FOTOGRAFÍA Y LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DE LAS VANGUARDIAS
George Eastman (1854-1932)
El cambio de siglo fue clave para los fotógrafos. Las nuevas cámaras rompieron el vínculo con el cuarto oscuro, se deshicieron de la necesidad de un trípode, y probaron que lo único necesario para hacer fotos era una caja de madera.
Una vez usado el rollo de película, se podía rellenar un cuadernillo que se vendía con la cámara, y remitirlo con esta a la fábrica de Kodak. Entre 5 y 10 días después se recibían de vuelta las fotos y la cámara recargada. Al proporcionar servicio de revelado e impresión, Eastman cortó por primera vez el vínculo entre la fotografía y el cuarto oscuro: había inventado toda una industria.
Anuncio de 1903. Eastman promocionó la Brownie como una cámara barata para el mercado de masas, un regalo ideal para niños. Cuando la presentó en 1900, el precio de la cámara era solo de un dólar en EEUU
En su formato básico, la Brownie no tenía visor. Para hacer una foto bastaba con sujetar la cámara a la altura de la cintura y apretar una palanca: un proceso bastante sencillo para que todo el mundo tomara instantáneas familiares en cualquier lugar
LEICA . Una de las primeras cámaras de 35 mm, fabricada en 1914. Formato mini movible. OSKAR BARNAK, su inventor. Leitz Optische Werbe (producción de microscopios y lentes de aumento)+ camera= LEICA. Se empieza a comercializar en 1924.
Futurismo
Manifiesto futurista 1909. Escrito por F.T. Marinetti para la revista Le Figaro.
I. Queremos cantar el amor al peligro, a la fuerza y a la temeridad. II. Los elementos capitales de nuestra poesía, serán el coraje, la audacia y la rebelión. III. Contrastando con la literatura que ha magnificado hasta hoy la inmovilidad de pensamiento,
el éxtasis y el sueño, nosotros vamos a glorificar el movimiento agresivo, el insomnio
febriciente, el paso gimnástico, el salto arriesgado, las bofetadas y el puñetazo. IV. Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza
de la velocidad. Un automóvil de carrera con su vientre ornado de gruesas tuberías, parecidas
a serpientes de aliento explosivo y furioso... un automóvil que parece correr sobre metralla, es
más hermoso que la Victoria de Samotracia. V. Queremos cantar al hombre que es dueño del volante cuyo eje ideal atraviesa la Tierra
lanzada sobre el circuito de su órbita. (...)
Vll. No hay belleza más que en la lucha. No debe admitirse un jefe de escuela si no tiene un
carácter violento. La poesía debe ser un asalto agresivo contra las fuerzas
anónimas y desconocidas para hacerlas que se inclinen ante el hombre. VlIl. ¡Estamos sobre el promontorio extremo de los siglos! ¿A qué mirar detrás de nosotros, que
es como ahondar en la misteriosa alforja de lo imposible? El Tiempo y el Espacio han muerto.
Vivimos ya en el Absoluto, puesto que hemos creado la celeridad omnipresente. IX. Queremos glorificar la guerra—única higiene del mundo—el militarismo, el patriotismo, el
gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer. X. Queremos demoler los museos, las bibliotecas, combatir el moralismo, el feminismo y todas
las cobardías oportunistas y utilitarias . XI. Cantaremos a las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, el placer o la rebeldía,
las resacas multicolores y polífonas de las revoluciones en las capitales modernas: la vibración
nocturna de los arsenales y de los almacenes bajo sus violentas lunas eléctricas, las
estaciones, pobladas de serpientes atezadas y humosas, las fábricas suspendidas de
las nubes por el bramante de sus chimeneas; los puentes parecidos al salto de un gigante
sobre la cuchillería diabólica y mortal de los ríos, los barcos aventureros olfateando siempre el
horizonte, las locomotoras en su gran chiquero, que piafan sobre los raíles, bridadas por largos
tubos fatalizados, y el vuelo alto de los aeroplanos, en los que la hélice tiene chasquidos de
banderolas y de salvas de aplausos, salvas calurosas de cien muchedumbres.
Formas únicas de continuidad en el espacio. Umberto Boccioni. 1913
Dinamismo de perro con correa. Giacomo Balla. 1912.
Fortunato Depero
Antecedentes. Estudios del movimiento
Exposiciones cortas para que ningún movimiento realizado durante ellas emborrone las imágenes. Eadweard Muybridge mostró como diseccionar una acción fluida en pasos claramente separados.
Étienne Jules Marey (Francia, 1830 – 1904)
Cuando empezó sus experimentos fotográficos Marey era ya un renombrado fisiólogo, y sus inventos fueron el fundamento para los modernos sistemas de monitorización.
En 1881 Marey conoció a Muybridge, quien lo convenció del valor de la fotografía para su investigación. Marey fue el primero en explorar otra forma de captar el movimiento mediante fotografias: grabar una serie de exposiciones en una sola imagen, capturando en único negativo las etapas de un movimiento. Dicho proceso garantizaba que los momentos captados eran realmente secuenciales.
CRONOFOTOGRAFÍA
La cronofotografía con su método y con distintos instrumentos de registro consigue plasmar la relación entre el espacio y el tiempo. Queda así plasmada la huella del movimiento. Con esta técnica plasmó y pudo congelar los pasos de un hombre y los de un caballo. También cómo volaban diferentes insectos y aves.
Creó el "rifle fotográfico" que podía capturar hasta doce imágenes por segundo. De esta manera podía congelarse el movimiento de casi cualquier cosa.
En el año 1882 sustituyó su rifle fotográfico por una cámara de cronofotografía. Esta era de placa fija y tenía un obturador con el que podía controlar el tiempo.
Hermanos Bragaglia: principales representantes del futurismo
Anton Giulio (1890-1960)
Arturo (1893-1962)
Concepto: fotodinamismo
Salutando. 1911. Una de las primeras fotodinámicas de los hermanos Bragaglia
Largas exposicines
Anton Giulio y Arturo Bagraglia,
El violoncelista, 1932
Más fotografías donde se captura el movimiento
Otros fógrafos posteriores que también representan el movimiento
Harold Eugene Edgerton (1903-1990)
Inventó el estroboscopio, un dispositivo para producir cortos estallidos de luz. Esto le permitió tomar imágenes en fracciones de segundo de objetos en movimiento que no podían ser vistos por el ojo humano, incluyendo balas y colibríes en vuelo, bombillas que se rompían y atletas en acción. Algunas de sus fotografías tenían un tiempo de exposición de menos de 1/10.000 de segundo.
En 1937 comenzó una asociación de por vida con el fotógrafo Gjon Mili, quien usó equipo estroboscópico, en particular una luz estroboscópica «multiflash», para producir fotografías sorprendentementses, muchas de las cuales aparecieron en la revista Life. Esta luz estroboscópica podía destellar hasta un millón de veces por segundo.
Man Hitting Tennis Ball. Harold Edgerton American
1949
Firma de Salvador Dalí, la corona líquida, inspirada en la imagen estroboscópica de la caída de una gota de leche. La imagen fue captada por primera vez el año 1935 por Harold Edgerton
Cutting the Card Quickly. Harold E.
Edgerton (1964).
GJON MILI (1904-1984)
Gjon Mili nació en Albania y creció en Rumania, antes de emigrar a Estados Unidos para estudiar ingeniería eléctrica. Después de trabajar en Westinghouse en aplicaciones fotográficas de técnicas de iluminación, conoció en 1937 a Harold Edgerton, quien había desarrollado la luz estroboscópica. Mili experimentó con el proceso y empezó a publicar su trabajo en la revista LIFE con una de sus primeras fotos al jugador de tenis Bobby Riggs en acción. Las imágenes, tomadas en 1/210.000 de segundo, también marcaron el comienzo de una década de trabajo estroboscópico: “Realmente se podría hacer que el tiempo se detuviera. La textura podría conservarse a pesar de un movimiento violento y repentino”.
La técnica de Gjon Mili consistía en hacer retratos con pequeñas luces o con estroboscopios. Fue en 1949 que se dio a conocer el concepto más claro sobre light painting.
La revista LIFE le propusó a Gjon Mili a hacer un reportaje sobre Pablo Picasso. Así Mili fue a la casa de Picasso, al sur de Francia, y le mostró algo de su trabajo: patinadoras de hielo que tenían pequeñas luces en sus patines saltando en la oscuridad. Entonces la mente de Picasso empezó a correr.
Stephen Dalton (1937- actualidad)
Trabajando casi exclusivamente en su casa y en los bosques cercanos, el británico Dalton se ha ganado la fama mundial como fotógrafo de naturaleza, llevando los trabajos de Jules-Étienne Maray a su máxima expresión. Sus fotografías de animales en vuelo ofrecen una combinación incomparable de preparación esmerada, detalle e iluminación delicada. Cuando se inscribió en el curso de fotografía para escapar de un aburrido trabajo de oficina, Dalton no tardó en descubrir que le interesaban los animales. Hacia 1970 observó que nadie había fotografiado el vuelo de un insecto y, decidido a captarlos con todo detalle en su hábitad natural, se puso a preparar el equipo adecuado. Aparte de la cámara y el trípode, tuvo que hacerlo todo él mismo, construía minuciosos escenarios. Después de una pausa en 1990, Dalton ha vuelto fotografiar insectos al vuelo, usando ahora una cámara digital de alta resolución y un flash con una duración inferior a 1/60.000s para eliminar prácticamente cualquier rastro de movimiento.
Alvin Langdon Coburn (1882-1966)
Alvin Langdon Coburn fue un fotógrafo estadounidense y una figura importante en la historia de la fotografía moderna. Nació en Boston y demostró un interés temprano en la fotografía, recibiendo su primera cámara a la edad de ocho años. A los 16, ya era miembro de la Photo-Secession, un grupo liderado por Alfred Stieglitz.
Coburn se destacó por su habilidad técnica y su enfoque innovador en la fotografía. Fue conocido por experimentar con técnicas pictóricas y jugar con la luz y las sombras en sus imágenes. Además, fue un pionero en el uso de la impresión en goma bicromatada, un proceso de impresión fotográfica. Sin embargo, a medida que avanzaba en su carrera, Coburn se alejó del pictorialismo y se sintió atraído por las formas más abstractas y modernas de expresión fotográfica. Su serie de retratos conocida como "Vortografías", realizada utilizando un prisma especial para distorsionar las imágenes, reflejó su interés en el modernismo.
Alvin Langdon Coburn, El pensador 1906
El pulpo, Madison Square Park,1909
Alvin Langdon Coburn, Tejados de la estación, Pittsburgh, 1910.
Las mil ventanas, Liberty Tower, 1912
Marius de Zayas, 1914.
Vortografías
DADAÍSMO
El dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió durante la Primera Guerra Mundial, buscando romper con las normas tradicionales del arte. Sus obras eran absurdas, irracionales y sin sentido, como una forma de protestar contra el orden establecido. Usaban técnicas como el collage y el ready-made para desafiar las convenciones del arte, promoviendo la libertad total en la creación.
El ready-made es un concepto artístico en el que objetos comunes y cotidianos son transformados en arte simplemente al ser seleccionados y presentados por un artista, sin modificación significativa. Nos invita a cuestionarnos qué es el arte.Fue popularizado por Marcel Duchamp.
Christian Shad
Shadografías
Hannah Höch (1889–1978)
Corte con el cuchillo de cocina dadá Hannah Höch
Alemania, 1919
Hannah Höch (Gotha,1889 - Berlín, 1978) . En sus años juveniles conoce a Raoul Hausmann, con quien mantendrá una conflictiva relación sentimental hasta 1922. Hausmann la introduce en los
círculos dadaístas. Hannah Höch desarrollará la técnica del collage, que descubrió junto a Hausmann en 1918, al servicio de una nueva concepción del
cuerpo de la mujer y de los valores de género cambiantes. Sin renunciar a la pintura
y a la acuarela de carácter geométrico y constructivista, Höch descollará en la composición, a
veces con un toque de humor e ironía, de figuras humanas en las que los rasgos europeos se
mezclan con los de culturas africanas o japonesas.
Fascinada por los avances que experimentaron las mujeres de su época durante unos años en que
surgieron los movimientos feministas y las primeras organizaciones homosexuales, eso no le impide criticar la imagen cosmética y frívola que algunos medios transmitían de Die Neue Frau (La nueva mujer). Sus fotomontajes también transmiten aires de
fantasía. Se interesa asimismo por algunos adelantos tecnológicos y sigue recortando artículos e imágenes de revistas y periódicos con los que
compone obras de tipo orgánico o semi-abstractas de gran fuerza visual.
SURREALISMO
Man Ray (Emmanuel Radnitzky)
Filadelfia, Pensilvania, EE.UU., 1890 - París, Francia, 1976)
Man Ray (1890-1976) fue un fotógrafo y artista clave en el movimiento dadaísta y surrealista, uno de los grandes innovadores en el campo de la fotografía durante el siglo XX. Aunque nació en Estados Unidos, gran parte de su carrera la desarrolló en París, donde se relacionó estrechamente con otros artistas de la vanguardia como Marcel Duchamp, René Magritte y André Breton.
Como fotógrafo, Man Ray es conocido por sus experimentos con técnicas y conceptos que desafiaron las convenciones de la fotografía tradicional.
«Pinto lo que no puede ser fotografiado, aquello que procede de la imaginación, de los sueños o del inconsciente. Fotografío las cosas que no quiero pintar, las cosas que tienen una existencia en ese momento»
Novedades de Man Ray
- Rayogramas: colocaba objetos sobre papel fotográfico sensible a la luz, luego los exponían a la luz sin utilizar una cámara. El resultado era una imagen en negativo, que reflejaba la silueta de los objetos, creando efectos visuales abstractos y etéreos.
- Sobreimpresiones: superpone negativos que le permiten captar movimientos o un relieve, y yuxtaponer dos elementos de manera que cobrase un significado diferente.
- Serie de solarizaciones: efecto Sabattier. Consiste en exponer a la luz una copia durante el revelado para que alterar los tonos (sobre exposición).
El violín de Ingres
Man Ray 1924
Homenaje a Ingres, pintor francés del siglo XIX. Retrata la espalda desnuda de Kiki de Montparnasse. Con esta fotografía lo que trata de hacer es cambiar la realidad y darle otro significado. Dibujas dos f en la espalda para crear una asociación entre el instrumento y el cuerpo desnudo femenino.
1918
Man Ray hizo "Mujer" después de haber hecho "Hombre". "Hombre" es una fotografía de un batidor de huevos giratorio, cuyo mango y batidores forman una metáfora visual de los genitales masculinos. Para "Mujer", Man Ray reunió el equipo de su cuarto oscuro (dos reflectores metálicos esféricos y seis pinzas para la ropa sujetas a una placa de vidrio) de tal manera que sugiriera los senos, las costillas y la columna vertebral de una mujer. En el sentido de que "Hombre" y "Mujer" subvierten las percepciones tradicionales del desnudo en el arte, constituyen un gesto esencialmente dadaísta. Una vez fotografiados, los objetos dejaron de existir como "hombre" y "mujer"; fueron desmantelados y sus componentes volvieron a su uso original.
Rayograma El beso Man Ray 1922
SolarizaciónMan Ray 1931
Autorretrato Man Ray
Dora Maar retratada por Man Ray, 1936
Man Ray y Lee Miller tuvieron una relación tanto profesional como personal, que se desarrolló en París durante los años 1920. Lee Miller, inicialmente modelo y más tarde fotógrafa, se convirtió en musa y colaboradora cercana de Man Ray, quien fue uno de los principales exponentes del movimiento surrealista. Juntos trabajaron en varias series fotográficas, y Miller se convirtió en su modelo más frecuente, participando en algunas de las imágenes más icónicas de Man Ray. Ella aprendió mucho de Man Ray, particularmente en cuanto a la técnica fotográfica y el uso del surrealismo en la fotografía. Más tarde, Lee Miller se independizó como fotógrafa y logró su propio reconocimiento, convirtiéndose en una de las fotógrafas más importantes de su tiempo.
Lee Miller Asistenta fotográfica de Man Ray.
Se cuestiona la autoría de algunas de las fotos que Man Ray hizo en esos años (pudieron ser de Lee Miller) incluso el "descubrimiento" de la solarización.
Autorretrato de Man Ray tras la ruptura con Lee Miller, 1932. Puesta en escena de un suicidio con diferentes herramientas
¿Quién es Eugène Atget y qué relación tiene con el surrealismo?
Eugène Atget (1857-1927): inspira a los surrealistas
Eugène Atget (1857-1927) fue un fotógrafo francés, conocido por sus imágenes documentales de París a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. A pesar de trabajar antes de la llegada del surrealismo, Atget es considerado una influencia importante para este movimiento y para la fotografía moderna en general. Atget se dedicó a capturar la esencia de París, enfocándose en sus calles, tiendas, fachadas, jardines y monumentos antes de que estos fueran alterados por la modernización. Su estilo es detallado y objetivo, sin buscar el dramatismo, y sus fotografías suelen tener una atmósfera melancólica y nostálgica. Utilizaba una cámara de gran formato y largas exposiciones, lo que le permitía capturar detalles precisos, pero también daba a sus imágenes una cierta quietud y sensación de vacío. Aunque Atget no era famoso en vida, su trabajo fue valorado y promovido por artistas como Man Ray y Berenice Abbott después de su muerte. Hoy, se le considera un precursor de la fotografía documental y artística, y su obra sigue siendo estudiada por su valor histórico y estético.
https://artsandculture.google.com/story/agWRrLG0_dwMZw?hl=es
Dora Maar (1907-1997)
Henriette Theodora Markovitch
París
Fotografía callejera
Dora se crió en Argentina. Cuando vuelve a París estudia en la Académie Lothe, más tarde lo hace en la École Photographie de París. En 1931 abre un estudio de fotografía con Pierre Kéfer. Su fotografía hasta 1934 se centra en fotografía de calle, encargos para revistas de moda y algunos retratos. Fue introducida al surrealismo a través de Jacqueline Lamba (mujer de André Breton). Utiliza recursos experimentales en su obra: solarizaciones, sobreimpresiones, fotocollages y ángulos inusuales que crean unas fotografías sombrías y misteriosas.
Niño con boina, 1932
Viaje a Barcelona en 1933
Mendigo ciego, 1934
Etapa surrealista
Dora Maar utilizó la fotografía para crear imágenes que desafiaban la lógica y la realidad, explorando la transformación de la realidad mediante la manipulación de la luz, la sombra y la composición. Sus obras reflejan escenas de fragmentación y distorsión, evocando el subconsciente. Durante su etapa surrealista, se especializó en fotomontajes y manipulación de imágenes, creando composiciones complejas y emocionales, con figuras monstruosas y visiones distorsionadas, alineadas con la exploración surrealista de lo irracional y onírico.
SIN TÍTULO 1935
Caballeros (1936).
Sin título, 1935.
Retrato de Ubu, 1936.
Trabajos de publicidad y moda
Modelo en Traje de baño (1936)
Maniquí con una gran estrella en lugar de la cabeza (1936)
Publicidad para Petrol Hahn, 1935
Dora Maar y Picasso iniciaron su relación en 1936 y la mantuvieron hasta 1943. Ella, fotógrafa surrealista, se convirtió en su musa y documentó el proceso del Guernica. La relación fue intensa y conflictiva, marcada por el control y maltrato psicológico de Picasso. Tras la ruptura, Dora sufrió una crisis mental, se apartó del arte y acabó viviendo recluida y dedicada a la pintura y la religión.
Picasso trabajando en el «Guernica» en su taller. 1937.
Dora Maar Sin título, 1980
Man Ray
Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 1890-París, 1976)
Man Ray, figura clave del surrealismo, usó la fotografía para explorar lo onírico y lo irracional.
Velo erótico , 1933
Blanco y negro, 1926
Muestra un close-up del rostro de una mujer, enfocando principalmente en sus ojos y mejillas. Los ojos miran hacia arriba, lo que sugiere una expresión de tristeza o súplica. Las lágrimas no son reales, sino que están representadas por gotas de vidrio perfectamente esféricas, cuidadosamente colocadas sobre el rostro de la modelo.
Lágrimas, 1932
The Kiss Man Ray 1935
Brassaï
Gyula Halász (1899 - 1984)
Brassaï fue una de las figuras más destacadas de entre los fotógrafos europeos y
americanos cuyo trabajo, en el período de entreguerras, enriqueció enormemente el
potencial de la fotografía como forma de expresión artística. Su tema principal fue la ciudad de París, a la que se trasladó en 1924 con
intención de dedicarse a la pintura. Hacia el final de la guerra, el centro neurálgico de la
vanguardia parisina había emigrado desde Montmartre hasta Montparnasse, donde la
mayoría de los artistas, una gran comunidad internacional, vivían como en una gran
familia. Brassaï sentía fascinación por la capital francesa; en alguna ocasión llegó a decir
que había comenzado a hacer fotografías para expresar su pasión por la ciudad de noche,
si bien su obra pronto se llenó de retratos, desnudos, naturalezas muertas, imágenes de la
vida cotidiana, rincones pintorescos y monumentos captados también de día.
Brassaï, pseudónimo de Gyulá Halász, nació en 1899 en Brassó, Transilvania (hoy Braşov,
en la actual Rumania), lugar de donde procede el nombre que más tarde escogería para
firmar sus fotografías (“Brassaï” significa, literalmente, “de Brassó”).
Tras estudiar arte en Budapest y Berlín se trasladó a París, y muy pronto comenzó a
obtener ingresos esporádicos y una cierta reputación vendiendo artículos y caricaturas a
periódicos alemanes y húngaros. Las fotografías estaban sustituyendo rápidamente a las
ilustraciones tradicionales en periódicos y revistas, y el trabajo de Halász para estas
publicaciones le llevó a improvisar una agencia fotográfica. Al principio les proporcionaba imágenes hechas por otros fotógrafos, pero más
tarde por él mismo. Así abandonó la práctica de la pintura y la escultura, disciplinas por
las cuales, sin embargo, mantendría un gran interés y a las que regresaría durante su
carrera.
Hacia 1900, la valoración de la fotografía se limitaba a su capacidad para emular la
apariencia de las artes más tradicionales. No fue sino hasta los años 1920 y 1930 que una
nueva generación rechazó tal enfoque y comenzó a explorar el potencial artístico de las
fotografías comunes y corrientes. Cuando esta tendencia comenzó a alcanzar un amplio
reconocimiento en la década de 1970, Brassaï sería reconocido como una de sus
principales figuras.
Durante la ocupación alemana de París, dejó de hacer fotografías, volvió al dibujo y
empezó a escribir. Después de la guerra, volvió a
dedicar parte de su tiempo a la fotografía y viajó regularmente por encargo de la revista
norteamericana Harper’s Bazaar. Murió en Beaulieu-sur-Mer (Francia) en 1984, sin haber
regresado nunca a su ciudad natal.
Comienza a interesarse por los graffitis hacia 1930. Es el primer artista que concibe esta forma expresiva como un arte
Brassaï capturó la vida nocturna, las calles, los cafés y la bohemia de la capital francesa en los años 30. Su trabajo refleja la atmósfera única de la ciudad, tanto su glamour como su decadencia.
Su libro más famoso, "Paris de Nuit" (París de Noche) (1933), lo consagró como uno de los grandes fotógrafos de su tiempo, mostrando escenas urbanas llenas de misterio y poesía.
La sensualidad y el erotismoEn varias series, exploró temas de sensualidad y erotismo, especialmente en sus imágenes de cabarets, burdeles y escenas íntimas. Estas fotos a menudo están cargadas de una atmósfera poética y no buscan ser vulgares, sino capturar la esencia de la experiencia humana.
El mundo de los artistas y la intelectualidad Fue amigo y colaborador de importantes figuras del arte y la literatura como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Henri Matisse y André Breton. Realizó una serie de retratos de artistas y documentó sus estudios, capturando no solo a las personas, sino también los espacios creativos que habitaban.
Serie graffiti: surrealismo
Brassaï ordenó esta serie (1930-1950 aprox) en categorías que él mismo había creado: L'amour, Naissance du visage, La mort, Images primitives y La magie. La alusión al automatismo y a los cadáveres exquisitos de las fotografías de los grafitis es inevitable y demuestra un interés por el carácter maravilloso del hallazgo fortuito
Actividad: Comentario de una fotografía
Elige una de las siguientes imágenes y contesta.
- Autor, breve biografía.
- ¿Qué y quién aparece en la imagen?.
- ¿Cómo se hizo la imagen?.
- Otros ejemplos de fotografías de este autor.
Philippe Halsman (1906-1979) fue un fotógrafo letón-estadounidense célebre por sus retratos psicológicos y su enfoque innovador. Tras superar un injusto encarcelamiento en su juventud, se estableció en París como fotógrafo de moda y luego emigró a Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, donde se convirtió en uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. Trabajó para LIFE, realizó más de 100 portadas y colaboró con figuras como Albert Einstein, Marilyn Monroe y Salvador Dalí, creando imágenes icónicas como Dalí Atomicus.
Philippe Halsman y Salvador Dalí se conocieron en Nueva York en 1941, tras emigrar meses antes desde Europa, aunque sus caminos nunca se cruzaron en París, donde ambos vivieron durante la década de 1930. Su primera colaboración fue en la exposición de Dalí en la Galería Julien Levy, encargada a Halsman por la Agencia Black Star. La relación se profundizó ese mismo año cuando Halsman fotografió los trajes surrealistas de Dalí para el ballet Laberinto. Sin un estudio grande, Halsman utilizó una azotea para capturar imágenes que evocaban el estilo de Dalí, logrando notoriedad en LIFE. Esta colaboración marcó el inicio de una amistad creativa que duró 37 años.
https://www.rtve.es/play/videos/la-aventura-del-saber/aventura-del-saber-philippe-halsman-fotografias/3953463/
1948
“Seis horas y 28 intentos después, el resultado satisfizo mi deseo de perfección. Mis asistentes y yo estábamos mojados, sucios y completamente exhaustos; sólo los gatos parecían estar como nuevos”.
Para mí la fotografía puede ser terriblemente seria o muy divertida. Tratar de captar algo tan esquivo como la verdad con una cámara puede ser una tarea frustrante. E intentar crear una imagen que no existe en la realidad sino en tu imaginación es a menudo un juego excitante. Y yo disfrutaba especialmente de ese juego con Salvador Dalí. Éramos como dos compinches. Cada vez que se me ocurría una idea fuera de lo común le pedía a Dalí que fuera el héroe de la foto. Esa relación nos estimulaba mutuamente.
Salvador Dali Philippe Halsman, 1953
Voluptas Mors
Philippe Halsman. 1951
Salvador Dali book signing
Philippe Halsman, 1963
Dali's Moustache, 1954
Audrey Hepburn.1955.
Esta fotografía sería la elegida por la publicación Time para ilustrar su portada cuando el científico fue nombrado Persona del Siglo. 1947.
Alfred Hitchcook Philippe Halsman, 1963
En la década de los 50 inventó la Jumpology, que le llevó a ahondar en el retrato psicológico porque creía que el acto de saltar desinhibía a los personajes que desfilaban delante de su cámara: los duques de Windsor, Edward Steichen y Weegee, Jean Seberg o B. Bardot, entre otros.
El duque y la duquesa de Windsor, 1956.
Grace Kelly y Philippe Halsman. 1955
Marilyn Monroe Philippe Halsman,1959
André Kertész
Nace en Budapest en 1894, muere en NY en 1985. A los 17 años tiene su primera cámara fotográfica. Su primera fotografía más conocida es de 1912, Joven dormido en un bar. En ella ya vemos algunas de las características de su obra: juego de diagonales y planos que le dan a la escena una atmósfera sugerente.
La fuerza y la eficacia de la mirada de
André Kertész se encuentran en su simpleza. El no mira a través de su cámara, él mira a través de aquello que fotografía. Kertész ha comprendido desde siempre que lo más difícil es estar abierto al `mirar´, que la fotografía no es otra cosa que la realización evidente de una disciplina visual practicada con un espíritu abierto, exigente, generoso.
«Ver no es suficiente, tienes que sentir lo que estás fotografiando» – André Kertesz
Primera fotografía: Joven dormido en un bar, 1912.
Marcha forzada al frente, 1915. Durante la Primera Guerra Mundial . Se lleva su equipo fotográfico, pero no fotografió escenas de guerrra. Fotografía la intimidad de las trincheras y los paisajes. En esta fotografía muestra a su propio ejército.
Nadador bajo el agua, 1917, fotografía decisiva para su obra. Se muestra el cuerpo distorsionado. Será inspiradora para sus célebres distorsiones de la década de 1930.
Al finalizar la guerra vuelve por poco tiempo a su trabajo de la Bolsa (antes de ser llamado a la guerra trabajaba en la Bolsa de Budapest). Comienza a fotografiar a su país y a su gente, a publicar su obra en algunos medios húngaros y a participar en salones y exposiciones fotográficas a pequeña escala.
Fotografía de una pareja de espaldas contra la pared de un circo de Budapest, 1920: emana una sensación de extrañeza, juego geométrico de líneas rectas y curvas.
Fotografías tomadas en Budapest
1925 es un año clave para su vida porque se muda a París como reportero gráfico. Trabaja por encargo para distintas revistas y sigue desarrollando su obra personal. Vivió al comienzo en Montparnasse, barrio de artistas y bohemios. En vez de fotografiar la monumentalidad evidente de la ciudad, Kertész toma motivos cotidianos sin aparente grandeza, y los transforma con su poética. Fotografía a la gente común en las calles, sin pretender nigún tipo de retrato psicológico (espontaneidad).
Escaleras en Montmartre, 1925.
Marionetas, 1925
Sillas de París, 1927.
Crea atmósferas melancólicas, con encuadres personales en los que juega con luces y sombras, trazando líneas, conformado planos y transfigurando los volúmenes de cada elemento que integra la imagen. Prioriza lo espontáneo, no busca una definición.
La Torre Eiffel, 1929.
Tenedor. 1928.
Puente de las artes, 1929.
Casa de Mondrian, 1926.
Les lunettes et la pipe de Mondrian, 1926
La Serie de Distorsiones de André Kertész es un conjunto de fotografías experimentales donde utilizó espejos curvos para deformar cuerpos y rostros, creando imágenes que oscilan entre lo humorístico, lo surrealista y lo inquietante. Kertész transformó figuras humanas, principalmente femeninas, en composiciones abstractas que desafiaban las nociones tradicionales de belleza y percepción. Originalmente encargado para una publicación humorística, el proyecto trascendió su propósito inicial al explorar la relación entre realidad, ilusión y subjetividad. Estas distorsiones, que evocan formas escultóricas y pictóricas, consolidaron a Kertész como un innovador en la fotografía, expandiendo sus posibilidades artísticas y dejando un legado influyente en la exploración conceptual del medio.
Serie de distorsiones, 1933
En 1936 se muda a Nueva York por una oferta de trabajo. Esos años trabaja para Harper´s Baazar y Vogue. No se siente integrado en la nueva ciudad y todas las fotos que produce durante su estancia transmiten soledad y melancolía.
Tulipán melancólico. 1939
Nube perdida y Andén de la estación. Década de 1930.
Washington Square, 1954.
En 1955 produce Acto de desaparición, una de sus fotografías más inquietantes. Vista frontal de una escalera flotante que lleva a un piso con solo una apertura visible. Se trata de una imagen transparente sobre un paisaje abierto. Solo se ven las piernas de la persona, su torso está explicablemente ausente (se cree que puede ser uno de sus pocos fotomontajes).
En 1963 llega su verdadero reconocimiento. Su obra no se limita entonces solo a Nueva York y París, se transforma en fotógrafo universal. Muestras en museos de todo el mundo, hasta en Buenos Aires. En 1972 procuce una de sus últimas fotografías, el Balcón Martinique. Poema gráfico de geometría con cuatro elementos, cielo, mar, luz en una transparencia y una sombra humana.
Raoul Ubac (1910-1985)
Desacuerdo con su lugar de nacimiento: Alemania o Bélgica. Estudia en París. Sus fotos son publicadas en una revista surrealista que se llamaba Minotaure. Muy experimentales, asociación de negativos, sobreimpresión. Inventa la técnica del BRÛLAGE, derrite con calor las emulsiones para que la imagen se disuelva y aparezca un efecto muy característico.
Brûlage
1939
La nebulosa, 1939.
Maniquí, 1938
Aleksandr Ródchenko (1891–1956) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y una figura clave del constructivismo, conocido por su enfoque revolucionario en la fotografía y el diseño gráfico. Nacido en San Petersburgo, creció en una familia humilde y estudió en la Escuela de Arte de Kazán. En 1915, se trasladó a Moscú, donde se integró en los círculos de la vanguardia artística. Su conexión con movimientos como el futurismo y el constructivismo, junto con colaboraciones con artistas como Vladímir Tatlin y Kazimir Malévich, marcó su desarrollo como un creador profundamente comprometido con las ideas de transformación social tras la Revolución Rusa de 1917.
Ródchenko adoptó el espíritu revolucionario de su época, abandonando las formas artísticas tradicionales para centrarse en el arte funcional y colectivo. Fue cofundador del constructivismo, un movimiento que buscaba vincular el arte con la tecnología y la producción industrial, promoviendo la idea de que el arte debía servir al desarrollo social. Durante esta etapa, trabajó como diseñador gráfico, escenógrafo y profesor en instituciones como la Vjutemás, donde influenció a toda una generación de artistas y diseñadores. Sin embargo, en los años 30, enfrentó dificultades debido a la censura soviética y al establecimiento del realismo socialista como estilo oficial, lo que limitó su práctica artística. A pesar de ello, continuó explorando la fotografía y el diseño hasta su muerte en Moscú en 1956.
Alexander Rodchenko (1891-1956)
En el ámbito de la fotografía, Ródchenko revolucionó el medio al romper con las normas tradicionales de composición y perspectiva. Introdujo ángulos inusuales, como tomas desde abajo (contra-picado) o desde arriba (picado extremo), que enfatizaban el dinamismo y la monumentalidad de los sujetos fotografiados. Estas perspectivas, que desafiaban la visión convencional, reflejaban su interés por la geometría y las formas abstractas. También fue un pionero del fotomontaje, una técnica que utilizó para transmitir mensajes políticos y sociales en revistas como LEF (Frente de Izquierda de las Artes). Sus fotografías documentaban escenas urbanas, trabajadores, maquinaria y arquitectura, capturando el optimismo de una sociedad en transformación tras la revolución. Entre sus obras más icónicas se encuentran “Escalera de incendios” (1925), una composición que enfatiza líneas geométricas y abstrae el objeto cotidiano; “Pionero con trompeta” (1930), que simboliza el entusiasmo juvenil por el futuro socialista; y sus retratos innovadores de figuras como el poeta Vladímir Mayakovsky, en los que utilizó luces y sombras para resaltar la personalidad y el carácter de sus sujetos. Estas obras no solo redefinieron el retrato, sino que también contribuyeron a la iconografía visual del movimiento.
Enfatizaba la perspectiva y la profundidad utilizando un plano tomado desde abajo (nadir), y en otros casos el ángulo cenital (plano
tomado desde arriba), una técnica que en Rusia se conocía como “el
escorzo de Rodchenko”. Así, la escalera de socorro por la que sube el
propio artista, bien podría ser el raíl de un tren visto desde arriba; del
mismo modo, la fotografía del trompetista vista desde abajo se
convierte en una figura del todo abstracta.
Escalera de socorro (1925)
Pionero trompetista (1930)
Nuevos puntos de vista, imágenes en movimiento.
Parade of the Dynamo Sports Club, 1928
Escalera (1930).
En 1934, la fotógrafa Eugenia Lemberg posó para Aleksandr Rodchenko. Bañada por una luz que atravesaba lo que podría ser una celosía en una estación de tren, su figura se desdibujaba como parte de una red abstracta compuesta de sombras. Así, los rasgos de su rostro desaparecieron dentro de un juego de cruces geométricas, las mismas que cruzaban las formas de su cuerpo modeladas por el blanco de su vestido e impedían al observador discernir si detrás de sus manos se escondía la cámara que da la imagen. Título de la película, Chica con Leica.
Ródchenko integró sus fotografías en proyectos gráficos, creando portadas de libros, carteles de propaganda y diseños para revistas que empleaban imágenes potentes y mensajes claros. Su enfoque interdisciplinario rompió las barreras entre arte y funcionalidad, sentando las bases del diseño gráfico moderno y anticipando el desarrollo de movimientos como la Bauhaus. Su legado sigue vigente como ejemplo de innovación y como símbolo de cómo el arte puede responder a los cambios sociales y políticos de su tiempo. Su influencia se extiende hasta la actualidad, consolidándolo como uno de los pioneros de la fotografía conceptual y del diseño contemporáneo.
Retratos del poeta Mayakovski, 1925.
Revista URSS EN CONSTRUCCIÓN
Lilia Brik
LIBROS 1925
Tema VAnGUARDIAS Y FOTO
anamart.mrn
Created on October 22, 2023
Start designing with a free template
Discover more than 1500 professional designs like these:
View
Modern Presentation
View
Terrazzo Presentation
View
Colorful Presentation
View
Modular Structure Presentation
View
Chromatic Presentation
View
City Presentation
View
News Presentation
Explore all templates
Transcript
FOTOGRAFÍA Y LOS MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DE LAS VANGUARDIAS
George Eastman (1854-1932)
El cambio de siglo fue clave para los fotógrafos. Las nuevas cámaras rompieron el vínculo con el cuarto oscuro, se deshicieron de la necesidad de un trípode, y probaron que lo único necesario para hacer fotos era una caja de madera.
Una vez usado el rollo de película, se podía rellenar un cuadernillo que se vendía con la cámara, y remitirlo con esta a la fábrica de Kodak. Entre 5 y 10 días después se recibían de vuelta las fotos y la cámara recargada. Al proporcionar servicio de revelado e impresión, Eastman cortó por primera vez el vínculo entre la fotografía y el cuarto oscuro: había inventado toda una industria.
Anuncio de 1903. Eastman promocionó la Brownie como una cámara barata para el mercado de masas, un regalo ideal para niños. Cuando la presentó en 1900, el precio de la cámara era solo de un dólar en EEUU
En su formato básico, la Brownie no tenía visor. Para hacer una foto bastaba con sujetar la cámara a la altura de la cintura y apretar una palanca: un proceso bastante sencillo para que todo el mundo tomara instantáneas familiares en cualquier lugar
LEICA . Una de las primeras cámaras de 35 mm, fabricada en 1914. Formato mini movible. OSKAR BARNAK, su inventor. Leitz Optische Werbe (producción de microscopios y lentes de aumento)+ camera= LEICA. Se empieza a comercializar en 1924.
Futurismo
Manifiesto futurista 1909. Escrito por F.T. Marinetti para la revista Le Figaro.
I. Queremos cantar el amor al peligro, a la fuerza y a la temeridad. II. Los elementos capitales de nuestra poesía, serán el coraje, la audacia y la rebelión. III. Contrastando con la literatura que ha magnificado hasta hoy la inmovilidad de pensamiento, el éxtasis y el sueño, nosotros vamos a glorificar el movimiento agresivo, el insomnio febriciente, el paso gimnástico, el salto arriesgado, las bofetadas y el puñetazo. IV. Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carrera con su vientre ornado de gruesas tuberías, parecidas a serpientes de aliento explosivo y furioso... un automóvil que parece correr sobre metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia. V. Queremos cantar al hombre que es dueño del volante cuyo eje ideal atraviesa la Tierra lanzada sobre el circuito de su órbita. (...)
Vll. No hay belleza más que en la lucha. No debe admitirse un jefe de escuela si no tiene un carácter violento. La poesía debe ser un asalto agresivo contra las fuerzas anónimas y desconocidas para hacerlas que se inclinen ante el hombre. VlIl. ¡Estamos sobre el promontorio extremo de los siglos! ¿A qué mirar detrás de nosotros, que es como ahondar en la misteriosa alforja de lo imposible? El Tiempo y el Espacio han muerto. Vivimos ya en el Absoluto, puesto que hemos creado la celeridad omnipresente. IX. Queremos glorificar la guerra—única higiene del mundo—el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer. X. Queremos demoler los museos, las bibliotecas, combatir el moralismo, el feminismo y todas las cobardías oportunistas y utilitarias . XI. Cantaremos a las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, el placer o la rebeldía, las resacas multicolores y polífonas de las revoluciones en las capitales modernas: la vibración nocturna de los arsenales y de los almacenes bajo sus violentas lunas eléctricas, las estaciones, pobladas de serpientes atezadas y humosas, las fábricas suspendidas de las nubes por el bramante de sus chimeneas; los puentes parecidos al salto de un gigante sobre la cuchillería diabólica y mortal de los ríos, los barcos aventureros olfateando siempre el horizonte, las locomotoras en su gran chiquero, que piafan sobre los raíles, bridadas por largos tubos fatalizados, y el vuelo alto de los aeroplanos, en los que la hélice tiene chasquidos de banderolas y de salvas de aplausos, salvas calurosas de cien muchedumbres.
Formas únicas de continuidad en el espacio. Umberto Boccioni. 1913
Dinamismo de perro con correa. Giacomo Balla. 1912.
Fortunato Depero
Antecedentes. Estudios del movimiento
Exposiciones cortas para que ningún movimiento realizado durante ellas emborrone las imágenes. Eadweard Muybridge mostró como diseccionar una acción fluida en pasos claramente separados.
Étienne Jules Marey (Francia, 1830 – 1904)
Cuando empezó sus experimentos fotográficos Marey era ya un renombrado fisiólogo, y sus inventos fueron el fundamento para los modernos sistemas de monitorización.
En 1881 Marey conoció a Muybridge, quien lo convenció del valor de la fotografía para su investigación. Marey fue el primero en explorar otra forma de captar el movimiento mediante fotografias: grabar una serie de exposiciones en una sola imagen, capturando en único negativo las etapas de un movimiento. Dicho proceso garantizaba que los momentos captados eran realmente secuenciales.
CRONOFOTOGRAFÍA
La cronofotografía con su método y con distintos instrumentos de registro consigue plasmar la relación entre el espacio y el tiempo. Queda así plasmada la huella del movimiento. Con esta técnica plasmó y pudo congelar los pasos de un hombre y los de un caballo. También cómo volaban diferentes insectos y aves.
Creó el "rifle fotográfico" que podía capturar hasta doce imágenes por segundo. De esta manera podía congelarse el movimiento de casi cualquier cosa. En el año 1882 sustituyó su rifle fotográfico por una cámara de cronofotografía. Esta era de placa fija y tenía un obturador con el que podía controlar el tiempo.
Hermanos Bragaglia: principales representantes del futurismo
Anton Giulio (1890-1960)
Arturo (1893-1962)
Concepto: fotodinamismo
Salutando. 1911. Una de las primeras fotodinámicas de los hermanos Bragaglia
Largas exposicines
Anton Giulio y Arturo Bagraglia, El violoncelista, 1932
Más fotografías donde se captura el movimiento
Otros fógrafos posteriores que también representan el movimiento
Harold Eugene Edgerton (1903-1990)
Inventó el estroboscopio, un dispositivo para producir cortos estallidos de luz. Esto le permitió tomar imágenes en fracciones de segundo de objetos en movimiento que no podían ser vistos por el ojo humano, incluyendo balas y colibríes en vuelo, bombillas que se rompían y atletas en acción. Algunas de sus fotografías tenían un tiempo de exposición de menos de 1/10.000 de segundo. En 1937 comenzó una asociación de por vida con el fotógrafo Gjon Mili, quien usó equipo estroboscópico, en particular una luz estroboscópica «multiflash», para producir fotografías sorprendentementses, muchas de las cuales aparecieron en la revista Life. Esta luz estroboscópica podía destellar hasta un millón de veces por segundo.
Man Hitting Tennis Ball. Harold Edgerton American 1949
Firma de Salvador Dalí, la corona líquida, inspirada en la imagen estroboscópica de la caída de una gota de leche. La imagen fue captada por primera vez el año 1935 por Harold Edgerton
Cutting the Card Quickly. Harold E. Edgerton (1964).
GJON MILI (1904-1984)
Gjon Mili nació en Albania y creció en Rumania, antes de emigrar a Estados Unidos para estudiar ingeniería eléctrica. Después de trabajar en Westinghouse en aplicaciones fotográficas de técnicas de iluminación, conoció en 1937 a Harold Edgerton, quien había desarrollado la luz estroboscópica. Mili experimentó con el proceso y empezó a publicar su trabajo en la revista LIFE con una de sus primeras fotos al jugador de tenis Bobby Riggs en acción. Las imágenes, tomadas en 1/210.000 de segundo, también marcaron el comienzo de una década de trabajo estroboscópico: “Realmente se podría hacer que el tiempo se detuviera. La textura podría conservarse a pesar de un movimiento violento y repentino”.
La técnica de Gjon Mili consistía en hacer retratos con pequeñas luces o con estroboscopios. Fue en 1949 que se dio a conocer el concepto más claro sobre light painting. La revista LIFE le propusó a Gjon Mili a hacer un reportaje sobre Pablo Picasso. Así Mili fue a la casa de Picasso, al sur de Francia, y le mostró algo de su trabajo: patinadoras de hielo que tenían pequeñas luces en sus patines saltando en la oscuridad. Entonces la mente de Picasso empezó a correr.
Stephen Dalton (1937- actualidad)
Trabajando casi exclusivamente en su casa y en los bosques cercanos, el británico Dalton se ha ganado la fama mundial como fotógrafo de naturaleza, llevando los trabajos de Jules-Étienne Maray a su máxima expresión. Sus fotografías de animales en vuelo ofrecen una combinación incomparable de preparación esmerada, detalle e iluminación delicada. Cuando se inscribió en el curso de fotografía para escapar de un aburrido trabajo de oficina, Dalton no tardó en descubrir que le interesaban los animales. Hacia 1970 observó que nadie había fotografiado el vuelo de un insecto y, decidido a captarlos con todo detalle en su hábitad natural, se puso a preparar el equipo adecuado. Aparte de la cámara y el trípode, tuvo que hacerlo todo él mismo, construía minuciosos escenarios. Después de una pausa en 1990, Dalton ha vuelto fotografiar insectos al vuelo, usando ahora una cámara digital de alta resolución y un flash con una duración inferior a 1/60.000s para eliminar prácticamente cualquier rastro de movimiento.
Alvin Langdon Coburn (1882-1966)
Alvin Langdon Coburn fue un fotógrafo estadounidense y una figura importante en la historia de la fotografía moderna. Nació en Boston y demostró un interés temprano en la fotografía, recibiendo su primera cámara a la edad de ocho años. A los 16, ya era miembro de la Photo-Secession, un grupo liderado por Alfred Stieglitz. Coburn se destacó por su habilidad técnica y su enfoque innovador en la fotografía. Fue conocido por experimentar con técnicas pictóricas y jugar con la luz y las sombras en sus imágenes. Además, fue un pionero en el uso de la impresión en goma bicromatada, un proceso de impresión fotográfica. Sin embargo, a medida que avanzaba en su carrera, Coburn se alejó del pictorialismo y se sintió atraído por las formas más abstractas y modernas de expresión fotográfica. Su serie de retratos conocida como "Vortografías", realizada utilizando un prisma especial para distorsionar las imágenes, reflejó su interés en el modernismo.
Alvin Langdon Coburn, El pensador 1906
El pulpo, Madison Square Park,1909
Alvin Langdon Coburn, Tejados de la estación, Pittsburgh, 1910.
Las mil ventanas, Liberty Tower, 1912
Marius de Zayas, 1914.
Vortografías
DADAÍSMO
El dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió durante la Primera Guerra Mundial, buscando romper con las normas tradicionales del arte. Sus obras eran absurdas, irracionales y sin sentido, como una forma de protestar contra el orden establecido. Usaban técnicas como el collage y el ready-made para desafiar las convenciones del arte, promoviendo la libertad total en la creación.
El ready-made es un concepto artístico en el que objetos comunes y cotidianos son transformados en arte simplemente al ser seleccionados y presentados por un artista, sin modificación significativa. Nos invita a cuestionarnos qué es el arte.Fue popularizado por Marcel Duchamp.
Christian Shad
Shadografías
Hannah Höch (1889–1978)
Corte con el cuchillo de cocina dadá Hannah Höch Alemania, 1919
Hannah Höch (Gotha,1889 - Berlín, 1978) . En sus años juveniles conoce a Raoul Hausmann, con quien mantendrá una conflictiva relación sentimental hasta 1922. Hausmann la introduce en los círculos dadaístas. Hannah Höch desarrollará la técnica del collage, que descubrió junto a Hausmann en 1918, al servicio de una nueva concepción del cuerpo de la mujer y de los valores de género cambiantes. Sin renunciar a la pintura y a la acuarela de carácter geométrico y constructivista, Höch descollará en la composición, a veces con un toque de humor e ironía, de figuras humanas en las que los rasgos europeos se mezclan con los de culturas africanas o japonesas. Fascinada por los avances que experimentaron las mujeres de su época durante unos años en que surgieron los movimientos feministas y las primeras organizaciones homosexuales, eso no le impide criticar la imagen cosmética y frívola que algunos medios transmitían de Die Neue Frau (La nueva mujer). Sus fotomontajes también transmiten aires de fantasía. Se interesa asimismo por algunos adelantos tecnológicos y sigue recortando artículos e imágenes de revistas y periódicos con los que compone obras de tipo orgánico o semi-abstractas de gran fuerza visual.
SURREALISMO
Man Ray (Emmanuel Radnitzky) Filadelfia, Pensilvania, EE.UU., 1890 - París, Francia, 1976)
Man Ray (1890-1976) fue un fotógrafo y artista clave en el movimiento dadaísta y surrealista, uno de los grandes innovadores en el campo de la fotografía durante el siglo XX. Aunque nació en Estados Unidos, gran parte de su carrera la desarrolló en París, donde se relacionó estrechamente con otros artistas de la vanguardia como Marcel Duchamp, René Magritte y André Breton. Como fotógrafo, Man Ray es conocido por sus experimentos con técnicas y conceptos que desafiaron las convenciones de la fotografía tradicional.
«Pinto lo que no puede ser fotografiado, aquello que procede de la imaginación, de los sueños o del inconsciente. Fotografío las cosas que no quiero pintar, las cosas que tienen una existencia en ese momento»
Novedades de Man Ray
El violín de Ingres
Man Ray 1924
Homenaje a Ingres, pintor francés del siglo XIX. Retrata la espalda desnuda de Kiki de Montparnasse. Con esta fotografía lo que trata de hacer es cambiar la realidad y darle otro significado. Dibujas dos f en la espalda para crear una asociación entre el instrumento y el cuerpo desnudo femenino.
1918
Man Ray hizo "Mujer" después de haber hecho "Hombre". "Hombre" es una fotografía de un batidor de huevos giratorio, cuyo mango y batidores forman una metáfora visual de los genitales masculinos. Para "Mujer", Man Ray reunió el equipo de su cuarto oscuro (dos reflectores metálicos esféricos y seis pinzas para la ropa sujetas a una placa de vidrio) de tal manera que sugiriera los senos, las costillas y la columna vertebral de una mujer. En el sentido de que "Hombre" y "Mujer" subvierten las percepciones tradicionales del desnudo en el arte, constituyen un gesto esencialmente dadaísta. Una vez fotografiados, los objetos dejaron de existir como "hombre" y "mujer"; fueron desmantelados y sus componentes volvieron a su uso original.
Rayograma El beso Man Ray 1922
SolarizaciónMan Ray 1931
Autorretrato Man Ray
Dora Maar retratada por Man Ray, 1936
Man Ray y Lee Miller tuvieron una relación tanto profesional como personal, que se desarrolló en París durante los años 1920. Lee Miller, inicialmente modelo y más tarde fotógrafa, se convirtió en musa y colaboradora cercana de Man Ray, quien fue uno de los principales exponentes del movimiento surrealista. Juntos trabajaron en varias series fotográficas, y Miller se convirtió en su modelo más frecuente, participando en algunas de las imágenes más icónicas de Man Ray. Ella aprendió mucho de Man Ray, particularmente en cuanto a la técnica fotográfica y el uso del surrealismo en la fotografía. Más tarde, Lee Miller se independizó como fotógrafa y logró su propio reconocimiento, convirtiéndose en una de las fotógrafas más importantes de su tiempo.
Lee Miller Asistenta fotográfica de Man Ray.
Se cuestiona la autoría de algunas de las fotos que Man Ray hizo en esos años (pudieron ser de Lee Miller) incluso el "descubrimiento" de la solarización.
Autorretrato de Man Ray tras la ruptura con Lee Miller, 1932. Puesta en escena de un suicidio con diferentes herramientas
¿Quién es Eugène Atget y qué relación tiene con el surrealismo?
Eugène Atget (1857-1927): inspira a los surrealistas
Eugène Atget (1857-1927) fue un fotógrafo francés, conocido por sus imágenes documentales de París a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. A pesar de trabajar antes de la llegada del surrealismo, Atget es considerado una influencia importante para este movimiento y para la fotografía moderna en general. Atget se dedicó a capturar la esencia de París, enfocándose en sus calles, tiendas, fachadas, jardines y monumentos antes de que estos fueran alterados por la modernización. Su estilo es detallado y objetivo, sin buscar el dramatismo, y sus fotografías suelen tener una atmósfera melancólica y nostálgica. Utilizaba una cámara de gran formato y largas exposiciones, lo que le permitía capturar detalles precisos, pero también daba a sus imágenes una cierta quietud y sensación de vacío. Aunque Atget no era famoso en vida, su trabajo fue valorado y promovido por artistas como Man Ray y Berenice Abbott después de su muerte. Hoy, se le considera un precursor de la fotografía documental y artística, y su obra sigue siendo estudiada por su valor histórico y estético.
https://artsandculture.google.com/story/agWRrLG0_dwMZw?hl=es
Dora Maar (1907-1997)
Henriette Theodora Markovitch
París
Fotografía callejera
Dora se crió en Argentina. Cuando vuelve a París estudia en la Académie Lothe, más tarde lo hace en la École Photographie de París. En 1931 abre un estudio de fotografía con Pierre Kéfer. Su fotografía hasta 1934 se centra en fotografía de calle, encargos para revistas de moda y algunos retratos. Fue introducida al surrealismo a través de Jacqueline Lamba (mujer de André Breton). Utiliza recursos experimentales en su obra: solarizaciones, sobreimpresiones, fotocollages y ángulos inusuales que crean unas fotografías sombrías y misteriosas.
Niño con boina, 1932
Viaje a Barcelona en 1933
Mendigo ciego, 1934
Etapa surrealista
Dora Maar utilizó la fotografía para crear imágenes que desafiaban la lógica y la realidad, explorando la transformación de la realidad mediante la manipulación de la luz, la sombra y la composición. Sus obras reflejan escenas de fragmentación y distorsión, evocando el subconsciente. Durante su etapa surrealista, se especializó en fotomontajes y manipulación de imágenes, creando composiciones complejas y emocionales, con figuras monstruosas y visiones distorsionadas, alineadas con la exploración surrealista de lo irracional y onírico.
SIN TÍTULO 1935
Caballeros (1936).
Sin título, 1935.
Retrato de Ubu, 1936.
Trabajos de publicidad y moda
Modelo en Traje de baño (1936)
Maniquí con una gran estrella en lugar de la cabeza (1936)
Publicidad para Petrol Hahn, 1935
Dora Maar y Picasso iniciaron su relación en 1936 y la mantuvieron hasta 1943. Ella, fotógrafa surrealista, se convirtió en su musa y documentó el proceso del Guernica. La relación fue intensa y conflictiva, marcada por el control y maltrato psicológico de Picasso. Tras la ruptura, Dora sufrió una crisis mental, se apartó del arte y acabó viviendo recluida y dedicada a la pintura y la religión.
Picasso trabajando en el «Guernica» en su taller. 1937.
Dora Maar Sin título, 1980
Man Ray
Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 1890-París, 1976)
Man Ray, figura clave del surrealismo, usó la fotografía para explorar lo onírico y lo irracional.
Velo erótico , 1933
Blanco y negro, 1926
Muestra un close-up del rostro de una mujer, enfocando principalmente en sus ojos y mejillas. Los ojos miran hacia arriba, lo que sugiere una expresión de tristeza o súplica. Las lágrimas no son reales, sino que están representadas por gotas de vidrio perfectamente esféricas, cuidadosamente colocadas sobre el rostro de la modelo.
Lágrimas, 1932
The Kiss Man Ray 1935
Brassaï
Gyula Halász (1899 - 1984)
Brassaï fue una de las figuras más destacadas de entre los fotógrafos europeos y americanos cuyo trabajo, en el período de entreguerras, enriqueció enormemente el potencial de la fotografía como forma de expresión artística. Su tema principal fue la ciudad de París, a la que se trasladó en 1924 con intención de dedicarse a la pintura. Hacia el final de la guerra, el centro neurálgico de la vanguardia parisina había emigrado desde Montmartre hasta Montparnasse, donde la mayoría de los artistas, una gran comunidad internacional, vivían como en una gran familia. Brassaï sentía fascinación por la capital francesa; en alguna ocasión llegó a decir que había comenzado a hacer fotografías para expresar su pasión por la ciudad de noche, si bien su obra pronto se llenó de retratos, desnudos, naturalezas muertas, imágenes de la vida cotidiana, rincones pintorescos y monumentos captados también de día.
Brassaï, pseudónimo de Gyulá Halász, nació en 1899 en Brassó, Transilvania (hoy Braşov, en la actual Rumania), lugar de donde procede el nombre que más tarde escogería para firmar sus fotografías (“Brassaï” significa, literalmente, “de Brassó”). Tras estudiar arte en Budapest y Berlín se trasladó a París, y muy pronto comenzó a obtener ingresos esporádicos y una cierta reputación vendiendo artículos y caricaturas a periódicos alemanes y húngaros. Las fotografías estaban sustituyendo rápidamente a las ilustraciones tradicionales en periódicos y revistas, y el trabajo de Halász para estas publicaciones le llevó a improvisar una agencia fotográfica. Al principio les proporcionaba imágenes hechas por otros fotógrafos, pero más tarde por él mismo. Así abandonó la práctica de la pintura y la escultura, disciplinas por las cuales, sin embargo, mantendría un gran interés y a las que regresaría durante su carrera. Hacia 1900, la valoración de la fotografía se limitaba a su capacidad para emular la apariencia de las artes más tradicionales. No fue sino hasta los años 1920 y 1930 que una nueva generación rechazó tal enfoque y comenzó a explorar el potencial artístico de las fotografías comunes y corrientes. Cuando esta tendencia comenzó a alcanzar un amplio reconocimiento en la década de 1970, Brassaï sería reconocido como una de sus principales figuras. Durante la ocupación alemana de París, dejó de hacer fotografías, volvió al dibujo y empezó a escribir. Después de la guerra, volvió a dedicar parte de su tiempo a la fotografía y viajó regularmente por encargo de la revista norteamericana Harper’s Bazaar. Murió en Beaulieu-sur-Mer (Francia) en 1984, sin haber regresado nunca a su ciudad natal.
Comienza a interesarse por los graffitis hacia 1930. Es el primer artista que concibe esta forma expresiva como un arte
Brassaï capturó la vida nocturna, las calles, los cafés y la bohemia de la capital francesa en los años 30. Su trabajo refleja la atmósfera única de la ciudad, tanto su glamour como su decadencia.
Su libro más famoso, "Paris de Nuit" (París de Noche) (1933), lo consagró como uno de los grandes fotógrafos de su tiempo, mostrando escenas urbanas llenas de misterio y poesía.
La sensualidad y el erotismoEn varias series, exploró temas de sensualidad y erotismo, especialmente en sus imágenes de cabarets, burdeles y escenas íntimas. Estas fotos a menudo están cargadas de una atmósfera poética y no buscan ser vulgares, sino capturar la esencia de la experiencia humana.
El mundo de los artistas y la intelectualidad Fue amigo y colaborador de importantes figuras del arte y la literatura como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Henri Matisse y André Breton. Realizó una serie de retratos de artistas y documentó sus estudios, capturando no solo a las personas, sino también los espacios creativos que habitaban.
Serie graffiti: surrealismo
Brassaï ordenó esta serie (1930-1950 aprox) en categorías que él mismo había creado: L'amour, Naissance du visage, La mort, Images primitives y La magie. La alusión al automatismo y a los cadáveres exquisitos de las fotografías de los grafitis es inevitable y demuestra un interés por el carácter maravilloso del hallazgo fortuito
Actividad: Comentario de una fotografía
Elige una de las siguientes imágenes y contesta.
Philippe Halsman (1906-1979) fue un fotógrafo letón-estadounidense célebre por sus retratos psicológicos y su enfoque innovador. Tras superar un injusto encarcelamiento en su juventud, se estableció en París como fotógrafo de moda y luego emigró a Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, donde se convirtió en uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. Trabajó para LIFE, realizó más de 100 portadas y colaboró con figuras como Albert Einstein, Marilyn Monroe y Salvador Dalí, creando imágenes icónicas como Dalí Atomicus.
Philippe Halsman y Salvador Dalí se conocieron en Nueva York en 1941, tras emigrar meses antes desde Europa, aunque sus caminos nunca se cruzaron en París, donde ambos vivieron durante la década de 1930. Su primera colaboración fue en la exposición de Dalí en la Galería Julien Levy, encargada a Halsman por la Agencia Black Star. La relación se profundizó ese mismo año cuando Halsman fotografió los trajes surrealistas de Dalí para el ballet Laberinto. Sin un estudio grande, Halsman utilizó una azotea para capturar imágenes que evocaban el estilo de Dalí, logrando notoriedad en LIFE. Esta colaboración marcó el inicio de una amistad creativa que duró 37 años.
https://www.rtve.es/play/videos/la-aventura-del-saber/aventura-del-saber-philippe-halsman-fotografias/3953463/
1948
“Seis horas y 28 intentos después, el resultado satisfizo mi deseo de perfección. Mis asistentes y yo estábamos mojados, sucios y completamente exhaustos; sólo los gatos parecían estar como nuevos”.
Para mí la fotografía puede ser terriblemente seria o muy divertida. Tratar de captar algo tan esquivo como la verdad con una cámara puede ser una tarea frustrante. E intentar crear una imagen que no existe en la realidad sino en tu imaginación es a menudo un juego excitante. Y yo disfrutaba especialmente de ese juego con Salvador Dalí. Éramos como dos compinches. Cada vez que se me ocurría una idea fuera de lo común le pedía a Dalí que fuera el héroe de la foto. Esa relación nos estimulaba mutuamente.
Salvador Dali Philippe Halsman, 1953
Voluptas Mors Philippe Halsman. 1951
Salvador Dali book signing Philippe Halsman, 1963
Dali's Moustache, 1954
Audrey Hepburn.1955.
Esta fotografía sería la elegida por la publicación Time para ilustrar su portada cuando el científico fue nombrado Persona del Siglo. 1947.
Alfred Hitchcook Philippe Halsman, 1963
En la década de los 50 inventó la Jumpology, que le llevó a ahondar en el retrato psicológico porque creía que el acto de saltar desinhibía a los personajes que desfilaban delante de su cámara: los duques de Windsor, Edward Steichen y Weegee, Jean Seberg o B. Bardot, entre otros.
El duque y la duquesa de Windsor, 1956.
Grace Kelly y Philippe Halsman. 1955
Marilyn Monroe Philippe Halsman,1959
André Kertész
Nace en Budapest en 1894, muere en NY en 1985. A los 17 años tiene su primera cámara fotográfica. Su primera fotografía más conocida es de 1912, Joven dormido en un bar. En ella ya vemos algunas de las características de su obra: juego de diagonales y planos que le dan a la escena una atmósfera sugerente.
La fuerza y la eficacia de la mirada de André Kertész se encuentran en su simpleza. El no mira a través de su cámara, él mira a través de aquello que fotografía. Kertész ha comprendido desde siempre que lo más difícil es estar abierto al `mirar´, que la fotografía no es otra cosa que la realización evidente de una disciplina visual practicada con un espíritu abierto, exigente, generoso.
«Ver no es suficiente, tienes que sentir lo que estás fotografiando» – André Kertesz
Primera fotografía: Joven dormido en un bar, 1912.
Marcha forzada al frente, 1915. Durante la Primera Guerra Mundial . Se lleva su equipo fotográfico, pero no fotografió escenas de guerrra. Fotografía la intimidad de las trincheras y los paisajes. En esta fotografía muestra a su propio ejército.
Nadador bajo el agua, 1917, fotografía decisiva para su obra. Se muestra el cuerpo distorsionado. Será inspiradora para sus célebres distorsiones de la década de 1930.
Al finalizar la guerra vuelve por poco tiempo a su trabajo de la Bolsa (antes de ser llamado a la guerra trabajaba en la Bolsa de Budapest). Comienza a fotografiar a su país y a su gente, a publicar su obra en algunos medios húngaros y a participar en salones y exposiciones fotográficas a pequeña escala.
Fotografía de una pareja de espaldas contra la pared de un circo de Budapest, 1920: emana una sensación de extrañeza, juego geométrico de líneas rectas y curvas.
Fotografías tomadas en Budapest
1925 es un año clave para su vida porque se muda a París como reportero gráfico. Trabaja por encargo para distintas revistas y sigue desarrollando su obra personal. Vivió al comienzo en Montparnasse, barrio de artistas y bohemios. En vez de fotografiar la monumentalidad evidente de la ciudad, Kertész toma motivos cotidianos sin aparente grandeza, y los transforma con su poética. Fotografía a la gente común en las calles, sin pretender nigún tipo de retrato psicológico (espontaneidad).
Escaleras en Montmartre, 1925.
Marionetas, 1925
Sillas de París, 1927.
Crea atmósferas melancólicas, con encuadres personales en los que juega con luces y sombras, trazando líneas, conformado planos y transfigurando los volúmenes de cada elemento que integra la imagen. Prioriza lo espontáneo, no busca una definición.
La Torre Eiffel, 1929.
Tenedor. 1928.
Puente de las artes, 1929.
Casa de Mondrian, 1926.
Les lunettes et la pipe de Mondrian, 1926
La Serie de Distorsiones de André Kertész es un conjunto de fotografías experimentales donde utilizó espejos curvos para deformar cuerpos y rostros, creando imágenes que oscilan entre lo humorístico, lo surrealista y lo inquietante. Kertész transformó figuras humanas, principalmente femeninas, en composiciones abstractas que desafiaban las nociones tradicionales de belleza y percepción. Originalmente encargado para una publicación humorística, el proyecto trascendió su propósito inicial al explorar la relación entre realidad, ilusión y subjetividad. Estas distorsiones, que evocan formas escultóricas y pictóricas, consolidaron a Kertész como un innovador en la fotografía, expandiendo sus posibilidades artísticas y dejando un legado influyente en la exploración conceptual del medio.
Serie de distorsiones, 1933
En 1936 se muda a Nueva York por una oferta de trabajo. Esos años trabaja para Harper´s Baazar y Vogue. No se siente integrado en la nueva ciudad y todas las fotos que produce durante su estancia transmiten soledad y melancolía.
Tulipán melancólico. 1939
Nube perdida y Andén de la estación. Década de 1930.
Washington Square, 1954.
En 1955 produce Acto de desaparición, una de sus fotografías más inquietantes. Vista frontal de una escalera flotante que lleva a un piso con solo una apertura visible. Se trata de una imagen transparente sobre un paisaje abierto. Solo se ven las piernas de la persona, su torso está explicablemente ausente (se cree que puede ser uno de sus pocos fotomontajes).
En 1963 llega su verdadero reconocimiento. Su obra no se limita entonces solo a Nueva York y París, se transforma en fotógrafo universal. Muestras en museos de todo el mundo, hasta en Buenos Aires. En 1972 procuce una de sus últimas fotografías, el Balcón Martinique. Poema gráfico de geometría con cuatro elementos, cielo, mar, luz en una transparencia y una sombra humana.
Raoul Ubac (1910-1985)
Desacuerdo con su lugar de nacimiento: Alemania o Bélgica. Estudia en París. Sus fotos son publicadas en una revista surrealista que se llamaba Minotaure. Muy experimentales, asociación de negativos, sobreimpresión. Inventa la técnica del BRÛLAGE, derrite con calor las emulsiones para que la imagen se disuelva y aparezca un efecto muy característico.
Brûlage 1939
La nebulosa, 1939.
Maniquí, 1938
Aleksandr Ródchenko (1891–1956) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y una figura clave del constructivismo, conocido por su enfoque revolucionario en la fotografía y el diseño gráfico. Nacido en San Petersburgo, creció en una familia humilde y estudió en la Escuela de Arte de Kazán. En 1915, se trasladó a Moscú, donde se integró en los círculos de la vanguardia artística. Su conexión con movimientos como el futurismo y el constructivismo, junto con colaboraciones con artistas como Vladímir Tatlin y Kazimir Malévich, marcó su desarrollo como un creador profundamente comprometido con las ideas de transformación social tras la Revolución Rusa de 1917. Ródchenko adoptó el espíritu revolucionario de su época, abandonando las formas artísticas tradicionales para centrarse en el arte funcional y colectivo. Fue cofundador del constructivismo, un movimiento que buscaba vincular el arte con la tecnología y la producción industrial, promoviendo la idea de que el arte debía servir al desarrollo social. Durante esta etapa, trabajó como diseñador gráfico, escenógrafo y profesor en instituciones como la Vjutemás, donde influenció a toda una generación de artistas y diseñadores. Sin embargo, en los años 30, enfrentó dificultades debido a la censura soviética y al establecimiento del realismo socialista como estilo oficial, lo que limitó su práctica artística. A pesar de ello, continuó explorando la fotografía y el diseño hasta su muerte en Moscú en 1956.
Alexander Rodchenko (1891-1956)
En el ámbito de la fotografía, Ródchenko revolucionó el medio al romper con las normas tradicionales de composición y perspectiva. Introdujo ángulos inusuales, como tomas desde abajo (contra-picado) o desde arriba (picado extremo), que enfatizaban el dinamismo y la monumentalidad de los sujetos fotografiados. Estas perspectivas, que desafiaban la visión convencional, reflejaban su interés por la geometría y las formas abstractas. También fue un pionero del fotomontaje, una técnica que utilizó para transmitir mensajes políticos y sociales en revistas como LEF (Frente de Izquierda de las Artes). Sus fotografías documentaban escenas urbanas, trabajadores, maquinaria y arquitectura, capturando el optimismo de una sociedad en transformación tras la revolución. Entre sus obras más icónicas se encuentran “Escalera de incendios” (1925), una composición que enfatiza líneas geométricas y abstrae el objeto cotidiano; “Pionero con trompeta” (1930), que simboliza el entusiasmo juvenil por el futuro socialista; y sus retratos innovadores de figuras como el poeta Vladímir Mayakovsky, en los que utilizó luces y sombras para resaltar la personalidad y el carácter de sus sujetos. Estas obras no solo redefinieron el retrato, sino que también contribuyeron a la iconografía visual del movimiento.
Enfatizaba la perspectiva y la profundidad utilizando un plano tomado desde abajo (nadir), y en otros casos el ángulo cenital (plano tomado desde arriba), una técnica que en Rusia se conocía como “el escorzo de Rodchenko”. Así, la escalera de socorro por la que sube el propio artista, bien podría ser el raíl de un tren visto desde arriba; del mismo modo, la fotografía del trompetista vista desde abajo se convierte en una figura del todo abstracta.
Escalera de socorro (1925)
Pionero trompetista (1930)
Nuevos puntos de vista, imágenes en movimiento.
Parade of the Dynamo Sports Club, 1928
Escalera (1930).
En 1934, la fotógrafa Eugenia Lemberg posó para Aleksandr Rodchenko. Bañada por una luz que atravesaba lo que podría ser una celosía en una estación de tren, su figura se desdibujaba como parte de una red abstracta compuesta de sombras. Así, los rasgos de su rostro desaparecieron dentro de un juego de cruces geométricas, las mismas que cruzaban las formas de su cuerpo modeladas por el blanco de su vestido e impedían al observador discernir si detrás de sus manos se escondía la cámara que da la imagen. Título de la película, Chica con Leica.
Ródchenko integró sus fotografías en proyectos gráficos, creando portadas de libros, carteles de propaganda y diseños para revistas que empleaban imágenes potentes y mensajes claros. Su enfoque interdisciplinario rompió las barreras entre arte y funcionalidad, sentando las bases del diseño gráfico moderno y anticipando el desarrollo de movimientos como la Bauhaus. Su legado sigue vigente como ejemplo de innovación y como símbolo de cómo el arte puede responder a los cambios sociales y políticos de su tiempo. Su influencia se extiende hasta la actualidad, consolidándolo como uno de los pioneros de la fotografía conceptual y del diseño contemporáneo.
Retratos del poeta Mayakovski, 1925.
Revista URSS EN CONSTRUCCIÓN
Lilia Brik
LIBROS 1925