arte en la segunda guerra mundial
MANUEL VELARDE LÓPEZ CARLOS RODRIGUEZ NAVARRO
29/05/2023
La Segunda Guerra Mundial (1941-1945) marcó un antes y un después en las conciencias del siglo XX. Antes de la guerra hablamos de una Europa de las vanguardias. Durante la primera mitad del siglo XX, surgieron numerosas corrientes artísticas que deseaban renovar y transformar la visión del arte tradicional y arcaica, que había persistido a lo largo de los siglos.
La llegada al poder de los fascismos en el periodo de Entreguerras rompió con este proceso creativo. Los artistas fueron rechazados por los totalitarismos, consideran sus obras como un arte poco patriótico. Los artistas tildados como degenerados sufrieron sanciones.
El fin del conflicto supuso que salieran a la luz los horrores de la guerra. Europa quedó desolada, murieron millones de personas y no solo en el campo de batalla. La sucesión de imágenes, fotografías y documentales mostraban la crudeza del conflicto, e inspiró a algunos artistas. La II Guerra Mundial tuvo un impacto brutal en intelectuales, artistas y filósofos.
La persecución nazi a los artistas fue sistemática, sobre todo desde la ocupación de Francia en 1945, provocando el desmantelamiento de las vanguardias y que la mayor parte de los artistas huyeran a ellos a EEUU convirtiéndose en el centro artístico del mundo.
04.escultura abstracta
03.expresionismo abstracto
01.arte abstrato
02.abstraccion geométrica
movimientos artísticos
05. funcionalismo
06.deconstrutivis-mo
07.arte cinético
08. hiperrealismo
10MINIMALISMO
09POP ART
11bibliografía
01
arte abstracto
El arte abstracto fue una vanguardia que se inicia en 1910. Es un estilo de expresión de las artes plásticas (pintura y escultura) , que en lugar de representar figuras concretas y reconocibles del mundo real, propone una realidad distinta a través de un lenguaje propio e independiente de formas, colores y líneas.
El arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la realidad, si se rigen por las reglas de lo aparentemente lógico, sino que se proponen obras mucho más libres e innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador. El primer pintor abstracto considerado como tal fue el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, cuyas primeras obras abstractas datan de 1904 y quien incursionó también en la escultura. Perdura hasta nuestros días, teniendo grandes expositores como los pintores Wassily Kandinsky, Robert Delaunay y Kazmir Málevich entre otros.
Muchos abstraccionistas tuvieron conexión con la música, considerándola como la meta de su proceso artístico particular, ya que la música produce un efecto estético mediante la abstracción del sonido de las notas musicales, que no imitan a ninguna realidad concreta.
Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de las formas y perseguir el “arte puro”.
wassily kandinsky
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso considerado el fundador teórico del arte abstracto y su máximo representante. Tras varios años viajando por Europa se instaló en Murnau (Alemania). Sus cuadros muestran grandes explosiones de color y siluetas que constantemente se transforman ante el espectador. Sus principales influencias fueron Monet, Fauves y Matisse.
Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.
Entre 1914 y 1921 vuelve a Rusia donde participa en la política cultural del país. Pintó poco durante este período dedicando su tiempo a la enseñanza artística con un programa basado en el análisis de la forma y del color.
Entre 1922 y 1933 reside en Alemania donde daba clases de pintura en el Bauhaus. Los elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y como en su pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Se considera que las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista.
02
abstracción geométrica
La abstracción geométrica es un estilo artístico que se enfoca en representar formas y figuras geométricas de una manera simplificada y no representativa. En lugar de imitar directamente la apariencia de objetos reales, la abstracción geométrica utiliza líneas, formas, colores y patrones para crear composiciones abstractas y no figurativas.
Este estilo se desarrolló en el siglo XX y ha sido influenciada por movimientos artísticos como el suprematismo, el constructivismo y el neoplasticismo. Los artistas que trabajan buscan explorar la relación entre las formas y los espacios, así como la interacción de los colores y las líneas. Puede ser minimalista, utilizando formas y líneas simples y una paleta de colores limitada, o puede ser más compleja y dinámica, utilizando formas más intrincadas y una variedad de colores. Algunos artistas famosos asociados con la abstracción geométrica incluyen a Piet Mondrian, Kazimir Malevich y Theo van Doesburg.
En resumen, la abstracción geométrica es un estilo artístico que se centra en la representación simplificada de formas y figuras geométricas, explorando la interacción entre las líneas, formas y colores para crear composiciones abstractas.
El holandés Piet Mondrian nacido en 1872, fue uno de los máximos exponentes de la abstracción geométrica. Mondrian comenzó su carrera como pintor naturalista, pero a medida que avanzaba en su trayectoria artística, su estilo se fue volviendo cada vez más abstracto y geométrico. Hasta 1907 sus trabajos fueron paisajes tratados en grises y verdes. Se internó en la abstracción llegando a un estilo en el que se limitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. Debido a la naturaleza sencilla de sus pinturas, la búsqueda de pureza y belleza de Piet Mondrian lo convirtieron en una figura destacada en el arte moderno.
expresionismo abstracto
03
Nació en EE.UU. a principios de los años 40, como movimiento pictórico dentro de la abstracción, llegando a convertirse en una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
Se introdujo una ruptura radical con las técnicas y las temáticas convencionales, que hasta entonces, se concebían en el arte de la pintura. La espontaneidad y la improvisación tomaron relevancia, generando un arte no figurativo, que no representaba objetos reconocibles, donde el inconsciente se expresaba libre y subjetivamente.
La formación de este movimiento se debe en gran parte a los surrealistas, quienes al comienzo de la de la segunda guerra mundial, se exiliaron en Nueva York. Sus características más destacadas son: • Tiene preferencia por los formatos grandes, trabajando principalmente con pintura de óleo sobre lienzos. • Los motivos que se plasman son abstractos, aunque los trazos figurativos también suelen aparecer en algunas obras. • Subjetivo y espontáneo, el artista prescinde de estructura y se vuelca con el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra, siendo altamente interpretable. • Se realiza una cobertura de las superficies para significar un campo abierto, sin límites, el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
Jackson Pollock (1912-1956) fue un artista estadounidense considerado como una figura clave del Expresionismo abstracto, en el que destacó por sus características obras. Ha sido uno de los artistas más influyentes y destacables del siglo XX en Estados Unidos.
Utilizaba técnicas en sus pinturas que hasta el momento eran desconocidas. Buscaba representar de forma autómata su subconsciente -Automatismo-, creando obras perfectamente controladas que generaban una sensación visual de desorden. El objetivo de sus pinturas es evocar al espectador a la reflexión. La abstracción de sus obras fue esencial para que posteriormente se desarrollara el Expresionismo abstracto.
Las innovadoras técnicas que Pollock utilizaba se denominaron 'Action Painting'. Este término hace referencia al método de pintura basado en la colocación del lienzo en el suelo, para después utilizar los pinceles de forma rígida y con movimientos limpios y bruscos. Es así como las pinturas transmiten vitalidad y dinamismo.
04
escultura abstracta
La escultura abstracta se basa en la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales de la escultura, como son la textura y las formas geométricas, marcadas o matizadas. Es una forma de representación artística, basada en la abstracción de las formas y los objetos, estos cobran distintos significados dependiendo del artista y el material usado.
El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo. Se representan figuras humanas y de animales simplificando las formas. Entre los principales escultores que han desarrollado obra abstracta se encuentran Constantin Brancusi con sus esculturas compactas y las hobras abiertas de Henry Moore.
En España destacan dos importantes escultores abstractos como son Eduardo Chillida y Jorge Ortiza.
05
FUNCIONALISMO
El funcionalismo o racionalismo es el resultado de la síntesis de muchas de las ideas de las vanguardias. No se impone en la sociedad hasta después de los cambios políticos y sociales producidos por la crisis posterior a la I Guerra Mundial, especialmente en Alemania.
Es un estilo arquitectónico que mantuvo en el diseño de los edificios lo estrictamente funcional (útil) y constructivo, eliminado asi todos los elementos decorativos.
En el diseño y construcción de sus obras predominan las obras geométricas puras y las líneas horizontales y verticales. Utilizan materiales muy resistentes como el vidrio, acero y hormigón armado.
Personalidad clave en esta transformación fue Walter Gropius (1883-1969) y la escuela de arquitectura creada por él en 1919 en la ciudad de Weimar, denominada La Bauhaus o "Casa de la Construcción”. Su idea fundacional fue crear una escuela que ofreciese teorías, pero también proyectos prácticos, que diesen solución, bajo presupuestos racionales y económicos, a los problemas de la vivienda y del urbanismo en las nuevas ciudades. El término funcionalismo proviene de asumir la máxima acuñada a finales del siglo XIX por Louis Sullivan en la Escuela de Chicago, "la forma debe seguir a la función", indicando con ello que había que preocuparse más de la comodidad de los que habitaban los edificios que de la belleza estética.
La primera Bauhaus comenzó en una línea expresionista, dominante en Alemania en esta época. Pero a partir de 1922, se decantó hacia el influjo de las geometrías simples, fruto de los cursos que impartió Van Doesburg de De Stijl en Weimar. Cuando los nazis cerraron la Bauhaus sus directores Gropius y Mies Van der Rohe emigraron a EEUU. Otro arquitecto importante fue Le Corbusier.
06
deconstructivismo
El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que surgió en la década de 1980 como una reacción al modernismo y al funcionalismo tradicional. Fue influenciado por la filosofía del postestructuralismo y se caracteriza por la fragmentación, la descomposición y la manipulación de las formas arquitectónicas tradicionales.
Busca desafiar las convenciones arquitectónicas y cuestionar la idea de una forma estable y coherente. Los edificios deconstructivistas tienden a presentar una apariencia caótica y desordenada, con elementos inclinados, voladizos, formas irregulares yuxtapuestas y una geometría no convencional. La intención es romper con la percepción lineal y racional del espacio arquitectónico y desafiar las expectativas del observador.
Los arquitectos deconstructivistas se centran en la fragmentación, la superposición y la yuxtaposición de elementos arquitectónicos para crear una sensación de desestabilización y ambigüedad. La geometría irregular y las formas asimétricas se utilizan para desafiar la noción de equilibrio y simetría, buscando crear una sensación de desorden y ambigüedad en el espacio arquitectónico. Sus principales características son:
- Aproximación críptica a la estructura: Explora formas y estructuras que parecen estar disueltas o desordenadas, desafiantes las normas tradicionales de la arquitectura.
- Referencias a la historia y la cultura,, pero las reinterpreta o las descompone para crear una nueva forma.
- Explora nuevos materiales y tecnologías para crear formas innovadoras.
- Enfoque en la experiencia del usuario dentro del diseño: Se enfoca en la experiencia del usuario y busca crear espacios que evocan emociones y sensaciones.
- Desafía las formas convencionales y las fragmenta y descompone para crear una nueva estética.
- Juega con la percepción y las expectativas del espectador al crear formas que parecen inestables o desordenadas.
Algunos arquitectos destacados asociados con el deconstructivismo son Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas y Peter Eisenman.
07
ARTE CINÉTICO
El arte cinético, conocido también como cinetismo, es una corriente artística surgida en París a mediados del siglo XX, que integra el movimiento físico-espacial como elemento compositivo. Este concepto se extiende a todas las obras basadas en el movimiento físico o virtual, lo que puede incluir algunas expresiones del arte óptico. Sin embargo, no todo arte óptico es cinético. Para que un objeto artístico sea cinético, el movimiento debe ser el centro de interés.
Los tipos de arte cinético se clasifican según el tipo de movimiento, y por ello, agrupan por igual expresiones tridimensionales y bidimensionales: *Obras de movimiento real, dinamizadas por diversos tipos de mecanismos. *Obras de movimiento virtual, que generan la percepción óptica del movimiento. La escultura cinética es la expresión más destacada de esta corriente. A diferencia de las esculturas tradicionales, sólidas y estáticas, las cinéticas son estructuras dinámicas. Se conciben, más bien, como obras tridimensionales, cuyas tendencias principales son: • Estructuras móviles que se activan por sistemas de contrapeso, vibraciones ambientales, inercia... • Esculturas participativas, que requieren la intervención del espectador. • Máquinas accionadas por sistemas electromagnéticos. • Esculturas que integran la iluminación como recurso para la percepción de movimiento, sea luz natural o artificial. • Esculturas integradas al ambiente o concebidas como espectáculo, como las fuentes de Tinguely.
08. hiperrealismo
El hiperrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.
Se originó hacia finales de 1960 en respuesta a los planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte contemporáneo. Al principio, la crítica no fue favorable, pero encontró su centro en la exposición V documenta de Kassel, Alemania, de 1972. Hoy, se ha tornado un movimiento influyente y se mantiene activo.
Sus características más destacadas son:
Se basa en la noción filosófica de la hiperrealidad, el cerebro humano es incapaz de distinguir entre realidad y ficción.
La obra debe ser tan verosímil (realista) que parezca más viva que la realidad conocida.
El virtuosismo se relaciona con la perfección técnica, abocada a lograr definición y nitidez absoluta. Por ello, se regodea en el gusto por el detalle, que permite acrecentar el realismo.
Los temas son variados y aparentemente triviales. Con frecuencia se ven figuras y escenas humanas, paisajes urbanos, objetos la sociedad de consumo, momentos efímeros, elementos de la naturaleza…
Existen distintas expresiones, una es el fotorrealismo, que usa la fotografía como punto de partida. La otra el realismo radical que prescinde del recurso fotográfico.
Para los pintores hiperrealistas, la fotografía es una copia de la realidad, así que parten de ella para dotar de verdadera vida a la imagen.
Algunos pintores usan la fotografía para elaborar sus obras. Acuden a técnicas como la proyección de diapositivas sobre el soporte. También con la simple observación de la realidad. Todos aplican el claroscuro, la mezcla de colores perfecta y el estudio de la refracción de la luz sobre los objetos, pues de ello depende la vivacidad de la obra.
Entre los pintores hiperrealismo más destacados están Malcolm Morley, Richard Estes, Ralph Goings, Mary Pratt y Antonio López.
escultura hiperrealista
La escultura hiperrealista es aún más literal que la pintura en su representación de la realidad. Por eso, suele ejecutarse en tamaño natural a partir de moldes. Sin embargo, puede incrementar sus efectos al usar dimensiones colosales.
Por las posibilidades que ofrece, la escultura hiperrealista suele centrar su atención en la figura humana. Con frecuencia, usa técnicas ampliamente conocidas en la tradición como el modelado, el fundido y la pintura. Sin embargo, sus materiales son menos ortodoxos: fibra de vidrio, silicona, acrílico, pinturas de resina y objetos cotidianos incorporados a la obra.
Entre los escultores hiperrealistas más destacados, podemos mencionar a Duane Hanson, John Davies, John De Andrea, Carole A. Feuerman y Ron Müeck, entre otros.
09
POP ART
Es un movimiento artístico que surgió alrededor de la década de 1950 en Gran Bretaña y Estados Unidos. Interpretado por varios artistas, este movimiento tiene como objetivo ante todo integrar lo visual en el diseño de obras y objetos artísticos. Se centra en el uso de técnicas de la cultura popular de masas como el cómic, la publicidad y los objetos culturales. Algunas de las técnicas utilizadas en el arte pop son: • El collage ya utilizado por los cubistas. Los artistas se inspirarán en los recientes procesos técnicos de la industria y el comercio con pintura acrílica para la unión de materiales ajenos a la pintura. • Apuestan por la serigrafía una técnica que resalta la reproducción. Las obras de arte ya no son únicas. • Los colores utilizados suelen ser brillantes y disonantes para captar la mirada del espectador y simplificar la legibilidad de los sujetos. Sus caracteristicas mas destacadas son: El máximo representante del are pop es Andy Warhol(1928-1987). Este pintor fue al mismo tiempo director, autor y productor. Entre sus obras más destacadas están el díptico de Marilyn Monroe o sus famosas latas de sopas Campbell. También debemos destacar a Roy Lichenstein. Este artista es uno de los famosos pintores estadounidenses del pop art. En sus obras, se inspira principalmente en los cómics y la publicidad.
Inspiración en la cultura de masas, ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop, descontextualización, negación del virtuosismo, incongruencia y el humor.
10. minimalismo
El movimiento surgió en la década de 1960 en Estados Unidos y lo conformado artistas que esperaban innovar a través de la simpleza. En forma de respuesta al pop art, esta nueva tendencia abogaba por el carácter objetual del arte y por una expresión austera y sobria.
Tal como su nombre lo indica, el arte minimalista hace alusión a las obras que se construyen a través del mínimo de elementos, despojándose de todo aquello que no resulte esencial.
El lema de este movimiento es la sencillez y por eso recurren a materiales industriales, al orden serial y a la objetividad de la pieza de arte. A diferencia de la mayoría de los artistas modernos, no buscan generar pensamiento crítico o plantear consignas, sólo quieren explorar la naturalidad y pureza de los objetos. Si bien al comienzo no se comprendió muy bien de qué manera el minimalismo resultaba artístico, con los años, se ha consolidado particularmente en la arquitectura y el diseño. Asimismo, se ha expandido a otras áreas como a la música e, incluso, se ha llegado a entender como forma de vida.
Sus principales características fueron: Presencia espacial, es fundamental el traslado de la pared plana hasta el espacio abierto de la sala de exhibición. Importancia del objeto, los artistas dan prioridad a objetos que logran invadir el espacio a través de su tamaño y disposición, así como por el uso de materiales industriales como madera y acero. Se enfocan en formas geométricas y seriadas. Cambio en el papel del espectador, ya no hay necesidad de reflexionar sobre el significado de lo que se observa, sino que se trata de percibir la muestra de forma objetiva y sentir cómo afecta el espacio vital del espectador.
Antecedentes del movimiento “Lo que ves es lo que ves” recurrieron al uso de instalaciones con mensajes alusivos al consumo y la cultura popular norteamericana, haciendo un guiño al Pop Art, pero alejándose de él al privilegiar la sencillez.
Los principales exponentes de este arte fueron: Dan Flavin, Sol LeWitt y Carl Andre.
11
BIBLIOGRAFÍA
https://www.culturagenial.com/ https://historia-arte.com/movimientos https://es.wikipedia.org/wiki/Arte https://profeanacob.wordpress.com/2020/02/18/8-la-segunda-guerra-mundial-arte/
Gracias por su atención
¿Alguna pregunta?
ARTE EN LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Manuel Velarde López
Created on May 28, 2023
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arte en la segunda guerra mundial
MANUEL VELARDE LÓPEZ CARLOS RODRIGUEZ NAVARRO
29/05/2023
La Segunda Guerra Mundial (1941-1945) marcó un antes y un después en las conciencias del siglo XX. Antes de la guerra hablamos de una Europa de las vanguardias. Durante la primera mitad del siglo XX, surgieron numerosas corrientes artísticas que deseaban renovar y transformar la visión del arte tradicional y arcaica, que había persistido a lo largo de los siglos. La llegada al poder de los fascismos en el periodo de Entreguerras rompió con este proceso creativo. Los artistas fueron rechazados por los totalitarismos, consideran sus obras como un arte poco patriótico. Los artistas tildados como degenerados sufrieron sanciones. El fin del conflicto supuso que salieran a la luz los horrores de la guerra. Europa quedó desolada, murieron millones de personas y no solo en el campo de batalla. La sucesión de imágenes, fotografías y documentales mostraban la crudeza del conflicto, e inspiró a algunos artistas. La II Guerra Mundial tuvo un impacto brutal en intelectuales, artistas y filósofos. La persecución nazi a los artistas fue sistemática, sobre todo desde la ocupación de Francia en 1945, provocando el desmantelamiento de las vanguardias y que la mayor parte de los artistas huyeran a ellos a EEUU convirtiéndose en el centro artístico del mundo.
04.escultura abstracta
03.expresionismo abstracto
01.arte abstrato
02.abstraccion geométrica
movimientos artísticos
05. funcionalismo
06.deconstrutivis-mo
07.arte cinético
08. hiperrealismo
10MINIMALISMO
09POP ART
11bibliografía
01
arte abstracto
El arte abstracto fue una vanguardia que se inicia en 1910. Es un estilo de expresión de las artes plásticas (pintura y escultura) , que en lugar de representar figuras concretas y reconocibles del mundo real, propone una realidad distinta a través de un lenguaje propio e independiente de formas, colores y líneas. El arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la realidad, si se rigen por las reglas de lo aparentemente lógico, sino que se proponen obras mucho más libres e innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador. El primer pintor abstracto considerado como tal fue el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, cuyas primeras obras abstractas datan de 1904 y quien incursionó también en la escultura. Perdura hasta nuestros días, teniendo grandes expositores como los pintores Wassily Kandinsky, Robert Delaunay y Kazmir Málevich entre otros. Muchos abstraccionistas tuvieron conexión con la música, considerándola como la meta de su proceso artístico particular, ya que la música produce un efecto estético mediante la abstracción del sonido de las notas musicales, que no imitan a ninguna realidad concreta. Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de las formas y perseguir el “arte puro”.
wassily kandinsky
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso considerado el fundador teórico del arte abstracto y su máximo representante. Tras varios años viajando por Europa se instaló en Murnau (Alemania). Sus cuadros muestran grandes explosiones de color y siluetas que constantemente se transforman ante el espectador. Sus principales influencias fueron Monet, Fauves y Matisse. Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad. Entre 1914 y 1921 vuelve a Rusia donde participa en la política cultural del país. Pintó poco durante este período dedicando su tiempo a la enseñanza artística con un programa basado en el análisis de la forma y del color. Entre 1922 y 1933 reside en Alemania donde daba clases de pintura en el Bauhaus. Los elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y como en su pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Se considera que las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista.
02
abstracción geométrica
La abstracción geométrica es un estilo artístico que se enfoca en representar formas y figuras geométricas de una manera simplificada y no representativa. En lugar de imitar directamente la apariencia de objetos reales, la abstracción geométrica utiliza líneas, formas, colores y patrones para crear composiciones abstractas y no figurativas. Este estilo se desarrolló en el siglo XX y ha sido influenciada por movimientos artísticos como el suprematismo, el constructivismo y el neoplasticismo. Los artistas que trabajan buscan explorar la relación entre las formas y los espacios, así como la interacción de los colores y las líneas. Puede ser minimalista, utilizando formas y líneas simples y una paleta de colores limitada, o puede ser más compleja y dinámica, utilizando formas más intrincadas y una variedad de colores. Algunos artistas famosos asociados con la abstracción geométrica incluyen a Piet Mondrian, Kazimir Malevich y Theo van Doesburg. En resumen, la abstracción geométrica es un estilo artístico que se centra en la representación simplificada de formas y figuras geométricas, explorando la interacción entre las líneas, formas y colores para crear composiciones abstractas.
El holandés Piet Mondrian nacido en 1872, fue uno de los máximos exponentes de la abstracción geométrica. Mondrian comenzó su carrera como pintor naturalista, pero a medida que avanzaba en su trayectoria artística, su estilo se fue volviendo cada vez más abstracto y geométrico. Hasta 1907 sus trabajos fueron paisajes tratados en grises y verdes. Se internó en la abstracción llegando a un estilo en el que se limitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. Debido a la naturaleza sencilla de sus pinturas, la búsqueda de pureza y belleza de Piet Mondrian lo convirtieron en una figura destacada en el arte moderno.
expresionismo abstracto
03
Nació en EE.UU. a principios de los años 40, como movimiento pictórico dentro de la abstracción, llegando a convertirse en una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. Se introdujo una ruptura radical con las técnicas y las temáticas convencionales, que hasta entonces, se concebían en el arte de la pintura. La espontaneidad y la improvisación tomaron relevancia, generando un arte no figurativo, que no representaba objetos reconocibles, donde el inconsciente se expresaba libre y subjetivamente. La formación de este movimiento se debe en gran parte a los surrealistas, quienes al comienzo de la de la segunda guerra mundial, se exiliaron en Nueva York. Sus características más destacadas son: • Tiene preferencia por los formatos grandes, trabajando principalmente con pintura de óleo sobre lienzos. • Los motivos que se plasman son abstractos, aunque los trazos figurativos también suelen aparecer en algunas obras. • Subjetivo y espontáneo, el artista prescinde de estructura y se vuelca con el gesto, el material y el sentimiento que provoca la obra, siendo altamente interpretable. • Se realiza una cobertura de las superficies para significar un campo abierto, sin límites, el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
Jackson Pollock (1912-1956) fue un artista estadounidense considerado como una figura clave del Expresionismo abstracto, en el que destacó por sus características obras. Ha sido uno de los artistas más influyentes y destacables del siglo XX en Estados Unidos. Utilizaba técnicas en sus pinturas que hasta el momento eran desconocidas. Buscaba representar de forma autómata su subconsciente -Automatismo-, creando obras perfectamente controladas que generaban una sensación visual de desorden. El objetivo de sus pinturas es evocar al espectador a la reflexión. La abstracción de sus obras fue esencial para que posteriormente se desarrollara el Expresionismo abstracto. Las innovadoras técnicas que Pollock utilizaba se denominaron 'Action Painting'. Este término hace referencia al método de pintura basado en la colocación del lienzo en el suelo, para después utilizar los pinceles de forma rígida y con movimientos limpios y bruscos. Es así como las pinturas transmiten vitalidad y dinamismo.
04
escultura abstracta
La escultura abstracta se basa en la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales de la escultura, como son la textura y las formas geométricas, marcadas o matizadas. Es una forma de representación artística, basada en la abstracción de las formas y los objetos, estos cobran distintos significados dependiendo del artista y el material usado. El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo. Se representan figuras humanas y de animales simplificando las formas. Entre los principales escultores que han desarrollado obra abstracta se encuentran Constantin Brancusi con sus esculturas compactas y las hobras abiertas de Henry Moore. En España destacan dos importantes escultores abstractos como son Eduardo Chillida y Jorge Ortiza.
05
FUNCIONALISMO
El funcionalismo o racionalismo es el resultado de la síntesis de muchas de las ideas de las vanguardias. No se impone en la sociedad hasta después de los cambios políticos y sociales producidos por la crisis posterior a la I Guerra Mundial, especialmente en Alemania. Es un estilo arquitectónico que mantuvo en el diseño de los edificios lo estrictamente funcional (útil) y constructivo, eliminado asi todos los elementos decorativos. En el diseño y construcción de sus obras predominan las obras geométricas puras y las líneas horizontales y verticales. Utilizan materiales muy resistentes como el vidrio, acero y hormigón armado. Personalidad clave en esta transformación fue Walter Gropius (1883-1969) y la escuela de arquitectura creada por él en 1919 en la ciudad de Weimar, denominada La Bauhaus o "Casa de la Construcción”. Su idea fundacional fue crear una escuela que ofreciese teorías, pero también proyectos prácticos, que diesen solución, bajo presupuestos racionales y económicos, a los problemas de la vivienda y del urbanismo en las nuevas ciudades. El término funcionalismo proviene de asumir la máxima acuñada a finales del siglo XIX por Louis Sullivan en la Escuela de Chicago, "la forma debe seguir a la función", indicando con ello que había que preocuparse más de la comodidad de los que habitaban los edificios que de la belleza estética. La primera Bauhaus comenzó en una línea expresionista, dominante en Alemania en esta época. Pero a partir de 1922, se decantó hacia el influjo de las geometrías simples, fruto de los cursos que impartió Van Doesburg de De Stijl en Weimar. Cuando los nazis cerraron la Bauhaus sus directores Gropius y Mies Van der Rohe emigraron a EEUU. Otro arquitecto importante fue Le Corbusier.
06
deconstructivismo
El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que surgió en la década de 1980 como una reacción al modernismo y al funcionalismo tradicional. Fue influenciado por la filosofía del postestructuralismo y se caracteriza por la fragmentación, la descomposición y la manipulación de las formas arquitectónicas tradicionales. Busca desafiar las convenciones arquitectónicas y cuestionar la idea de una forma estable y coherente. Los edificios deconstructivistas tienden a presentar una apariencia caótica y desordenada, con elementos inclinados, voladizos, formas irregulares yuxtapuestas y una geometría no convencional. La intención es romper con la percepción lineal y racional del espacio arquitectónico y desafiar las expectativas del observador. Los arquitectos deconstructivistas se centran en la fragmentación, la superposición y la yuxtaposición de elementos arquitectónicos para crear una sensación de desestabilización y ambigüedad. La geometría irregular y las formas asimétricas se utilizan para desafiar la noción de equilibrio y simetría, buscando crear una sensación de desorden y ambigüedad en el espacio arquitectónico. Sus principales características son:
- Aproximación críptica a la estructura: Explora formas y estructuras que parecen estar disueltas o desordenadas, desafiantes las normas tradicionales de la arquitectura.
- Referencias a la historia y la cultura,, pero las reinterpreta o las descompone para crear una nueva forma.
- Explora nuevos materiales y tecnologías para crear formas innovadoras.
- Enfoque en la experiencia del usuario dentro del diseño: Se enfoca en la experiencia del usuario y busca crear espacios que evocan emociones y sensaciones.
- Desafía las formas convencionales y las fragmenta y descompone para crear una nueva estética.
- Juega con la percepción y las expectativas del espectador al crear formas que parecen inestables o desordenadas.
Algunos arquitectos destacados asociados con el deconstructivismo son Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas y Peter Eisenman.07
ARTE CINÉTICO
El arte cinético, conocido también como cinetismo, es una corriente artística surgida en París a mediados del siglo XX, que integra el movimiento físico-espacial como elemento compositivo. Este concepto se extiende a todas las obras basadas en el movimiento físico o virtual, lo que puede incluir algunas expresiones del arte óptico. Sin embargo, no todo arte óptico es cinético. Para que un objeto artístico sea cinético, el movimiento debe ser el centro de interés. Los tipos de arte cinético se clasifican según el tipo de movimiento, y por ello, agrupan por igual expresiones tridimensionales y bidimensionales: *Obras de movimiento real, dinamizadas por diversos tipos de mecanismos. *Obras de movimiento virtual, que generan la percepción óptica del movimiento. La escultura cinética es la expresión más destacada de esta corriente. A diferencia de las esculturas tradicionales, sólidas y estáticas, las cinéticas son estructuras dinámicas. Se conciben, más bien, como obras tridimensionales, cuyas tendencias principales son: • Estructuras móviles que se activan por sistemas de contrapeso, vibraciones ambientales, inercia... • Esculturas participativas, que requieren la intervención del espectador. • Máquinas accionadas por sistemas electromagnéticos. • Esculturas que integran la iluminación como recurso para la percepción de movimiento, sea luz natural o artificial. • Esculturas integradas al ambiente o concebidas como espectáculo, como las fuentes de Tinguely.
08. hiperrealismo
El hiperrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía. Se originó hacia finales de 1960 en respuesta a los planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte contemporáneo. Al principio, la crítica no fue favorable, pero encontró su centro en la exposición V documenta de Kassel, Alemania, de 1972. Hoy, se ha tornado un movimiento influyente y se mantiene activo. Sus características más destacadas son: Se basa en la noción filosófica de la hiperrealidad, el cerebro humano es incapaz de distinguir entre realidad y ficción. La obra debe ser tan verosímil (realista) que parezca más viva que la realidad conocida. El virtuosismo se relaciona con la perfección técnica, abocada a lograr definición y nitidez absoluta. Por ello, se regodea en el gusto por el detalle, que permite acrecentar el realismo. Los temas son variados y aparentemente triviales. Con frecuencia se ven figuras y escenas humanas, paisajes urbanos, objetos la sociedad de consumo, momentos efímeros, elementos de la naturaleza… Existen distintas expresiones, una es el fotorrealismo, que usa la fotografía como punto de partida. La otra el realismo radical que prescinde del recurso fotográfico. Para los pintores hiperrealistas, la fotografía es una copia de la realidad, así que parten de ella para dotar de verdadera vida a la imagen. Algunos pintores usan la fotografía para elaborar sus obras. Acuden a técnicas como la proyección de diapositivas sobre el soporte. También con la simple observación de la realidad. Todos aplican el claroscuro, la mezcla de colores perfecta y el estudio de la refracción de la luz sobre los objetos, pues de ello depende la vivacidad de la obra. Entre los pintores hiperrealismo más destacados están Malcolm Morley, Richard Estes, Ralph Goings, Mary Pratt y Antonio López.
escultura hiperrealista
La escultura hiperrealista es aún más literal que la pintura en su representación de la realidad. Por eso, suele ejecutarse en tamaño natural a partir de moldes. Sin embargo, puede incrementar sus efectos al usar dimensiones colosales. Por las posibilidades que ofrece, la escultura hiperrealista suele centrar su atención en la figura humana. Con frecuencia, usa técnicas ampliamente conocidas en la tradición como el modelado, el fundido y la pintura. Sin embargo, sus materiales son menos ortodoxos: fibra de vidrio, silicona, acrílico, pinturas de resina y objetos cotidianos incorporados a la obra. Entre los escultores hiperrealistas más destacados, podemos mencionar a Duane Hanson, John Davies, John De Andrea, Carole A. Feuerman y Ron Müeck, entre otros.
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POP ART
Es un movimiento artístico que surgió alrededor de la década de 1950 en Gran Bretaña y Estados Unidos. Interpretado por varios artistas, este movimiento tiene como objetivo ante todo integrar lo visual en el diseño de obras y objetos artísticos. Se centra en el uso de técnicas de la cultura popular de masas como el cómic, la publicidad y los objetos culturales. Algunas de las técnicas utilizadas en el arte pop son: • El collage ya utilizado por los cubistas. Los artistas se inspirarán en los recientes procesos técnicos de la industria y el comercio con pintura acrílica para la unión de materiales ajenos a la pintura. • Apuestan por la serigrafía una técnica que resalta la reproducción. Las obras de arte ya no son únicas. • Los colores utilizados suelen ser brillantes y disonantes para captar la mirada del espectador y simplificar la legibilidad de los sujetos. Sus caracteristicas mas destacadas son: El máximo representante del are pop es Andy Warhol(1928-1987). Este pintor fue al mismo tiempo director, autor y productor. Entre sus obras más destacadas están el díptico de Marilyn Monroe o sus famosas latas de sopas Campbell. También debemos destacar a Roy Lichenstein. Este artista es uno de los famosos pintores estadounidenses del pop art. En sus obras, se inspira principalmente en los cómics y la publicidad.
Inspiración en la cultura de masas, ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop, descontextualización, negación del virtuosismo, incongruencia y el humor.
10. minimalismo
El movimiento surgió en la década de 1960 en Estados Unidos y lo conformado artistas que esperaban innovar a través de la simpleza. En forma de respuesta al pop art, esta nueva tendencia abogaba por el carácter objetual del arte y por una expresión austera y sobria. Tal como su nombre lo indica, el arte minimalista hace alusión a las obras que se construyen a través del mínimo de elementos, despojándose de todo aquello que no resulte esencial. El lema de este movimiento es la sencillez y por eso recurren a materiales industriales, al orden serial y a la objetividad de la pieza de arte. A diferencia de la mayoría de los artistas modernos, no buscan generar pensamiento crítico o plantear consignas, sólo quieren explorar la naturalidad y pureza de los objetos. Si bien al comienzo no se comprendió muy bien de qué manera el minimalismo resultaba artístico, con los años, se ha consolidado particularmente en la arquitectura y el diseño. Asimismo, se ha expandido a otras áreas como a la música e, incluso, se ha llegado a entender como forma de vida. Sus principales características fueron: Presencia espacial, es fundamental el traslado de la pared plana hasta el espacio abierto de la sala de exhibición. Importancia del objeto, los artistas dan prioridad a objetos que logran invadir el espacio a través de su tamaño y disposición, así como por el uso de materiales industriales como madera y acero. Se enfocan en formas geométricas y seriadas. Cambio en el papel del espectador, ya no hay necesidad de reflexionar sobre el significado de lo que se observa, sino que se trata de percibir la muestra de forma objetiva y sentir cómo afecta el espacio vital del espectador. Antecedentes del movimiento “Lo que ves es lo que ves” recurrieron al uso de instalaciones con mensajes alusivos al consumo y la cultura popular norteamericana, haciendo un guiño al Pop Art, pero alejándose de él al privilegiar la sencillez.
Los principales exponentes de este arte fueron: Dan Flavin, Sol LeWitt y Carl Andre.
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BIBLIOGRAFÍA
https://www.culturagenial.com/ https://historia-arte.com/movimientos https://es.wikipedia.org/wiki/Arte https://profeanacob.wordpress.com/2020/02/18/8-la-segunda-guerra-mundial-arte/
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