Giotto e Giovanni Pisano

Giotto

Giovanni Pisano

Giotto

Contetso storico

Vita

Formazione

Contatti e Fortuna

Opere

Giotto e la Prospettiva

Giotto fu uno dei primi artisti a sperimentare con la prospettiva realistica. La sua capacità di utilizzare linee prospettiche convergenti per creare una sensazione di profondità spaziale nelle sue opere segnò un'importante svolta nell'arte, aprendo la strada a una rappresentazione più accurata e tridimensionale del mondo.

• Coretti, 1306, affresco, Cappella degli Scrovegni, Padova

Info

• Nozze di Cana, 1303-1305, affresco, Cappella degli Scrovegni, Padova

La Ricerca della Naturalezza

Uno degli aspetti più distintivi delle opere di Giotto fu il suo impegno per la rappresentazione realistica e umana. In un'epoca in cui l'arte medievale tendeva a una stilizzazione bidimensionale delle figure, Giotto introdusse un approccio che metteva in risalto l'anatomia umana e l'espressione emotiva. Le sue figure umane, ricche di dettagli anatomici e con volti espressivi, rappresentavano un notevole avanzamento nell'arte figurativa.

• Crocifisso di Santa Maria Novella, 1292-1295, Tempera e Oro su tavola, Santa Maria Novella, Firenze

Giovanni Pisano

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L'Autonomia della Scultura

Nell'epoca in cui Giovanni Pisano sviluppò il suo straordinario talento artistico, la scultura era spesso relegata a un ruolo subordinato all'interno dell'architettura. Tuttavia, Giovanni Pisano si distinse in modo magistrale per il suo straordinario contributo all'autonomia della scultura, emancipandola dall'ombra dell'architettura e consentendole di esprimersi con una voce propria. Le sue sculture, con la loro espressività vibrante e l'attenzione scrupolosa ai dettagli, non erano più semplici ornamenti architettonici, bensì opere d'arte dotate di una forza espressiva incommensurabile. In particolare, il suo pulpito nella Cattedrale di Pisa, un capolavoro indiscusso, incarna la straordinaria autonomia artistica che egli conferì alla scultura. Le figure e le scene bibliche scolpite in questa maestosa opera occupano uno spazio centrale, diventando il fulcro dell'attenzione dell'osservatore. L'autore ha sapientemente utilizzato questa piattaforma per narrare le storie sacre con un senso di drammaticità e intensità, trasmettendo l'essenza delle emozioni e delle narrazioni con una potenza che sfida le convenzioni dell'epoca.

• Adorazione dei Magi, 1302-1311, Rilievi in marmo, Duomo di Pisa

Riferimenti all'Arte Antica

Giovanni Pisano si ispirò anche all'arte antica, in particolare a quella romana, introducendo elementi classici nelle sue opere. Questi riferimenti all'arte antica sono evidenti nella composizione delle sue sculture, nelle pose delle figure e nell'uso di motivi decorativi classici. Questo connubio tra elementi gotici e classici conferiva alle sue opere un'aura di classicismo che anticipava le influenze rinascimentali.

Il Naturalismo

Come per Giotto, Pisano si impegna per recuperare il naturalismo. La sua scultura è una celebrazione della vita e della forma umana in tutta la sua maestosità, e questo si riflette nell'attenzione meticolosa ai dettagli anatomici, all'espressività dei volti e ai gesti delle figure.

Attraverso il suo virtuosismo nell'arte dello scolpire, Pisano catturò la vita stessa, consentendo che l'anatomia umana prendesse vita sotto le sue mani abili. Ogni muscolo, ogni linea, ogni piega delle vesti era eseguita con tale precisione che le sue sculture sembravano trasudare vitalità. I volti delle sue figure rivelavano emozioni genuine, consentendo agli osservatori di connettersi in modo profondo con i personaggi rappresentati.

Info

Opere:

Giovanni Pisano è noto per una serie di opere iconiche che hanno lasciato un'impronta duratura nella storia dell'arte. Egli realizzò il pulpito della Cattedrale di Pisa insieme a suo padre Nicola Pisano. Questa opera presenta raffinate scene bibliche e allegorie, mostrando l'attenzione ai dettagli anatomici e un realismo mai visto prima nell'arte sacra. Successivamente nella Cattedrale di Siena, scolpì un altro famoso pulpito. Le sue opere qui rappresentano scene della vita di Cristo e sono caratterizzate da un forte senso della drammaticità e dell'emozione. Realizzò anche il fonte battesimale della chiesa di Pisa con scene della Vita di San Giovanni Battista. Questo complesso e dettagliato lavoro rivela il suo talento nel lavorare la pietra e nel rappresentare le scene sacre in modo suggestivo.

La Naturalezza:

Anche se a noi ci potrebbe sembrare arcaica la naturalezza di Giotto era all’avanguardia considerando il tempo in cui viveva. La sua opera è notevole per la sua capacità di rappresentare la natura e l'umanità in modo estremamente realistico, sfidando le convenzioni stilizzate e astratte dell'arte medievale. Giotto fu un pioniere nel ritrarre le figure umane con maggiore naturalezza ed emotività. Le sue opere erano caratterizzate da volti espressivi, gesti significativi e un'attenzione meticolosa ai dettagli anatomici. Questo realismo non si limitava alle figure umane, ma si estendeva anche alla rappresentazione di oggetti, architetture e paesaggi. Le sue scene religiose sembravano immergere lo spettatore nella vita quotidiana, rendendo i temi sacri più accessibili e personali. Inoltre, Giotto grazie all’introduzione di elementi di prospettiva, creò un senso di profondità spaziale e tridimensionalità nelle sue opere. Questa innovazione contribuì ulteriormente a enfatizzare la naturalezza delle sue rappresentazioni, poiché le scene sembravano ambientate in spazi reali e tangibili.

L'impegno per il naturalismo è ciò che dà alle opere di Pisano una straordinaria vivacità e un senso di realismo che le distingue nettamente dalle convenzioni stilizzate tipiche dell'arte gotica dell'epoca. Pisano è riuscito a catturare l'essenza stessa dell'umanità, conferendo alle sue opere un'aura di autenticità che ha affascinato e ispirato il pubblico per secoli. Il suo naturalismo è una testimonianza dell'abilità straordinaria di Pisano nel portare l'arte a una nuova dimensione di realismo e profondità emotiva.

Queste sono le statue della Cattedrale di Reims che pur essendo contemporanee alle opere di Pisano sono molto diverse essendo più stilizzate e ideali nella loro rappresentazione. Sono parte di un programma scultoreo che adorna la facciata della cattedrale e si integrano nell'architettura. Mentre Giovanni Pisano cercava la massima vivacità e realismo, le statue di Reims erano più stilizzate e dovevano adattarsi all'architettura circostante.

Committenti e Fortuna:

I committenti di Giotto rivestono un ruolo fondamentale nella storia della sua carriera artistica e nel suo successo. Questi mecenati, spesso ricchi e potenti, fornirono a Giotto le opportunità e le risorse necessarie per creare alcune delle opere d'arte più iconiche del Medioevo e per consolidare il suo status di pittore rinascimentale. Uno dei committenti più importanti di Giotto fu Enrico Scrovegni, un banchiere padovano. Fu Scrovegni a commissionare a Giotto la decorazione della Cappella degli Scrovegni a Padova, uno dei progetti più prestigiosi dell'epoca. Giotto realizzò una serie di affreschi in questa cappella, raffigurando storie della vita di Cristo e della Vergine Maria. Questi affreschi sono noti per la loro straordinaria bellezza e per il realismo con cui Giotto rappresentò le figure umane e gli eventi sacri.

Oltre a Scrovegni, Giotto lavorò anche per altri committenti eccellenti. Nella Basilica di San Francesco ad Assisi, Giotto realizzò un ciclo di affreschi sulla vita di San Francesco per conto dell'ordine francescano. Questo lavoro è un esempio eloquente della connessione di Giotto con l'ordine religioso e dimostra la sua abilità nel comunicare la spiritualità attraverso l'arte. La nobiltà e la Chiesa cattolica erano tra i principali mecenati di Giotto. Questi committenti gli fornirono commissioni per decorare chiese, cappelle e palazzi con opere d'arte religiose. La loro generosità finanziaria permise a Giotto di concentrarsi sulla sua arte senza le preoccupazioni finanziarie.

FORTUNA

Formazione:

Giovanni Pisano è stato profondamente influenzato dal suo contesto familiare e dall'apprendistato presso suo padre, Nicola Pisano, che era già una figura di spicco nell'arte gotica italiana e un pioniere nell'introduzione dello stile gotico in Italia. L'educazione artistica di Giovanni iniziò con l'osservazione e la pratica diretta nell'officina di suo padre. Questo apprendistato gli fornì una conoscenza pratica delle tecniche scultoree e un'immersione completa nello stile gotico. Le prime opere di Giovanni, in particolare il lavoro collaborativo con suo padre nel pulpito della Piazza del Duomo a Pisa, testimoniano l'influenza di Nicola Pisano e l'attenzione al dettaglio che entrambi gli scultori applicarono nella rappresentazione delle figure umane. La collaborazione con suo padre non solo consolidò le competenze artistiche di Giovanni ma lo introdusse anche nella cerchia di importanti commissioni artistiche. Questo apprendistato precoce e la guida paterna contribuirono in modo significativo allo sviluppo dell'arte di Giovanni Pisano, e la sua carriera successiva come uno dei principali scultori gotici italiani fu una testimonianza dell'eredità artistica e della formazione che ricevette dalla sua famiglia.

L'innovazione

Sappiamo che Cimabue era stato il maestro di Giotto, ora analizziamo le differenze tra lo stile dei Cimabue e di Giotto. C’è da puntualizzare che il Cristo in croce di Giotto e quello di Cimabue rappresentano due fasi molto distinte nell'evoluzione dell'arte sacra. Cimabue, figura di transizione tra il Medioevo e il Rinascimento, rappresenta un Cristo in croce stilizzato secondo le convenzioni artistiche medievali. La figura di Cristo è slanciata e solenne, con linee curve e un volto sereno, che ricorda l'estetica bizantina. L'attenzione è posta più sull'idealizzazione della figura che sulla sua realistica rappresentazione. Nel Cristo in croce di Giotto invece, Cristo è reso con una fisicità straordinaria: il suo corpo sembra pesante e sofferente, con una curva realistica della schiena. Il volto di Cristo riflette vera sofferenza e umanità, con occhi chiusi e labbra tra i denti. L'attenzione è posta sulle emozioni umane piuttosto che sull'idealizzazione.

Il confronto

Facciamo un breve confronto tra due opere, il Sarcofago Grande Ludovisi del III secolo e i rilievi scolpiti da Pisano nei suoi Pulpiti. Il Sarcofago Grande Ludovisi, risalente al tardo periodo romano, rappresenta un esempio dell'arte funeraria di epoca antica, il sarcofago è caratterizzato da una composizione altamente simmetrica, con raffigurazioni di divinità e scene mitologiche disposte in modo equilibrato sulle quattro facce del monumento. Le figure sono scolpite in altorilievo, ma spesso mancano di profondità e dinamismo.

D'altra parte, i Pulpiti di Giovanni Pisano, realizzati sul finire del Duecento, rappresentano un momento di transizione tra l'arte romanica e il Rinascimento. I rilievi di Giovanni Pisano si distinguono per la profonda ricerca di espressività e realismo; essi presentano figure umane più naturali, con una maggiore attenzione ai dettagli anatomici e al movimento. Le scene bibliche e religiose scolpite nei Pulpiti mostrano un notevole senso del dramma e della narrativa, con figure che sembrano interagire attivamente tra loro.

Vita:

Giovanni Pisano nacque nel 1248 a Pisa in una famiglia di scultori che lo portò fin da giovane a stretto contatto con l’arte. Suo padre infatti, Nicola Pisano, era un celebre scultore e un pioniere dell'arte gotica in Italia. Giovanni crebbe insieme al lavoro del padre, imparando le tecniche e uno stile peculiare che lo avrebbe poi contraddistinto. Egli ebbe l'opportunità di lavorare al fianco di suo padre Nicola su progetti importanti, tra cui il pulpito della Piazza del Duomo a Pisa. Questa collaborazione padre-figlio contribuì a perfezionare le loro abilità e a definire uno stile unico all'interno dell'arte gotica italiana. Nel pulpito, le sculture di Giovanni e Nicola Pisano mostrarono un'attenzione straordinaria ai dettagli anatomici e un realismo mai visto prima nell'arte sacra.

Le opere

Ultimi anni

Formazione:

Secondo le fonti che ci sono rinvenute si ritiene che Giotto abbia iniziato la sua formazione artistica come apprendista di Cimabue, uno dei pittori più famosi del tempo e un importante rappresentante dell'arte bizantina. Lavorare sotto l’esperienza di Cimabue avrebbe dato a Giotto l'opportunità di apprendere le tecniche tradizionali dell'arte medievale, ma anche di essere esposto alle prime influenze della transizione verso uno stile più realistico. L'incontro chiave nella formazione artistica di Giotto sembra essere stato con la natura stessa. Ricordiamo poi la famosissima leggenda che narra che Giotto fu scoperto dall'importante architetto e scrittore francescano, Fra Giovanni da Fiesole, noto come Fra Angelico, mentre disegnava un cerchio perfetto con un solo tratto a mano libera. Questo gesto dimostrò la sua straordinaria abilità nel catturare la prospettiva e la tridimensionalità, qualità che sarebbero diventate caratteristiche distintive del suo stile artistico.

Giotto trascorse molto tempo a studiare la natura e l'umanità, osservando attentamente le persone, gli animali e l'ambiente circostante. Questo studio della realtà gli permise di sviluppare uno stile pittorico che era molto più realistico e umano rispetto all'arte bizantina dominante del tempo. Le sue opere erano caratterizzate da figure umane più naturali, espressive e da una profonda attenzione ai dettagli anatomici e alle ombre. Un altro aspetto importante della sua formazione, come abbiamo visto per la sua stessa vita, fu l'influenza delle nuove tendenze religiose dell'epoca. Giotto fu noto per la sua capacità di catturare la spiritualità e l'umanità nelle sue opere, rendendo i suoi dipinti molto emotivi e coinvolgenti.

Committenti e Fortuna:

Durante la sua carriera, Giovanni Pisano ricevette commissioni da importanti chiese, cattedrali e monasteri in Italia. Queste commissioni erano testimoni della sua crescente reputazione come scultore di primo livello. Giovanni Pisano collaborò con il celebre pittore Duccio di Buoninsegna nella realizzazione di opere importanti come le opere eseguite nella cattedrale di Pisa. Le opere di Giovanni Pisano ebbero molta fortuna e continuano ad essere apprezzate tutt’oggi.

Pisano diede un impatto significativo sulla scultura gotica e furono una fonte d'ispirazione per molte generazioni di scultori. La sua abilità nel combinare elementi classici e gotici aprì la strada a uno stile distintivo che influenzò l'arte gotica non solo in Italia.

Opere:

Realizzò il campanile della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze, che è tuttora uno dei monumenti più iconici della città. Giotto contribuì al suo progetto e realizzò una serie di pannelli di marmo per decorare la torre. Questi pannelli, noti come "I Pannelli di Giotto," raffigurano scene della vita di Cristo e della Vergine Maria. Giotto contribuì alla progettazione dell’Ospedale degli Innocenti a Firenze, realizzando una serie di terracotte smaltate per la sua facciata. Queste terracotte raffigurano l'Adorazione dei Magi e dimostrano la sua maestria nell'uso di materiali diversi. Oltre alle grandi commissioni, Giotto creò numerose opere sacre, icone e affreschi per chiese e monasteri in tutta Italia. Queste opere erano spesso caratterizzate da una profonda spiritualità e un forte realismo, rendendo i temi religiosi più accessibili e toccanti per il pubblico.

Tra le opere di Giotto non possiamo non citare la Cappella degli Scrovegni a Padova, uno dei suoi progetti più iconici, Giotto fu commissionato da Enrico Scrovegni per decorare questa cappella con affreschi. Le scene della vita di Cristo e della Vergine Maria che adornano le pareti della cappella sono notevoli per la loro profondità emotiva, il realismo delle figure umane e la maestria tecnica di Giotto. Questa serie di affreschi è considerata uno dei punti più alti dell'arte del Trecento. Lavorò poi nella Basilica di San Francesco ad Assisi per creare una serie di affreschi che rappresentano la vita del santo patrono d'Italia, San Francesco d'Assisi. Questi affreschi, noti come il "Ciclo di San Francesco", riflettono la sua profonda devozione religiosa e la sua abilità nel catturare l'espressione umana e il dramma delle storie sacre.

Vita di Giotto:

Si pensa che Giotto nacque intorno al 1266 in un piccolo villaggio contadino nei pressi di Firenze. La sua infanzia trascorse così in un ambiente rurale, ma il suo talento artistico fu scoperto presto. Si crede che abbia iniziato la sua formazione artistica come apprendista di Cimabue, uno dei pittori più famosi dell'epoca, introducendolo al mondo dell'arte.

Dopo il suo periodo a Roma, Giotto tornò a Firenze, dove divenne un artista di fama internazionale. Tra le sue opere più celebri di questo periodo si includono gli affreschi nella Cappella degli Scrovegni, che rappresentano storie della vita di Cristo e della Vergine Maria. La sua abilità nel rendere le figure umane più naturali e emotive divenne evidente in queste opere.

Durante la sua giovinezza, Giotto lavorò come pittore a Firenze, dove realizzò alcune delle sue prime opere, tra cui affreschi nella chiesa di Santa Croce e nella chiesa di Santa Maria Novella. Queste opere mostrano già i segni del suo talento unico per la rappresentazione realistica e umana.

Giotto ebbe una stretta relazione con l'ordine francescano e fu incaricato di realizzare affreschi per la Basilica di San Francesco ad Assisi. Questi affreschi, tra cui il celebre "Ciclo di San Francesco", riflettono la sua profonda sensibilità religiosa e il suo talento nel comunicare la spiritualità attraverso l'arte.

Intorno al 1290, Giotto si trasferì a Roma, dove ebbe l'opportunità di lavorare su importanti progetti artistici, tra cui gli affreschi nella Cappella degli Scrovegni a Padova e la decorazione della Basilica di San Pietro. Questo periodo fu cruciale per lo sviluppo della sua carriera e gli permise di guadagnarsi una reputazione sempre più rispettata.

Giotto continuò a lavorare su numerosi progetti di prestigio durante gli ultimi anni della sua vita, ma il suo lavoro fu interrotto dalla morte nel 1337 a Firenze. La sua eredità artistica perdurò attraverso gli allievi e gli artisti successivi che furono influenzati dalla sua rivoluzionaria visione artistica.

L'innovazione della Prospettiva:

Giotto è noto per aver introdotto una forma rudimentale ma rivoluzionaria di prospettiva realistica nelle sue opere pittoriche nel XIV secolo. Questo contributo all'arte segnò una svolta significativa rispetto all'approccio piatto e bidimensionale tipico dell'arte medievale. Nei dipinti di Giotto, è possibile individuare un uso iniziale ma efficace della prospettiva lineare. Questa tecnica permetteva di suggerire la profondità e la dimensione tridimensionale degli oggetti e delle figure rappresentate sulle sue tele. Giotto poneva le basi per le future innovazioni prospettiche che sarebbero state sviluppate durante il Rinascimento italiano.

Questo approccio innovativo alla prospettiva realistica fu in gran parte sperimentale e primitivo rispetto alle raffinate tecniche prospettiche sviluppate durante il Rinascimento, ma costituì un passo significativo nella transizione dall'arte medievale all'arte rinascimentale. Giotto aprì la strada per artisti successivi, come Masaccio, Leonardo da Vinci e Piero della Francesca, che avrebbero ulteriormente sviluppato e perfezionato le tecniche prospettiche, contribuendo così alla nascita dell'arte rinascimentale italiana.

Questo affresco è famoso nella storia della pittura prospettica in seguito agli studi condotti da Roberto Longhi nel 1952. L’affresco, che fa parte della Cappella degli Scrovegni, si caratterizza per la sua capacità di simulare in modo estremamente accurato la vista di uno spazio illusorio, che rappresenta tra i migliori esempi di prospettiva nell'arte precedente all'innovazione attuata da Filippo Brunelleschi nel XV secolo. Sebbene l'affresco sia realizzato senza l'utilizzo di strumenti prospettici, esso sembra derivare da un punto di osservazione centrale, situato al centro della cappella.

Contesto Storico:

Si pensa che Giotto nacque intorno al 1266 a Colle di Vespignano, un piccolo villaggio nei pressi di Firenze, in Italia. Questa data coincide con un periodo cruciale nella storia italiana, caratterizzato da cambiamenti politici, sociali e culturali. Nel XIII secolo, l'Italia era suddivisa in numerose realtà politiche differenti che lottavano per il potere e la supremazia.

Questa rivalità tra i comuni, i ducati e le varie repubbliche che costellavano il territorio italiano portò a frequenti conflitti e instabilità politica. Uno degli eventi più significativi del periodo fu la nascita del movimento francescano, guidato da San Francesco d'Assisi. Il francescanesimo promuoveva valori di umiltà, povertà e devozione, che ebbero un'influenza profonda sulla cultura e sull'arte dell'epoca. Giotto, in particolare, fu noto per la sua abilità nel rappresentare la spiritualità e l'umanità nei suoi dipinti, riflettendo l'influenza dei francescani sulla sua opera. Inoltre, il XIV secolo fu un periodo segnato dalla peste nera, una devastante epidemia che colpì l'Europa e l'Italia nel 1347-1351.