SIGLO XIX TEMAS 1 Y 2.ECLECTICISMO Y NUEVOS MATERIALES. ARTS AND CRAFT

Tema 1: siglo XIX

Eclecticismo y arquitectura de nuevos materiales

Contexto histórico

Máquina de vapor de James Watt

Lluvia, vapor y velocidad

¿Cómo afecta este contexto a la arquitectura?

El siglo XIX es un siglo que comienza recreando el Partenón y termina por construir la Torre Eiffel. A la belleza depurada de las formas clásicas se opone la lógica mecánica de los nuevos materiales, es decir, a la estética de la forma se opone la estética de la función. A lo largo del siglo dos grandes líneas de acción se definirán el quehacer: la arquitectura-arte y la arquitectura ingeniería. La persistencia de la primera buscando su camino en formas, y la audacia de la segunda, guiada por la técnica ofrecen un panorama complejo, cuando no contradictorio. Sobre todo para el espectador. Para el hombre de la calle, aunque su cultura fuese amplia, arte y técnica no son conciliables. Sin embargo, para los arquitectos la dicotomía no va tan marcada, y con frecuencia arquitectos historicistas como Viollet le-Duc van a a investigar profundamente en las posiblidades de los nuevos materiales, principalmente el hierro, y otros constructutores-ingenieros como Eiffel van a preocuparse por las posibilidadades puramente estéticas de la ingeniería. El siglo XIX es, pues, tiempo de gestación. La nueva sociedad, la nueva cultura industrial, necesitaba una nueva respuesta arquitectónica a sus necesidades y esta respuesta, que no será dada satisfactoriamente hasta el siglo XX, se elabora arduamente en el siglo XIX. Varias son las condiciones que influyen en la variada trama de la arquitectura de este tiempo:

1. EL ROMANTICISMO. Es el grito de la rebeldía contra el siglo de la Razón y las Academias. A la Europa de Napoleón se oponen las nacionalidades que luchan por su independencia o por la búsqueda de su identidad. Francia, Alemania, España o Inglaterra buscarán en sus propias fuentes medievales la raíz de su personalidad y su desvinculación con la dictadura greco-romana del clasicismo. El gótico, el mudéjar o el románico serán la fuente de inspiración de ciertas concepciones arquitectónicas de este tiempo.
2. LA AVENTURA COLONIAL. La economía europea necesita mercados y materias primas como consecuencia del desarrollo industrial, y esto lanza a las principales potencias económicas a la creación de nuevos imperios. El Medio Oriente, la India y el sudeste asíatico así como África serán repartidas en zonas de administración o de influencia. De estas colonias, principalmente de las de Asia, retornará a las metrópolis europeas toda una exótica cultura que será inmediatamente aceptada sobre todo por los espíritus post-románticos, aventureros e imaginativos. Palacios, invernaderos, cafés, monumentos etc. adquirirán aires indios, árabes e incluso chinos.
3. LAS NUEVAS SOCIEDADES. La organización social conllevará modificaciones profundas en las estructuras materiales. Nacen nuevos medios de comunicación, como el ferrocarril, que exige estaciones, puentes y en general, grandes obras públicas; además, las nuevas industria requiere instalaciones de características y dimensiones hasta entonces deconocidas.

4. LOS NUEVOS MATERIALES. El hierro había sido utilizado desde la antigüedad como complemento de la arquitectura para grapas o uniones, en general, pero hasta el siglo XVIII no se obtiene un hierro suficientemente consistente como para utilizarlo en la construcción. El hierro colado, sustituyendo a la forja, permite fabricar largas vigas pero también permite la elaboración de adornos a un costo reducido. El vidrio cobra igualmente alta importancia gracias al desarrollo técnico que a primeros del siglo XIX se logra producir hojas de hasta 2,50 x1,70 metros. Los invernaderos, estaciones de ferrocarril, museos, nuevas tiendas, pabellones para exposiciones etc. utilizan el vidrio como una verdadera piel traslúcida que sustituye al muro o a la cubierta. El cemento no hará su aparición hasta finales de siglo, y aunque verdaderamente no influirá apenas sobre la concepción arquitectónica del XIX, sí anticipará el valor constructivo y estructural de la arquitectura del siglo XX.

Estilos artísticos y decorativos del siglo XIX

Construcción de la torre Eiffel

Crystal Palace, de J. Paxton (1851)

Los historicismos

En el arte, el historicismo es una corriente que toma estilos del pasado (como el gótico, el renacimiento o el barroco) y los reinterpreta o mezcla en nuevas obras.

La arquitectura neoclásica

Su cronología abarca desde mediados del s. XVIII hasta los años treinta del XIX coexistiendo primero con el Barroco y el Rococó y, después, con el Romanticismo. Se extiende por Europa y EE.UU. Sus focos de irradiación son París, Roma y Nápoles. Está unida estrechamente a la Ilustración, corriente de pensamiento que criticará las estructuras del Antiguo Régimen y defenderá la lucha por un mundo nuevo basado en la razón. Supone una crítica del arte Barroco y Rococó, sobre todo por sus “excesos” sin medida. Esta crítica le lleva a fijarse en los modelos estilísticos de la Antigüedad clásica, caracterizado por su aparente sencillez y sobriedad, y renacentista. Contribuirán a este acercamiento: • Las excavaciones arqueológicas del momento en Herculano (desde 1717) y Pompeya (desde 1748). • El nacimiento de la Historia del Arte con La Historia del Arte de la Antigüedad de Winckelmann y Laooconte de Lessing. Estos tratadistas preconizan el ideal griego como base de toda belleza. • El nacimiento de las Academias a lo largo del s. XVIII que subrayan el valor normativo de lo clásico. • El ideario de los ilustrados que iban buscando para el arte “la noble simplicidad”.

¿Cómo es la arquitectura neoclásica?

Arquitectura racional (arquitectura de la razón), de gran sobriedad decorativa en clara oposición a la complejidad y exuberancia decorativa del Barroco, y estructural, basada en volúmenes nítidos y simples que se corresponden con los espacios interiores. • Utilización de formas geométricas básicas (rectángulos, cuadrados, triángulos…). • Uso de sistemas arquitrabados, aunque también emplea con frecuencia la cúpula. • Utiliza los órdenes clásicos y recupera el uso del módulo para conseguir la proporción, la armonía, el equilibrio y la simetría.

Spencer House: ejemplo de neoclasicismo

• Adopta con frecuencia la tipología del templo clásico, con frontón, columnata y atrio. • Se expresa a través de edificios más funcionales, que se construyen para satisfacer las necesidades de la sociedad civil como son museos, bibliotecas, teatros...

No se trata de copia tal cual sino de investigación rigurosa y crítica de los modelos clásicos. De ahí la defensa de la belleza como principio básico que es entendida por el neoclasicismo como sinónimo de razón y verdad (influencia de la Ilustración). La finalidad del arte es la educación cívica: la obra de arte adquiere valor por su contenido moral y social. Por ello el artista no aspira a la genialidad sino al rigor del teórico que le convierte en agente de una sociedad libre y ordenada.

Palacio de las Cortes. Narciso Pascual Colomer

Madame de Verninac. Jacques- Louis David.

Eros y Psique. Antonio Canova

El mueble neoclásico se caracteriza por la sobriedad y la geometría clara (rectángulos, cuadrados, círculos), con proporciones equilibradas inspiradas en la Antigüedad clásica. Usa líneas rectas, columnas, patas estriadas y decoración discreta (guirnaldas, lazos, medallones).

Sillón atribuido a Georges Jacob. 1785.

Rectagular

Rectangular a chapeau

Oval

Petit Trianon. Dentro del palacio de Versalles. Jacques Gabriel (arquitecto) 1763-1768.

Planta baja

Escalera principal

Capilla Petit Trianon

Habitación de billar

Cocina

Primera planta Petit Trianon

Comedor

Sala de recepción

Tocador de la reina

Habitación de María Antonieta

Petit Trianon Habitación de Maria Antonieta

Plano entresuelo Petit Trianon

A. Biblioteca B. Habitación dama de honor C. Habitación primera doncella D. Escalera E.Armario F. Cuarto de baño G. Escalera de caracol

Biblioteca María Antonieta entresuelo

Cuarto de la primera dama de la reina

Ático

A. Antecámara de Luis XV. B. Habitación de Luis XV. C. Gabinete de Luis XVI. D. Pequeño salón de Madame de Royale. E. Habitación de Madame Elisabeth. F. Gabinete de María Luisa. G. Habitaciñon de Marie Louise. I. Tocador de la duquesa Orleans. J. Salón de la emperatriz Eugenia. L. Armario

Habitación del rey

Gabinete de Luis XV

Habitación de Madame Elisabeth (hermana pequeña de Luis XVI)

Salón de compañía

Salón Huet

Arquitectura neogótica

Es una de las grandes corrientes de la arquitectura del siglo XIX, la más utilizada en el nuevo paisaje urbano, resultado del espectacular crecimiento de las ciudades. Se define por el uso de fórmulas pertenecientes al pasado artístico, por lo que ha sido una arquitectura a veces poco valorada. Está muy unida al Romanticismo, pues aunque este movimiento artístico no desarrolló una arquitectura propia, su revalorización del pasado y de lo exótico encuentra reflejo en los historicismos (neorrománico, neogótico, neomudéjar, neorrenacimiento, neobarroco…) frente al presente industrial. Aunque presenta numerosas modalidades, la corriente más difundida dentro del historicismo es el neogótico, que alcanzó un notable éxito durante el Romanticismo. • Evoca la Edad Media que entonces estaba siendo reivindicada y estudiada por los románticos. • Supone el soporte preferido para el establecimiento de las señas de identidad locales, en el momento de expansión del nacionalismo (frente al universalismo del neoclasicismo). • La tradición gótica estaba fuertemente arraigada en Europa y no había llegado a desaparecer. En muchas zonas, entre ellas nuestro país, permaneció hasta fines del s. XVI, retomándose su espíritu en muchos aspectos durante el Barroco

• Francia y, sobre todo, Reino Unido serán sus principales impulsores en arquitectura, artes plásticas y literatura. • Es un tipo de arquitectura que se preocupa esencialmente del aspecto exterior de los edificios sin que haya siempre una verdadera correspondencia con el interior. • Ejemplos destacados: conjunto del Parlamento británico, en Londres, de Charles Barry y A. W. Pugin; catedrales de Colonia y de Edimburgo. • Entre los teóricos e investigadores de esta tendencia se encuentra el polémico arquitecto francés Eugene Viollet-le-Duc (1814-1879), especializado en la restauración de edificios. Fue el más ferviente propagador del gótico y a él se debe la restauración de las principales catedrales góticas francesas como Notre Dame, Chartres o Reims. ¡

Parlamento de Londres. 1836-1868. Charles Barry y A.W. Pugin. Londres.

Neomudéjar

El estilo neomudéjar es una corriente arquitectónica que surge en España a finales del siglo XIX, inspirado en la estética del arte mudéjar medieval, que a su vez es una fusión de influencias islámicas y cristianas propias de la Península ibérica. El mudéjar original había surgido entre los siglos XII y XVI, y el neomudéjar es una reinterpretación de este estilo en la arquitectura y ornamentación moderna.

Características principales del neomudéjar:

• Uso de ladrillo: El ladrillo visto es uno de los elementos más característicos, tanto estructural como decorativamente. Las fachadas suelen estar adornadas con complejos patrones geométricos de ladrillo, imitando los motivos islámicos.

• Arcos de herradura y lobulados: Al igual que en el arte islámico, los arcos de herradura y los arcos lobulados son comunes en las construcciones neomudéjares, añadiendo una sensación de exotismo y referencia a la arquitectura árabe.
• Decoración geométrica: Se recurre a patrones geométricos repetitivos que cubren tanto paredes como techos. Los azulejos vidriados y los mosaicos también se utilizan para crear efectos visuales en colores brillantes.
• Reminiscencias de palacios y mezquitas islámicas: Se imitan las formas y el ambiente de construcciones como la Alhambra de Granada o la Mezquita de Córdoba, evocando la herencia islámica de España.
• Aplicación en arquitectura popular: Aunque en sus primeras fases el estilo neomudéjar fue adoptado para obras públicas, teatros, y estaciones de tren, con el tiempo también se utilizó en edificios residenciales y plazas de toros.

Patrones geométricos

Teatro Falla, Cádiz. 1884-1905. Arquitectos: Adolfo Morales de los Ríos y Adolfo del Castillo

Interior de la iglesia de San Pedro de Teruel, decorada en estilo neomudéjar por Pablo Monguió Segura y Salvador Gisbert

El eclecticismo es otra de las grandes corrientes constructivas de la segunda mitad del s. XIX. Se caracterizará por tomar de cada estilo los elementos que mejor se adapten a las necesidades planteadas en cada edificio, logrando así una verdadera síntesis arquitectónica. En esta arquitectura se mezclan, con absoluta libertad, elementos inspirados en el arte egipcio, clásico o medieval. Mientras la arquitectura del hierro suponía una fuerte ruptura con el pasado, el eclecticismo se apoyaba fuertemente en él. La Ópera de París de Charles Garnier (desde 1861) es el edificio más representativo de esta arquitectura y la referencia de muchos edificios construidos en el resto de Europa. Se trata de una construcción espléndida por su exuberancia decorativa, la variedad de referencias formales, la espectacularidad de su cúpula y la riqueza de los materiales empleados. Es además el edificio más emblemático de la transformación urbanística llevada a cabo en París por el barón Haussmann, bajo el Segundo Imperio de Napoleón III.

La ópera de París o Palacio Garnier es un edificio construido en el siglo XIX por el arquitecto francés Charles Garnier.Mezcla de estilos: elementos clásico y neobarroco.

Arquitectura de los nuevos materiales

La Revolución Industrial del siglo XIX dará lugar al nacimiento de nuevos materiales como el vidrio y el hierro, que permitirán una producción en serie y a gran escala de estos y otros materiales. La consecuencia directa de la aparición de estos será su aplicación a la arquitectura del momento, el hierro permitirá ampliar estas estructuras abriendo un mayor espacio al interior de la arquitectura, es más, este espacio podrá ser cubierto con paneles de vidrio que permitirán la introducción de luz al interior de la misma y la apertura total de los muros que podrán ser acristalados. Los arquitectos del siglo XIX contaban con las mejoras tecnológicas de sus época lo que les llevaría a proponer nuevas soluciones que inicialmente serán vacilantes, pero que con el tiempo provocarán un cambio radical en su manera de ver los espacios. Otra de las consecuencias de la Revolución Industrial será la aparición de nuevas tipologías o tipos de edificios, para albergar las industrias: almacenes y salas de máquinas, para albergar los avances, en medicina: hospitales con quirófanos y otras salas especializadas, para albergar las nuevas impresiones industriales de libros: las bibliotecas, las colecciones públicas de arte: los museos...

Arquitectura del hierro

En 1777 se construye el primer puente de hierro del mundo, el de Coalbrookdale y, ya en el siglo XIX, Viollet le-Duc (arquitecto y restaurador francés) comienza a emplear el hierro para su estructuras neogóticas. Un excelente ejemplo de adecuación del nuevo material al espíritu neogótico lo afrece el Museo de la Ciencia, de Oxford construido por Deane y Woodward. En él los arcos apuntados son de hierro y la leve decoración que añade es de hierro colado. En 1855, Henri Labrouste construye la Biblioteca Nacional de París, enteramente en hierro; aquí el metal aporta extrema ligereza a las columnas que soportan airosas bóvedas vaídas, ajenas a cualquier connotación histórica. Una vez más el hierro está proponiendo, e imponiendo, su propio lenguaje formal. Pero los mejores exponentes de la arquitectura del hierro lo ofrecen las Exposiciones Universales. La naturaleza de las mismas, dadas las grandes dimensiones que requería, para albergar el abigarrado conjunto de productos, máquinas, nuevos inventos etc. exigían pabellones enormes que le dieran a todo ello una unidad de aspecto y una cierta coherencia.

CoalbrookdaleT. F. Pritchard

Por otra parte, estas Exposiciones, a pesar de su carácter universal, eran el exponente orgulloso del país que las organizaba. Por ello los pabellones se construyen con los medios técnicos más avanzados y haciendo hala de la mejor sabiduría constructiva posible; como por otra parte no tienen por qué perseguir una monumentalidad de estilo de los arquitectos-ingenerios se preocupan al máximo de la funcionalidad. En estos grandes pabellones está la clave que modificará la construcción tradicional. Los tres edificios más significativos son: el Palacio de Cristal de Patxon (Londres), la Galería de las Máquinas, de Duter y Contamin y la Torre de Eiffel. En el concurso abierto de la Exposición de Londres de 1851 se exigía que los materiales pudiera ser empleados de nuevo y que, por ello, pudiera descontarse. La poca duración de las Exposiciones y la necesidad de su demolición será una constante de todas ellas, lo cual es lógico si se tiene en cuenta el carácter de novedad que cada una de ellas tenía que ofrecer. Paxton gana el concurso y lo resuelve con elementos prefabricados que se monta y desmonta.

• 1851 en Londres
• 1855 en París
• 1862 en Londres
• 1867 en París
• 1873 en Viena
• 1878 en París
• 1885 en Amberes
• 1889 en París
• 1893 en Chicago
• 1900 en París

Exposiciones universales: Londres 1851

Crystal Palace: Joseph Paxton

El edificio será el prototipo en el que se inspirarán la mayoría de Palacios de Cristal europeos y todos los demás pabellones destinados a usos semejantes. El siguiente y definitivo paso, se dará en la Exposición de París en 1889. Principalmente con la Galería de las Máquinas y la Torre Eiffel. La primera sorprende por sus dimensiones (320 metros de largo por 115 de anchura).

Escritores, escultores, arquitectos, pintores y aficionados apasionados por la belleza hasta aquí intacta de París, queremos protestar con todas nuestras fuerzas, con toda nuestra indignación, en nombre del gusto francés mal apreciado, en nombre del arte y de la historia franceses amenazados, contra la erección, en pleno corazón de nuestra capital, de la inútil y monstruosa Torre Eiffel. ¿La ciudad de París será por más tiempo asociada a las barrocas y mercantiles imaginaciones de un constructor de maquinas para deshonrarse y afearse irreparablemente? Pues la Torre Eiffel, que ni la misma y comercial América querría, es, no lo duden, la deshonra de París. Todos lo sienten, todos lo dicen, todos se afligen profundamente, y no somos más que un débil eco de la opinión universal, tan legítimamente alarmada. Por último, cuando los extranjeros vengan a visitar nuestra Exposición, exclamaran sorprendidos: “¿Cómo? ¿Éste es el horror que los franceses han encontrado para darnos una idea del gusto del que tanto presumen?

Galería de las máquinas: Dutert y Contamin

Más edificios de exposiciones

Algunos edificios son testigo de antiguas Exposiciones Internacionales menores como son el Palacio de Velázquez (1883) y el Palacio de Cristal (1887) ambos en los jardines del Retiro madrileños.

Palacio Cristal de Madrid construido por Ricardo Velázquez Bosco en 1887

Palacio de Cristal, Madrid

Palacio de Velázquez Retiro

Ricardo Velázquez Bosco. Velázquez recibió el encargo del Ministerio de Fomento de levantar un edificio que sirviera para albergar la Exposición Nacional de Minería de 1883.

Museo de Orsay, exterior. destinada a recibir a los visitantes de la Exposición Universal de 1900.

Museo de Orsay (actualidad). Este edificio se construye a finales del siglo XIX como estación ferroviaria para la Exposición Universal de París (1900).

Atocha en 1929, Madrid

Henri LABROUSTE (1801-1875) En él se aúnan por primera vez, el talento del ingeniero y la sensibilidad del artista. Realiza el proyecto para la Biblioteca de Santa Genoveva de París (1843-1850), empleando por primera vez en un edificio público una armadura de fundición de hierro forjado que se extendía desde los cimientos hasta la cubierta. Aunque lamentablemente esta estructura metálica fue enmascarada mediante una fachada de obra, provista de decoraciones historicistas. Su interior es un espacio “nuevo” que deja a la vista el material, perfectamente adaptado a su función.

Henri LABROUSTE (1801-1875) Biblioteca de Santa Genoveva de París (1843-1850).

Henri LABROUSTE (1801-1875) Biblioteca de Santa Genoveva de París (1843-1850).

Biblioteca Nacional de París, Henri Labrouste, 1868.

Biblioteca Nacional de París. La sala de lectura se cubre por cúpulas de cristal sostenidas por finas columnas de hierro.

Los nuevos materiales se empiezan a utilizar en otros estilos (los historicismos o los "neo")

Centro comercial Plaza de Armas (antigua estación ferroviaria). Sevilla. Nuevos materiales y neomudéjar (estética musulmana).

Antigua estación. Sevilla

La adecuación del material al espíritu neogótico lo encontramos en el Museo de la Ciencia de Oxford de DEANE y WOODWARD, cuya estructura y decoración son de hierro colado y están a la vista. Las esbeltas columnas de hierro sostienen la cubierta de vidrio; además de incorporar nuevos materiales, puede ser etiquetado como una arquitectura ecléctica en la que conviven desde lo islámico a lo gótico.

Centro comercial Plaza de Armas. Sevilla

Bolsa de Ámsterdam, construida por el arquitecto Hendrik Petrus Berlage entre 1896 y 1903.

Beurs van Berlage

Diseñadores europeos relevantes del siglo XIX

Owen Jones

Owen Jones (1809 - 1874) fue un arquitecto, artista decorativo, escritor y educador británico. A través de sus esfuerzos por publicar sus conclusiones sobre el uso histórico del color en la decoración, también se convirtió en uno de los pioneros de la cromolitografía. Después de un aprendizaje de seis años en el estudio de Lewis Vulliamy, viajó durante cuatro años por Italia, Grecia, Turquía, Egipto y España, haciendo un estudio especial de la Alhambra de Granada. Regresó a Inglaterra en 1836. Especializado en decoración de interiores, su fórmula era la siguiente: "Forma sin color es como un cuerpo sin alma".

Christ Church, Streatham Hill.

La Gramática del Ornamento, un libro escrito por Jones y publicado por primera vez en 1856, se convirtió en una herramienta importante de la época para el aprendizaje de los diseñadores de artes decorativas, mediante el estudio de las culturas de las tierras donde había viajado Jones o que había estudiado; el libro destacaba por las ilustraciones de ornamento chino, hindú, árabe y de otras culturas, reproducidas con el recién desarrollado proceso de cromolitografía. La elección del color usado en el libro fue considerado como importante e influyente para los diseños ornamentales.

https://www.nms.ac.uk/explore-our-collections/stories/global-arts-cultures-and-design/grammar-of-ornament/

Owes Jones (1806-1874), arquitecto y decorador, Grammar of ornament. S. XIX

Owes Jones (1806-1874), arquitecto y decorador, Grammar of ornament. S. XIX

Owes Jones (1806-1874), arquitecto y decorador, Grammar of ornament. S. XIX

Owes Jones (1806-1874), arquitecto y decorador, Grammar of ornament. S. XIX

Michael Thonet (1796-1871)

Silla Boppard, primer gran éxito de Thonet, 1836. Buscaba crear un mueble fino y ligero.

Hay que destacar el novedoso proceso de fabricación de la silla N. 14. Se considera el comienzo de la producción industrial en serie de una silla. La silla 14 (1859) se podía fabricar siguiendo un proceso dividido en fases y se desmontaba por completo en tan solo 6 piezas de madera, 4 puntillas, 2 tornillos y 2 tuercas. Posteriormente era empaquetada en una caja de un metro cúbico, lo que permitía que se pudiese enviar a cualquier parte del mundo. Otro de los avances, fue la utilización de esterilla trenzada para sus asientos. La esterilla de fibra natural cosida sobre bastidor de la estructura aporta un aspecto cálido y liviano. Esta innovación ofrece no solo una importante disminución en su peso (característica importante para su manipulación y transporte) sin no que además sería una solución perfecta para reemplazar los tradicionales asientos tapizados el cual solía mancharse con facilidad, y su limpieza resultada muy costosa.

Gebrüder Thonet –así pasó a denominarse la empresa cuando Thonet se la entregó a sus cinco hijos- iba a ser la única empresa en el Imperio Austro-Húngaro durante más de una década que podría producir legalmente muebles de madera curvada.

En 1860, Thonet diseñó su primera mecedora, la que es considera por muchos como una de sus obras maestras.

Cuando Michael Thonet murió en 1871, su empresa tenía sedes en casi todas las grandes ciudades europeas, también en Rusia y EE. UU. Como empresa, ha participado en todos los acontecimientos más importantes en el diseño moderno, sobrevivió a las dos guerras mundiales y, aunque se disolvió en varias ocasiones, siempre supo sobreponerse. Gebrüder Thonet introdujo en su fabricación el tubo de acero con gran éxito ya que se convirtió en el mayor fabricante de muebles de acero tubular en el mundo en la década de 1930. Con ella han colaborado diseñadores de la talla de Marcel Breuer, Mart Stam o Ludwig Mies van der Rohe. En la actualidad, la empresa tiene su sede en Alemania.

Modelo de silla Thonet 209 (favorito de Le Corbusier)

» Nunca ha sido creado algo más elegante y mejor concebido, más preciso en su ejecución y más excelentemente funcional». Le Corbusier.

¿Qué ocurre en EEUU?

La escuela de chicago

A nivel arquitectónico, el siglo XIX en Estados Unidos fue un periodo de grandes transformaciones, y uno de los movimientos más influyentes fue la Escuela de Chicago, que marcó una ruptura con las tradiciones anteriores y una búsqueda de un nuevo lenguaje arquitectónico que respondiera a las necesidades de una sociedad en rápido crecimiento y urbanización. Este movimiento también estuvo vinculado al desarrollo de nuevas tecnologías, especialmente en el uso del acero y el cristal, que permitió una mayor altura en los edificios y un diseño más flexible.

La escuela de Chicago es el nombre que reciben un grupo de arquitectos y una serie de obras de carácter unitario que se construyeron en Chicago entre 1871 y 1910. Es aquí donde realmente nace la arquitectura utilitaria y racionalista que dominará durante el siglo XX.Tienen lugar una serie de factores que hacen posible la aparición de un nuevo tipo de construcción, el edificio de oficinas o almacenes que permitía superponer alturas, el máximo aprovechamiento de los solares. Los factores son: a) El incendio de la ciudad de Chicago en 1871 y la urgente necesidad de su reconstrucción. b) La especulación del suelo edificable que obliga a construir en altura y la necesidad de aprovechar al máximo los solares c) El descubrimiento del ascensor (creado por E.G. Otis en 1864, en sus orígenes a vapor). d) La utilización de armaduras metálicas que permiten superponer muchos pisos, reduciendo la construcción a un planteamiento de estructuras y revestimiento. El incendio de la ciudad de Chicago hizo que la ciudad se convirtiera en un auténtico campo de exploración en lo que respecta a la mejora de la seguridad de las estructuras metálicas.

Estas construcciones se caracterizan por:

• El empleo de estructuras internas de hierro, recubiertas con materiales refractarios y utilización de muros cortina que no soportan peso.
• La amplitud de los espacios internos al reducir al mínimo los pilares.
• Funcionalidad múltiple y luminosidad (empleo de la ventana apaisada).
• El uso del ascensor, para solucionar el problema de las comunicaciones verticales.
• El incendio hizo pensar en la conveniencia de eliminar la madera, revistiendo con cerámica las columnas de hierro colado, al tiempo que permite la aparición de una ciudad nueva con un estilo arquitectónico más racional y uniforme.

Chicago windows

Principales arquitectos de la Escuela de Chicago

William Le Baron Jenney es considerado jefe de esta escuela, y es el constructor de los primeros rascacielos de Chicago; El año 1885 marca un hito al levantarse el primer edificio con parte del armazón de acero: el Home Life Insurance Building (oficinas), (su antecedente fue el First Leiter Building, primer edificio con armazón de metal) hoy desaparecido, tenía diez pisos y ascensor. De acero, con recubrimiento de ladrillo refractario, con este edificio se iniciaba la era del rascacielos. Su otra gran aportación fue la sustitución de los muros exteriores por una estructura de columnas de hierro que le permite abrir grandes ventanas en todas las fachadas.Se usan vigas y pilares de metal en lugar de piedra y ladrillo con lo que se consigue aligerar la estructura del edificio.

Leiter building

Construido en 1891, diseñado por el arquitecto William Le Baron Jenney. Eran unos almacenes.

RICHARDSON (1856-1924). La obra principal de Richardson fueron los Almacenes Marshall Field, hoy demolidos, que ocupaban toda una manzana, con estructura interna de hierro no visto; la gran masa del bloque, acentuada por la pesadez de sus rudos sillares, se compensaba, sin embargo, con la amplitud de sus vanos, que al mismo tiempo permiten la iluminación generosa del interior.

Foto de los Almacenes Marshall en 1890

Louis Sullivan (1856-1924) fue un arquitecto estadounidense pionero de los rascacielos y precursor de la arquitectura moderna. En Chicago, tras el Gran Incendio de 1871, promovió la idea de que "la forma sigue a la función", diseñando edificios que combinaban sobre todo funcionalidad con elementos decorativos. Trabajó en la firma de Adler & Sullivan, donde diseñó algunos de los primeros rascacielos, como el Auditorium Building en Chicago y el Wainwright Building en San Luis.A pesar de sus contribuciones, terminó su vida en dificultades financieras. Su legado influyó en la arquitectura moderna y en su discípulo, Frank Lloyd Wright.

la forma sigue a la función

El Auditorium de Chicago, lo realiza junto a Dankmar ADLER (1844-1900), en perfecta coordinación arquitecto-ingeniero, dando continuidad a la vertiente del rascacielos, al que intentan otorgarle personalidad figurativa. En el Auditorium imprime un aire neorrománico, utilizando en el basamento la rudeza que le confiere el aparejo almohadillado rústico; además, las fachadas son para SULLIVAN las que otorgan personalidad al edificio, lo que explica el uso de elementos historicistas en ellas. Otra de sus grandes obras es la reforma de los Almacenes Carson, Pirie & Scot, donde consigue un equilibrio entre la verticalidad y la horizontalidad, quedando reducida la ornamentación a un marco entorno a las ventanas y a la entrada en chaflán del edificio. En el edificio Wainwright de San Louis retoman la estratificación en altura, concibiendo el edificio como una columna -basa, fuste y capitel- alcanzando el cuidado de las fachadas su máximo refinamiento, gracias a la menuda y elegante decoración y al acertado tono rojo del ladrillo que las recubre.

Auditorio de Chicago, 1886-89.

Auditorio de Chicago

Carson, Pire & Scott

1904

Edificio Wainwright. Oficinas. Misuri.

1891 Arquitecto Adler & Sullivan

Louis Sullivan. Wainwright Building, 1890-1891

Tema 2: ARTS AND CRAFTS

Segunda mitad del siglo XIX en Inglaterra

La reforma del gusto

Arts and Crafts fue un movimiento artístico y social surgido en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX, en respuesta a la industrialización y el impacto negativo que tuvo sobre el diseño y la calidad de los objetos hechos a mano. Promovía la vuelta a las técnicas tradicionales de artesanía, el trabajo manual y la creación de objetos funcionales y bellos, en contraposición a la producción en masa.

Arts and Crafts también fue un movimiento político porque no solo planteaba una reforma estética y artesanal, sino que también proponía cambios sociales y económicos al criticar el capitalismo industrial y sus efectos en los trabajadores. Su apuesta por el trabajo manual, la producción equitativa y la creación de objetos útiles y hermosos para todos lo conectaba profundamente con las ideas socialistas y de reforma social de finales del siglo XIX.

Protagonistas del movimiento A&C

Augustus Pugin (1812 -1852).Arquitecto, diseñador y escritor.

Fue uno de los primeros diseñadores y arquitectos en reaccionar contra el crecimiento urbanístico y consumista. Se inspiró para su obra en un modelo ideal de la Edad Media (que él imaginó como una era perfecta de armonía social). “Casi he perdido la esperanza de que salga algo bueno de las Escuelas de Diseño. En realidad, son un obstáculo para que resurjan la sensibilidad y el buen gusto, porque pervierten el espíritu de los estudiantes al obligarles a copiar, año tras año, los mismos modelos caducos, sin que aparezca un solo artista capaz de diseñar algo original y bien hecho”. La solución de Pugin a los problemas de su época supuso un afortunado redescubrimiento de la arquitectura medieval. Estaba convencido de que las sociedades “buenas” generaban gente “buena” y que a su vez esa gente produciría necesariamente un “buen” diseño. No se trataba de un mero romanticismo nostálgico, pues Pugin tenía ideas muy complejas sobre la funcionalidad estética. Así en su libro Christian Architecture, de 1841, escribió: “No es posible enumerar siquiera la mitad de los absurdos en que incurren los modernos trabajadores del metal. Pero todos ellos proceden de la falsa idea de disfrazar los artículos útiles en lugar de embellecerlos. ¡Cuántos objetos cotidianos acaban siendo monstruosos o ridículos, sólo porque el artista, en lugar de buscar primero la forma más conveniente y decorarla después, los ha envuelto en alguna forma extravagante para ocultar la verdadera finalidad para la que estaban hechos!

Pugin fue uno de los constructores del Palacio de Westminster, construido a mediados del siglo XIX en estilo NEOGÓTICO

Prerrafaelitas

John Everett Millais

William Holman Hunt

Dante Gabriel Rossetti

Surgidos en 1848, los prerrafaelitas eran un grupo de pintores que se retiran del mundo, espantados por el materialismo, para emular las comunidades religiosas medievales. Solían pintar paisajes, figuras y objetos con gran detalle y precisión, a menudo utilizando colores vibrantes. Los temas fueron literarios y simbólicos: Los prerrafaelitas se inspiraron en la literatura, la poesía y la mitología para sus obras, y a menudo incluían simbolismo en sus cuadros.

John Everett Millais.1851/2

Elizabeth Siddall Rossetti (1829-1862)

John Ruskin (1819-1900)

Escritor, crítico de arte y sociólogo. Fue el más brillante crítico de la era victoriana posicionándose claramente en contra de los efectos de la industrialización y su materialismo implícito sobre la sociedad. Sus libros más influyentes son: - Las siete lámparas de la Arquitectura (1849) donde disecciona el análisis de las obras de arte desde siete enfoques o lámparas: Sacrificio, Verdad, Poder, Belleza, Vida, Memoria, Humildad - Las piedras de Venecia (1851-53): escrito durante su estancia en esta ciudad. Es una reflexión sobre sus ideas estéticas y una alabanza al arte de la Edad Media Su influencia en el Movimiento Arts and Crafts y en la Teoría de la restauración del Patrimonio fue muy importante

El estilo neogótico influye en el Arts and Crafts

William Morris (1834-1896)

Arquitecto, maestro textil y fundador del Movimiento artístico Arts and Crafts. En la Universidad de Oxford, donde estudió, conoció al crítico y escritor John Ruskin en 1854, que tendría una gran influencia sobre él. Estuvo muy unido a la hermandad de artistas conocida como Prerrafaelistas que rechazaban la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura y propugnaban un retorno a la artesanía medieval reivindicando el estatus de artista para los artesanos. A medidados del siglo XIX fundó una empresa junto a otros artistas de arquitectura y diseño industrial que financió él personalmente. Con ella llevó a la práctica la consideración de las artes y los oficios de la época medieval como paradigma de la supremacía del ser humano sobre la máquina reivindicando la expresión artística como sinónimo de calidad. En 1875 la compañía pasó a denominarse Morris and Co.

“todas las artes menores se hallaban en un estado de absoluta degradación” Morris empezó haciendo bordados (que a veces realizaba él mismo) y pasó a diseñar papeles pintados, vidrieras, telas de dibujos estampados y tejidos, alfombras, tapices y muebles. Su última iniciativa fue la Kelmscot Press, fundada en 1890, para la producción de libros de impresión exquisita. En todos los campos dominó las técnicas de producción, estudiando cuestiones tales como el empleo de tintes vegetales antes de acometer la labor de diseño. Tuvo un extraordinario talento para la forma bidimensional, y gran comprensión de las formas naturales: el rizo de una hoja o la relación de una flor con su tallo.

A partir de Pugin, y a través de Ruskin y William Morris, surgió en la segunda mitad del siglo XIX este movimiento llamado Arts and Crafts. Sus miembros más representativos junto con el propio W. Morris fueron C. F. A. Voysey, C. R. Ashbee, A. H. Mackmurdo y C. Dresser.

Algunos diseños de la empresa de William Morris

Trellis, primer diseño de papel pintado, 1864

Daisy, 1864

Papel pintado (Pimpernel), aprox 1876. Morris & Co.

Patrón William Morris, Snakeshead, 1876

Papel pintado William Morris (Cray), aprox 1884.

Papel pintado William Morris (Cray), aprox 1884.

Dibujo de William Morris para un papel pintado (Willow Bough, rama de sauce), 1887.

Vine Leaf (hoja de vid), textil: cubierta para una mesa. Estudio de las formas naturales para luego simplificarlas en un patrón, 1896.

Pomona. Textil: tapiz. Diseño de la figura: 1882, diseño del fondo: 1898, tapiz hecho en 1906. Pomona: según la mitología romana es la diosa de la huerta y la fruta.

Cortina. Patrón inspirado en el diseño llamado Strawberry Thief, se trata de una serie de pájaros que picotean unas fresas. Es uno de los patrones más famosos de Morris y lo podemos encontrar en difrerentes formatos: papel pintado, cortinas, paños de cocina...etc.

Tulip, 1875

Alfombra: Lily, 1877.

Alfombra: Peacock and dragon, 1878

Recuperación de modelos más rústicos y ligeros

Silla Sussex

Edificios emblemáticos del AYC

Red House en BexleyHeath, casa de William Morris. Arquitecto: Philip Webb, decorada por Rosetti y Burne-Jones, 1859.

El exterior no tiene ornamentación. El nombre de Red House es por el ladrillo rojo que se utiliza para su construcción. Las ventanas se adaptaron al diseño de las habitaciones en lugar de buscar una simetría exterior (por eso hay diversas tipologías ).

Puerta de entrada

La puerta de entrada tiene cuatro ventanas cerradas con mosaicos que representan las cuatro estaciones.

Esta casa se construyó con materiales locales y sus inspiraciones fueron la arquitectura medieval junto con las casas de campo inglesas del siglo XVIII. La mayoría de viviendas de la época tenían acabados en estuco, Morris decidió construir su casa con ladrillos vistos.

Comedor

En el comedor, Morris planeó decorar las paredes con una serie de heroínas femeninas bordadas, basadas en The Legend of Good Women de Geoffrey Chaucer. Producida por Jane y su hermana Bessie, solo se completaron siete u ocho. La Afrodita inacabada se exhibe aquí; se pueden ver otros tres en Kelmscott Manor y tres más en Castle Howard.

Comedor

Dormitorio de William Morris y Jane

Habitación en el primer piso

Estudio de William Morris en el primero piso

Habitación de dibujo

Habitación de dibujo

SI JE PUIS

Kelmscott Manor House, Oxford. Residencia de Morris desde 1871.

Kelmscott House

Casa de verano alquilada por William Morris, desde 1871 hasta 1896. Era una antigua casa construida en el siglo XVII.

Casa del siglo XVII que Morris alquila en 1871 junto con el pintor Rosetti (este la abandona en 1874) Morris buscaba una casa lejos del ambiente de Londres y vio en esta finca el lugar ideal. La alquila hasta su muerte en 1896, aunque nunca vive aquí de manera permanente. Este lugar inspiró el diseño de Strawberry Thief

Habitación verde

Habitación de William Morris

Habitación de William Morris

https://kelmscottmanor.org.uk/external/360/index.html

Standen House: Phillip Webb y William Morris. 1891.

Diseñada por Philip Webb y amueblada por Morris & Co. Standen fue el retiro rural de la familia Beale desde 1894 . James Beale fue un importante abogado londinese.

El sillón Morris es un asiento reclinable diseñado hacia 1866 por Philip Webb y producido por la firma de William Morris. Tiene una estructura de madera sencilla y robusta, con respaldo ajustable en varias posiciones, brazos rectos y tapicería con tejidos diseñados por Morris, generalmente de motivos naturales. Fue innovador por su comodidad y expresa los ideales del Arts & Crafts, uniendo artesanía, función y belleza cotidiana.

El comedor ha cambiado poco a lo largo de los años. Este color de pared complementa la gran colección de platos de porcelana azul y blanca. El diseño del pavo real y el dragón de William Morris se utilizó para las cortinas de lana tejida y los respaldos de las sillas de esta sala.

La Sala de la Mañana está cerca del ala de los sirvientes y está orientada al sur y al este, lo que ofrece la mejor vista del valle y mucha luz durante gran parte del día. Se usaba la sala para escribir cartas, planificar el día y trabajar en el bordado. Las estanterías incorporadas contienen varios cientos de libros, incluidos los libros de jardinería de la señora Beale, que consultaba mientras planificaba sus ideas para los terrenos de Standen.

La inclusión de una sala de billar refleja el estatus social de la familia Beale: durante el siglo XIX, el billar ganó un gran número de seguidores.

Encima de la mesa, la lámpara eléctrica de latón muestra la visión progresista que tenía la familia hacia las innovaciones modernas de la época.

Sala de billar, Standen House

Uno de los dormitorios de la casa

Diseñadores asociados al movimiento Artes y Oficios

Charles Robert Ashbee

Charles Robert Ashbee perteneció al movimiento de Arts and Craft y fue el fundador de la Guild and School of Handicraft (Gremio y Escuela de Artesanía). Nació en Londres en 1863; hijo de un acomodado comerciante inglés, gran aficionado al arte y bibliógrafo reconocido, estudió en los mejores centros londinenses. Interesado en las nuevas corrientes artísticas y sociales conectó rápidamente con las ideas de John Ruskin.

La doctrina de Ruskin y el pensamiento socialista de Morris se unieron para dar forma al Gremio y Escuela de Artesanía que Ashbee fundó en el distrito londinense de Whitechapel, en Londres. En este centro Ashbee aglutinó a los más innovadores artistas de la época. A pesar de sus diferencias personales, todos compartían una ideología artística: recuperar la esencia del arte más puro, basado en las formas de la naturaleza, la creación de piezas únicas, con alma.

Gabinetes de escritura

Detalles de un gabinete diseñado por Ashbee. MARQUETERÍA

La marquetería es una técnica artística que consiste en cortar y unir pedacitos de madera de distintos colores para formar dibujos o diseños decorativos, normalmente sobre muebles u objetos de madera.

Ashbee también trabajó en diseñar piezas de orfebrería: broche (izq) y conjunto de piezas de plata para tomar el té (d)

Ashbee, da una vuelta de tuerca al pensamiento maquinista en serie y decide aplicar las teorías de Arts and Crafts a la corriente imperante: el diseño industrial. No se trataba de abandonar la esencia del producto, sino de darle un nuevo significado: diseñar y producir objetos usando todo aquello que tenía a su alcance, y la nueva maquinaria y las industria moderna podían ser el pilar de esa producción. Ashbee no consideraba que su nuevo concepto de arte sacrificara al artesano, sino que transformaba al artesano en diseñador industrial, siendo sus manos la máquina.

Charles Francis Annesley Voysey

Fue una de las figuras destacadas del movimiento inglés Arts and Crafts. Hijo de un clérigo en Hessle, cerca de Hull en East Yorkshire, Inglaterra, nació en 1857. Estudió con el arquitecto John Pollard Seddon en Londres. (1874-77) y permaneció como su asistente (1878). Luego trabajó como asistente de los arquitectos londinenses Henry Saxon Snell (1879) y George Devey (1880-81). Voysey abrió su propia oficina en Westminster, Londres en 1881. Además de su trabajo como arquitecto, Voysey realizó una amplia gama de diseños para el entorno doméstico. Como resultado de su relación con Arthur H. Mackmurdo (1851-1942) al principio de su carrera, Voysey obtuvo encargos para diseñar telas, alfombras y papeles pintados para otras empresas encargadas de la fabricación de estos objetos. Posteriormente diseñó muebles, relojes, joyas, orfebrería, etc. Voysey resumió su filosofía sobre la arquitectura y el diseño en sus dos libros. 'La razón como base del arte' e 'Individualidad' .

The Orchard, casa que construyó Voysey para él y su familia

Silla Swan diseñada por Voysey en 1883-5, hecha en 1898. Madera de roble.

Algunos diseños de papel pintado de Voysey

Arthur Heygate Mackmurdo

Arthur Heygate Mackmurdo (1851-1942). Arquitecto y diseñador inglés. Empezó como arquitecto, viajó a Italia con Ruskin y mantuvo una amistad con William Morris. En 1882 fundó el GREMIO DEL SIGLO, una agrupación de artistas y artesanos que aspiraban a “sacar todas las ramas del arte de las manos del comerciante para ponerlas en las del artista. Restaurar la edificación, la decoración, la pintura de vidrieras y la escultura”. Como portavoz del Gremio puso en marcha en 1884 una revista: The Hobby Horse. Mackmurdo diseñó tejidos de estilo semejante, curvas, flores batidas por el viento y hojas, y también muebles, más afines a la manera de Morris.

La revista se publicó entre 1884 y 1894 estuvo compuesta por siete volúmenes y 28 números. Incluía diversos artículos no solo sobre arte y diseño, sino también sobre otros temas, como literatura y cuestiones sociales. También incluía obras de arte como bocetos, láminas, fotografías, grabados, xilografías, litografías y reproducciones de pinturas

Revista The Hobby Horse, 1884

Un diseñador excepcional: Christopher Dresser, precursor del diseño industrial

Christopher Dresser

(1834 - 1904)

Contribuyó pintando algunas láminas del libro de Owes Jones Grammar. Muchas de las piezas de este autor son un claro referente para la modernidad. Es verdad que nos recuerda al Modernismo (estilo siguiente), especialmente a través de sus series de vidrios, donde resaltó las cualidades brillantes del mismo. Sus piezas son un ejemplo de simplicidad y adaptación. En busca de soluciones estéticas pierde a veces de vista cuestiones como la ergonomía del producto. En cualquier caso, se preocupa por la manejabilidad de los objetos, procurando no encarecerlos, comprendiendo las ventajas de los procesos industriales. Su conocimiento de la estética japonesa (había viajado a este país) fue muy importante en la evolución de su trabajo. Las series de teteras realizada para la Dixon Company of Sheffield hacia 1879, anticipan los diseños que la Bauhaus alemana produjo durante los años 20. Estos geométricos recipientes que parte de la exploración del cilindro, esfera y aproximaciona cúbicas, tienen un aire de modernidad, a lo que también contribuye la disposición de las asas.

Además del metal y el vidrio, trabaja la cerámica, donde se advierte su conocimiento de las culturas orientales. Sin embargo, su labor no obtuvo la repercusión que hubiera merecido. Gran Bretaña se enfrasca en otro tipo de actitudes frente al diseño, que dejaban al margen los procesos industrializadores: estamos ante el movimiento de Arts and Crafts.

Soporte para tostadas, 1881

Textil de 1890 y azucarero verde ‘christy’ reeditado por ‘alessi’ en 1993

Christopher Dresser, Izquierda: Florero, 1892. Arriba: macertero, 1877.

Floreros Dresser