Educazione all'immagine
Franca Zuccoli
VALERIA CORRADO869756
Movimenti artistici
Cubismo
Impressionismo
Land art
10
Arte povera
Astrattismo
Postimpressionismo
11
5 lezioni
Dadaismo
Espressionismo
12
Fauvismo
Grazie
Espressionismo astratto
Impressionismo
1840/1860
Pierre-auguste renoir
Impressionismo
Il termine impressionisimo lo si deve a Claude Monet che, durante un'esposizione in cui presenta una veduta di La Havre realizzato due anni prima, decide d'impulso di intitolarlo "Impressione". Ritenne che questo termine potese rappresentare al meglio il fine ultimo della ricerca pittorica, ossia rappresentare le sensazioni intime e soggettive generate dall'osservazione della realtà.
info
Impressionismo: tratti principali
Contesto storico
L'invenzione dei colori a tubetto e del cavalletto portatile rendono possibile dipingere all'aperto. La tecnica pittorica degli impressionisti è invece figlia delle innovazioni scientifiche e tecnologiche del tempo, come ad esempio i risultati degli esperimenti ottici di Chevreul e Maxwell.
PENNELLATA VELOCE: gli impressionisti sono consapevoli dell'importanza della luce nella percezione del colore. Per questo motivo la tecnica pittorica viene semplificata e la pennellata diventa un gesto rapido in quanto la velocità d'esecuzione è fondamentale per catturare l'impressione dell'attimo.
PITTURA EN PLEIN AIR: sempre l'importanza della luce spinge gli impressionisti a dipingere all'aria aperta, in netto contrasto con le regole pittoriche insegnate all'Accademia. En plein air infatti è possibile osservare attentamente i mutamenti atmosferici.
PITTURA EMOZIONALE:per raggiungere questo scopo gli impressionisti limitano l'uso del chiaroscuro e preferiscono la dissolvenza delle tinte. Anche i contorni non vengono più disegnati a tratto e si preferisce l'utilizzo di colori puri.
Pierre-Auguste Renoir
Ballo al Moulin de la Galette, 1876, Parigi, Musèe d'Orsay
E' considerato un manifesto dell'impressionismo. Soggetto della tela è un bar dell'omonimo quartiere alla moda di Montmartre: Renoir pone in primo piano un uomo di spalle che sta conversando con due fanciulle che si sono avvicinate al tavolo, sul quale sono poggite una bottiglia e alcune bibite. Lo schienale della panca richiama il verde del tavolo e crea una diagonale che porta l'attenzione agli altri due giovani seduti ad ascoltare la conversazione. I volti delle persone in primo piano sono ben definiti: man mano che si allontanano le pennellate si allungano in un andamento sinuoso che corrisponde allo stesso del ballo e che confonde suolo e abito delle signore.
Colazione dei canottieri a Bougival , 1880, Washington, Philips Collection
Nella tela l'artista fonde tre generi differenti di pittura: il ritratto, la natura morta e la narrazione della vita moderna parigina cara alla poetica impressionista. La tavola occupa il primo piano della tela che anche in questo caso segue un andamento diagonale e il canottiere in piedi sulla sinistra segna la direttrice visiva del dipinto. Le fronde degli alberi e la Senna con le sue imbarcazioni diventano lo sfondo sul quale si muovo i personaggi in primo piano.
Postimpressionismo
1860/1891
vincent van gogh
Postimpressionismo
Il termine Postimpressionismo non indica un movimento artistico preciso, ma una serie di personalità e di gruppi attivi in Francia tra l'ultima Mostra degli impressionisti (1886) e la nascita delle Avanguardie storiche all'inizio del Novecento.
Postimpressionismo: tratti principali
Il Postimpressionismo si caratterizza per il superamento di alcune convinzioni impressioniste. Secondo i nuovi giovani dell'epoca ogni aspetto della realtà poteva essere fermato sulla tela in maniera soggettiva. Viene abbandonata la prospettiva e la concezione della luce e del colore, l'immagine non è più tremante e si preferisce la solidità e la fermezza del contorno . La scelta cromatica non è più legata necessariamente alla realtà: i postimpressionisti affiancano colori puri e spesso non realistici.
Vincent Van Gogh
Notte stellata, 1889, New York, Museum of mothern art (MoMa)
Il linguaggio pittorico di questa quadro è completamente rivoluzionario: il primo piano è tenuto da un cipresso, osservato dall'alto: al di là di esso l'occhio si perde sulle colline di Alpilles. La veduta, apparentemente calma, è lo specchio di un malessere interiore un malessere ribadito dalla pennallata trascinata e sofferta che pettina le forme delle colline e l'andamento contorto delle nubi. L'orizzonte è occupato da un ciielo puntato di stelle e rischiarato dall'aura di una luna aranciata.
La camera da letto, ottobre 1888, Amsterdam, Van Gogh Museum
La tela mostra l'interno della stanza da letto affittata dall'artista al primo piano di una casa ad Arles. La prospettiva è amplificata dall'effetto della figura verticale del parquet e della presenza delle due sedie sulla sinistra. Il punto di vista è innaturale: consente di vedere la seduta della sedia sulla sinistra come se fosse osservata dall'altro, mentre il resto della stanza mantiene una visione frontale. Per Van Gogh il colore è un mezzo di comunicazione emotiva: il dipinto doveva trasparire un senso di pacce che la stanza riesce ad infondergli. Ad una lettura più attenta, però, si avverte una sensazione di malessere esistenziale, forse sedato dalle cure mediche a cui era sottoposto.
Espressionismo
1905
henri matisseedvard munch
Espressionismo
L'Espressionismo è il primo movimento di Avanguardia che sorge contemporaneamente in luoghi diversi d'Europa all'inizio del XX secolo. I principali centri sono Parigi, dove nel 1905 espongono i fauves (le belve) e Dresda, in cui nello stesso anno un gruppo di studenti dà vita alla comunità di artisti del gruppo "Die Brucke", "il Ponte" verso la modernità.
Espressionismo: tratti principali
L'Espressionismo concentra la propria attenzione sull'interiorità dell'individuo, le sensazioni più profonde della sfera soggettiva, in contrapposizione al pensiero positivista volto all'esaltazione del progresso scientifico. Un primo tratto distintivo può essere individuato nell'utilizzo di un colore acceso e violento che dà la forma al disegno (il tratto scompare). L'artista riflette sulla propria individualità e sulle proprie emozioni. La pittura espressionista è inoltre caratterizzata dalla semplificazione delle forme, simili ad un disegno infantile, e da un'attenzione verso l'arte primitiva. La prospettiva si annulla e così si accentua la dimensione antinaturalistica.
Le Fauvisme di Henri Matisse
Danza, Henri Matisse, 1905-1906, San Pietroburgo, Museo dell'Ermitage
Il cerchio diventa assoluto protagonista della Danza, i protagonisti sono cinque sagome: esse si adattano con il loro movimento al formato della tela dando vita ad un moto energetico che ha come obiettivo quello di comunicare quella gioia di vivere che è l'essenza stessa dell'arte. L'espressionismo di Matisse rappresenta una dimensione gioiosa e ottimistica a differenza dela narrazione tragica della condizione dell'uomo perpetrata nel contesto tedesco. La finalità prima del quadro diventa quindi l'armonia e la musicalità che l'arte può raggiungere attraverso linea e colore.
Edvard Munch, il precursore dell'Espressionismo
L'Urlo, Edvard Munch, 1893-1910, Galleria Nazionale, Oslo
La tela è diventata icona della sofferenza personale, umana e collettiva del Novecento. L'artista ha realizzato quattro versioni di questa scena, tutte dipinte tra il 1893 e il 1910. L'episodio che ha portato alla nascita dell'urlo di Munch viene narrato dallo stesso artista all'interno del proprio diario: Munch stava camminando all'interno di un parco con un paio di amici quando ad un certo punto si sentì stanco e fu costretto a fermarsi mentre gli amici procedevano nella camminata. Dal punto in cui si è fermato Munch scorgeva le lingue di fuoco del tramonto e proprio in quel momento l'artista dentro di sé sentiva l'urlo straziante. Ponendo l'attenzione sull'uomo in primo piano è possibile notare che è privo di qualsiasi elemento di riconoscimento: il colorito della sua pelle è giallo/verdognolo, il suo corpo è serpentiforme e la sua testa allungata. Protagonista della storia diventa quindi l'urlo che l'uomo emette: la sua ratio è rinvenibile nel pessimismo di fine Ottocento e negli studi che Freud stava effettuando sull'inconscio umano. E' possibile notare due sagome molto lontane: i due uomini sembrano voler prendere le distanze dall'urlo lanciato e che probabilmente simboleggia la falsità dei rapporti umani. I colori utilizzati nella parte superiore del quadro sono caldi e si pongono in contrasto con la parte inferiore, caratterizzata da colori freddi.
Cubismo
1907
Pablo picasso
Cubismo
Il Cubismo è una corrente di avanguardia nata a Parigi tra il 1907 e il 1908 per opera di Pablo Picasso e Georges Braque.
Cubismo: tratti principali
Il punto di partenza dl Cubismo è da rinvenire nella geometrizzazione delle forme di Cézanne: l'immagine viene raffigurata da più punti di vista. Alcuni cubisti risentono della concezione del tempo di Henri Bergson e della teoria della relatività di Einstein. Prima del Cubismo, Picasso attraversa varie fasi, chiamate rispettivamente periodo blu, rosa, protocubista, analitico e sintetico.
ANTEFATTO STORICO: il 26 aprile 1937, durante la Guerra civile spagnola, la città basca di Guernica venne bombardata dagli aerei tedeschi inviati da Hitler. L'attacco avvenne in pieno giorno, in un giorno di mercato, causando un vero e proprio massacro di civili, soprattutto donne e bambini.
Guernica, Pablo Picasso, 1937, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
In quest'opera Picasso decide di abbandonare completamente il colore, simbolo di vita, e di affidarsi alla forza drammatica del bianco, del nero e di una vasta gamma di grigi-azzurri. Solo ad un primo impatto la composizione è caotica, in quanto in realtà segue uno schema piramidale classico e segue anche l'impostazione di una composizione teatrale, costituita dalla scena centrale e da due scene laterali.Protagonisti principali sono le donne, i bambini e gli animali :
- a sinistra una madre urla il suo dolore con il bambino morto tra le braccia;
- sopra troviamo la testa di un toro: l'interpretazione di questo simbolo non è univoca. Alcuni sostengono che rappresenti le brutture della dittatura nazista, altri il popolo spagnolo che deve riuscire a sopravvivere a quel tragico evento;
- il cavallo che nitrisce rappresenta la sofferenza e la disperazione;
- l'unica presenza maschile è un soldato morto al suolo.
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Guernica è una dichiarazione di guerra alla guerra, destinata a diventare manifesto estetico e ideologico per tutti quegli artisti che vogliono far sentire la propria voce contro le dittature.
Astrattismo
1910
Vasilij kandiskij
Astrattismo
Attorno agli anni dieci del Novecento nell'arte europea si sviluppano varie forme di Astrattismo. Il punto comune a tutti potrebbe essere individuato nella relazione con la realtà da cui si parte eseguendo una progressiva semplificazione. Si rinuncia quindi all'imitazione di forme reali e di ricerca della relazione tra forme, colori e linee.
Astrattismo: Vasilij Kandinskij
Vasilij Kandiskij è considerato il padre dell'Astrattismo lirico. Si ispira inizialmente al Postimpressionismo e al Simbolismo, con soggetti desunti dalla cultura tradizionale russa, passando poi a una visione sintetica della natura.
Vasilij Kandinskij
La vita variopinta, Vasilij Kandinskij , 1907, Monaco
All'interno di questo dipinto è possibile notare la vocazione fantasticofavolistica derivante dalla cultura russa delle origini dell'artista per dare vita ad una grande tela che può considerarsi come un'allegoria della vita e della morte. Il dipinto si configura come un'esaltazione cromatica: l'artista usa colori puri, con una tecnica che rielabora il pointillisme e ricorda i tasselli di antichi mosaici. La tela brulica di personaggi tipici della tradizione russa:
- il vecchio che si regge sul bastone
- la madre che abbraccia il bambino
- il suonatore di flauto
- il sacerdote ortodosso accanto ad un mendicante.
Primo acquerello astratto, 1910, Vasilij Kandinskij, Parigi, Musée National
Questo dipinto è considerato dall'artista come il dipinto che sancisce la nascita dell'Astrattismo. Si tratta di una composizione di forme, linee e colori che ricordano il disegno instintivo infantile e portano lo sguardo sulle sensazini e i moti interiori dell'artista. Quest'ultimo utilizza la tecnica dell'acquerello che comunica leggerezza e smaterializzazione. Si abbandona completamente il riferimento al naturale: in questo modo la pittura diventa esclusiva rappresentazione di uno stato interiore dell'artista che comunica allo spettatore esmozioni e sensazioni attravero il colore e le forme.
Dadaismo
1916
Marcel duchamp
Dadaismo
Il Dadaismo emerge nell'arte europea ed americana a partire dal 1915 e porta una desacralizzazione dell'opera d'arte. Per convenzione, si fissa la nascita del Dadaismo nel 1° febbraio 1916 a Zurigo, con l'apertura del Cabaret Voltaire da parte di Hugo Ball, altro artista tedesco arrivato in Svizzera per scappare alla guerra.
Dada a New York
A New York è attivo Marcel Duchamp che introduce il concetto di ready-made: con questo termine, che significa "già fatto", "pronto all'uso", la dimensione manuale legata alla creazione dell'opera si azzer completamente: un oggetto di uso comune assume lo status di opera d'arte per il solo fatto che l'artista lo seglie e lo colloca nello spazio dell'arte.
Marcel Duchamp
L.H.O.O.Q., ready-made, Collezione privata
Duchamp applica il concetto di ready-made anche nei confronti di un'opera d'arte del passato. E' il caso di L.H.O.O.Q., un ready-made destinato a diventare una sorta di manifesto Dada. Duchamp interviene sull'immagine della Gioconda, il celebre dipinto di Leonardo, aggiungendole un paio di baffi e una barbetta a punta. Il titolo contribuisce a dissacrare ancora di più l'opera d'arte: pronunciato in francese esso suona come "elle a chaud au cul", che significa "donna che si concede facilmente".
Fountain, Marcel Duchamp, 1917, Paris, Musée Nacional
Fountain è uno dei ready-made di Duchamp più provocatori e celebri: si tratta di un orinatoio in porcellana bianca che l'artista presenta capovolto, a sovvertirne il significato. L'opera suscita immediatamente scandalo, soprattutto perche lo statuto dell'Associazione prevedeva che non si potessero rifiutare i lavori inviati, secondo il motto "No jury, no prizes". La società degli artisti indipendenti di New York si rifiutò si esporre l'opera, presentata anonima nonostante Duchamp fosse in giuria, ma questa ebbe comunque una grande risonanza. Presentare un'orinatoio rovesciato significava: decretare quanto poco importasse l'esecuzione tecnica dell'opera rispetto alla fase della sua ideazione; portare l'accento sull'importanza che stavano rivestendo gli oggetti di produzione industriale nella vita comune; mettere in evidenza quanto conti una firma, ma soprattutto il contesto in cui è immersa per trasformare un manufatto qualsiasi in un'opera d'arte.
Espressionismo astratto
Jackson pollock
Espressionismo astratto
L'espressionismo astratto fu un movimento artistico statunitense successivo alla seconda guerra mondiale. Fu il primo fenomeno artistico tipicamente americano ad influenzare il resto del mondo e contribuì a spostare radicalmente la capitale artistica del mondo occidentale da Parigi a New York.Il termine Espressionismo astratto si deve ad Alfred H. Barr che lo utilizzò per commentare un quadro di Vasillij Kandinskij. L'espressionismo astratto ha delle caratteristiche comuni, ad esempio la predilezione per le ampie tele in canapa, l'enfasi per superfici particolarmente piatte ed un approccio a tutto campo nel quale ogni area della tela viene curata allo stesso modo.
Jackson Pollock
Convergenza, Jackson Pollock, 1952
E' una delle opere più famose di Pollock e appartiene alla fase in cui l'artista elabora la tecnica pittorica del dripping, tecnica pittorica che lo caratterizzerà fino alla fine e lo renderà famoso nel panorama artistico internazionale. I mass media svolgono un ruolo determinante nel rendere noto questo modo di dipingere: moltissimi scatti fotografici documentano il lavoro dell'artista. Il dripping utilizzato da Pollock permetteva all'artista di sentirsi parte dell'opera. Il soggetto quindi non rappresenta una corrispondenza figurativa con il reale ma la registrazione dell'esperienza momentanea dell'artista che si muove intorno alla tela.
Land art
1970
Robert smithsonDennis oppenheim
Land art
Al termine degli anni Sessanta in America molti artisti mostrano una forte sensibilità nei confronti degli spazi in cui le opere vengono collocate: nasce così la Land Art, una forma d'arte che interviene proprio sul paesaggio. L'attenzione si sposta dall'oggetto al contesto, scelta che sottende una critica al mercato dell'arte e delle gallerie come luoghi privilegiati per l'esposizione di opere.
Robert Smithson e Dennis Oppenheim
Spiral Jetty, Robert Smithson, 1970 Utah, Great Salt Lake
Si tratta di una specie di molo a spirale costruito in un lago salato nei pressi di un pozzo petrolifero in disuso. OLtre a rappresentare un simbolo di vita primordiale, la forma richiama la leggenda secondo la quale il sale nell'acqua deriverebbe proprio da un gorgo proveniente dal mare. L'opera è realizzata con oltre sessanta tonnellate di massi e terra e muta nel tempo al variare delle stagioni e delle maree.
Vortice, Dennis Oppenhein, 1973, California, El Mirage Dry Lake
Oppenheim decide di realizzare installazioni temporanee, destinate anche a durare pochi minuti e ad essere immortalate unicamente attraverso un obiettivo. Una delle sue opere più famose è Vortice: nel cielo terso e azzurro della California, disegna un vortice bianco che ricorda l'occhio di un ciclone e sopravvive solo nell'immagine fotografica.
Arte povera
1967
Michelangelo pistolettoalighiero boetti
Arte povera
L'Arte povera ha un luogo e una data d'inizio ben precisi: la galleria "La Bertesca" di Genova nel settembre del 1967. La scelta dell'aggettivo "povera" ha due significati: il primo riguarda l'impiego di materiali comuni di varia natura, poco costosi se non di recupero; il secondo si riferisce alla volontà di creare un'arte umile e proletaria che sia contrapposta a quella ricca, concepita all'interno delle dinamiche consumistiche per il sistema capitalista.
Michelangelo Pistoletto e Alighiero Boetti
Venere degli stracci, 1967, Michelangelo Pistoletto, Biella, Fondazione Pistoletto
E' considerata una delle opere manifesto dell'Arte Povera: la Venere degli stracci è una riproduzione in cemento bianco di una Venere neoclassica. Essa è rivolta verso una montagan di stracci colorati in un provocatorio accostamento carico di contrasti. Pur rappresentando un simbolo dell'arte aulicadel passato, il calco è un modesto prodotto del mondo industriale moderno che si vuole criticare: la forma equilibrata della dea è contaminata irreversibilmente dal disordine contemporaneo che si materializza attraverso il cumulo degli abiti di poco conto scartati dalla società dei consumi.
E' Si tratta di uno dei grandi arazzi che Boetti fa realizzare durante uno dei suoi frequenti viaggi in Afghanistan. La scelta operativa consiste nel disegnare su una tela una mappa politica del mondo consegnandola poi ad alcune artigiane afghane che si occupano di ricamarla. Ogni Paese è campito con i colori della propria bandiera, mentre i bordi del tessuto riportano scritte relative al periodo e al luogo di esecuzione. Gli arazzi vengono realizzati a più rirprese in un lungo intervallo di tempo, tra gli anni 60 e 70, registrando le variazioni dei confini deli stati. In questo modo la serie diventa testimonianza dell'evoluzione della storia. L'artista si è limitato a ricalcare una geogrfia e non si è nemmeno occupato in prima persona del ricamo: l'unico valore dell'opera è insito nel concetto di documentazione.
Mappa, Alighiero Boetti, 1968, Collezione privata
Indicazioni Nazionali
Indicazioni Nazionali 2012"L'esperimento, la manipolazione, il gioco, la narrazione, le espressioni artistiche e musicali sono infatti altrettante occasioni privilegiate per apprendere per via pratica quello che successivamente dovrà essere fattoo di conoscenze teoriche e sperimentali." "L'apprendimento avviene attraverso l'azione, l'esplorazione, il contatto con gli oggetti, la natura, l'arte , il territorio, in una dimensione ludica, da intendersi come forma tipica di relazione e conoscenza." "Favorire l'esplorazione e la scoperta, al fine di promuovere il gusto per la ricerca di nuove conoscenze." "Realizzare attività didattiche in forma di laboratorio, per favorire l'operatività e allo stesso temoo di dialogo e la riflessione su quello che fa. Il laboratorio, se ben organizzato, è la modalità di lavoro che meglio incoraggia la ricerca e la progettualità, coinvolge gli alunni nel pensare, realizzare, valutare attività vissute in modo condiviso e partecipato con altri, e può essere attivata sia nei diversi spazi e occasioni interni alla scuola sia valorizzando il territorio come risorsa per l'apprendimento.
Fantasia - Bruno Munari
Sviluppo della fantasia e della creatività attraverso il laboratorio. Esempio: un gioco creativo. Esempio: rose nell'insalata.Fantasia, tutto ciò che prima non c'era anche se realizzabile. Creatività, tutto quello che prima non c'era, ma realizzabile in modo essenziale e globale.
Il disegno dei bambini
I laboratori dei bambini
Didattica dell'arte
Disegnare anche per progettare insieme. Quali strumenti per il disegno? Quali sono i ferri del mestiere?
Esperienza dell'arte
Nella scuola ideale di Dewey dovrebbero essere presenti dei veri e propri luoghi pensati per l'arte dove i bambini passano all'azione.
Attraverso i laboratori i bambini fanno esperienza dellì'arte. L'arte, con i suoi materiali e linguaggi, non è l'oggetto dell'esperienza del bambino ma piuttosto sono gli elementi che vengono utilizzati ad attivare percorsi di conoscenza. Esempio: LABORATORIO YVES KLEIN - Facciamo impronte.
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Franca Zuccoli
VALERIA CORRADO869756
Movimenti artistici
Cubismo
Impressionismo
Land art
10
Arte povera
Astrattismo
Postimpressionismo
11
5 lezioni
Dadaismo
Espressionismo
12
Fauvismo
Grazie
Espressionismo astratto
Impressionismo
1840/1860
Pierre-auguste renoir
Impressionismo
Il termine impressionisimo lo si deve a Claude Monet che, durante un'esposizione in cui presenta una veduta di La Havre realizzato due anni prima, decide d'impulso di intitolarlo "Impressione". Ritenne che questo termine potese rappresentare al meglio il fine ultimo della ricerca pittorica, ossia rappresentare le sensazioni intime e soggettive generate dall'osservazione della realtà.
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Impressionismo: tratti principali
Contesto storico
L'invenzione dei colori a tubetto e del cavalletto portatile rendono possibile dipingere all'aperto. La tecnica pittorica degli impressionisti è invece figlia delle innovazioni scientifiche e tecnologiche del tempo, come ad esempio i risultati degli esperimenti ottici di Chevreul e Maxwell.
PENNELLATA VELOCE: gli impressionisti sono consapevoli dell'importanza della luce nella percezione del colore. Per questo motivo la tecnica pittorica viene semplificata e la pennellata diventa un gesto rapido in quanto la velocità d'esecuzione è fondamentale per catturare l'impressione dell'attimo.
PITTURA EN PLEIN AIR: sempre l'importanza della luce spinge gli impressionisti a dipingere all'aria aperta, in netto contrasto con le regole pittoriche insegnate all'Accademia. En plein air infatti è possibile osservare attentamente i mutamenti atmosferici.
PITTURA EMOZIONALE:per raggiungere questo scopo gli impressionisti limitano l'uso del chiaroscuro e preferiscono la dissolvenza delle tinte. Anche i contorni non vengono più disegnati a tratto e si preferisce l'utilizzo di colori puri.
Pierre-Auguste Renoir
Ballo al Moulin de la Galette, 1876, Parigi, Musèe d'Orsay
E' considerato un manifesto dell'impressionismo. Soggetto della tela è un bar dell'omonimo quartiere alla moda di Montmartre: Renoir pone in primo piano un uomo di spalle che sta conversando con due fanciulle che si sono avvicinate al tavolo, sul quale sono poggite una bottiglia e alcune bibite. Lo schienale della panca richiama il verde del tavolo e crea una diagonale che porta l'attenzione agli altri due giovani seduti ad ascoltare la conversazione. I volti delle persone in primo piano sono ben definiti: man mano che si allontanano le pennellate si allungano in un andamento sinuoso che corrisponde allo stesso del ballo e che confonde suolo e abito delle signore.
Colazione dei canottieri a Bougival , 1880, Washington, Philips Collection
Nella tela l'artista fonde tre generi differenti di pittura: il ritratto, la natura morta e la narrazione della vita moderna parigina cara alla poetica impressionista. La tavola occupa il primo piano della tela che anche in questo caso segue un andamento diagonale e il canottiere in piedi sulla sinistra segna la direttrice visiva del dipinto. Le fronde degli alberi e la Senna con le sue imbarcazioni diventano lo sfondo sul quale si muovo i personaggi in primo piano.
Postimpressionismo
1860/1891
vincent van gogh
Postimpressionismo
Il termine Postimpressionismo non indica un movimento artistico preciso, ma una serie di personalità e di gruppi attivi in Francia tra l'ultima Mostra degli impressionisti (1886) e la nascita delle Avanguardie storiche all'inizio del Novecento.
Postimpressionismo: tratti principali
Il Postimpressionismo si caratterizza per il superamento di alcune convinzioni impressioniste. Secondo i nuovi giovani dell'epoca ogni aspetto della realtà poteva essere fermato sulla tela in maniera soggettiva. Viene abbandonata la prospettiva e la concezione della luce e del colore, l'immagine non è più tremante e si preferisce la solidità e la fermezza del contorno . La scelta cromatica non è più legata necessariamente alla realtà: i postimpressionisti affiancano colori puri e spesso non realistici.
Vincent Van Gogh
Notte stellata, 1889, New York, Museum of mothern art (MoMa)
Il linguaggio pittorico di questa quadro è completamente rivoluzionario: il primo piano è tenuto da un cipresso, osservato dall'alto: al di là di esso l'occhio si perde sulle colline di Alpilles. La veduta, apparentemente calma, è lo specchio di un malessere interiore un malessere ribadito dalla pennallata trascinata e sofferta che pettina le forme delle colline e l'andamento contorto delle nubi. L'orizzonte è occupato da un ciielo puntato di stelle e rischiarato dall'aura di una luna aranciata.
La camera da letto, ottobre 1888, Amsterdam, Van Gogh Museum
La tela mostra l'interno della stanza da letto affittata dall'artista al primo piano di una casa ad Arles. La prospettiva è amplificata dall'effetto della figura verticale del parquet e della presenza delle due sedie sulla sinistra. Il punto di vista è innaturale: consente di vedere la seduta della sedia sulla sinistra come se fosse osservata dall'altro, mentre il resto della stanza mantiene una visione frontale. Per Van Gogh il colore è un mezzo di comunicazione emotiva: il dipinto doveva trasparire un senso di pacce che la stanza riesce ad infondergli. Ad una lettura più attenta, però, si avverte una sensazione di malessere esistenziale, forse sedato dalle cure mediche a cui era sottoposto.
Espressionismo
1905
henri matisseedvard munch
Espressionismo
L'Espressionismo è il primo movimento di Avanguardia che sorge contemporaneamente in luoghi diversi d'Europa all'inizio del XX secolo. I principali centri sono Parigi, dove nel 1905 espongono i fauves (le belve) e Dresda, in cui nello stesso anno un gruppo di studenti dà vita alla comunità di artisti del gruppo "Die Brucke", "il Ponte" verso la modernità.
Espressionismo: tratti principali
L'Espressionismo concentra la propria attenzione sull'interiorità dell'individuo, le sensazioni più profonde della sfera soggettiva, in contrapposizione al pensiero positivista volto all'esaltazione del progresso scientifico. Un primo tratto distintivo può essere individuato nell'utilizzo di un colore acceso e violento che dà la forma al disegno (il tratto scompare). L'artista riflette sulla propria individualità e sulle proprie emozioni. La pittura espressionista è inoltre caratterizzata dalla semplificazione delle forme, simili ad un disegno infantile, e da un'attenzione verso l'arte primitiva. La prospettiva si annulla e così si accentua la dimensione antinaturalistica.
Le Fauvisme di Henri Matisse
Danza, Henri Matisse, 1905-1906, San Pietroburgo, Museo dell'Ermitage
Il cerchio diventa assoluto protagonista della Danza, i protagonisti sono cinque sagome: esse si adattano con il loro movimento al formato della tela dando vita ad un moto energetico che ha come obiettivo quello di comunicare quella gioia di vivere che è l'essenza stessa dell'arte. L'espressionismo di Matisse rappresenta una dimensione gioiosa e ottimistica a differenza dela narrazione tragica della condizione dell'uomo perpetrata nel contesto tedesco. La finalità prima del quadro diventa quindi l'armonia e la musicalità che l'arte può raggiungere attraverso linea e colore.
Edvard Munch, il precursore dell'Espressionismo
L'Urlo, Edvard Munch, 1893-1910, Galleria Nazionale, Oslo
La tela è diventata icona della sofferenza personale, umana e collettiva del Novecento. L'artista ha realizzato quattro versioni di questa scena, tutte dipinte tra il 1893 e il 1910. L'episodio che ha portato alla nascita dell'urlo di Munch viene narrato dallo stesso artista all'interno del proprio diario: Munch stava camminando all'interno di un parco con un paio di amici quando ad un certo punto si sentì stanco e fu costretto a fermarsi mentre gli amici procedevano nella camminata. Dal punto in cui si è fermato Munch scorgeva le lingue di fuoco del tramonto e proprio in quel momento l'artista dentro di sé sentiva l'urlo straziante. Ponendo l'attenzione sull'uomo in primo piano è possibile notare che è privo di qualsiasi elemento di riconoscimento: il colorito della sua pelle è giallo/verdognolo, il suo corpo è serpentiforme e la sua testa allungata. Protagonista della storia diventa quindi l'urlo che l'uomo emette: la sua ratio è rinvenibile nel pessimismo di fine Ottocento e negli studi che Freud stava effettuando sull'inconscio umano. E' possibile notare due sagome molto lontane: i due uomini sembrano voler prendere le distanze dall'urlo lanciato e che probabilmente simboleggia la falsità dei rapporti umani. I colori utilizzati nella parte superiore del quadro sono caldi e si pongono in contrasto con la parte inferiore, caratterizzata da colori freddi.
Cubismo
1907
Pablo picasso
Cubismo
Il Cubismo è una corrente di avanguardia nata a Parigi tra il 1907 e il 1908 per opera di Pablo Picasso e Georges Braque.
Cubismo: tratti principali
Il punto di partenza dl Cubismo è da rinvenire nella geometrizzazione delle forme di Cézanne: l'immagine viene raffigurata da più punti di vista. Alcuni cubisti risentono della concezione del tempo di Henri Bergson e della teoria della relatività di Einstein. Prima del Cubismo, Picasso attraversa varie fasi, chiamate rispettivamente periodo blu, rosa, protocubista, analitico e sintetico.
ANTEFATTO STORICO: il 26 aprile 1937, durante la Guerra civile spagnola, la città basca di Guernica venne bombardata dagli aerei tedeschi inviati da Hitler. L'attacco avvenne in pieno giorno, in un giorno di mercato, causando un vero e proprio massacro di civili, soprattutto donne e bambini.
Guernica, Pablo Picasso, 1937, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
In quest'opera Picasso decide di abbandonare completamente il colore, simbolo di vita, e di affidarsi alla forza drammatica del bianco, del nero e di una vasta gamma di grigi-azzurri. Solo ad un primo impatto la composizione è caotica, in quanto in realtà segue uno schema piramidale classico e segue anche l'impostazione di una composizione teatrale, costituita dalla scena centrale e da due scene laterali.Protagonisti principali sono le donne, i bambini e gli animali :
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Guernica è una dichiarazione di guerra alla guerra, destinata a diventare manifesto estetico e ideologico per tutti quegli artisti che vogliono far sentire la propria voce contro le dittature.
Astrattismo
1910
Vasilij kandiskij
Astrattismo
Attorno agli anni dieci del Novecento nell'arte europea si sviluppano varie forme di Astrattismo. Il punto comune a tutti potrebbe essere individuato nella relazione con la realtà da cui si parte eseguendo una progressiva semplificazione. Si rinuncia quindi all'imitazione di forme reali e di ricerca della relazione tra forme, colori e linee.
Astrattismo: Vasilij Kandinskij
Vasilij Kandiskij è considerato il padre dell'Astrattismo lirico. Si ispira inizialmente al Postimpressionismo e al Simbolismo, con soggetti desunti dalla cultura tradizionale russa, passando poi a una visione sintetica della natura.
Vasilij Kandinskij
La vita variopinta, Vasilij Kandinskij , 1907, Monaco
All'interno di questo dipinto è possibile notare la vocazione fantasticofavolistica derivante dalla cultura russa delle origini dell'artista per dare vita ad una grande tela che può considerarsi come un'allegoria della vita e della morte. Il dipinto si configura come un'esaltazione cromatica: l'artista usa colori puri, con una tecnica che rielabora il pointillisme e ricorda i tasselli di antichi mosaici. La tela brulica di personaggi tipici della tradizione russa:
Primo acquerello astratto, 1910, Vasilij Kandinskij, Parigi, Musée National
Questo dipinto è considerato dall'artista come il dipinto che sancisce la nascita dell'Astrattismo. Si tratta di una composizione di forme, linee e colori che ricordano il disegno instintivo infantile e portano lo sguardo sulle sensazini e i moti interiori dell'artista. Quest'ultimo utilizza la tecnica dell'acquerello che comunica leggerezza e smaterializzazione. Si abbandona completamente il riferimento al naturale: in questo modo la pittura diventa esclusiva rappresentazione di uno stato interiore dell'artista che comunica allo spettatore esmozioni e sensazioni attravero il colore e le forme.
Dadaismo
1916
Marcel duchamp
Dadaismo
Il Dadaismo emerge nell'arte europea ed americana a partire dal 1915 e porta una desacralizzazione dell'opera d'arte. Per convenzione, si fissa la nascita del Dadaismo nel 1° febbraio 1916 a Zurigo, con l'apertura del Cabaret Voltaire da parte di Hugo Ball, altro artista tedesco arrivato in Svizzera per scappare alla guerra.
Dada a New York
A New York è attivo Marcel Duchamp che introduce il concetto di ready-made: con questo termine, che significa "già fatto", "pronto all'uso", la dimensione manuale legata alla creazione dell'opera si azzer completamente: un oggetto di uso comune assume lo status di opera d'arte per il solo fatto che l'artista lo seglie e lo colloca nello spazio dell'arte.
Marcel Duchamp
L.H.O.O.Q., ready-made, Collezione privata
Duchamp applica il concetto di ready-made anche nei confronti di un'opera d'arte del passato. E' il caso di L.H.O.O.Q., un ready-made destinato a diventare una sorta di manifesto Dada. Duchamp interviene sull'immagine della Gioconda, il celebre dipinto di Leonardo, aggiungendole un paio di baffi e una barbetta a punta. Il titolo contribuisce a dissacrare ancora di più l'opera d'arte: pronunciato in francese esso suona come "elle a chaud au cul", che significa "donna che si concede facilmente".
Fountain, Marcel Duchamp, 1917, Paris, Musée Nacional
Fountain è uno dei ready-made di Duchamp più provocatori e celebri: si tratta di un orinatoio in porcellana bianca che l'artista presenta capovolto, a sovvertirne il significato. L'opera suscita immediatamente scandalo, soprattutto perche lo statuto dell'Associazione prevedeva che non si potessero rifiutare i lavori inviati, secondo il motto "No jury, no prizes". La società degli artisti indipendenti di New York si rifiutò si esporre l'opera, presentata anonima nonostante Duchamp fosse in giuria, ma questa ebbe comunque una grande risonanza. Presentare un'orinatoio rovesciato significava: decretare quanto poco importasse l'esecuzione tecnica dell'opera rispetto alla fase della sua ideazione; portare l'accento sull'importanza che stavano rivestendo gli oggetti di produzione industriale nella vita comune; mettere in evidenza quanto conti una firma, ma soprattutto il contesto in cui è immersa per trasformare un manufatto qualsiasi in un'opera d'arte.
Espressionismo astratto
Jackson pollock
Espressionismo astratto
L'espressionismo astratto fu un movimento artistico statunitense successivo alla seconda guerra mondiale. Fu il primo fenomeno artistico tipicamente americano ad influenzare il resto del mondo e contribuì a spostare radicalmente la capitale artistica del mondo occidentale da Parigi a New York.Il termine Espressionismo astratto si deve ad Alfred H. Barr che lo utilizzò per commentare un quadro di Vasillij Kandinskij. L'espressionismo astratto ha delle caratteristiche comuni, ad esempio la predilezione per le ampie tele in canapa, l'enfasi per superfici particolarmente piatte ed un approccio a tutto campo nel quale ogni area della tela viene curata allo stesso modo.
Jackson Pollock
Convergenza, Jackson Pollock, 1952
E' una delle opere più famose di Pollock e appartiene alla fase in cui l'artista elabora la tecnica pittorica del dripping, tecnica pittorica che lo caratterizzerà fino alla fine e lo renderà famoso nel panorama artistico internazionale. I mass media svolgono un ruolo determinante nel rendere noto questo modo di dipingere: moltissimi scatti fotografici documentano il lavoro dell'artista. Il dripping utilizzato da Pollock permetteva all'artista di sentirsi parte dell'opera. Il soggetto quindi non rappresenta una corrispondenza figurativa con il reale ma la registrazione dell'esperienza momentanea dell'artista che si muove intorno alla tela.
Land art
1970
Robert smithsonDennis oppenheim
Land art
Al termine degli anni Sessanta in America molti artisti mostrano una forte sensibilità nei confronti degli spazi in cui le opere vengono collocate: nasce così la Land Art, una forma d'arte che interviene proprio sul paesaggio. L'attenzione si sposta dall'oggetto al contesto, scelta che sottende una critica al mercato dell'arte e delle gallerie come luoghi privilegiati per l'esposizione di opere.
Robert Smithson e Dennis Oppenheim
Spiral Jetty, Robert Smithson, 1970 Utah, Great Salt Lake
Si tratta di una specie di molo a spirale costruito in un lago salato nei pressi di un pozzo petrolifero in disuso. OLtre a rappresentare un simbolo di vita primordiale, la forma richiama la leggenda secondo la quale il sale nell'acqua deriverebbe proprio da un gorgo proveniente dal mare. L'opera è realizzata con oltre sessanta tonnellate di massi e terra e muta nel tempo al variare delle stagioni e delle maree.
Vortice, Dennis Oppenhein, 1973, California, El Mirage Dry Lake
Oppenheim decide di realizzare installazioni temporanee, destinate anche a durare pochi minuti e ad essere immortalate unicamente attraverso un obiettivo. Una delle sue opere più famose è Vortice: nel cielo terso e azzurro della California, disegna un vortice bianco che ricorda l'occhio di un ciclone e sopravvive solo nell'immagine fotografica.
Arte povera
1967
Michelangelo pistolettoalighiero boetti
Arte povera
L'Arte povera ha un luogo e una data d'inizio ben precisi: la galleria "La Bertesca" di Genova nel settembre del 1967. La scelta dell'aggettivo "povera" ha due significati: il primo riguarda l'impiego di materiali comuni di varia natura, poco costosi se non di recupero; il secondo si riferisce alla volontà di creare un'arte umile e proletaria che sia contrapposta a quella ricca, concepita all'interno delle dinamiche consumistiche per il sistema capitalista.
Michelangelo Pistoletto e Alighiero Boetti
Venere degli stracci, 1967, Michelangelo Pistoletto, Biella, Fondazione Pistoletto
E' considerata una delle opere manifesto dell'Arte Povera: la Venere degli stracci è una riproduzione in cemento bianco di una Venere neoclassica. Essa è rivolta verso una montagan di stracci colorati in un provocatorio accostamento carico di contrasti. Pur rappresentando un simbolo dell'arte aulicadel passato, il calco è un modesto prodotto del mondo industriale moderno che si vuole criticare: la forma equilibrata della dea è contaminata irreversibilmente dal disordine contemporaneo che si materializza attraverso il cumulo degli abiti di poco conto scartati dalla società dei consumi.
E' Si tratta di uno dei grandi arazzi che Boetti fa realizzare durante uno dei suoi frequenti viaggi in Afghanistan. La scelta operativa consiste nel disegnare su una tela una mappa politica del mondo consegnandola poi ad alcune artigiane afghane che si occupano di ricamarla. Ogni Paese è campito con i colori della propria bandiera, mentre i bordi del tessuto riportano scritte relative al periodo e al luogo di esecuzione. Gli arazzi vengono realizzati a più rirprese in un lungo intervallo di tempo, tra gli anni 60 e 70, registrando le variazioni dei confini deli stati. In questo modo la serie diventa testimonianza dell'evoluzione della storia. L'artista si è limitato a ricalcare una geogrfia e non si è nemmeno occupato in prima persona del ricamo: l'unico valore dell'opera è insito nel concetto di documentazione.
Mappa, Alighiero Boetti, 1968, Collezione privata
Indicazioni Nazionali
Indicazioni Nazionali 2012"L'esperimento, la manipolazione, il gioco, la narrazione, le espressioni artistiche e musicali sono infatti altrettante occasioni privilegiate per apprendere per via pratica quello che successivamente dovrà essere fattoo di conoscenze teoriche e sperimentali." "L'apprendimento avviene attraverso l'azione, l'esplorazione, il contatto con gli oggetti, la natura, l'arte , il territorio, in una dimensione ludica, da intendersi come forma tipica di relazione e conoscenza." "Favorire l'esplorazione e la scoperta, al fine di promuovere il gusto per la ricerca di nuove conoscenze." "Realizzare attività didattiche in forma di laboratorio, per favorire l'operatività e allo stesso temoo di dialogo e la riflessione su quello che fa. Il laboratorio, se ben organizzato, è la modalità di lavoro che meglio incoraggia la ricerca e la progettualità, coinvolge gli alunni nel pensare, realizzare, valutare attività vissute in modo condiviso e partecipato con altri, e può essere attivata sia nei diversi spazi e occasioni interni alla scuola sia valorizzando il territorio come risorsa per l'apprendimento.
Fantasia - Bruno Munari
Sviluppo della fantasia e della creatività attraverso il laboratorio. Esempio: un gioco creativo. Esempio: rose nell'insalata.Fantasia, tutto ciò che prima non c'era anche se realizzabile. Creatività, tutto quello che prima non c'era, ma realizzabile in modo essenziale e globale.
Il disegno dei bambini
I laboratori dei bambini
Didattica dell'arte
Disegnare anche per progettare insieme. Quali strumenti per il disegno? Quali sono i ferri del mestiere?
Esperienza dell'arte
Nella scuola ideale di Dewey dovrebbero essere presenti dei veri e propri luoghi pensati per l'arte dove i bambini passano all'azione.
Attraverso i laboratori i bambini fanno esperienza dellì'arte. L'arte, con i suoi materiali e linguaggi, non è l'oggetto dell'esperienza del bambino ma piuttosto sono gli elementi che vengono utilizzati ad attivare percorsi di conoscenza. Esempio: LABORATORIO YVES KLEIN - Facciamo impronte.
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