malas cosechas --- hambruna En el 2000 a.0 los habitantes empiezan a abandonarla. Entre las familias que lo abandonan está la de ABRAHAM (Canaán). La ciudad se fue apartando del mar debido a los aluviones de arena “Templo del dios lunar Sin” (“Zigurat de Ur”) 7 pisos superpuestos Carencia casi total de huecos “Red de desagües” Construidos con bóvedas de ladrillo Ciudad de BABILONIA Emplazada a orillas del Éufrates Solo quedan ruina a unos 100 Km. al sur de Bagdad Han aparecido sucesiones de estratos superpuestos en excavaciones Fundada por SARGÓN (2340 a.0) – establece una dinastía HAMMURABI (XVIII a.0) – código de leyes NABUCODONOSOR I (XI a.0) NABUCODONOSOR II (VII a. 0)- soberano babilónico más importante “Templo del dios Marduk” 7 plantas Cada una de un color “Murallas y puerta de Ishtar” Ishtar - diosa de la belleza Construido en la época de Nabucodonosor II “Palacio de Nabucodonosor” “Jardines colgantes” “Templo de Etemenanki” Zigurat La torre de Babel de la biblia 20 plantas en 7 cuerpos escalonados

región de asiria

Los asirios portaban armas de hierro, muy superiores a las de bronce. No era un pueblo tolerante La ARQUITECTURA es heredado de la Caldea Importante variación en la parte ornamental Ciudad de NÍNIVE Fundada en el 705 a. 0 - Construida con ladrillos secados al sol - Bajorrelieves y esculturas de piedra Ciudad de KHORSABAD - Fue la primera capital del Imperio Persa - Ciudad de gran esplendor y belleza - Ladrillo/madera/piedra

región de persia

Ciudad de PERSÉPOLISFue la capital establecida por DARÍO “El grande” Solo quedan las ruinas tras el saqueo e incendio de Alejandro Magno Estaba enclavada en la “ruta de las caravanas” Está elevada sobre una gran terraza Construido mayoritariamente con piedra Cubiertas y techos de madera Red de canalización y desagües “Palacios de Darío y Jerjes" Los persas aportaron un elemento fundamental en la historia de la arquitectura BÓVEDA (CÚPULA ESFÉRICA) TROMPAS/PECHINAS

Caida de Nínive CIRO “El Grande” Unifica: Egipto/Babilonia/Grecia/Fenicia El arte persa es ecléctico: - Culturas mediterráneas/Egipto/Asia Ciudad de ECBATANA - Primera capital del IMPERIO PERSA - Ciudad de gran esplendor y riqueza - Ladrillo/madera/piedra

guerreros de xian

GUERREROS DE XIAN Dinastía QIN --- gobierna CHINA ORIENTAL --- 221-206 a. 0 Qin Shi Huang Autoproclamado “Primer Emperador” de la dinastía – 210 a. 0 Primer Emperador de la China unificada GUERREROS DE TERRACOTA Descubiertas durante unas obras de abastecimiento de agua en 1974 cerca de la localidad de Xian. TERRACOTA = 75% de arcilla+25% de arena --- cocidos a 1.300º Es un ejército enterrado en formación de batalla Tres fosos de 4-8 metros de profundidad - 1º Foso 200x60 metros --- 7.500 guerreros Figuras de tamaño natural; unos 1.80 metros de alto Equipados con armaduras de terracota Cada figura – rasgos y características diferenciados Las cabezas y las manos se moldean a mano y se unen a la figura Figuras de colores vivos y brillantes - 2º Foso 69 figuras --- “Fosa de los Generales” Figuras de caballos - 3º Foso 1.000 guerreros, algunos sin desenterrar

Los órdenes arquitectónicos Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista viva, éntasis, capitel sencillo, arquitrabe de una sola pieza, friso dividido en triglifos y metopas. Jónico: con basa, columna esbelta, fuste acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas, friso continuo (puede estar decorado). Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de acanto

arquitectura griega

Características generales - Alcanza una perfección técnica con clara influencia en toda Europa: Roma, Renacimiento, Neoclasicismo, movimiento moderno. - Materiales: piedra y mármol. - Relación con el espacio exterior: Importancia del exterior; menor preocupación por los interiores. - La belleza es proporción, armonía. El Módulo. Arquitectura arquitrabada. - Elementos: basamento, columnas, entablamento, cubierta o frontón. - Elementos decorativos: relieve y pintura. - Correcciones ópticas. (éntasis en las columnas) - Diferentes tipologías (santuarios, teatros, templos, ciudades y edificios civiles). Su evolución pasa por: - Época arcaica (siglos VIII-VI a.C.):Formación. Surgen los órdenes dórico y jónico. - Época clásica (siglo V a.C.): perfección. Acrópolis de Atenas (Partenón, Erecteion, Atenea Niké, Propileos). - Época postclásica (siglo IV.C.): Ruptura de la norma clásica. Linterna de Lisícrates, tholos y construcciones monumentales. - Época helenística (siglos IV-I a.C.): influencia oriental. Construcciones muy complejas, decoradas, orden corintio. Altar de Zeus en Pérgamo.

escultura griega

Características generales Importancia del HOMBRE. El CÁNON: belleza, número, proporción. Materiales: piedra o mármol; bronce. Técnica criselefantina. Escultura de bulto redondo. Relieves: adaptación al marco arquitectónico. Escultura policromada. Evolución: desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico. Etapas Período arcaico (siglos VIII-VI a.C.) Función religiosa. Influencias egipcias y persas. Hieratismo, frontalidad, geometrización, sonrisa arcaica. Progreso hacia el naturalismo. En cuanto a las obras y autores destacan los kuroi y korai, el Templo de Afaia en Egina, el Moscóforo y la dama de Auxerre Período clásico (ss. V-IV a.C.) Primer clasicismo (estilo severo): etapa de transición, se abandona la frontalidad. Idealismo y expresión contenidas (equilibrio entre el “ethos” y “pathos”). o Auriga de Delfos. Plenitud del Clasicismo (segunda mitad siglo V a.C.): naturalismo e idealización. Búsqueda de la belleza ideal. Armonía y proporción. Dominio total de la anatomía. Segundo clasicismo (siglo IV a.C.): menor majestuosidad, canon estético más estilizado, se acentúa el naturalismo, aparece el desnudo femenino. Se busca la belleza a través de lo diverso y expresivo. o Praxíteles (estilo hedonista) Los autores y obras que destacan son: Mirón, Fidias, Policleto, Praxíteles, Scopas, Lisipo y El Auriga de Delfos 3. Período helenístico (ss. IV-I a.C) Realismo; sentimiento (pathos); barroquización; mayor expresividad; gusto por lo dramático y anecdótico. Temas variados: retrato, desnudo femenino, temas de género (personajes humildes). En relación con las obras y autores, destacan: Venus de Milo, Victoria de Samotracia y Laocoonte y sus hijos.

arquitectura romana

Los romanos revolucionaron la construcción: los materiales: una especie de cemento (opus caementicium) que se hacía a partir de cascajo de piedra, cal (o cenizas de mineral que contenían cal) y agua. La piedra en sillares y en sillarejo. El ladrillo cocido, si bien mesopotámico, los romanos desarrollaron sus posibilidades al máximo. El estuco y el mosaico para recubrir superficies de interiores. Y el mármol, en planchas, en el exterior. Se cubre, habitualmente, con teja, desarrollada a partir del ladrillo cocido. los sistemas constructivos el arco y la bóveda (mesopotámicos –y etrusco- también). La cúpula es otro logro. Combinación de arco y arquitrabe. Uso de elementos sustentantes como decoración exterior (columnas y pilares adosados) Dos “órdenes” nuevos: el compuesto y el toscano. El muro es el elemento sustentante principal, por lo que da un aire de “solidez” y pesadez, macizo. Tipología variada de aparejo en el muro y también en su forma de hacerlo. El más usual fue a “soga y tizón”, que da una gran solidez al muro. Los interiores Se articulan buscando una simetría vertical. Espacios amplios cubiertos con bóveda o cúpula. Éstas son de materiales ligeros: toba –una piedra volcánica que llamaban “tufo”- o concreto. Decoración del muro con estuco y pintura. El exterior Decoración con planchas de mármol que realzan la riqueza. Uso de elementos sustentantes para decorar, combinando arco (curva) y arquitrabe (recta) lo que crea una dinámica “visual” original. La ciudad romana Es una cultura eminentemente urbana. Siguen el plano reticular de Hipódamo de Mileto y que ya aplicaban en los campamentos militares. Dos vías dividían la ciudad en cuatro cuartos iguales: el cardo (norte-sur) y el decumano (este-oeste). Estas vías “principales” solían estar flanqueadas a ambos lados por arcadas que sostenían soportales en los que había comercios. Otras vías secundarias daban a éstas y separaban manzanas de viviendas o “insulae” Los romanos revolucionaron la construcción … y el urbanismo: Edificios públicos son: El templo. El Foro o plaza pública. Edificios públicos como la Basílica, la Curia … Los espacios de ocio: teatro, anfiteatro, circo, odeón, palestra. termas, gimnasios … Obras públicas: vías, acueductos, puentes, cloacas Monumentos conmemorativos: los arcos de triunfo y las columnas. Roma asume los tres órdenes que habían desarrollado los griegos y combinan éstos en los exteriores especialmente más como decoración que como elementos sustentantes (para eso prefieren el pilar). Esos tres órdenes los disponen así: debajo el dórico, encima el jónico y, más arriba, el corintio. Además de los tres órdenes, Roma desarrolla y emplea otros dos: el toscano, que habían desarrollado los etruscos a partir del dórico griego; el compuesto, que es propio de los romanos y que combina el corintio con las volutas del capitel del jónico.

escultura romana

El artista era un funcionario al servicio del poder, lo prioritario es ensalzar a la autoridad. La principal función de la escultura es exhibir el poder y la grandeza de Roma y su gobierno. Se divide en el retrato romano y en el relieve histórico-narrativo. Finalidad pública: dar a conocer los héroes romanos y los hechos gloriosos. Los detalles y la realidad son más importantes que el canon. La belleza pierde importancia a favor de la verdad. Géneros relevantes: el retrato y el relieve histórico - RETRATO ROMANO: La escultura romana era esencialmente retratista. Los romanos, como los etruscos, dieron gran importancia al culto a los muertos. Guardaban imágenes de sus antepasados (imagines maiorum). Esta costumbre de dejar constancia de las facciones de la cara incidió grandemente en el desarrollo del retrato: naturalismo (sin idealización) A imitación de esas imágenes en cera se hicieron otras en mármol, que son las que nos han llegado. Se solía pintar los retratos para acentuar la expresión de vida. Cuando se dejaron de pintar se usaron otros efectos, como tallar el iris y la pupila de los ojos. En los bustos se emplearon diversos tipos de piedras policromadas, con la intención de imitar el natural. El envío de retratos del emperador y su familia a las provincias favoreció la primacía de la idealización en algunas épocas. El retrato es la aportación romana más original a la escultura. Su origen está en una antigua práctica funeraria de culto a los antepasados, que era la de crear imagines maiorum. Cuando algún patricio moría se sacaba de su rostro una mascarilla de cera, que se guardaba en casa y se exhibía en los funerales o en otras ceremonias públicas. Su característica principal, por tanto, es la fidelidad en los rasgos y en los tocados (en este caso sobre todo en el reto de femenino) Posturas en el retrato Busto: solo cabeza y cuello De cuerpo entero: de pie (el más común), sedente (más propio de mujeres), ecuestre (a caballo, solo los emperadores) y retratos funerarios femeninos (las figuras de mujer se mostraban cubiertas por una roga y un manto que les envolvía la cabeza)

pintura romana

En la pintura romana va a influir decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas. Las pinturas se hallaban en las paredes de las casas de los romanos más adinerados, generalmente se trata de “pintura al fresco”, aunque también está documentada la “pintura sobre tabla” Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más importantes son de tipo mural, frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores. La pintura romana tuvo como precedentes los frescos de las cámaras funerarias etruscas y la pintura griega, alcanzando un gran desarrollo.- Sin embargo, los restos conservados son mínimos y casi se reducen a los encontrados en las excavaciones de Pompeya y Herculano, donde los historiadores han establecido cuatro estilos: Los Estilos Pompeyanos Primer estilo o de incrustación (siglos II a.C. y I a.C.): El más antiguo, imita revestimientos de mármoles. Segundo estilo o arquitectónico (al siglo I a. C.),. Muestra un deseo de abrir los muros a una cierta idea de la perspectiva con el propósito de ofrecer una sensación de profundidad. Para lograr esto incluye las denominadas arquitecturas pintadas sobre entablamentos, columnas, ventanas o nichos, que conducen a un paisaje imaginario. Tercer estilo u ornamental (primera mitad del siglo I d. C.) En esta fase desaparecen los efectos espaciales arquitectónicos, y la decoración sigue enmarcando cuadros con figuras o paisajes, como los de la villa aparecida bajo la Farnesina en Roma. Hay una menor preocupación por dar profundidad a las escenas, aumentando por el contrario los elementos de carácter decorativo. Cuarto estilo o del ilusionismo arquitectónico (segunda mitad del siglo I d. C). y es una especie de síntesis de las tendencias anteriores, dominadas por una escenografía fantástica donde se combinan los motivos imaginarios y las perspectivas arquitectónicas, dentro de lo que podríamos llamar barroquismo conceptual, donde se acentúan los espacios y fingimientos ópticos. EL MOSAICO En general, el mosaico es usado sobre todo para suelos, siendo en época bizantina cuando sustituya a los frescos en los muros. También en época romana se encuentra el mosaico extendido a cuadros pensiles según lo revelan algunos ejemplares que se guardan en los museos y abrazando en uno y otro caso, asuntos y composiciones históricas. Se usaba para decorar interiores. Siguen utilizando el opus tessellatum de origen griego, aportando como novedad el opus sectile. Las piezas (TESELAS) son de pasta de vidrio, cerámica esmaltada o mármol

prerománico asturiano

ARTE ASTURIANO ARQUITECTURA - Planta basilical - Transepto - Ábsides rectangulares - Bóveda de cañón - Arcos medio punto/peraltados - Pilares, no columnas - Fábrica de piedra Contrafuertes exteriores “Sta. Mª del Naranco” “S. Miguel de Lillo”

arte mozarabe e hispano musulman

ARTE MOZÁRABE ARQUITECTURA Influencia visigoda y musulmana “S. Miguel de Escalada” ARTE HISPANO MUSULMÁN ARQUITECTURA NAZARÍ - Bóvedas de crucería con “nervios delgados” - Exteriores pobres/interiores ricos F - ábrica de ladrillo - Arco de herradura peraltado - Columnas – fustes cilíndricos Estucos en abundancia Techumbre de madera con artesonados ARTE CALIFAL Materiales y piezas reutilizados Fábrica de ladrillo y mampostería Arco de herradura Bóveda califal Almenas escalonadas Estucos/alicatados/mosaicos Características arte musulmán Influencias romanas, bizantinas, sasánidas Decoraciones geométricas y vegetales Apenas hay escultura y pintura ARQUITECTURA Edificios de baja altura Volúmenes cúbicos/cúpulas Fábrica de mármol y ladrillo Decoración estuco Artesonados madera Columnas Arcos herradura Edificios Religiosos Mezquitas Madrasas Civiles Caravansares Baños públicos Palacios Militares Alcazabas Alcazares Torres de defensa Mezquitas—tipos Hipóstilas Iwanes Cupuladas

románico pintura

Ligada a la arquitectura - Pintura mural al fresco - Pintura al temple sobre tabla - Temática religiosa: Pantocrátor Características - Adaptación de las figuras al espacio y marco arquitectónico - Ausencia de perspectiva/perspectiva jerárquica - Fondos monocromáticos “horror vacui” - Geometrización y simetría de las formas - Color uniforme/trazos oscuros

románico escultura

Ligada a la arquitectura Es el arte decorativo por excelencia Influenciado por el arte bizantino—portadas/capiteles Doble función=embellecer+enseñar Características - Anti naturalismo (primera época) - Figuras rígidas sin volumen - Gradación jerárquica - Profunda espiritualidad - Evoluciona hacia el naturalismo - Iconografía - Temas religiosos: Cristo en Pantocrator+evangelistas; Visiones del Apocalipsis; Escultura exenta Cristo o la Virgen Madera/piedra

románico arquitectura

ARQUITECTURA Paso de la basílica romana a iglesia cristiana - Escultura y pintura ligadas a la arquitectura Arte eminentemente religioso. Monumentalidad=propaganda de la religión Perdurabilidad=piedra Elementos sustentantes Muro grueso/doble hoja+relleno/contrafuertes Predominio del macizo sobre el vano Pilar y columna adosados Pilares cruciformes Pilares compuestos Columnas=basa/fuste/capitel Arcos medio punto. FAJONES-FORMEROS Cubierta Cubierta a dos aguas. Estructura de madera, Bóveda de cañón, Bóveda de arista, Bóveda de horno, Cimborrio. Cuadrado/cilíndrico/octogonal, Cúpula sobre trompas o pechinas, Planta:Planta basilical Cruz latina muy evolucionada, Naves/transepto/ábsides Cabecera al Este PARTES Cabecera Ábside—bóveda horno Deambulatorio o girola Absidiolos Nave Central/transepto—bóveda cañón/bóveda arista Nártex a la entrada Crucero—cimborrio+cúpula Exterior Sillares Arcos ciegos Bandas lombardas Canecillos Dientes de sierra Portada Jambas Arquivoltas Dintel Parteluz Tímpano San Martín de Fromista Santiago de Compostela Catedral de Jaca Iglesias de Tahull

gótico pintura

S. XIII. Época de esplendor Va desapareciendo la pintura mural Aparecen --- vidrieras/pintura al temple en tablas/miniaturas Temas básicamente religiosos Canon y proporciones naturales Modelado de los cuerpos con la luz Arquitecturas y paisajes como fondos Técnicas: -Pintura al temple y fresco --- Italia - Pintura al óleo --- Flandes Estilos Gótico lineal. Vidrieras (fin XII- XIII) Primer periodo --- miniaturas y vidrieras Importancia de la línea sobre el color Representación vida aristocrática “Saint Chapelle” Duocento y trecento italianos. Italia (1250-1400) Vinculado al arte bizantino Frescos/pintura tabla/mosaicos B.1. Escuela de Siena Duccio Simone Martini Hermanos Lorenzetti

gótico arquitectura

Catedral ---} edificio paradigmático de la arquitectura gótica Esencia del gótico: - Bóvedas nervadas/Arbotantes - Esencia estructural: Empujes { --- } Contrarrestos Soporte --- transporte vertical de cargas ---liberación del muro ---vidrieras - Arquitectura de huesos, músculos y tendones La arquitectura es la antítesis del románico. Románico --- estructura pasiva, inerte Gótico --- estructura en equilibrio Elementos fundamentales - Arco apuntado - Bóveda de crucería - Arbotantes/pináculos - Contrafuertes - Muros cortina Planta 3/5 naves longitudinales Cabecera/transepto/coro/deambulatorio Alzado --- arquería/tribuna/triforio/claristorio

Entrada (fachada occidental) flanqueada por torres Portadas decoradas --- rosetón Cubierta a dos aguas Cimborrio en el crucero --- torre y aguja Agujas

Gabletes y pináculos Tímpano Se configura por niveles y temas Juicio final Vida de la Virgen Cristo triunfante Arquivoltas Ángeles 24 ancianos del Apocalipsis Parteluz=imagen de Jesús o la Virgen Jambas Apóstoles Profetas

gótico escultura

Se desarrolla principalmente en Francia/Alemania/España Va abandonando los esquemas del románico --- más realismo Se libera del marco arquitectónico Temática e intencionalidad didáctica

Renacimiento

El Renacimiento, un periodo artístico y cultural que floreció en Europa entre los siglos XIV y XVII, se caracterizó por una renovada admiración por la antigüedad clásica y un enfoque en el humanismo. Los artistas renacentistas buscaban la armonía entre lo espiritual y lo terrenal, destacando la importancia del individuo. La perspectiva lineal y el realismo fueron elementos distintivos, permitiendo representaciones más precisas del espacio y del cuerpo humano. Los pintores renacentistas, como Leonardo da Vinci y Rafael, emplearon la técnica del óleo para lograr mayor detalle y durabilidad en sus obras. La exploración de la anatomía y la aplicación de proporciones áureas contribuyeron a la creación de composiciones equilibradas y armoniosas. La arquitectura renacentista revitalizó principios clásicos, incorporando columnas, arcos y cúpulas en estructuras simétricas. Aunque temas religiosos y mitológicos persistieron, se abordaron con un enfoque más humano. Este periodo dio lugar a grandes obras de artistas como Miguel Ángel y Donatello, y su impacto se extendió más allá del arte, influyendo en la filosofía, la ciencia y la política, dejando un legado duradero en la historia cultural europea.

Subtítulo

renacimiento escultura

La escultura renacentista se distingue por su búsqueda de realismo y proporciones anatómicas precisas, reflejando una profunda admiración por la antigüedad clásica. Los escultores renacentistas, como Miguel Ángel y Donatello, crearon obras que exhiben una maestría técnica inigualable y un énfasis en la expresión emocional. Se abandonaron las formas rígidas medievales en favor de figuras más dinámicas y naturalistas. La escultura renacentista también incorporó detalles meticulosos, desde pliegues de ropa hasta cabellos, transmitiendo un sentido de vida y movimiento. La exploración de temas mitológicos y la reinterpretación de la belleza humana caracterizan esta época gloriosa en la historia del arte.

arte romantico

El arte romántico, un movimiento cultural que floreció a finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX, se caracteriza por su énfasis en la expresión emocional, la individualidad y la conexión con la naturaleza. Los artistas románticos buscaban escapar de las restricciones de la razón y la lógica, abrazando la subjetividad y la imaginación. Las obras románticas a menudo representan paisajes impresionantes, escenas históricas emotivas o retratos intensamente personales. Los pintores, como Caspar David Friedrich y Eugène Delacroix, buscaban evocar emociones profundas a través de la paleta de colores, la composición dramática y la atención a los detalles atmosféricos. La literatura romántica también desempeñó un papel crucial, influyendo en poetas como Lord Byron y escritores como Mary Shelley. Este movimiento dejó un impacto duradero, influyendo en la percepción del arte como una expresión poderosa de la experiencia humana.