PRIMERAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

HISTORIA DEL ARTE: LAS VANGUARDIAS

Primeras Vanguardias artísticas

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX, SIGLO XX

HISTORIA DEL ARTE: LAS VANGUARDIAS

Índice

LAS VANGUARDIAS

POSTIMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO

ACTIVIDAD

Bibliografía

cubismo

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Índice

EXPRESIONISMO

DADAÍSMO

ABSTRACCIONISMO

ACTIVIDAD

QUIZ

SURREALISMO

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Contexto histórico de las vanguardias artísticas

En el siglo XIX Europa se desarrollaba en un escenario de transformación y tensiones políticas, económicas y sociales derivadas de la revolución industrial, el capitalismo, el imperialismo, el nacionalismo, la masificación de la sociedad y la secularización. Junto a esto, la invención de la fotografía y, más tarde, del cine, supuso un golpe para las artes. Si hasta entonces el arte occidental se dedicaba a la imitación de la naturaleza, ¿a qué se dedicaría en la “era de la reproductibilidad técnica de la imagen”? Para los artistas de finales del XIX crecía la necesidad de encontrar un nuevo sentido al arte, así como la voluntad diferenciadora de estilo. Esto se expresó en el impresionismo, el postimpresionismo, el expresionismo y el fauvismo. Pero, a pesar de sus innovaciones, estos movimientos aún estaban atados a ciertas prerrogativas del arte tradicional.

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Impresionismo

pARÍS, 1860-1870

El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura. Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras.

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Contexto histórico del arte impresionista

La aparición del impresionismo ocurre como consecuencia de un cambio social importantísimo; durante finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX, suceden las transformaciones siguientes: revolución industrial, revolución francesa, imperio de Napoleón, restauración de los movimientos sociales y las reformas burguesas. La filosofía Racionalista del siglo de las luces, se desvanece junto al Romanticismo, atrás queda la estilística donde el sentimiento, la imaginación y las pasiones gobiernan las artes. Ahora las ideas nacionalistas y socialistas tiñen el pensamiento colectivo. Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el impresionismo), se produce un crecimiento económico en Europa. La intensificación del comercio y el progreso técnico lleva a la consolidación de la burguesía. Las clases sociales se reorganizan y los dirigentes socialistas de toda Europa se reúnen para hablar de aquellos cambios. La filosofía de entonces es positivista y realista, donde se prueban las cosas y se exige la transformación del mundo. El arte cambiaba en conjunto con la sociedad.

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ARTISTAS IMPRESIONISTAS

Camille Pissarro (1830-1903)

Édouard Manet (1832-1883)

Edgar Degas (1834-1917)

Alfred Sisley (1839-1899)

Claude Monet (1840-1926)

Jean-Frédéric Bazille (1841-1870)

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Berthe Morisot (1841-1895)

Mary Cassatt (1844-1926)

Gustave Caillebotte (1848-1894)

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CARACTERÍSTICAS DEL IMPRESIONISMO

Recibieron influencia de algunos principios de los artistas del realismo, pero trataron de avanzar hacia una forma más naturalista de representar los elementos de la naturaleza. Notaron que la luz del sol, filtrada por las diversas condiciones atmosféricas a lo largo del día y de las estaciones, provocaba efectos visuales cambiantes sobre los objetos e intentaron captar ese fenómeno. Para lograrlo, emplearon solo los colores del espectro solar, eliminando de la paleta el blanco, el negro y los colores terrosos.

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características del IMPRESIONISMO

Los impresionistas sostenían que debían dejarse de lado los principios académicos, como los grandes temas históricos, mitológicos y religiosos; el estudio exhaustivo del dibujo como base de la pintura y la construcción artificial de escenas. En cambio, proponían captar escenas de la vida moderna tal cual eran registrada por el ojo del artista. Así, pintaron escenas familiares, paisajes, actividades de la vida cotidiana, escenas campestres, etc., con un estilo rápido y colores brillantes. A diferencia de los artistas anteriores, que realizaban numerosos bocetos y estudios antes de comenzar a pintar cada obra en el taller, los artistas impresionistas pintaban al aire libre. Generalmente comenzaban y finalizaban el cuadro frente al modelo que los había inspirado. Para obtener el efecto de vibración de color que tienen los objetos bajo la luz del sol, aplicaban sobre la tela pinceladas rápidas, cortas y curvas de colores puros. De ese modo, el color final de lo representado se forma en la retina del observador.

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características del IMPRESIONISMO

Emplearon nuevos esquemas compositivos, más cercanos a los de la fotografía, la cual comenzaba a popularizarse en esa época.Fueron rechazados por las instituciones que legitimaban la actividad artística de la época, la Academia y su instancia de exhibición, el Salón. Por lo tanto, en 1873 crearon la Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores, con la cual realizaron 8 exposiciones entre 1874 y 1884. Recibieron influencia de algunos principios de los artistas del realismo, pero trataron de avanzar hacia una forma más naturalista de representar los elementos de la naturaleza. Notaron que la luz del sol, filtrada por las diversas condiciones atmosféricas a lo largo del día y de las estaciones, provocaba efectos visuales cambiantes sobre los objetos e intentaron captar ese fenómeno. Para lograrlo, emplearon solo los colores del espectro solar, eliminando de la paleta el blanco, el negro y los colores terrosos.

LECTURA

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Post impresionismo

El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la pintura, ya que los artistas buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo. Si bien sus estilos varían mucho, las pinturas postimpresionistas sí comparten algunas características. Éstas incluyen motivos simbólicos, colores poco naturales. Entre 1870 y 1880, el impresionismo era la corriente vanguardista dominante en Francia. Sin embargo, muchos nuevos artistas no estaban de acuerdo con el enfoque impresionista en la forma en vez de la temática.

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Contexto histórico del arte post impresionista

Conocidos por sus diversos y distintivos estilos y por sus percepciones subjetivas del mundo que los rodeaba, los postimpresionistas fueron pioneros en cuanto a la forma de hacer arte a finales del siglo XIX. A diferencia de los impresionistas que los precedieron y los fovistas que vinieron después, los artistas postimpresionistas no compartían un solo enfoque estético. En cambio, lo que los unió fue un interés común en explorar abiertamente la mente del artista. Dada la variedad de estilos, técnicas e incluso temáticas presentes en las pinturas postimpresionistas, definir el movimiento puede ser difícil. Sin embargo, al hacer un recuento de su historia, identificar a sus artistas y determinar sus características distintivas, se puede empezar a comprender el significado histórico y simbólico de esta corriente artística.

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ARTISTAS post IMPRESIONISTAS

Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Gauguin (1848-1903)

Vincent van Gogh (1853-1890)

Georges Seurat (1859-1891)

Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901)

Henri Rousseau (1844-1910)

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CARACTERÍSTICAS DEL POST IMPRESIONISMO

COLORES LLAMATIVOS

PINCELADAS DISTINTIVAS

SIMBOLISMO EMOCIONAL

Al igual que las pinturas que pertenecen al impresionismo, la mayoría de las pinturas postimpresionistas presentan pinceladas gruesas y perceptibles. Además de añadir textura y un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas también apuntan a las cualidades pictóricas de la obra, dejando claro que no pretende ser una representación realista.

Los postimpresionistas creían que una obra de arte no debería de girar alrededor de un estilo, proceso o enfoque estético en particular. En cambio, la obra debería de hacer énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos más profundos del subconsciente del artista. En lugar de emplear el sujeto como una herramienta visual o como un medio para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como una forma de transmitir sentimientos. Según Paul Cézanne, “una obra de arte que no comenzó en las emociones no es una obra de arte”.

A diferencia de los impresionistas, quienes buscaban capturar los efectos de la luz natural sobre los tonos, los postimpresionistas deliberadamente adoptaron una paleta de color artificial para representar su percepción emocional del mundo que los rodeaba. Tonalidades saturadas, sombras multicolor y una gran variedad de colores son evidentes en la mayoría de las pinturas postimpresionistas, mostrando el enfoque innovador e imaginativo de los artistas hacia la representación.

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Cubismo

FRANCIA, 1907-1914

.El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo. El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo que supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores.

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Contexto histórico del arte cubista

Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente transformador. La invención del automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903 había cambiado la percepción de la distancia y del tiempo. Las primeras transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió una nueva concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con no pocas consecuencias para las artes visuales. Por si fuera poco, los sistemas monárquicos europeos comenzaron a ser reemplazados por repúblicas democráticas, al tiempo que crecían el socialismo y el comunismo ante las dinámicas socioeconómicas generadas por el capitalismo. Era evidente que la nueva era que se abría paso, esta sociedad industrializada y masiva, no se veía reflejada en las artes plásticas tradicionales, que seguían atadas a la imitación de la naturaleza y/o al contenido.

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ARTISTAS CUBISTAS

Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973)

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 1882 - París, 1963)

Juan Gris (Madrid, 1987 - Boulogne-sur-Seine, 1927)

André Derain (Chatou, 1880 - Garches, 1954)

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características del CUBISMO

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis. Sus principales características son:1. Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte. 2. Síntesis y geometrización. 3. Supresión de la perspectiva y el claroscuro. 4. Superposición de planos. 5. Incorporación de técnicas no pictóricas. 6. Predominio de la forma sobre el fondo. 7. Preferencia por el bodegón y la figura humana.

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Supresión de la perspectiva y el claroscuro

Incorporación de técnicas no pictóricas

Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte

Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de percepción óptica, el cubismo no se interesa en el claroscuro y en la perspectiva, elementos plásticos al servicio del principio de verosimilitud.

Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron los primeros en incorporar técnicas no pictóricas al introducir el collage, es decir, el uso de materiales diversos adosados sobre la superficie del lienzo.

El cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho. El cubismo da un paso más allá al distanciarse, incluso, de la idea de representar la naturaleza según los modos de “percepción” de la vista o la emoción, en decir, en los efectos o los afectos. Es así como logra la deconstrucción plástica por la vía analítica, logrando crear en el cuadro una realidad propia independiente de cualquier referente y de cualquier intento por lograr la verosimilitud.

Predominio de la forma sobre el fondo

Superposición de planos

En el cubismo, el análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo. Por ello, no se sienten obligados a representar temas trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve causa de inspiración para poder desarrollar un concepto.

El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al tiempo que sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica, sintetiza también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.

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Síntesis y geometrizaciónón y la figura humana

Preferencia por el bodegón y la figura humana

Juan Gris: Arlequín con guitarra. 1919. Óleo sobre lienzo. Colección privada

De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza muerta. Son frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos, así como la figura humana despojada de cualquier valoración referencial (mítica, religiosa, histórica o filosófica).

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eTAPAS DEL CUBISMO

Cubismo primitivo o período cézannesco (1907-1909)

Cubismo analítico o cubismo hermético (1910-1912)

Cubismo sintético (1913- 1914)

El período sintético se caracterizó por la ruptura total de todo procedimiento imitativo. Empleó signos plásticos; devolvió al color su protagonismo; las superficies se hicieron más amplias y decorativas, a pesar de su fragmentación, y se incorporó el collage, lo que permitió la exploración de las texturas.

El período primitivo se caracteriza por la austeridad en el color (dominan los tonos neutros como grises y marrones) y la renuncia a la perspectiva tradicional, enfocada en un punto único, a fin de integrar múltiples perspectivas en un solo plano. Como temas, prefiere las escenas interiores, aunque eventualmente acude al paisaje.

El cubismo analítico se enfocó en el análisis de la realidad y su descomposición en planos de los volúmenes de un objeto. Abandonó por completo el interés por la verosimilitud e incursionó en una propuesta conceptual. El cubismo analítico pretendió combinar la tridimensionalidad de la realidad con la bidimensionalidad de la superficie pictórica.

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Abstraccionismo

Primera mitad del s. xx

El arte abstracto es un estilo moderno que se opone al realismo y a la fotografía, de esta manera, es necesaria la utilización de la imaginación y la comprensión más allá de lo que la lógica nos entrega para admirar una pintura u obra abstracta. Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido por sus expresiones en el campo de la plástica (pintura, escultura), pero existen otras vertientes del arte que han desarrollado también tendencias abstraccionistas como, por ejemplo, en la arquitectura, en las artes escénicas (danza, música) y en la literatura.

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Contexto histórico del arte abstracto

El arte abstracto, como tal, ya existía desde la prehistoria si tomamos las formas de arte de civilizaciones perdidas como el arte rupestre. Como tendencia artística se origina a principios del siglo XX, tomando fuerza en 1910 con las obras Wassily Kandinsky (1866-1944) en Munich. Siguiendo y tomando como inspiración los movimientos de vanguardia o vanguardismo como el expresionismo, el cubismo y el fauvismo, también se opone al arte figurativo realzando las emociones, conceptos e inconsciente.

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ARTISTAS ABSTRACCIONISTAS

Wassily Kandinsky (1866-1944)

Piet Mondrian (1872-1944)

Georgia O’ Keeffe (1887-1986)

Robert Delaunay (1885-1941)

Aracely Gilbert (1913-1993)

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CARACTERÍSTICAS DEL ABSTRACCIONISMO

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TIPOS DE ARTE ABSTRACTO

Arte abstracto lírico

Arte abstracto geométrico

Arte abstracto orgánico

Abstracción lírica, también llamada abstracción expresiva, es una vertiente que fue influenciada por el fauvismo y el expresionismo. Sus principales características los tratamientos del color, el sentimentalismo, la intuición y una mayor libertad artística. El mayor representante de esta vertiente fue el artista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944).

Abstracción geométrica o neoplasticismo como el padre de esta tendencia, el pintor neerlandés Piet Mondrian (1872-1944) lo llamaba, tiene influencias del cubismo y luego del futurismo. Como su nombre lo indica, su forma de expresión se relaciona con la geometría de las formas y con el racionalismo

Conocido también como abstraccionismo orgánico, este tipo de arte busca representar formas orgánicas, como rocas, plantas y organismos unicelulares que sugieren otros tipos de figuras u objetos. Una de sus mayores exponentes es la artista estadounidense Georgia O’Keeffe (1887-1986)

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Expresionismo

ALEMANIA, s. xx

Entendemos por expresionismo una corriente artística y cultural que surgió en el s.XX en Alemania. Esta se manifestó en múltiples disciplinas, entre las que destacan las artes plásticas, la literatura o el cine. Podemos considerar el expresionismo como una actitud, una forma de entender el arte y no solo como un movimiento. Esta corriente, surgió como reacción al impresionismo y se entiende como una deformación de la realidad. Una forma de plasmar la naturaleza y el ser humano de forma subjetiva, dándole prioridad a la expresión y a los sentimientos frente a la realidad. Por este motivo esta corriente no debe encapsularse en una época ni en un espacio, si no en la mente de cualquier artista.

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Contexto histórico del arte expresionista

Surgió como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el Renacimiento. Los autores expresionistas ignoraban la realidad externa, buscando su naturaleza interna, para conseguir ese punto y mostrarlo, exagerando y distorsionando en la mayoría de las veces los temas elegidos. Intentan realizar una pequeña transformación de la realidad porque sostenía que ésta, es una construcción que constituye un lenguaje, por lo tanto, había que construir un nuevo lenguaje que diera cuenta de la otra realidad que estaba oculta. Los temas destacados, fueron la crítica generacional a la burguesía, al materialismo, a la aglomeración de las masas en las metrópolis, a la mecanización, y sobre todo a la guerra. En las obras expresionistas se plasmaba la angustia existencial, con desesperadas visiones del fin del mundo, y su miedo a la época en la que estaban viviendo. Criticaban las consecuencias para la humanidad que trajo la modernización, así como el aislamiento individual por la masificación de las ciudades.

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ARTISTAS EXPRESIONISTAS

Edvard Munch (1866-1944)

Egon Schiele (1890-1918)

Otto Dix (1891-1969)

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)

Anita Malfatti (1889-1964)

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CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO

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TIPOS DE EXPRESIONISMO

EXPRESIONISMO ALEMÁN

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

concepto clave en el surgimiento del Expresionismo, que intentaba plasmar dicho sentimiento. El expresionismo fue tachado como “Arte degenerado” por el nazismo durante las décadas del 30-40, y prohibido por supuestos vínculos con el comunismo y por supuesto contenido político subversivo. Quizá por esa razón tras la Segunda Guerra Mundial desapareció como tendencia.

Movimiento artístico surgido en Estados Unidos en 1940 y que se difundió al resto del mundo. Es una combinación del arte abstracto con los preceptos del expresionismo europeo, con un grado muy subjetivo de expresión de la interioridad del artista a partir de formas caóticas, de trazos desordenados o violentos, Se conoce como Action painting (“Pintura de acción”) o Drip painting (“Pintura de goteo”).

En cambio, se llama Expresionismo alemán a la tendencia inicial del movimiento expresionista, surgida en Alemania en el período entreguerras, si bien este movimiento luego se volvió un fenómeno internacional. Su aparición en Alemania no es un hecho fortuito, sino que se nutre de los numerosos y profundos estudios de arte que en dicho país se dieron desde antes y el mundo interno del artista, y

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Dadaísmo

Suiza, 1916

El dadaísmo es un movimiento de vanguardia artística de protesta que nace en el año de 1916, cuando varios artistas se encuentran en el cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza, y crean un movimiento reactivo contra la Primera Guerra Mundial (1914-1919). El nombre dadaísmo fue dado por los tres representantes y fundadores del movimiento: Tristan Tzara (1896-1963), Hans Richter (1888-1976) y Hans Arp (1886-1976). Ellos llaman a su encuentro y fundación del dadaísmo como el "arte de la coincidencia".

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Contexto histórico del arte dadaísta

Existen dos teorías principales sobre el origen del nombre dadaísmo. La primera predica que el nombre fue producto del azar, cuando los artistas abren un diccionario francés para buscar un nombre y la primera palabra que aparece es dada, que significa en francés ‘caballo de madera’. La segunda teoría afirma que fue inspirado en el balbuceo infantil "da-da". Esto deriva de la idea de que fue justamente el intelectualismo y el racionalismo los que generaron la Gran Guerra, y como forma de protesta se crea un arte sin sentido e irracional. Una de las grandes contribuciones del dadaísmo fue en materia de arte gráfico, donde se comienza a crear collages y fotomontajes. Una de sus representantes más conocidas es la artista Hannah Hoch (1886-1966). La obra más conocida del movimiento dadaísta es Fontaine de Marcel Duchamp (1887-1968), expuesta en el año 1917. Esta obra es literalmente un urinal puesto al revés. La aplicación de objetos ya fabricados del día a día fue uno de los cuestionamientos esenciales sobre la creatividad del artista dadaísta.

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ARTISTAS DADAÍSTAS

Marcel Duchamp (1887-1968)

Tristan Tzara (1896-1963)

Jean Arp (1886-1966)

Man Ray (1890-1976)

Hannah Höch (1889-1978)

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CARACTERÍSTICAS DEL DADAÍSMO

ACTIVIDAD

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Surrealismo

PARÍS, 1924-1940

El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a pocos años de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II guerra Mundial. Por ende, la influencia de este movimiento ha llegado hasta nuestros días. Es cierto que el término surrealismo está asociado a André Breton y su manifiesto, pero fue usado por primera vez por Guillaume Apollinaire (1880-1918), escritor y crítico de arte francés, en el prólogo de su pieza Las tetas de Tiresias escrito en 1917.

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Contexto histórico del arte surrealista

El surgimiento de este género está asociado a un discurso contra hegemónico, un sentimiento de desencanto, una época de bastantes transformaciones, los estados entran en nuevas y diferentes formas de gobernar sus países. Se encuentra dentro del periodo de la segunda guerra mundial en donde aparecen tres grandes movimientos totalitarios: el fascismo, el nazismo y el comunismo. Tienen en común su estructura de “Sistema Ideológico”, nacen para defender los intereses de un grupo o clase social e incorporan en su discurso una fuerte carga emocional. A partir del estallido en la guerra de Marruecos (1925), el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas.Desde ese momento, se abrirá una disputa, entre los surrealistas que conciben el movimiento como arte, rechazando la adhesión al comunismo, y los que acompañan fielmente la idea del giro izquierdista. La primera guerra mundial dejó un contexto de incertidumbre y cuestionamiento del racionalismo. Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de la posguerra es decir el expresionismo abstracto y Arte Pop.

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ARTISTAS SURREALISTAS

Salvador Dalí (1904-1989)

René Magritte (1898-1967)

André Breton (1896-1966)

Marc Chagall (1887-1985)

Remedios Varo (1908-1963)

Dorothea Tanning (1910-2012)

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características del SURREALISMO

El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud:1. Nació como movimiento literario 2. Búsqueda del inconsciente 3. Interpretación de los sueños 4. Escritura automática 5. Influencia del psicoanálisis de Freud 6. Reniego de la moral y las convenciones 7. El arte como un canal de conocimiento 8. Arte bizarro 9. Rienda suelta a la imaginación 10. Manifiesto Surrealista

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Interpretación de los sueños

Influencia del psicoanálisis de Freud

Nació como movimiento literario

El mundo de los sueños era una de las máximas pruebas que tenían los surrealistas sobre la existencia del mundo inconsciente y cargado de material poético. En los sueños nos encontramos en un mundo en el que no existe la razón y donde admitido.

Hablar del Surrealismo es hablar de Freud y de sus estudios sobre el psicoanálisis. El filósofo estudiaba todo el material inconsciente para poder conocer mejor la naturaleza humana y los surrealistas también querían sacar a la luz ese material mediante procesos creativos.

El objetivo principal del Surrealismo era crear obras literarias fuera de toda lógica y control racional. Sin embargo, su propuesta era tan radicalmente original que muchos artistas de otras disciplinas comenzaron a imitar las pautas creativas en otras disciplinas como la pintura, la escultura o el cine.

Reniego de la moral y las convenciones

Escritura automática

Búsqueda del inconsciente

Los surrealistas querían romper toda la norma precedente para poder liberar la creatividad y el arte. Consideraban que, hasta el momento, la razón había sido una prisión para la creación artística y, ahora, querían romper con todo método para poder encontrar un arte nuevo y fuera de toda lógica.

Era una de las técnicas que seguían los autores del Surrealismo para poder dar rienda suelta a su creatividad de una forma incontrolada y alejada de la autoridad de la mente y la razón.

Una de las características del Surrealismo más esenciales es que los artistas persiguen descubrir todo aquello que está oculto a la razón humana. Los artistas de este movimiento consideraban que la verdad estaba detrás del mundo de la razón.

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Rienda suelta a la imaginación

Manifiesto Surrealista

El arte como un canal de conocimiento

El arte deja de ser un medio de crítica social o denuncia para convertirse en una manera de poder adentrarse en las profundidades de la mente humana y descubrir qué hay en su interior. Penetrar en la irrealidad es lo que buscan estos autores, un lugar en el que la razón pierde el control.

André Breton creó un manifiesto para unificar toda la ideología surrealista y establecer las bases de lo que sería uno de los movimientos más sorprendentes y rompedores de las Vanguardias.

El arte era el método que los surrealistas tenían para poder llegar a la parte irracional de la mente humana. Tenía algo así como una función práctica que permitía poder tocar todo aquello que era invisible cuando estamos despiertos.

Arte bizarro

Muchas de las creaciones artísticas surrealistas buscaban lo bizarro como medio para poder expresar aquella verdad que está oculta a la mente humana. Joan Miró es un escultor catalán que apostaba por el arte improvisado para intentar que la parte más racional desapareciera de la creación.

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TÉCNICAS, MÉTODOS E IMÁGENES DE LA PINTURA SURREALISTA

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Bibliografía

http://www.elrincondedebbie.com/sites/default/files/pdf/Cartas%20de%20Vincent%20Van%20Gogh%20a%20su%20hermano%20Th%C3%A9o.pdf

https://www.artehistoria.com/es/personaje/van-gogh-vincent9o.pdf

Fuente: https://concepto.de/expresionismo/#ixzz6yfYlUD2S

Gombrich E.H. (1997) La Historia del Arte, 16ava. edición. Editorial:Phaidon

Ruhrberg, Karl et al. (2001) Arte del siglo XX. Primera parte. Pintura. 1era. edición. Editorial: Taschen

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Lección finalizada